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Foto: B. Mora

BOGOTÁ. Ignasi Aballí “Sin principio / sin final“ Museo de Arte de la Universidad de Colombia

4 octubre 2017 – 3 marzo 2018

Sin principio / sin final es una muestra antológica de la obra del artista Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) comisariada por João Fernandes, que se celebró en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre los meses de octubre de 2015 y marzo de 2016, y que incluía algunas obras que se presentaban por primera vez. AC/E colabora en esta itinerancia de la misma en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá. La nueva exposición está co-comisariada por João Fernandes junto a la directora del Museo de Arte de la Universidad, María Belén Sáez de Ibarra.
El trabajo de Ignasi Aballí desafía permanentemente la atención y percepción del espectador. Utilizando estrategias características del arte conceptual, como el texto, el archivo y el documento, sus proyectos subvierten las distinciones entre géneros artísticos como la pintura, la literatura, la fotografía, la instalación, el cine y el vídeo y cuestionan, asimismo, el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte y el valor cultural o económico de los objetos.
Desde los inicios de su trayectoria en los años 80, una serie de constantes y preocupaciones han centrado su labor: la invención y reorganización de textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así, relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que se les atribuye.
La obra de Ignasi conjuga piezas con un alto contenido crítico, creadas mediante el uso de referentes cotidianos, para aludir a la propia exposición de su obra y al juego de la percepción por parte del espectador.(AC/E press-release)

Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Carrera 45 No 26-85 – Edificio León de Greiff. Bogotá D.C. – Colombia

http://patrimoniocultural.bogota.unal.edu.co http://www.ignasiaballi.net

Imagen: Ignasi Aballí

 

MADRID. Ana Prada “Perfección” Galería Helga de Alvear

14 septiembre – 25 noviembre, 2017

Perfección es el título que la artista Ana Prada ha elegido para su nueva exposición en el espacio de la galería. Una rotunda declaración de intenciones que quiere definir su práctica artística.

En palabras de la propia artista «buscar la perfección es como perseguir rayos de luna o como cazar sombras; inútil, pero eso no evita que los soñadores lo intenten».

Los sueños de Ana Prada consisten en dar con el jarrón perfecto, con la cuchara perfecta, con la vela perfecta. A través de este tipo de sueños, se enfrenta con lo que se podría denominar el problema de la silla de Platón: todas las sillas están determinadas por la idea de silla, todos los panes por la idea de pan.

Para ella lo más importante de su relación con la perfección es cómo se enfrenta con la falta de ésta, promoviendo la repetición y modificación infinita.

Por ello, las piezas que presenta se basan en esa búsqueda constante y sin fin del objeto perfecto, o al menos, del momento fugaz de la perfección. (Helga de Alvear press-release)

Galería Helga de Alvear. Doctor Fourquet 12 | ES–28012 Madrid 

http://www.helgadealvear.com

Imagen: Ana Prada. “Perfección” Galería Helga de Alvear

GDÁNSK. Blanca de la Torre “Imbalance” Laznia Centre for Contemporary Art

22 septiembre – 19 noviembre, 2017

Comisariada por Blanca de la Torre, Imbalance busca inducir a la reflexión sobre el potencial del arte como un camino útil para revisar nuestros conceptos acerca de algunos de los problemas a los que se enfrenta el medio ambiente en la actualidad. El enfoque de la exposición implica entender que nuestras concepciones de la realidad o de lo que es un hecho natural tienen que volver a ser examinadas a partir de la base que de nuestra situación actual de "ecocidio"depende —directa o indirectamente—de la manera en que hemos instrumentalizado nuestro medioambiente natural.

La exposición en el Laznia Centre for Contemporary Art está estructurada en cuatro capítulos conceptuales: 1. La domesticación del paisaje, la política de la tierra y otras dialécticas de la naturaleza, 2. Catástrofes medioambientales como consecuencia del Capitaloceno, 3. Un análisisdel Sur global y 4. Gestión de recursos y hábitos de consumo.

Las obras seleccionadas —a pesar de proceder de distintos enfoques tanto en lo que respecta a los modos como a los medios— suponen una contribución a la renovación de nuestras reflexiones sobre la idea de la naturaleza y a la búsquedade un nuevo paradigma para comprender nuestra relación con ella.

