Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
3017359

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

EDIMBURGO. David Guillén “A Tale on the Mile” Museo de Edimburgo

9 junio - 25 septiembre, 2017

“A Tale on the Mile” (Un Cuento en la Milla), la obra del fotógrafo David Guillén, explora las personalidades y los lugares en una de las calles más históricamente vibrantes en Escocia: “La milla real”.

A través del curso de la historia humana, las sociedades han crecido siempre con los mismos principios fundamentales, sin importar el tiempo o el lugar.

La sociedad parece ser una simbiosis, un macroorganismo. Los individuos se agrupan para trabajar como grupos, que forman una mente propia y, a su vez, influyen en cada individuo. Estas pequeñas tribus que comienzan alrededor de una fogata, en la playa o en la montaña, crean ciudades. Esas ciudades se unifican para crear países. Puede parecer extraño, pero a menudo la historia y el carácter de una nación entera de su gente se puede leer en una sola de sus calles. (Museum of Edinburgh press-release)

Museum of Edinburgh: 142 Canongate, Royal Mile, Edinburgh

http://www.davidguillen.co.uk   http://www.edinburghmuseums.org.uk

Imagen: David Guillén

 

COLONIA. Gonzalo Fuentes “Mixtapes” Galeria 100 Kubik

23  junio - 25 agosto, 2017

El pintor Gonzalo Fuentes (*1991, Málaga), expone por primera vez en la Galería 100 kubik y presenta su nueva serie „Mixtapes

En contraposición a la idealización del entorno y su efecto positivo en el hombre, se encuentran las piezas pictóricas de Gonzalo Fuentes. A través de interiores arquitectónicos dinámicos y complejos, donde se pone en cuestión la solidez del espacio que nos rodea y que hablan de su carácter volátil, Fuentes nos presenta todo un imaginario distópico de alta tecnología y bajo nivel de vida, como hiciera el género del Cyberpunk desarrollado en los años ochenta del pasado siglo. En series como Juegos de construcción (2014) o Territorios de ficción (2015), representa lugares impersonales, de colores intensos y formas que rozan la abstracción, donde la percepción humana se disgrega para alcanzar un estado de incertidumbre y desasosiego ante el futuro que está por venir.
En Mixtapes, estos interiores arquitectónicos antes tan evidentes se vuelven indeterminados; la estructura, el tiempo y el espacio se diluyen, convirtiéndose en un detritus de arquitectura moderna donde los trazos y los planos se confunden para dar lugar a todo un universo de asociaciones. De esta forma, los lienzos se convierten en portales a otros mundos, pero también en límites espaciales, invitando al espectador a decidir si adentrarse en ellos o quedarse fuera.
Estos “ciberespacios” al modo de Blade Runner (1982), que se dispersan y multiplican hasta el infinito como un reflejo de la ciudad contemporánea, son el resultado del propio proceso de composición de la imagen, donde la selección, el recorte, el collage y la manipulación digital tienen un papel importante como paso previo a la imprimación del lienzo. Junto a esto, los postulados de Le Corbusier y su “máquina de habitar” están muy presentes en el trabajo del malagueño, más si cabe en sus últimos proyectos donde aplica a sus pinturas el axioma de la arquitectura modular. Se trata de una estrategia de apropiación del espacio a través de módulos en este caso pictóricos que se interrelacionan entre sí hasta formar un todo, una instalación donde la pintura de sus lienzos se hibrida casi por completo con el entorno, convirtiéndose en instrumento para dar forma a una concepción mental, cargada de elementos psicoanalíticos del espacio que les acoge. Sara Blanco. (100 Kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.gonzalofuentes.net   http://www.100kubik.de

Imagen: Gonzalo Fuentes

VENECIA. Jordi Colomer “Únete! Join us!” Pabellón de España. 57ª Bienal de Venecia

13 mayo – 26  noviembre, 2017

“Viva, arte, viva” es el título elegido por Chrisine Macel, comisaria para esta edición de la Bienal con el objetivo de dotar a los artistas de un papel protagonista en la invención de universos propios y la inyección de vitalidad en el mundo en que vivimos. El eje central de la Bienal es responsabilidad de los artistas en un mundo en convulsión como el actual desde una perspectiva positiva e innovadora. La innovación está representada no sólo por una selección de artistas jóvenes, sino también en un interés por redescubrir a aquellos que son desconocidos para el gran público por distintas razones, porque su tiempo no era el adecuado para valorarlos, porque fallecieron demasiado pronto para desarrollar una carrera reconocida o porque sus trabajos están dentro de áreas geográficas menos representadas internacionalmente como América Latina, Asia, Oriente Medio, Europa del Este o Rusia. Cada semana, durante los seis meses de la exposición, los artistas y el público participan en una mesa abierta (Tavola aperta) donde pueden comer juntos y dialogar sobre la práctica del artista.

