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Foto: B. Mora

MOSCÚ. Pablo Picasso "Passion, Blood, Wine, Woman”Altmans Gallery

28 septiembre – 22 octubre, 2017

Altmans Gallery celebra una exposición de obras del maestro español Pablo Picasso, presentando en particular los grabados del ciclo "Lysistrata" de Picasso, dedicados a una antigua comedia griega. La exposición explora la pasión como fuerza dominante en la obra de Picasso presentando una introspección del artista obsesionado con las mujeres y la tauromaquia

Picasso desarrolló su pasión por las corridas de toros cuando era un niño que crecía en la ciudad de Málaga. El joven artista quedó cautivado por el espectáculo del hombre contra la bestia, el sentimiento de que la vida puede terminar en cualquier momento, la valentía del torero y la culminación de la vida de un animal salvaje.

La sangre, siempre derramada en una corrida de toros, sirve de doble motivo en las obras de Picasso. Simboliza la vida y la muerte, así como la lujuria o el incumplimiento de la misma (por ejemplo, un retrato de 1917 de la primera esposa de Picasso, la bailarina Olga Khokhlova, representada como una belleza fría). El vino, otro motivo, forma un vínculo entre las corridas de toros y las mujeres. El vino calienta la sangre. Se presenta para honrar a un ganador. Es una bebida de dioses y una bebida de amor. Y, como el amor o la lujuria, el vino puede convertirse en una adicción dolorosa.

El refugio de la pasión de Picasso es la relación entre un hombre y una mujer. Como en una corrida de toros, esta relación es una confrontación de fuerzas opuestas, masculina y femenina, fuerza física y vulnerabilidad.

Las obras de Picasso reflejan a un artista moviéndose en un movimiento pendular del amor a la violencia, de la bienaventuranza al sufrimiento. Con el tiempo, Picasso se centra cada vez más en la locura y la rabia, como una corrida de toros, un enfrentamiento entre los sexos, polos opuestos. Sin embargo, en el corazón de estas polaridades está la pasión.

Picasso estaba fascinado por las mujeres y las corridas de toros, y es casi imposible decir cuál de estas pasiones dominó. Después de una cierta consideración, se hace evidente que se complementaron entre sí. La exposición ha sido posible gracias al apoyo del Instituto Cervantes y en colaboración con la empresa Millionaire International y la publicación Arguments & Facts.  (Altmans press-release)

Altmans Gallery. 31 Novinsky Boulevard, Moscow, 123242, Russia. TDC Novinsky, 2 floor

http://altmansgallery.com

Imagen. Sculptor with Goblet and Squatting Model.1933. Pablo Picasso

DUBLIN. Marcos Moreno ”Sin fronteras” Instituto Cervantes

22 septiembre – 21 octubre, 2017

Desde el Instituto Cervantes de Dublín presentamos la primera exposición en Irlanda del fotoperiodista Marcos Moreno en la que haremos un recorrido por algunas de sus numerosas series que retratan la inmigración y a los refugiados. 

El fotógrafo Marcos Moreno muestra en sus instantáneas la tragedia de la inmigración en el Estrecho, imágenes que han dado la vuelta al mundo de manos de su cámara y de su trabajo como fotoperiodista.

Marcos Moreno (La Linea de la Concepción. 1974) es fotoperiodista desde el 2004. Corresponsal colaborador de diversas agencias fotográficas como Agence France Presse (AFP), Getty Images y Associated Press (AP), entre otras, ha colaborado con Europa Press, La Vanguardia, El País, Libération y sus fotografías se han publicado en medios internacionales como The Guardian, The New York Times, The Times, The Irish Times, Le Monde, National Geographic o Spiegel. Actualmente colabora con la ONG Médicos del Mundo.
Ha sido galardonado con el Premio Internacional de periodismo Mingote 2010 y recibió una Mención de Honor en la I Bienal Internacional de Fotoperiodismo de la Federación Internacional del Arte Fotográfico (FIAP) en 2013. Algunas de sus fotografías han sido seleccionadas como las mejores del mundo en varios listados, entre otros, Pictures of the year international (2012) categoría General News, Pictures of the year international Latam (2012) categorías de Fiestas y tradiciones y Photo for Peace, photo for tolerance. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Lincoln House, Lincoln Place. 2 Dublin (IRLANDA)