El momento actual ha sido denominado Antropoceno (un término introducido originalmente por el geólogo italiano Antonio Stoppani en 1873) y fue popularizado por Paul Crutzen en el año 2000, que lo diferenció del anterior periodo del Holoceno, admitiendo que el hombre es responsable del estado de degradación del planeta, un estado que inició su vertiginoso descenso a partir de la Revolución Industrial. "Antropoceno" es un término general que elude la intrincada red de implicaciones políticas, ecológicas y coloniales que afectan al deterioro ecológico del planeta. Por el contrario, "Capitaloceno", un término empleado por algunos pensadores como Donna Haraway, Andreas Malm y Jason Moore, señala con mayor precisión a la era del capitalismo.

El objetivo de la exposición en su conjunto es ofrecer un acercamiento a aquellas manifestacionesartísticasque están avanzando hacia la ecología política y llevando a cabo una revisión de nuestra visión ecológica, así como tratar de entender el arte desde ese punto de vista. El arte debería ser una forma de contribuir al debate público sobre las diferentes construcciones de la llamada "ecología". El desafío al que nos enfrentamos es encontrar un modo de abordar el actual "ecocidio" a través del arte con el fin de revelar la insostenibilidad de los sistemas existentes, las relaciones de desequilibrio y los modelos de poder globales.. Comisariado: Blanca de la Torre

Artistas: Lara Almarcegui, Sergio Belinchón, Julius Von Bismark, Kamila Chomicz, Lúa Coderch, Mujeres Creando, Joan Fontcuberta, Philipp Fröhlich, Chus García Fraile, John Gerrard, Máximo González, Andreas Gursky, Federico Guzmán, Cecylia Malik, Antoni Muntadas, Jun Nguyen-Hatsushiba, Oligatega Numeric, Perejaume, Marjetica Potrč, Xavier Ribas, Anri Sala, Allan Sekula, Jennifer Steinkamp, Superflex, Manuel Vázquez (MUSAC press-release)

Laznia Centre for Contemporary Art. 1, Jaskolcza st. 80 – 767 Gdarisk. Poland

http://www.laznia.pl  http://musac.es

Imagen: Federico Guzmán. MUSAC

BARCELONA. “Ciutat de vacances” Arts Santa Monica

03 octubre – 19 noviembre, 2017

“Ciutat de vacances” es un proyecto que une los esfuerzos de las tres instituciones y toma forma en Venecia como lugar en el cual visibilizar los resultados de los trabajos de investigación y producción desarrollados en Es Baluard y Arts Santa Mònica. A ellos se suma el MACA (Alicante) y desde Italia el IED como formación pedagógica para el diseño de un prototipo de punto de información turísticafake efímero y un grupo de investigación.
Con el desarrollo de este punto de información turística, podremos continuar testando y analizando en tiempo real el fenómeno de las corrientes de desplazamiento planetario y su relación con las ciudades en este momento de máxima intensidad de un tipo de turismo fundamental: el turismo del arte durante la Bienal más importante del mundo, la de Venecia.
El proyecto cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española, AC/E, y de la Vicepresidencia y Consejería de Innovación, Investigación y Turismo de las Baleares (Agència de Turisme de les Illes Balears - ATB), y con la colaboración de la Federación Empresarial Hotelera de Mallorca (FEHM) y del Polo Museale del Veneto, así como otras entidades públicas y privadas.
Ciutat de vacances: punto de información turística en el Palacio Grimani está siendo desarrollado por los alumnos del IED – Istituto Europeo di Design (Venezia) y se ubicará en el acceso a la primera planta de dicho palacio. 
En él se presentan los trabajos desarrollados desde 2016 por: Juan Aizpitarte, Ángela Bonadies, Domènec, Idensitat (Ramon Parramon y Gaspar Maza), Left Hand Rotation, Ángel Marcos, Neus Marroig, Marc Morell, Ana A. Ochoa, Irene Pittatore, Marina Planas y Arxiu Planas, Miguel Trillo. Dirección general y comisariado: Nekane Aramburu (Es baluard press-release)

Arts Santa Mónica. La Rambla, 7, 08002, Barcelona

http://artssantamonica.gencat.cat/ca/detall/Ciutat-de-vacances

 Imagen: Ángel Marcos. “End of Season”

