I Turn Chilli Red es una expresión tomada de un poema escrito a principios del siglo XVI por un tintorero azteca anónimo y registrado por el fraile franciscano Bernardino de Sahagún en su Historia general de las cosas de la Nueva España, más conocido como el Códice florentino. El título refleja el enfoque de la artista durante los últimos tres años en los procesos involucrados con el teñido, decoloración y visualización de la tela. En las obras de esta exposición la pintura ya no es una capa aplicada sobre el lienzo, sino un proceso molecular que penetra y se filtra en la tela, convirtiéndose en uno con ella. En lugar de la materia pictórica, la textura y la calidad táctil de la pintura, estas piezas están dominadas por la lógica y la dinámica de los líquidos. El pigmento líquido fluye sobre la superficie de la tela en grandes masas saturadas, en algún lugar entre la incertidumbre y el control, entre el azar y la necesidad, tanto en el proceso aditivo de teñido como en el abrasivo proceso de decoloración, y la pintura corre hacia los bordes en una oleada de agua. Es un proceso de pintura por adición, pero también por sustracción, fricción, erosión y erotismo. La alusión a la cultura azteca precolonial también está estrechamente relacionada con el trabajo que la artista comenzó en 2018 durante una estancia en Colombia, donde el ambiente caribeño sacó a relucir el lado más sensual: frutal y floral, ornamental y cálido de su trabajo.

La exposición incluye obras de tamaño monumental, hechas ocasionalmente mediante la costura de diferentes tejidos, así como una serie de piezas más pequeñas. Algunas contienen referencias figurativas reconocibles, mientras que en otras lo real parece haberse disuelto en patrones abstractos. En cada variación, la efectividad de su mecanismo fluido opera en diferentes contextos, empapando no solo la tela, sino también al pintor que, como el tintorero azteca, se vuelve de color. La combinación de colores fluidos y diseños de bordes suaves difumina la línea divisoria entre abstracción y figuración, ahogándola en un torrente de pintura. Las referencias más familiares (amarillo sol, naranja atardecer, verde manzana, azul piscina) atestiguan un amor por el mundo que no se agota en estas comparaciones, sino que las hace firmes y redondas como la fuente del deseo.
En las cortinas colgantes o los libros con páginas de tela, las superficies renuncian a la estabilidad de un plano firme tirado en un bastidor convencional, y en su lugar, se deleitan con los pliegues y la movilidad, la gravedad y la gracia. En estas superficies inestables y cambiantes, el color se eleva libremente a través del espacio, como un ave tropical en el ala. Las telas se pueden ver desde ambos lados, empapadas uniformemente en color. Sin embargo, en otras piezas, la artista recurrió al formato rectangular de bordes rectos y lienzo tenso, sin duda como una forma de desafiar sus propios experimentos, pero sobre todo como un medio para medir el efecto de su enfoque experimental en el marco más convencional del cuadro — Javier San Martin.

Belén (1981, Valladolid, España) estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena, bajo el tutor Heimo Zobernig. Ha sido objeto de exposiciones individuales institucionales en el Museo Patio Herreriano, Valladolid (2018) y el Museo Antón, Asturias (2015), y ha participado en exposiciones colectivas en CA2M, Madrid (2018); Artista x Artista, La Habana (2016); Centro Federico García Lorca, Granada (2015); CCA Kunsthalle Antratx, Mallorca (2015); y Kulturhaus, Viena (2014), entre muchos otros. Belén vive y trabaja en madrid.