http://dublin.cervantes.es  http://www.marcosmoreno.com

Imagen: Marcos Moreno

BUCAREST. Clara Durán “Hacia el mar” Instituto Cervantes

22 septiembre – 30 octubre, 2017

A través del agua, desde diferentes puntos de vista y ramas de estudio, la obra de Clara Durán investiga su relación con el ser humano a nivel simbólico, poético y holístico. Trabaja con la unión y relación de conceptos y de media de tal manera que fotografía, pintura, poesía y performance quedan unidas en una sola pieza. El color es un elemento clave, ya que la artista nada dentro de su propia sinestesia para sacar las tonalidades de cada pieza.

Graduada en Bellas Artes en 2014 por la Universidad Complutense de Madrid, con estudios en Chicago becada por Loyola University en 2012 para la investigación de procesos alternativos fotográficos, proyecto presentado en un simposio en 2013. Graduada en 2016 en el master MA Fine Art Digital por University of the Arts London con beca de postgrado de la Fundación Mutua Madrileña. Ha participado en numerosas exposiciones y workshops en Chicago, Londres y Madrid. Ha recibido el premio "Graduate Art Prize" de Artiq y Herbert Smith Freehills en Londres en 2015. Actualmente con residencia en Bucarest, continúa con proyectos también en Madrid y en Londres. Recipiente - junto con su grupo de teatro y performance “The Last Assembly” con Lilli Hartmann - de las Ayudas Injuve para la Creación Joven 2016. Ha trabajado como asistente de Javier Vallhonrat, en el LUMA Museum de Chicago, para el LUMEN prize de Londres y en proyectos como freelance para diferentes clientes. Desde 2015, cuenta con representación artística por Artiq London. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Bd. Regina Elisabeta 38. 10517 Bucarest. (RUMANÍA)

http://bucarest.cervantes.es http://www.claraduran.com

Imagen: Clara Durán. “Hail radiates across the ripple”

BELGRADO. Pierre Gonnord “Arraigados” Instituto Cervantes

22 septiembre – 1 noviembre, 2017

Los retratos de Pierre Gonnord celebran con sobriedad y fuerza la dignidad de la condición humana y nos invitan a sentirnos unidos a ella. El equilibrio entre lo individual y lo colectivo es uno de los factores que definen el trabajo del artista. Sus personajes pertenecen a comunidades y grupos sociales del territorio español y sus fronteras, sin perder su esencia individual, su capacidad para representarse a sí mismos y para mirarnos de frente a través de la cámara. En este caso los retratos son de hombres y mujeres que trabajan en las profundidades de la tierra, en una mina de Asturias. 
Pierre Gonnord (nacido en Cholet, Francia en 1963) es un fotógrafo francés y residente en Madrid desde 1988. Fotógrafo autodidacta, ha recibido el Premio de la Cultura de la Comunidad de Madrid, en 2007, y el Premio Internacional de Fotografías de Alcobendas, en 2014. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid posee varias fotografías suyas.

El trabajo de Gonnord se centra fundamentalmente en los rostros humanos. Un ejemplo de ello son sus trabajos Interiors (Madrid, 199), City (Nueva York, 2001) y Utópicos (2004-2005). En ellos se muestran secuencias de retratos de muy diverso tipo, donde Gonnord elegía un acercamiento a personajes marginados por la sociedad y los fotografiaba en primeros planos del rostro: eran vagabundos, presos, locos o ciegos, pero también monjes, geishas, miembros de bandas urbanas. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Cika Ljubina, 19. 11000 Beograd. (SERBIA)

http://belgrado.cervantes.es

Imagen: Pierre Gonnord

PANAMÁ. “Diversidad de voces: Premios Revelación PHotoEspaña” Centro Cultural Casa del Soldado

21 septiembre – 12 noviembre, 2017

Desde el Centro Cultural de España – Casa del Soldado nos sumamos un año más al circuito de fotografía FotoSeptiembre con la exposición Diversidad de voces: Premios Revelación PHotoEspaña, organizada en colaboración con PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales.

