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ERFURT. “Josep Renau y su mural en Erfurt: La colaboración entre las fuerzas de la Naturaleza y de la Cultura” Angermuseum

6 abril  - 28 mayo 28, 2017

Entre 1981-83 se creó y se colocó en Erfurt un mural de azulejos de Josep Renau titulado La colaboración entre las fuerzas de la Naturaleza y de la Cultura, o La Naturaleza, el Hombre y la Cultura. Estaba en la pared exterior en curva de un centro entre cultural y comercial de Moskauerplatz. En 2009 fue desmontado y guardado en cajas, antes de demoler el edificio para construir, ahora sí, un centro comercial. 

Gracias a la insistencia de personas e instituciones dedicadas a la conservación artística, españolas y alemanas, se ha conseguido que el mural sea restituido.

La exposición recoge carteles, bocetos, diseños y documentos fotográficos del proyecto de  Renau, así como otros diseños comparables y murales ejecutados para permitir una mayor penetración en el contenido, método y peculiaridades formales del arte mural de Josep Renau. Al mismo tiempo, la exposición le invita a un discurso político-cultural sobre los diseños murales de la RDA y su importancia hoy.

Josep Renau, nació en 1907 en Valencia, España y falleció en 1982 en Berlín Este, Alemania Oriental. Militante comunista, que se desarrolla en la pintura, cartelismo, fotomontaje y muralismo. Asume la dirección general de Bellas Artes durante los años de 1936 a 1939, mientras acontece la Segunda República española. Su actividad como cartelista y pintor la inicia alrededor de 1925. Su trabajo en la fotografía comienza influenciado por el dadaísmo, pero Renau termina en el contexto de la izquierda revolucionaria, centrándose en el cartelismo a partir de 1931. En 1936 se coloca como director general de Bellas Artes y organiza en la Exposición de París el pabellón español. Durante su exilio reside en México, en donde realiza fotomontajes que le otorgan reconocimiento. Luego se instala en Berlín y al fallecer sus fondos son para el Instituto Valenciano de Arte Moderno. (Angermuseum press-release)

Angermuseum Erfurt. Anger 18. 99084 Erfurt. Deutschland

 http://kunstmuseen.erfurt.de

Imagen: Mural Erfurt. Josep Reanau

WEVELGEM. Almudena Lobera “And now memory is here, dictating to you” stART. The Fotorama Window Project

