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Foto: B. Mora

GUADALAJARA. MEX. Carlos Aires y Miki Leal “Abierto Abierto” PAOS GDL

15 enero – 26 febrero 2018

#AbiertoAbierto es un proyecto de intercambio artístico entre Open Studio Madrid (Asociación Open Mind Arte y Cultura) y PAOS GDL, que se realiza en busca de interacción, colaboración y discusión entre artistas españoles y mexicanos, y en general de abrir una plataforma de diálogo y reflexión cultural y crítica, entre las escenas del arte de España y México. A partir de un plan de residencias internacionales, Abierto- Abierto propone abrir otros espacios de trabajo y proyección desde la socialización de los procesos de investigación y producción de artistas, trabajando desde sus propios contextos y como visitantes en otras plataformas.

Este proyecto arranca en 2018 con la participación de los artistas Carlos Aires y Miki Leal (España) y Octavio Abúndez e Isa Carrillo (México), quienes han sido seleccionados por los organizadores para este programa piloto. Colabora AC/Española

PAOS GDL. Aurelio Aceves #27. 44130 Guadalajara (México)

http://paosgdl.org  http://openstudio.es

Imagen:Paos Gdl

SANTO DOMINGO. “Esperando a Thoreau: Expresiones Desobedientes” Colegio de Gorjón. Centro Cultural de España

26 enero – 3 marzo 2018

Una invitación a compartir inquietudes, vivencias y deseos de una generación de jóvenes atravesada por eso que se ha convenido en llamar crisis, y que sin embargo quienes la sufren la califican de estafa. Sentimientos y experiencias materializados en discurso político a través de la obra artística de jóvenes comprometidos con su presente. Comisario: Gerardo Silva Campanella.

Artistas: Abel Azcona, Marco Godoy, Núria Güell, DosJotas , Cristina Llanos, Daniel Mayrit, Daniela Ortiz  y Beatriz Sánchez

La selección está compuesta por artistas de trayectorias heterogéneas, pensando en proporcionar al espectador una variedad de puntos de vista y temas tratados. Mientras que Nuria Güell explora en los límites del poder y la legalidad a través de perfomance, intervenciones o vídeo, Abel Azcona reflexiona desde la experiencia autobiográfica y a través de sus trabajos performativos sobre feminismo, sexualidad, religión o memoria. Daniela Ortiz lleva a cabo proyectos críticos sobre nociones como colonialismo, desigualdad, racismo, y Dos Jotas investiga las contradicciones en el espacio público y la normativización institucional muchas veces encubierta. La fotografía es la herramienta principal de Daniel Mayrit, que propone un estudio sobre la representatividad, los medios de comunicación y el uso a veces perverso de las tecnologías en manos del Estado. La producción multimedia y el sentido del humor caótico es el campo de Beatriz Sánchez, preguntándose por el ser humano y su comportamiento. En el caso de Marco Godoy estamos ante un trabajo que interpela directamente al poder y su uso de imágenes y símbolos para legitimarse. Por último, pero no menos importante, Cristina Llanos, que desde el dibujo, la pintura e incluso la escultura narra el conflicto en los procesos de construcción del sujeto en la actualidad, tratando temas como la juventud, el cuerpo o la maternidad

Centro Cultural de España. Arzobispo Meriño #2, Ciudad Colonial,
Santo Domingo, República Dominicana

https://ccesd.org

Imagen: Abel Azcona “Enterrados” Pamplona 2015

BARCELONA. Blanca Casas Brullet “Material Sensible” Rocio SantaCruz Art

11 enero  – 10 marzo, 2018

Desde sus inicios, el trabajo de Blanca Casas Brullet (Mataró, 1973) se ha nutrido de imágenes inscritas en el lenguaje cotidiano, de la polisemia y de la carga poética que se esconde en los intersticios y en el paso de un idioma a otro.

Las figuras retóricas y las imágenes de la lengua que invocamos para dar cuenta del mundo impregnan la mirada de la artista, siempre atenta a las pérdidas y a los falsos amigos, a los malentendidos y al potencial poético –y en ocasiones también lúdico– de la traducción.