 “Diversidad de voces” se hace eco de los Premios Revelación, uno de los varios premios que concede cada año PHotoEspaña, y que está dirigido al reconocimiento del trabajo de un fotógrafo español menor de 35 años cuya obra haya destacado el año anterior. La exposición presenta una pequeña muestra de imágenes de un grupo de fotógrafos que han obtenido este premio, desde el nacimiento de PHotoEspaña en 1998 hasta la última edición celebrada este mismo año 2016: David Jiménez, Isabel Flores, Carmela García, Paco Gómez, Lucía Arjona, el colectivo NOPHOTO, Germán Gómez, Carlos Sanva, Carlos Irijalba y Aleix Plademunt.

En líneas generales se podría decir que una característica de todos los seleccionados es la de trabajar en pos de una fotografía de autor que, aunque algunas veces beba de las fuentes de la realidad, siempre ha querido ir más allá del mero documento para ampliar la visión y el espectro de lo fotográfico. Todos ellos trabajan en series dedicando a veces varios años al mismo proyecto. Unos parten de la realidad, otros trabajan con la ficción. Pero todos ellos nos hacen reflexionar sobre las problemáticas del mundo en que vivimos: la manipulación del paisaje y la degradación del entorno urbano, la representación del territorio, los problemas de género, la memoria, la identidad, etc.

Centro Cultural de España en Panamá. Casa del Soldado. Paseo Esteban Huertas, Casco Viejo. Panamá.

http://ccecasadelsoldado.org

Imagen: Aleix Plademunt

MADRID. Álvaro Sellés “Melancolía” Galería Antonio de Suñer

28 septiembre – 4 noviembre, 2017

Álvaro Sellés construyó un retablo en el que sustituyó a santos por pintores, a beatos por maestros que lo guiaron y le transmitieron unas enseñanzas ya claves en su carrera. Así ha cimentado el más bello homenaje que pudo hacer a la sabiduría recibida, en el que aparecen artistas de talla, como Giacometti, Palazuelo, Elena Asins, Bacon, Lucian Freud, Jean Michel Basquiat, Frida Khalo, el grupo El Paso y muchos otros, todos convertidos en referentes con los que Sellés se identifica.

Al pintar a otros desvela sus misterios o enigmas para invitar al espectador a un viaje, esta vez en grisalla, que aporta tintes escultóricos y que le hará reconsiderar las nociones aprendidas para iniciar un periplo por una pintura nueva, sorprendente, sencilla hasta límites insospechados. Álvaro Sellés dona así al espectador de una herramienta clave para entender su universo pictórico; singular con un toque de arrogancia benévola. Pinta rodeado de pintores, siempre atento ante la presencia espiritual de sus rostros, que son el objeto de su esfuerzo. Para afrontar su trabajo Sellés se da un baño de melancolía, de ahí el título de esta exposición. Tiene muy presente el grabado de Durero del mismo nombre y ha reflexionado en profundidad sobre la melancolía como motor del proceso creativo, una idea que surge en la Edad Media, cuando se asoció la idea de genialidad a una patología mental, y que hoy sigue vigente: en el Minimal el proceso creativo es tan importante o más que el resultado de la propia obra. Para Sellés la creación se dota de fuerza y originalidad a través del recuerdo, de las vivencias, de las emociones almacenadas. (Galería Suñer press-release)

Galería Antonio de Suñer, Barquillo, 43. 28004 Madrid

http://www.galeriadesuner.com

Imagen: Álvaro Sellés. “Basquiat” 2012

LYON. “Lara Almarcegui / Domènec” Le CAP - Centro de Artes plásticas de Saint-Fons

16 septiembre - 25 noviembre, 2017

Domènec,artista visual de Mataró, se basa en la observación intensa del uso colectivo de los edificios y espacios residenciales para revelar los mecanismos socio-históricos que llevan al olvido y el abandono de las zonas urbanas. Está especialmente interesado en las viviendas construidas entre 1960 y 1980 como símbolos de la ciudad moderna. A través de modelos, fotografías e instalaciones multimedia, la exposición da un punto de vista sencillo y al mismo tiempo crítico de estos grandes proyectos arquitectónicos que ahora se encuentran en barrios donde es difícil vivir.