10 abril – 10 junio, 2017
El pasado verano, el laboratorio Fotorama recibió el encargo de escanear los paneles recién restaurados del retablo La Adoración del Cordero Místico de los hermanos Van Eyck. En aquel momento, la artista Almudena Lobera estaba inmersa en el desarrollo de su obra Epiphany. Mise-en-scéne, que justamente toma como punto de partida esta obra maestra y, más concretamente, el robo de dos de sus paneles en 1934 y la desaparición, hasta día de hoy, de uno de ellos. 
En “And now memory is here, dictating to you (2017)”, Lobera utiliza una fotografía que documenta un momento específico del proceso de escaneado de la obra de los Van Eyck en Fotorama. En ella vemos de espaldas a uno de los directores del laboratorio, Johan Delcour, calibrando la luz del equipo sobre un panel blanco, a modo de preparación del posterior escaneado de los paneles. La artista confiere a esta imagen un sentido anacrónicamente profético, como si esta acción de proyectar luz sobre un superficie blanca no fuera un proceso meramente probatorio, sino una momento que subraya la imposibilidad de escanear —y por lo tanto, de retener, de fijar— aquella otra imagen perdida del panel de Van Eyck. 
La superficie blanca funciona en la obra de Lobera como un objeto simbólico, como un transmisor, capaz de invocar desde el presente un hecho histórico anterior y de mostrar este momento actual como una anomalía. Es un blanco que evidencia una disfunción, que insinúa un reverso inesperado en el supuesto destino de la imagen de Van Eyck. Lobera lo interpreta de un modo epifánico, como una suerte de filtración casi mágica del pasado en el presente. De ahí el título de la pieza, en el que la memoria asume la condición de un sujeto imperativo que incide en el presente a través de un mediador. And now memory is here, dictating to you es una frase extraída de la película Scénario du film Pasión (1982), de Jean-Luc Godard, en la que en un momento dado el director habla delante de una pantalla en blanco sobre sus ideas para un hipotético film. Esta pantalla blanca es, en la película de Godard, un espacio de especulación, una superficie que —como el panel blanco de Lobera— invoca desde su vacío, desde su ausencia de imagen, todas las imágenes posibles. La pantalla blanca de Godard y el panel blanco de Lobera participan así de cierta ecología visual, mostrando todas las imágenes en potencia sin mostrar ninguna imagen en concreto, y previniéndonos, por lo tanto, de la decepción que a veces acompaña la conversión de una idea o un recuerdo –por naturaleza abstractos e impermanentes– en una imagen, por naturaleza fija y concreta.  
Lobera de hecho convierte en pantalla cinematográfica la propia fotografía con la que trabaja, al ampliarla a escala real y situarla dentro del escaparate, en el cristal del cual el título de la obra se muestra en su condición original de subtítulo cinematográfico. La foto deviene así fotograma, película convertida en instante, y construye al mismo tiempo un trampantojo, pues se muestra al transeúnte como una simulación del interior del laboratorio, ofreciéndole la falsa posibilidad de observar el trabajo que se desarrolla dentro. La foto-pantalla está a su vez flanqueada por unas cortinas que funcionan como elemento mediador entre el espacio del transeúnte (que es el de la calle y la vida cotidiana) y el espacio de la imagen y la representación. Tanto esta especie de telón como la pantalla de cine, la fotografía y el trampantojo aluden a nuestra condición de espectadores y a los dispositivos que han ido conformando a lo largo de la historia nuestra manera de mirar y ver imágenes. El panel blanco remite también a ello, pero de otra forma. En nuestra contemporaneidad hipervisual, en nuestro mundo saturado de imágenes, el blanco luminoso de And now memory is here, dictating to you constituye, paradójicamente, un alegato de lo velado, de lo opaco, de lo que permanece oculto, y nos invita a pensar (y por lo tanto, a imaginar) lo que no podemos ver. 

FOTORAMA . Roeselarestraat 22 . B 8560 Wevelgem. Belgium

http://www.fotorama.be  http://www.almudenalobera.com

Imagen: Almudena Lobera 

COLONIA. Ignacio Llamas “Desolaciones” galería 100 Kubik

28 abril - 16 junio, 2017

Creo que hay dos tipos de vacío en las obras, el vacío físico real, que ya aparecía en las pinturas, con esos grandes espacios, esas grandes zonas sin rellenar, quizás por influencia de  algunas cosas que he leído del arte oriental. En las pinturas estaba como el espacio sin trabajar en el lienzo, eran vacíos con cierta densidad, que daban sentido a la obra, más que los propios elementos que había. Ahora en los objetos de volumen, el vacío ha sido ocupado por la luz, creando un espacio etéreo.

Para mí es importante, algo consciente en mi trabajo, una constante en los últimos años este buscar espacios, en el que generar ámbitos, lugares donde poder encontrarse con uno mismo, espacios de soledad, de intimidad, de reflexión; la mayoría de las piezas se llaman así. Al menos dar la oportunidad al espectador de que  pueda sentarse en la silla que pongo y hacer hueco dentro de sí, dejar todo lo exterior, para encontrarse consigo mismo, vaciarse de todo lo que no es intimidad profunda , también en ese sentido si que hay vacío. Ignacio Llamas”

A principios de los noventa Ignacio LLamas (*1970, Toledo), realiza su primera exposición individual. Desde entonces muestra con asiduidad su obra en galerías, museos y centros de arte.  A principios del 2002 traspasa el plano y se adentra en el espacio. Reflejando una gran intimidad, sus espacios blancos son habitados por árboles, el silencio, la luz matizadora que dibuja a través de las sombras la idea de transcendencia humana. La luz y el espacio son el eje principal en su obra.
A partir del 2009 comienza a trabajar paralelamente con la fotografía de sus arquitecturas fabricadas manteniendo sus planteamientos artísticos. Y en esa progresión su obra acaba saliendo de sus propios espacios para colonizar los que la acogen, creando instalaciones en las salas en las que se exhiben los objetos, integrándolos como parte de un espacio mayor. (100 kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.100kubik.de   http://www.ignaciollamas.es