MILÁN. Nuria Mora “Drishti” Galería Patricia Armocida

27 septiembre - 25 noviembre, 2017

La Galería Patricia Armocida se complace en presentar la primera exposición en Italia de la artista española Nuria Mora, exposición comisariada por Fabiola Naldi. La artista presentará veintiún trabajos en acrílico sobre papel y dos instalaciones específicas.
"El universo de Nuria es una mezcla de estímulos externos e internos, empezando por su familia artística, su padre arquitecto y en la universidad de Madrid, donde cursó sus estudios de arte y arquitectura que se convirtieron en el pretexto para empezar a mirar el espacio con una mirada particular, donde cada parte, tanto entonces como ahora, podría convertirse en un nuevo hipertexto visual de formas, códigos, lenguajes y cromatismos.
Nuria desarrolla nuevas formas, líneas y módulos capaces de incorporarse a los distintos tipos de arquitectura, opta por soluciones que flotan entre lo abstracto y lo concreto, donde los fitomorfismos de diversos orígenes se convierten en un solo código, una firma sin firma. La artista afirma que no hay referencias directas a la historia del arte o la arquitectura, pero al observar sus creaciones, se puede detectar una conexión con el neoplasticismo en el que las figuras geométricas, en el caso de Nuria, están distorsionadas, con líneas inclinadas y la rigidez de ángulos es suavizada por una paleta típicamente mediterránea inspirada en la tradición popular, por el estilo románico español, y por el paisaje urbano contemporáneo con sus paradojas visuales.

Para Drishti, la primera exposición individual de la artista en Italia, las características no convencionales de su rasgo se combinan y se comunican con el espacio ocupado. Drishti es un enfoque iniciático, es el instante en que el cuerpo, en una pose de yoga específica, canaliza la energía necesaria para asimilar nuevos estímulos. Por lo tanto, el título debe considerarse un punto de partida, abierto a cualquier elección hecha por la artista que en este caso opta por una gran instalación “Boyas” y diversos trabajos sobre papel cuyos patrones creados en la calle revelan soluciones nunca antes vistas, nuevas codificaciones y configuraciones específicas. Estas formas cromáticas evolucionan para ayudar a la expansión de un motivo, dentro del cual los matices elaborados se entrelazan.
Tanto con las boyas como con las obras de acrílico sobre papel, el objeto no se modifica en el sitio, sino que se retira, se apropia indebidamente para cambiar su función inicial. En sus obras pasadas con polos de utilidad, algunas de las piezas las ha realizado en cerámica para funcionar como un no conductor y un conector: aquellos objetos, creados para un propósito específico, cuando se ven solos son elementos en sí mismos, cuerpos hechos de un antiguo material a través de un proceso artesanal.
Y así las piezas de cerámica, salvadas del deterioro y la destrucción, coloreadas, recubiertas, transformadas, fusionadas con madera, con cuerdas, con vidrio, flotan en el aire, ya no se adhieren a una estructura funcional, sino que se convierten en sujetos de presencia, esperando , y la defensiva.
La materia y la forma adquieren un nuevo significado, tanto estético como funcional, moldeado por una artista visionaria capaz de armonizar delicados matices cromáticos y meticulosos fondos geométricos, dando vida a un léxico original donde la abstracción parece más concreta que nunca. Extracto de la crítica de Fabiola Naldi "A Promise

Nuria Mora (Madrid, 1974) empezó a mediados de los años 90 en el complicado y heterogéneo mundo del arte urbano europeo y es considerada una de las figuras más destacadas en el uso del espacio público para obras abstractas autorizadas ilegalmente. Co-fundadora del Equipo Plastico (con Nano4814, Sixe y Eltono), Nuria ha creado grandes murales, instalaciones, esculturas para espacios interiores y exteriores, trabajos sobre papel, alfombras, objetos de vidrio y madera para Sybilla, DAC Alfombras, Ikea, Facebook, Loewe. En 2013, ganó el Absolut Art Award.
Algunas de sus más destacadas exposiciones individuales incluyen: Los objetos en el espejo están más cerca de lo que parece, Winterlong Gallery, Niort, Francia, 2016; Mango Chile, Galería Celaya Brothers, Ciudad de México, 2015; En la frontera, Galería Astarté Madrid, España, 2014; Sedimentos, Molinos del Río, Murcia, España, 2014; Punto Volado, Delimbo Espacio de Arte, Sevilla, 2013; Paisaje de Fondo, Galería SKL, Mallorca, España, 2012; Mirilla, Turbo Gallery, Buenos Aires, Argentina, 2009; Napa Aire LOEWE, Galería Vacío9, Madrid, España, 2006; Eigenkunstruktion, Artitude, Berlín, Alemania, 2006; (x, y, z), Galería Vacío9, Madrid, España, 2006; En el exterior, The Arches Gallery, Glasgow, Escocia, 2003; Complémentaires, Galería Vacío9, Madrid, España, 2002. (Galería Patricia Armocida press-release)