El artista español Jordi Colomer presenta en el pabellón su proyecto expositivo“ ¡Únete! Join us! “, comisariado por Manuel Segade. Se trata de una “instalación de instalaciones” compuesta por una serie de vídeos, esculturas y el propio espacio entendido como una arquitectura total pero provisional. La instalación se organiza a partir del espacio central con luz natural, con la presencia de maquetas, prototipos, reproducciones a escala de esos movimientos, que incorporan igualmente objetos utilizados en acciones registradas en vídeo y que ritman el conjunto del pabellón.
En su totalidad conforman una visión a escalas diversas de un fragmento de ciudad susceptible de desplazamiento y en equilibrio precario. Las maquetas estarán realizadas con módulos de hojalata pintada y se verán permanentemente agitadas por ventiladores de gran potencia, como en la vibración continua de una ciudad excitada.
En las salas perimetrales se organiza un recorrido que el espectador será libre de transitar en uno u otro sentido. Estos espacios se articulan como una progresión de secuencias a partir de dos elementos: pantallas de proyección con vídeos y un sistema de gradas para su visionado. Tanto las pantallas como las gradas se estructuran en combinaciones seriadas que configuran ambientes también cambiantes, desde el visionado casi individual a la gran sala de múltiples pantallas de tamaños diferentes y gradas a alturas modulares que permitirán ofrecer puntos de vista diversos. (AC/E press-release)

Giardini La Biennale di Venezia

http://www.labiennale.org  http://www.jordicolomer.com

Imagen: L´avenir.  Jordi Colomer

LONDRES. Pablo Genovés “Tides” Catedral de San Pablo

01 marzo - 30 agosto, 2017

Pablo Genovés (Madrid, 1959) se convertirá en el primer artista español que expondrá en la catedral de San Pablo en Londres. Las obras mostradas, creadas específicamente para la ocasión y que se podrán contemplar a partir del 1 de marzo, se agrupan bajo el título “Tides”.

La serie está inspirada en las consecuencias del cambio climático. Genovés pone en contraste el caos desatado por la Naturaleza frente a la armonía que inspira la catedral neoclásica diseñada por Christopher Wren. Agua y niebla son las dos fuerzas ingobernables que irrumpen en el impresionante edificio londinense y que lo llevan a su destrucción.

«El agua significa vida y muerte, renacimiento y cosecha, inundaciones y sequías, mientras va fluyendo con sus mareas a través de nuestro planeta», ha afirmado el artista respecto a esta obra. El agua, un elemento fundamental en los rituales de todas las religiones, «es un tema más que apropiado para la catedral de San Pablo».

«Altar», «Cúpula» y «Nave» son las tres composiciones que forman «Tides». Pablo Genovés se formó principalmente en Londres y en Nueva York. Reside entre Berlín y Madrid y su obra se ha expuesto en casi toda España y también (individual o colectivamente) en Francia, Alemania, Reino Unido, Bélgica, Argentina, Brasil y EE.UU.

La nefasta influencia del ser humano sobre el clima y el medio ambiente ha sido retratada en diferentes ocasiones por el fotógrafo madrileño. Lo que él llama «era Antropogénica» aparece en sus collages fotográficos, a menudo hechos con imágenes históricas que él llama «imágenes rescatadas». Se trata de obras dotadas de gran dramatismo pero, a la vez, belleza.

Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca-Cola, Circa XX, Banco Espíritu Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la Solidaridad en Santiago de Chile, Colección Aena, Colección del CGAC, Colección Comunidad Autónoma de Murcia, Colección Aperture Foundation de Nueva York.

Seleccionado para este encargo por el Comité Artístico de la catedral de San Pablo, su obra llega a un recinto en el que le han precedido creadores de relevancia internacional como Bill ViolaAntony Gormley o Yoko Ono. La serie viajará a continuación a otras catedrales del mundo. (Metalocus press-release)

The Chapter House, St Paul's Churchyard, London, . EC4M 8AD

pablogenoves.com  stpauls.co.uk

Imagen: Pablo Genovés

NEUENKIRCHEN. Lara Almarcegui “SAND” Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF

2 abril – 20 agosto, 2017

Para su instalación "Sand" en la sala del Springhornhof Lara Almarcegui ha volcado 120 metros cúbicos de arena en la planta baja de la Kunstverein. Casi de suelo a techo establece un juego de relaciones entre la arquitectura del edificio y su realidad material, así como entre el edificio y su contexto urbano. Al mismo tiempo que llama la atención sobre la arena como uno de los materiales de construcción más importantes del mundo y la disponibilidad de este recurso.