El proyecto del catalán en Le CAP Saint-Fons trata la historia de 'Minguettes', un barrio del municipio de Vénissieux históricamente conocido por las manifestaciones antirracistas de 1983, e ilustra la trayectoria de la arquitectura lionesa. La obra, producida específicamente para la exposición, también va acompañada de piezas más antiguas y constituyen un proyecto inédito sobre los modelos residenciales que, a pesar de ser criticados posteriormente, sigue siendo el modo de vida de grandes masas de población.

Domènec ha realizado numerosas exposiciones y proyectos in situ en diferentes países como Irlanda, México, Bélgica, Francia, Italia, Estados Unidos, Canadá, Israel, Palestina, Brasil, Eslovenia, Finlandia, Argentina o Japón. Además, es coeditor de la publicación de arte, arquitectura y espacio público 'Roulotte' y ha sido miembro del consejo de dirección de Can Xalant, Centro de Creación y Pensamiento Contemporáneo de Mataró (2005-2012).

Por otra parte, el trabajo de Lara Almarcegui (Zaragoza 1972)sobre los espacios urbanos en desuso es fruto de su residencia en el proyecto Veduta. La artista vive y trabaja en Rotterdam (Holanda) y hace años que trata la frontera entre la renovación y la decadencia de las ciudades, resaltando elementos del mundo urbano que a menudo pasan desapercibidos.

Para este proyecto, Almarcegui ha elegido explorar la situación de "l'île de la chèvre" (la isla de la cabra), una isla artificial de los años 60 vinculada a la actividad industrial de las afueras de Lyon y que ahora es inaccesible para al público.(CAP press-release)

Le CAP - Centro de Artes plásticas de Saint-Fons. Espacio León Blum, Rue de la Rochette, Saint-Fons

https://lecap-saintfons.com

Imagen: Lara Almarcegui. "l'île de la chèvre" 

COLONIA. Jorge R. Pombo “Variaciones sobre Tintoretto” Wallraf Museum

12 septiembre 2017 - 28 enero 2018

Variaciones sobre Tintoretto es una muestra del proceso de exploración de Jorge R. Pombo, siempre dirigido al análisis de la relación entre la creación de la pintura contemporánea y moderna.

El tema central de su trabajo es la reflexión sobre la razón de la propia pintura, centrándose en la dimensión plástica y artística de las obras. Si bien la multiplicidad de versiones / variaciones compone la complejidad de la relación del artista con el maestro veneciano.
La exposición tiene como objetivo destacar la continuidad del pensamiento abstracto destacando que es compartida por ambos artistas a una distancia de siglos. Por tanto, se invita al visitante a reflexionar tanto sobre los valores eternos de la pintura y  sobre la dimensión temporal de la lengua.
"Yo concibo la pintura como un lenguaje. Solía ​​decir cosas, que hablan desde la profundidad de los colores. No contar historias, si mi trabajo tiene un valor comunicativo es por el pensamiento abstracto. En el mismo período de Tintoretto trabajaron muchos otros artistas, pero ¿qué hace posible que incluso hoy en día sigua destacando Tintoretto por encima de muchos otros, como Jacopo Bassano? La diferencia está en el método del pensamiento abstracto que transfirió el primero. Objetivamente, ambos pintaban lo mismo, una figura clavada en una cruz, la madre llorando desconsoladamente .... pero la calidad artística de Tintoretto era de un carácter mucho más emocional y sin embargo Bassano mucho más narrativo "Jorge R. Pombo. (Stefano Forni press-release)