Desde hace unos años la artista se interroga plásticamente sobre el momento de la aparición de la imagen, así como su proceso de fabricación. Concibe, al fin y al cabo, el trabajo de creación como el lugar donde desarrollar un lenguaje plástico para intentar “hacer sentido” al tiempo que se “hace forma”. Es por ello que el taller, la mesa de trabajo, la página en blanco son el centro de sus dispositivos de exposición, así como los desbordamientos, arrugas, agujeros y accidentes que acontecen en el proceso de la materia plástica en transformación.

Encontramos, en la obra de Blanca Casas, materiales, medios y procesos utilizados de forma contradictoria en propuestas paradójicas que ponen en cuestión el ensayo, la tentativa o lo inacabado. Propuestas que hablan de manera metonímica del trabajo a partir de la interrogación sobre su propia consistencia: la imagen se nos presenta como inestable, no fijada, en forma de objetos inciertos e incipientes.

Así pues, el conjunto de tentativas y errores que habitan los rincones del taller, los papeles arrugados que llenan las papeleras, los montajes a veces dispendiosos de materiales diversos, nos hablan del propio trabajo de investigación plástica. Y es que a pesar de la tendencia a esconder el error (en un mundo que se querría eficaz), la deriva y el ensayo, el accidente y lo inesperado se encuentran en la base de todo proceso de aprendizaje y de creación, en la raíz misma del trabajo, sea o no artístico.

En Material sensible, la interrogación sobre lo fragmentario, lo discontinuo o lo inestable remite a la noción de precariedad. Su exploración plástica se sitúa en la suspensión entre dos estados, al tiempo que, dentro de su lógica paradójica, la artista se apropia en esta ocasión de materiales de construcción para preguntarse cómo resistir y construir desde ese espacio incierto. Las formas plásticas y los materiales entran en resonancia con situaciones sociales, económicas, políticas, históricas, pero sin ser una ilustración de las mismas.

Se trata, en definitiva, de una exploración desacomplejada de la polisemia y la analogía, componiendo con palabras, materiales y formas, con desplazamientos, pérdidas y enriquecimientos, las desviaciones y las interrelaciones propias de la traducción de una disciplina a la otra, de una técnica a otra, de un medio a otro. (Rocio SantaCruz press-release)

Rocio SantaCruz Art. Gran Via de les Corts Catalanes 627. 08010 Barcelona

http://rociosantacruz.com

Imagen : Blanca Casas Brullet. Plan de travail, 2015

LONDRES. Alejandra Carles-Tolra “Premios Jerwood/Photoworks” Jerwood Space

17 enero - 11 marzo 2018 

Los nuevos trabajos de  Alejandra Carles-Tolra junto a los de Sam Laughlin y Lua Ribeira se muestran en Jerwood Space, en la segunda exposición de los Premios Jerwood / Photoworks. La exposición explora temas como la muerte, la pertenencia y la fragilidad del mundo natural. Tras su inauguración en Londres, la exposición se podrá ver en  Bradford y Belfast.

Alejandra Carles-Tolrá está interesada en la relación entre la identidad individual y grupal y cómo una identidad influye en la otra. En Where We Belong, explora temas de pertenencia, feminidad y escapismo siguiendo a un grupo de devotos de Jane Austen.

Alejandra Carles-Tolrá es fotógrafa y profesora de fotografía de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su obra ha sido expuesta y reconocida a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido. 

Jerwood Space, 171 Union Street, London SE1 0LN

jerwoodvisualarts.org 

http://www.alejandractr.com

Imagen: “The Bears” Alejandra Carles Torla

SOMERSET. Fernando García-Dory “"La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás” Hauser & Wirth

20 enero – 7 mayo, 2018

Hauser & Wirth Somerset se complace en presentar "La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás" (The Land We Live In - The Land We Left Behind), comisariada por Adam Sutherland. Esta ambiciosa muestra de investigación explora la naturaleza contradictoria de la relación de la sociedad con el medio rural. La presentación presenta a más de 50 artistas y creativos internacionales, así como obras en préstamo, de artistas desde el siglo XVI hasta la actualidad, incluidos Paul McCarthy, Beatrix Potter, Carsten Höller, Laure Prouvost, William Holman Hunt, Samuel Palmer y Frank Lloyd. Wright, Marcus Coates, Fernando García-Dory, Mark Dion, Roni Horn, Aaron Angell y Mark Wallinger.