Las obras que Lara Almarcegui (Zaragoza 1972 residente en Rotterdam) que ha venido desarrollando a lo largo de casi veinte años cuestionan la frontera entre la decadencia urbana y la renovación urbana, y trata de hacer visible lo que tiende a pasar desapercibido. Aunque se centra en los espacios y estructuras abandonadas que se someten a un proceso de transformación, Almarcegui también investiga las diferentes conexiones que se pueden establecer entre la arquitectura y el urbanismo. Explora el estado actual de las zonas periféricas, su desarrollo, uso y decadencia y logra establecer un discurso sobre los diferentes elementos que constituyen la realidad física de un paisaje urbano en constante evolución

La exposición es un preludio del programa aniversario de Springhornhof por la celebración este año del quincuagésimo aniversario de sus proyectos de arte relacionados con el paisaje. (Springhornhof press-release)

Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF. Tiefe Straße 4. D-29643 Neuenkirchen (bei Soltau) Alemania

http://springhornhof.de/

Imagen: Lara Almarcegui 

MOSCÚ. “Antoni Gaudí. Barcelona” Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA)

24 mayo – 10 septiembre, 2017

El Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA), en colaboración con la Embajada de España y la Fundación Cultural AUREA Cultura i Art inauguraron el pasado lunes 22 de mayo, la exposición 'Antoni Gaudí. Barcelona', en la sede central del MMOMA.

La exposición reúne más de 150 piezas perteneciente a instituciones públicas y colecciones privadas, como planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, esculturas, fotografías de época y audiovisuales, que acercan al visitante a las obras del arquitecto en la ciudad de Barcelona. La exposición se complementa con un proyecto del artista contemporáneo catalán Frederic Amat, considerado el continuador de Gaudí en las artes visuales.

Tras haber asumido el canon arquitectónico de Barcelona de su época, Gaudí emprendió su camino artístico en un momento en que el Modernismo Catalán estaba experimentando una gran agitación creativa, creando una arquitectura completamente innovadora y revolucionaria. De este modo, el proyecto estudia la trayectoria artística de Gaudí, en el 165 aniversario del nacimiento del arquitecto, y se plantea como una aproximación clara y didáctica a la persona y obra de Antoni Gaudí.

La exposición, dividida en cinco áreas temáticas, se centra en diferentes aspectos del catalán y de sus obras más conocidas: El Colegio de las Teresianas, la Sagrada Familia, el Palacio Güell, la Casa Calvet, la Casa Batlló y La Pedrera. A través de maquetas, planos y fotografías antiguas, esta exposición no sólo acerca al espectador a un Gaudí arquitecto, sino también al artesano que dominó con excelencia las artes aplicadas y decorativas con una muestra de sus trabajos en vidrio, hierro forjado, cerámica y madera.

La exposición está comisariada por Charo Sanjuán (Aurea Cultura y Art) y organizada por el MMOMA en colaboración con el Departamento de Cultura de Moscú y la Embajada del Reino de España en la Federación de Rusia. (MMOMA press-release)

Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA). Petrovka, 25. Moscú

http://www.mmoma.ru/en

Imagen: Palacio Güell, azotea. MMOMA

LONDRES. “Balenciaga: Shaping Fashion” Victoria and Albert Museum

27 mayo – 18 febrero, 2018

Conocido como "El Maestro" de la alta costura, Cristóbal Balenciaga fue uno de los diseñadores de moda más innovadores e influyentes del siglo pasado. Su exquisita artesanía y el uso innovador de los tejidos revolucionaron la silueta femenina

Balenciaga: Shaping Fashion es la primera exposición del Reino Unido en explorar el trabajo y el legado del couturier español, mostrando más de 100 prendas y sombreros elaborados por Balenciaga y sus seguidores, diseñadores contemporáneos que trabajan de la misma manera innovadora hoy. La exposición examina la obra de Balenciaga de los años cincuenta y sesenta, quizá el período más creativo de su carrera, cuando vestía a algunas de las mujeres más renombradas de la época y fue reverenciado por sus contemporáneos, entre ellos Christian Dior y Coco Chanel.