Imagen: Ignacio Llamas. Soledades XIV. Impresión digital sobre papel de algodón. 2015

NEUENKIRCHEN. Lara Almarcegui “SAND” Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF

2 abril – 20 agosto, 2017

Para su instalación "Sand" en la sala del Springhornhof Lara Almarcegui ha volcado 120 metros cúbicos de arena en la planta baja de la Kunstverein. Casi de suelo a techo establece un juego de relaciones entre la arquitectura del edificio y su realidad material, así como entre el edificio y su contexto urbano. Al mismo tiempo que llama la atención sobre la arena como uno de los materiales de construcción más importantes del mundo y la disponibilidad de este recurso.

Las obras que Lara Almarcegui (Zaragoza 1972 residente en Rotterdam) que ha venido desarrollando a lo largo de casi veinte años cuestionan la frontera entre la decadencia urbana y la renovación urbana, y trata de hacer visible lo que tiende a pasar desapercibido. Aunque se centra en los espacios y estructuras abandonadas que se someten a un proceso de transformación, Almarcegui también investiga las diferentes conexiones que se pueden establecer entre la arquitectura y el urbanismo. Explora el estado actual de las zonas periféricas, su desarrollo, uso y decadencia y logra establecer un discurso sobre los diferentes elementos que constituyen la realidad física de un paisaje urbano en constante evolución

La exposición es un preludio del programa aniversario de Springhornhof por la celebración este año del quincuagésimo aniversario de sus proyectos de arte relacionados con el paisaje. (Springhornhof press-release)

Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF. Tiefe Straße 4. D-29643 Neuenkirchen (bei Soltau) Alemania

http://springhornhof.de/

Imagen: Lara Almarcegui 

MADRID. “Piedad y terror en Picasso. El Camino a Guernica” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 abril – 4 septiembre, 2017

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror? (Museo Reina Sofía press-release)

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia . C/ Santa Isabel, 52 . 28012. Madrid

http://www.museoreinasofia.es

Imagen: Pablo Picasso. Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

ATENAS. Daniel García Andujar, Mattín Artiach, Roger Bernat y el colectivo El Niño de Elche “Documenta 14: Aprender de Atenas”

8 abril – 16 julio, 2017

La exposición Documenta es una de las mayores muestras de arte contemporáneo del mundo que se celebra desde 1955 cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel y dura 100 días. Por primera vez en su historia, Documenta se celebra en dos sedes, la segunda es Atenas bajo el título Documenta 14: Aprender de Atenas.
Esta decimocuarta edición comienza en abril de 2017 en Atenas y luego se inaugura el 10 de junio en Kassel. De esta manera coinciden, de manera paralela, un mes en ambas ciudades. La co-organización de la 14ª edición de Documenta entre Kassel y Atenas es una propuesta de Adam Szymczyk, director artístico de la feria, quien explicó que el propósito de dicha decisión es «reflejar la situación actual en Europa y poner de relieve las tensiones palpables entre el norte y el sur». Szymczyk considera que la elección de Grecia se desmarca de los conflictos entre el país mediterráneo y Alemania y que su punto focal es su situación geográfica y la migración. «Lo que me interesa de Atenas es que se trata de una metrópolis que se conecta con otras a través del mar. Limita con Turquía, tiene una gran afluencia de inmigrantes procedentes de Asia y África. Atenas es un portal o una frontera a la que llega mucha gente que puede tener visibilidad », dijo Szymczyk.
Con esta iniciativa Documenta abandona por un año su papel de permanente anfitriona para convertise en invitada de Atenas. La dirección artística está a cargo de la comisaria y escritora Marina Fokidis, fundadora y directora artística de Kunsthalle Athena. En esta edición el director artístico de Documenta, Adam Szymczyk ha invitado a un grupo de artistas españoles a participar con el apoyo de AC/E: Daniel García Andujar, Mattín Artiach, Roger Bernat y el colectivo "El Niño de Elche" formado por Israel Galván, Pedro José González Romero y Francisco Molina. (AC/E press-release)

http://www.documenta14.de

Imagen: Documenta 14 Atenas

DALLAS. Picasso “Sueño y Mentira de Franco: La Guerra Civil Española” Meadows Museum