Con protagonistas que van desde los anacoretas del siglo 10 hasta los ruralistas urbanos del siglo XXI, "La tierra en la que vivimos - La tierra que dejamos atrás" cuenta la evolución de la conexión de la humanidad con la tierra, nuestra percepción y confianza en ella. Los espectadores tendrán la oportunidad de involucrarse con los temas de la exposición a través de una serie de proyectos participativos de artistas y presentaciones prácticas, como acuaponía, fermentación, ordeño de cabra o fabricación de queso.

El título de la exposición se refiere a un brindis utilizado por los inmigrantes en los siglos XVIII y XIX, que celebraba la tierra en la que habían llegado, seguido de una réplica que conmemoraba su país de origen, un lugar que para muchos encarnaba el anhelo romántico. Las obras seleccionadas sugieren lo rural como un laboratorio para el desarrollo de ideas, en particular la noción de una utopía rural, explorando a los inmigrantes religiosos, los escapados industriales, las metáforas de la huida de Egipto y el regreso al Edén, que están incrustados en el inconsciente colectivo de la humanidad. La exposición explora estos temas tangibles de la fricción territorial, la procreación, la muerte y nuestro instinto de base primigenia, en el contexto de una encarnación arcaica y más esquiva de lo rural.

Al llegar a Hauser & Wirth, los espectadores de Somerset pueden encontrar cabras pastando en la granja; el artista Fernando García-Dory y Hayatsu Architects han creado un pabellón de madera, una obra funcional, para que las cabras puedan escalar y socializar.

El trabajo de Fernando García-Dory (Madrid 1978) se relaciona específicamente con la relación entre cultura y naturaleza en la actualidad, se manifiesta en contextos múltiples, desde el paisaje y el campo, hasta los deseos y expectativas relacionados con la identidad, de la crisis (global) a la utopía y el potencial para el cambio social. Estudió Bellas Artes y Sociología Rural, y ahora prepara su doctorado en Agroecología. Interesado en la complejidad armónica de las formas y procesos biológicos, su trabajo aborda las conexiones y la cooperación, desde los microorganismos a los sistemas sociales, y desde los lenguajes artísticos tradicionales como el dibujo a proyectos agroecológicos colaborativos, acciones y cooperaciones.

Hauser & Wirth Somerset. Durslade Farm, Dropping Lane, Bruton, Somerset BA10 0NL. U.K

https://www.hauserwirth.com

http://fernandogarciadory.info

Imagen: “The Land We Live In – The Land We Left Behind” Hauser & Wirth

 

COLONIA. Matías Krahn “Rubedo” Galería 100 Kubik

26 enero -13 marzo, 2018

Matías Krahn utiliza el pasado y el presente de la pintura de manera consciente, como partes de un todo que no puede llegar a completarse nunca y en el que lo caótico da paso al orden y el orden al caos. Sus obras son una danza entre lo orgánico y lo artificial, lo simbólico y lo formal, un viaje al origen de los deseos, al útero de los sueños, donde el pintor a través de sus personales formas y la riqueza de su color nos transporta a un mundo complejo y vitalista, irracional y anhelado.