La exposición presenta ejemplos de las formas revolucionarias de Balenciaga en este período: la túnica, el saco, la muñeca y una variedad de vestidos con un estilo que perdura hasta el día de hoy. Otras piezas destacables son los conjuntos de Balenciaga para la actriz de Hollywood Ava Gardner, vestidos y sombreros pertenecientes a la alta sociedad como Gloria Guinness, icono de la moda de los años 60, piezas de una de las mujeres más ricas del mundo, Mona von Bismarck y pantalones cortos del couturier.

La segunda parte de la exposición explora el impacto duradero de Balenciaga, trazando su influencia a través del trabajo de más de 30 diseñadores de moda a lo largo de los últimos 50 años. Piezas diseñadas por los ex-aprendices de Balenciaga, André Courrèges y Emanuel Ungaro, demuestran una estética minimalista de firma, recientemente renovada por Phoebe Philo para Celine y en las fuertes líneas de J.W. Anderson. El perfeccionismo de Balenciaga y la atención al detalle se reflejan en la obra de Hubert de Givenchy y Erdem. Su patrón de corte y exploraciones con el volumen se puede ver en el trabajo de Molly Goddard y Demna Gvasalia, mientras que su uso creativo de nuevos materiales se hace referencia en la obra del ex director de creatividad Balenciaga Nicolas Ghesquière.

El V & A tiene la colección más grande de Balenciaga en el Reino Unido, iniciada en la década de 1970 por el fotógrafo Cecil Beaton, viejo amigo de Balenciaga. Balenciaga: Shaping Fashion marca el centenario de la inauguración de la primera casa de moda de Balenciaga en San Sebastián, y el 80 aniversario de la apertura de su famosa casa de moda en París. (V&A press-release)

Victoria and Albert Museum. Cromwell Road, London SW7 2RL

https://www.vam.ac.uk

Imagen: Sombrero de seda espiral, Balenciaga para Eisa, 1962, España. Museum no. T.146-1998. © Victoria and Albert Museum, London

MÉXICO. “Cartografías líquidas” Museo de Arte Carrillo Gil

26 mayo – 17 septiembre, 2017

Cartografías líquidas, se propone una lectura trasversal en torno a los postulados del recién fallecido Zygmunt Bauman y su noción líquida de la modernidad desde el trabajo de doce artistas mexicanos y españoles. Este célebre filósofo consideró que después de las certezas sólidas de la modernidad, ésta se ha tornado “líquida”, por su carácter: “obsesivo y compulsivo, que se propulsa e intensifica a sí misma como resultado de la cual (…) ninguna de las etapas consecutivas de la vida social puede mantener su forma durante un tiempo prolongado” Zygmunt Bauman (1939-2017).

Esta muestra conmemora los 40 años del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre México y España. Una coproducción entre ambos países que se exhibirá en el Museo Artium de Vitoria en el segundo semestre de 2017.

Artistas participantes: Eduardo Aragón (Mex), Élena Lavellés (Esp), Mauricio Orduña (Mex), Carlos Aires (Esp), Miguel Fernández de Castro (Mex), Rosel Meseguer (Esp), Morelos León Celis (Mex), Maider López (Esp), Ana Roldán (Mex), Fernando García-Dory (Esp), Emilio Chapela (Mex) y Asunción Molinos Gordo (Esp). Comisarios: Carlos Palacios, Paula Duarte y Blanca de la Torre (MACG press-release)

Museo de Arte Carrillo Gil, Avenida Revolución, Ciudad de México, México

http://museodeartecarrillogil.com

Imagen; Museo de Arte Carrillo Gil 

PARIS. Esther Ferrer, Daniela Ortiz & Xose Quiroga "Tous, des sangs-melés". MACVAL, Vitry-sur-Seine

21 abril – 03 septiembre, 2017

La exposición colectiva "Tous, des sang-mêlés" gira en torno a la cuestión universal y candente de la identidad cultural. Esta propuesta original se hace eco de los proyectos curatoriales anteriores llevados a cabo por el MAC VAL durante los últimos años.

En sintonía con la actualidad global, esta exposición explora la noción de identidad cultural a través de diversas visiones y experiencias artísticas: ¿cuál es nuestro denominador común? ¿Cómo construimos una cultura compartida a pesar de nuestros orígenes cada vez más diversos? Esos son algunos de los problemas globales actuales. Bajo el co-patrocinio del historiador francés Lucien Febvre y su libro We are all mixed-bloods: un manual sobre la historia de la civilización francesa (1950) y el de Stuart Hall, padre fundador de los Cultural Studies, esta exposición realza el concepto de identidad cultural.