2 abril – 2 julio, 2017

Sueño y mentira de Franco es un conjunto de 18 pequeñas imágenes que Pablo Picasso grabó en dos planchas de cobre, entre enero y junio de 1937. Guarda estrecha relación con el famoso cuadro Guernica y se considera la primera obra de Picasso con contenido claramente político, como denuncia contra la guerra civil española y contra Francisco Franco. Tanto el citado cuadro como los grabados fueron destinados al Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de ese año. Los grabados se estamparon en un tiraje numerado inusualmente grande (mil ejemplares), a fin de recaudar fondos para la causa republicana.

En junio ​​de 2017 se conmemoran ochenta años de la producción del Guernica por Pablo Picasso (1881-1973), obra realizada en respuesta a los horribles acontecimientos de la Guerra Civil Española (1936-1939). En enero de 1937, Picasso comenzó a trabajar en una serie de grabados titulada El sueño y la mentira de Franco. Los grabados fueron realizados en apoyo al gobierno republicano español, atrapado en una horrible guerra civil con el partido conservador nacionalista encabezado por Francisco Franco (1892-1975). Estos grabados fueron las primeras obras expresamente políticas de la carrera de Picasso, diseñadas para satirizar a Franco y deslegitimar su causa.
Pero el bombardeo del pequeño pueblo de Guernica el 26 de abril de 1937 tendría un impacto radical en el proyecto de Picasso. Este acontecimiento interrumpió la ejecución de la segunda plancha e inmediatamente inspiró el Guernica, una de sus obras más ambiciosas y célebres; Picasso volvió a continuar su serie de grabados solamente cuando acabó “El Guernica”
La colección Meadows posee el único conjunto casi completo de pruebas de estas impresiones en los Estados Unidos. Estas pruebas, que señalan las etapas del proceso de trabajo de Picasso de principio a fin, antes y después del bombardeo de Guernica, revelan los efectos visibles de este acontecimiento en el arte de Picasso en respuesta a la Guerra Civil española. Los grabados finales se exhibirán junto a estas pruebas como medio de dramatizar el impacto del momento histórico que esta exposición conmemora en su producción y, finalmente, en su forma final.
El sueño de Picasso y la mentira de Franco se produjeron durante un período que fue testigo de una explosión de trabajo creativo en papel, en formato de carteles, dibujos animados, postales e ilustraciones satíricas. El Museo Meadows posee un conjunto de carteles de este periodo que son ejemplares del contexto temático y visual-cultural del que surgió el Sueño y la Mentira de Franco. (Meadows Museum press-release)

Meadows Museum, 5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205

https://meadowsmuseumdallas.org

Imagen: Picasso “Sueño y Mentira de Franco” Meadows 

BELGRADO. Rubén Salgado Escudero “Retratos solares” Instituto Cervantes

8 abril – 30 junio, 2017

La Agencia Internacional de Energía estima que alrededor de mil millones de personas en el mundo siguen viviendo sin acceso a la electricidad, más del 95% de estas personas son, ya sea en el África subsahariana o Asia en desarrollo. En estas partes del mundo, casi todo el trabajo rural no está aún mecanizado, y las velas (aunque caras y peligrosas) son su única fuente de luz disponible en cuanto se pone el sol. Como la construcción de la infraestructura necesaria para conectar aldeas remotas y rurales a la red aún llevará mucho tiempo, la energía solar es una solución viable y muy necesaria que tiene el potencial de mejorar la vida de millones inmediatamente. La energía fotovoltaica, con sistemas de bajo coste puede proporcionar a los hogares al menos 12 horas de luz durante la noche, lo que permite a los pobladores de estas zonas ampliar su actividad, sin costo adicional y con el uso de un sistema que reduce las emisiones de CO2.