Wallraf Museum. Obenmarspforten. 50667 Colonia (Alemania)

http://www.wallraf.museum http://www.jorgerpombo.com

Imagen: Variaciones sobre Tintoretto. Jorge R.Pombo

COLONIA. "Eduardo Chillida” Galería Boisserée

8 septiembre – 4 noviembre, 2017

La exposición "Eduardo Chillida", está dedicada a  uno de los artistas más importantes del siglo 20. Eduardo Chillida, (San Sebastián 1924 – 2002) ha logrado desarrollar un lenguaje completamente independiente y se conoce como uno de los escultores más importantes de nuestro tiempo. la pasión de Chillida por diferentes materiales (hierro, acero, alabastro, granito, hormigón, madera, barro, porcelana, fieltro, papel) hace de sus obras un trabajo fascinante  

Más de 70 obras seleccionadas , una escultura de hierro, tres de arcilla refractaria, grabados, dibujos, collages, aguatintas, grabados, xilografías, litografías, dedicados a un período que comenzó hace unos 60 años.

Los dibujos, collages y grabados  ocupan una parte importante e independiente de la obra de Chillida. Siguen los mismos principios que sus esculturas: promover el reconocimiento y la visualización de lo intangible.

Las obras gráficas de Chillida son obras maestras contemporáneas.  Cada uno de estos trabajos toma su propia función como un todo. Las superficies bidimensionales no son ni representaciones en perspectiva ni parábolas para el espacio tridimensional. Con un incomparable rango de ingenio y estricta adecuación de materiales, Chillida utiliza las diversas técnicas de impresión y sus diferentes propiedades. Es sorprendente la intensidad del aura escultórica que ya tienen estos grabados  y con qué poco se pueden abrir espacios imaginarios en estas obras.

Chillida llama a sus esculturas de arcilla "Lurra" (plural: "Lurrak") el nombre vasco para la Tierra. Son pequeñas formas cubicas con una superficie rugosa.

Diseña los bloques masivos de maneras muy diferentes. Hay Lurrak donde las líneas delicadas dejan marcas suaves en la superficie, en otras se abren los bloques creando nuevos espacios.

Galería Boisserée. Drususgasse 7-11. D-50667 Colonia. Alemania

http://www.boisseree.com

Imagen. Eduardo Chillida. "Lurra G 265"1992

MADRID. Cristina Lucas “Manchas en el silencio” Sala Alcalá 31

15 septiembre - 5 noviembre, 2017

La exposición presenta diversos proyectos de unas de las artistas actuales españolas con mayor proyección internacional: Cristina Lucas. Los ejes generales de la muestra son la historia, el tiempo y la violencia, materializados a través de instalaciones y vídeo-proyecciones que ahondan en conceptos como el uso del arte como medio de investigación histórica, la poesía conceptual o la fascinación borgiana por el tiempo.
La exposición, configurada con obras de gran formato, se articula en torno a la vídeo-investigación-instalación “El rayo que no cesa”, una obra en proceso de creación de la que solo se han presentado versiones iniciales que construye un relato histórico de algunos ataques aéreos que han provocado víctimas civiles desde 1912 hasta la actualidad.

“El rayo que no cesa” se entrelaza con una serie de piezas con historia, tiempo y violencia como ejes generales: “Piper Prometeo”, un vídeo representativo de la poesía conceptual; “Tufting”, una serie de lienzos bordados que representan mapas con manchas negras que reproducen la intensidad de la violencia contra objetivos civiles, y por último, “Clockwise”, una gran instalación de 360 relojes que revela la fascinación de la artista por el tiempo. El tiempo global puede ser así visto al unísono, en una experiencia artística de la teoría de la relatividad.

La exposición se suma a la conmemoración del octogésimo aniversario del bombardeo de Guernica pero la historia se hace siempre desde el presente. Como señala el comisario, Guernica sigue, el conteo de los bombardeos a ciudades continúa, sin fin. Comisario: Gerardo Mosquera. Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. 28014 Madrid

http://www.madrid.org

Imagen. “Clockwise” Cristina Lucas

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