Con “RUBEDO”, Matías Krahn nos presenta la última serie de su viaje alquímico hacia la propia autognosis como artista, la cual une y combina las precedentes. Después de “Nigredo” y “Albedo” el lenguaje pictórico auténtico tanto como la signatura estilística de Krahn obtienen por repetido aún más estabilidad harmónica: aspectos como el uso de un rico y puro colorido y la materialidad poética de la superficie siguen teniendo prioridad. Esperamos que este resultado ingenioso de un querer entender el mundo les sorprenda muy gratamente y les encante tanto como a nosotros! (100 Kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://matiaskrahn.net

http://100kubik.de

Imagen: S/T. Matías Krahn

BARCELONA. Kenor “Rítmica” N2 Galeria

11 enero – 2 marzo, 2018

N2 Galería presenta la exposición Rítmica, del artista multidisciplinar Kenor.

Además de ser reconocido internacionalmente por su trayectoria en el street-art, Kenor ha expuesto con éxito su trabajo de estudio en galerías y ferias de Francia, Bélgica, Italia y Estados Unidos. La abstracción geométrica que caracteriza su obra es una reinterpretación visual de la música. En efecto, el proceso creativo comienza usualmente eligiendo una canción e interpretándola. En esta ocasión ha estado presente la música techno de Detroit, su ritmo abstracto y futurista. A cada beat parece corresponderle un gesto, un color. Las líneas se entrecruzan y se superponen unas sobre otras. Del mismo modo que el compás forma el color de la canción, el conjunto de líneas y sus colores forman el ritmo de la obra. Así, se asocia una melodía o un cambio de ritmo a cada conjunto de líneas y colores. En palabras del propio artista, lo que pretende es incitar al espectador a «sentirse parte de un fragmento sonoro».

Las obras que nos presenta son fragmentos sonoros audibles por el efecto sinestésico que provocan los movimientos y colores capturados. Una de las peculiaridades de esta exposición es que por primera vez cobra protagonismo la escultura por encima del lienzo. El trabajo escultórico actual de Kenor continúa siendo cercano a sus primeras instalaciones en espacios abandonados, cuando empleaba los materiales residuales que quedaban tras el desmantelamiento, principalmente el hierro y la madera. Es destacable en este artista la coherencia entre su obra de street-art y su obra de estudio desde sus comienzos hasta el día de hoy. Los instrumentos, los materiales y la carga conceptual de sus obras en una y otra vertiente son los mismos y siguen una evolución paralela. El movimiento directo y natural de sus líneas pintadas con spray en la calle, es capturado en las telas con una acción limpia y expansiva. Abunda en su obra la fragmentación de esas líneas en trozos de color. En algunos casos parece como si el contorno de las líneas implosionase y, en otros, como si salpicaduras externas contagiasen la escena. En ambos casos transmite una sensación de movimiento y ritmo, de ahí el título de esta exposición, que nos indica, por un lado, la base sobre la cual trabaja sus obras y, por otro, la manera de interpretarlas. Su intensa actividad “indoors” no le ha impedido seguir trabajando en el espacio urbano entendiéndolo siempre, no como un escaparate para darse a conocer, sino como una exigencia personal casi obsesiva de interactuar con el espacio, con los transeúntes y consigo mismo, a fin de alcanzar una sensación de libertad creativa que retroalimenta su trabajo de estudio. (N2 press-release)

N2 Galería. Enrique Granados, 61. 08008 BARCELONA

http://www.n2galeria.com

http://elkenor.com

Imagen. Kenor “Rhythim is Rhythim”. 100 x 100 cm. Acrylic on canvas. 2017 

SAN FRANCISCO. Walter Martin y Paloma Muñoz “Through That Which Is Seen” The Palo Alto Art Center