Ganador del Sony World Photography Award por este trabajo, Rubén Salgado participará en un coloquio previo (a las 17:30h) en el que nos contará, entre otras cosas, por qué decidió abandonar una exitosa carrera en el mundo de los videojuegos para volcarse en la fotografía documental. (I.Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Cika Ljubina, 19. 11000 Beograd (SERBIA)

http://www.rubensalgado.com   http://belgrado.cervantes.es

Imagen: Rubén Salgado Escudero

DIÁLOGOS SIN PALABRAS. Diálogos sin Palabras 08. Gisela Ráfols / Eva Diez

El nuevo espacio de proyectos on-line “Diálogos Sin Palabras”  tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Diálogos sin Palabras 08. Gisela Ráfols / Eva Diez

Diálogo 08. Gisela Ráfols

Diálogo 07 Eva Diez

Gisela Ràfols  (Vilafranca del Penedès, 1984) realiza un trabajo sincero donde se reflexiona sobre el conflicto con uno mismo, la lucha eterna sin fin que cada uno puede sentir con su propio ser, como la lucha que el artista tiene con su obra, un amor-odio que tantas veces se convierte en el que da vida y sentido al ser de su trabajo. Gisela Ràfols vive y trabaja en Beijing. Es licenciada en Fotografía y Creación Digital por la Universitat Politècnica de Catalunya en el Centro de la Imagen y Tecnología Multimedia, así como también ha impartido parte de sus estudios en el Art College University of Falmouth, Inglaterra. En su trayectoria artística cabe destacar su actividad tanto a nivel nacional como internacional, exponiendo en Galerías y Ferias de arte en ciudades como Barcelona, Madrid, Lisboa, Berlín, Buenos Aires, New York o Beijing  http://giselarafols.com/

Eva Díez (Vigo, Pontevedra, 1982) es una artista cuyo trabajo puede calificarse de “fotopoético” por la clara intencionalidad lírica que desprenden sus fotografías. En ellas juega con la simbología de la luz y la estética de la ruina para dar paso a una reflexión sobre la imagen inmemorial del hogar. Toda su producción manifiesta un cierto carácter escenográfico que se ha ido haciendo cada vez más sutil, dejando atrás la intención esteticista de sus primeras piezas para centrarse principalmente en la pureza del concepto de la habitabilidad del espacio.

En su trabajo, las referencias a la ensoñación poética de Bachelard son frecuentes, teniendo en cuenta la simbología del hogar como una metáfora plástica de nuestro inconsciente, un estimulo para la memoria y la imaginación. http://evadiez.es

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Diálogos sin Palabras 08. Gisela Ráfols / Eva Diez 

quepintamosenelmundo.com

BURDEOS. Lluc Queralt “En tránsito” Instituto Cervantes

3 abril – 16 junio, 2017

La obra de Lluc Queralt habla de viajes, de la fotografía y de una manera especial de ver el mundo. A la manera de un documental, nos desvela lo cotidiano a través de imágenes de composición clásica, con un gran dominio de la luz y del blanco y negro. Pero también encontramos en ellas un fuerte componente expresivo, un lenguaje intimista y una poesía muy especial. Las imágenes expresan una serenidad y una implicación personal, una proximidad y una gran sensibilidad. En su trabajo, encontramos los mismos temas, son como obsesiones: retratos, carreteras y reflejos. El autor encuentra en las carreteras y en los reflejos el placer de mirar de otra manera, como si unas realidades paralelas salieran del agua o de la negrura del asfalto.

Visita comentada por el artista el sábado 8 de abril a las 9.30h (I. Cervantes pree-release)

Instituto Cervantes. 57 Cours de l´Intendance. 33000 Burdeos. (FRANCIA)

http://burdeos.cervantes.es   http://llucqueralt.com

Imagen: Lluc Queralt   

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