A través de la voz de unos sesenta artistas internacionales y alrededor de cien obras de arte, la exposición investiga temas de identidad cultural, nacional y sexual. Todas ellas giran alrededor de la noción de ser, y sin embargo, algunas son obvias, otras plantean, a menudo, debates apasionados, siempre políticos , y otras, recuerdos del pasado, la sensibilidad, las experiencias y la existencia misma, desde el instinto de supervivencia hasta la noción de estar viviendo juntos.

Nacida en 1937 en San Sebastián, Esther Ferrerha vivido y trabajado en París desde 1970. En 1999, representó a Francia en la Bienal de Venecia.
En 1967, Ferrer se unió a ZAJ, un grupo fundado en 1964 por Raymond Barce, Walter Marchetti y Juan Hidalgo. Ferrer siguió siendo un miembro fiel hasta la disolución del grupo en 1997. ZAJ se fundó durante la dictadura franquista y estaba influenciado por la obra de John Cage, Marcel Duchamp, y el movimiento Fluxus. Sus miembros eran partidarios de actuaciones radicales y experimentales en los que la música jugaba un papel importante. Ya sea en colaboración con ZAJ o en sus actividades más personales, Esther Ferrer figura emblemática de la performance, el medio sobre el cual la mayor parte de su trabajo se basa, pero también crea fotografías reelaboradas, vídeos, instalaciones, modelos y objetos. Estas obras están siempre marcadas con un espíritu minimalista y un rigor extremo. estherferrer.fr  

Daniela Ortiz  investiga cómo la raza, la clase, la nacionalidad, el género y la etnicidad se relacionan con las historias coloniales y la migración contemporánea, particularmente considerando la conexión entre las estructuras de poder, la identidad, las narrativas eurocéntricas y la subalternidad. Sus proyectos abordan la articulación de leyes hegemónicas, éticas, ideologías y moralidades con la subjetividad personal y la conciencia colectiva, y toman la forma de conferencias, fotografías e instalaciones. Colabora generalmente con las personas que participan en sus obras, empleando tácticas asociadas con el activismo. Su práctica busca provocar la transformación, centrándose en el valor de uso del arte. daniela-ortiz.com

Xose Quiroga(Ourense, 1979) es licenciado en Derecho y técnico superior en fotografía. Su trabajo pretende generar espacios de tensión donde se exploran los conceptos de raza, clase social, nacionalidad y género para mostrar el comportamiento social como una estructura basada en la inclusión y la exclusión. xosequiroga.com(MA VAL press-release)

MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. Place de la Libération
CS10022 . 94407 Vitry-sur-Seine. Paris.  http://www.macval.fr  

Imagen: Esther Ferrer

KANSAS CITY. “Chillida: Rhythm-Time-Silence” Museo Nelson-Atkins

5 mayo – 10 diciembre, 2017

El Museo Nelson-Atkins presenta siete esculturas de gran formato del escultor español Eduardo Chillida en el parque de escultura Donald J. Hall y Theis Park.

Esta instalación de siete esculturas monumentales del artista vasco Eduardo Chilleda se dividen en dos lugares: el museo Donald J. Hall alberga que 3 esculturas y Theis Park, al sur del museo, exponiendo 4 obras.

"Las esculturas de acero macizo y abstractas de Chillida realizan los gestos más humanos", dijo Jan Schall, conservador de arte moderno de Sanders Sosland. "Los brazos abrazan al espacio, se elevan en alabanza exuberante al cielo, y forman arcos. Y su color profundo y rojizo destaca sobre el verde de la hierba y los árboles.

Considerado una figura central de la escultura europea de posguerra, Eduardo Chillida (1924-2002) es sin duda uno de los artistas españoles más reconocidos y de mayor éxito internacional, con una obra extraordinaria en una gran variedad de medios y materiales tales como hierro, acero, granito, alabastro, madera o papel. (The Nelson-Atkins Museum press-release)

Donald J. Hall Sculpture Park & Theis Park, The Nelson-Atkins Museum of Art, 4525 Oak Street, Kansas City, Missouri 64111

https://www.nelson-atkins.org

Imagen: Chillida: Rhythm-Time-Silence installation view, Photography by Maris Hutchinson

Subcategorías