20 enero – 8 abril  2018

La exposición destaca el uso de dioramas en el arte contemporáneo, con obras de Walter Martin y Paloma Muñoz, entre otros artistas.
Se puede decir mucho sobre por qué persiste la práctica de crear mundos en miniatura y, en particular, por qué tantos artistas contemporáneos consideran que esta forma de arte es una herramienta útil de expresión. Los dioramas pueden convertir incluso los temas más mundanos en algo especial; fomentan una mirada extendida; son un medio de escape de lo cotidiano y una ventana hacia el mundo de los sueños; mezclan la fantasía y la realidad de forma tan fluida que somos transportados mágicamente a otra dimensión.
Cada uno de los artistas en esta exposición cuenta una historia a través de esculturas, fotografías, pinturas o videos. Algunas de estas historias, como las de Walter Martin y Paloma Muñoz, están llenas de alienación y humor negro, y algunas cristalizan una sensación de aprensión o un apocalipsis venidero. Otras son comentarios sociales cuidadosamente elaborados, ya sea sobre eventos actuales o sobre la controvertida historia del diorama mismo. Muchos son pura ensoñación. Todos ellos reflejan la cuidada producción y el mundo de sueños interno de sus creadores.
Durante siglos, los artistas han tratado de adaptar la escala de la realidad a límites más pequeños: lienzos enmarcados, estatuas cinceladas, retratos en marfil ... Walter Martin y Paloma Muñoz se han subido a su propio nicho. Conocidos en colaboración como Martin & Muñoz, crean escenas en miniatura tridimensionales con grandes dosis de terror y humor negro y los colocan dentro de globos de nieve.
Artistas participantes: Matthew Albanese, Gregory Euclide, Abigail Goldman, Ju Lim, Walter Martin y Paloma Muñoz, Didier Massard, Michael McMillen, y Gerber, David Opdyke, Curtis Talwst Santiago, Joshua Smith, Wendy Red Star, Charles Young

The Palo Alto Art Center. 1313 Newell Rd, Palo Alto, CA 94303

https://www.martin-munoz.net

https://www.cityofpaloalto.org

Imagen: Walter Martin y Paloma Muñoz

MULHOUSE. Cristina de Middel “Muchísmo” La Filature, Scène nationale

11 enero – 9 marzo 2018

Crítica de arte, comisaria, descubridora incansable y prolífica autora, Christian Caujolle presenta una exposición individual de la artista española Cristina de Middel, explorando su trabajo fotográfico y editorial.
Cristina de Middel (Alicante, 1975), uno de las fotógrafas más originales y prolíficas del mundo, continúa frenéticamente trabajando en muchos proyectos desde el enorme éxito que alcanzó su serie en 2012, Los Afronautas.

Ex reportera gráfica ha desarrollado durante varios años una búsqueda personal, en un enfoque más conceptual, abandonando poco a poco la prensa para introducirse de lleno en el mundo del arte. En 2017, es nominada por la agencia Magnum Photos y recibe el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español. Para su proyecto Muchísmo, creado en Madrid en junio de 2017, Cristina de Middel elige volver a visitar la totalidad de su obra y colgarla tal como la guarda en su estudio, es decir, sin orden aparente y en un acumulación colosal. La exposición presenta cerca de 400 imágenes realizadas en Zambia, Brasil, Lagos, India, Níger ... y se presenta por primera vez en Francia en el festival Vagamondes. (La filature press-release)

La Filature, Scène nationale - 20 allée Nathan Katz – Mulhouse. Francia

www.lademiddel.com

http://www.lafilature.org

Imagen: Cristina de Middel

BURDEOS. “Equipo Crónica: crónicas sobre papel” Instituto Cervantes

 9 enero – 19 febrero 2018

Los artistas Rafael Solbes, Juan Toledo y Manolo Valdés crean en Valencia en 1965 el grupo Equipo Crónica y firman un manifiesto en el que se definen como un grupo de trabajo, con métodos colectivos y fines supraindividuales.  Critican las imágenes de la cultura y de la sociedad contemporánea con el dibujo y la ilustración. Solbes y Valdés -Toledo se retira pronto- trabajan siempre en equipo, desarrollando series. Deformando la imagen inicial de las grandes obras de la pintura española (Velásquez, Goya, Picasso) cuestionan las relaciones entre los artistas, el poder y los espectadores.  Las obras de Equipo Crónica han sido compradas para colecciones privadas y públicas: Moderna Museet, IVAM, MNAM Paris… (I.Cervantes press-release)

Instituto Cervantes 57 Cours de l'Intendance, 33000 Burdeos

http://burdeos.cervantes.es

Imagen: Equipo Crónica. DR

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