GALLERIA PATRICA ARMOCIDA. Via Argelati n° 24, 20143 Milano (MI)

http://www.galleriapatriciaarmocida.com  http://www.nuriamora.com

Imagen: Nuria Mora, Papaguena, 2017, Galería Patricia Armocida 

ROMA. Picasso “Entre el Cubismo y el Clasicismo” Scuderie del Quirinale

22 septiembre 2017  -21 enero 2018

La Scuderie del Quirinale presenta una de las mayores exposiciones jamás dedicadas a Picasso en Italia, un siglo después de que el artista pisara por primera vez este país.
La exposición examina el impacto de Italia en la obra de Picasso, su inspiración por las antiguas esculturas romanas y los frescos eróticos en Pompeya, y su vida privada, conoció a su primera esposa, la bailarina de ballet rusa Olga Khokhlova en Roma, mientras diseñaba el vestuario para el ballet Parade. Las 100 obras expuestas entre 1915 y 1925 van del cubismo al clasicismo, con préstamos de los principales museos de Londres, París, Nueva York, Berlín y Barcelona.
La muestra incluye obras maestras como Olga en una butaca (1917), Léonide Massine como Harelquin (1917), Dos mujeres que corren en la playa (1922), y Harelquin con el espejo (1923). Además de la Scuderie, el Palazzo Barberini alberga un inmenso lienzo que Picasso pintó como telón de fondo del ballet Parade, motivo de su llegada a Italia en febrero de 1917. (Scuderie del Quirinale press-release)

Scuderie del Quirinale, Via XXIV Maggio 16, Roma 

https://www.scuderiequirinale.it

Image: Pablo Picasso - Deux femmes courant sur la plage, 1922

OPORTO. Daniel Steegmann Mangrané “A Transparent Leaf, Instead of the Mouth” Serralves Museu

30 septiembre 2017 - 07 enero 2018

Daniel Steegmann Mangrané nació en Barcelona en 1977 y vive en Río de Janeiro desde 2004. En el año 2015 fue seleccionado por Artnet News como uno de los "50 artistas más interesantes de Europa Hoy", es el octavo artista que participa en el "Contemporary Proyects del Museo Serralves" una plataforma dinámica para la presentación de obras de artistas emergentes o ya establecidos, que pretende fomentar nuevas formas de arte utilizando diferentes disciplinas dirigidas a la generación más joven. Las obras de Daniel Steegmann Mangrané asumen una variedad de formas, representando los entornos construidos y el mundo natural.

Inspirada en las historias de la abstracción modernista, la arquitectura y las estructuras perpetuas y organizativas de la naturaleza, la obra de Mangrané incluye dibujos, esculturas, diseño de iluminación y vídeos, y se desarrolla como parte de ambientes poéticamente planificados.
Para la exposición en Serralves, Mangrané ha concebido un paisaje vivo en la sala central del Museo. Un pabellón de cristal alberga un jardín y criaturas miméticas, una serie de esculturas, un dibujo en la pared, un holograma y varias ventanas, que alteran la experiencia del espectador. Todos estos elementos se combinan para crear un ecosistema vivo de transfiguraciones y metamorfosis, tanto reales como simbólicas.
La exposición está organizada por Serralves y comisariada por la Directora del Museo, Suzanne Cotter, y por Paula Fernandes.
Esta exposición se beneficia del asesoramiento científico del equipo de comunicación científica CIBIO-InBIO (Centro de Investigación en Biodiversidad y Recursos Genéticos, Laboratorio Asociado) que desarrolla actividades de divulgación científica relacionadas con la biodiversidad y fomenta la intersección entre arte y ciencia en Serralves, dentro del marco de un protocolo firmado entre las dos instituciones y la Fundación para la Ciencia y la Tecnología (FCT). ).(Serralves press-release)

Serralves Museu. Rua D. João de Castro, 210. 4150-417 Porto Portugal

https://www.serralves.pt   http://danielsteegmann.info

Imagen: Daniel Steegmann Mangrané “A Transparent Leaf, Instead of the Mouth”

 

LISBOA. Joan Miró “Materialidad y Metamorfosis” Palacio Nacional da Ajuda

8 septiembre 2017 – 8 enero 2018

La muestra abarca un período de seis décadas en la carrera de Joan Miró de 1924 a 1981. Se centra en particular en la transformación de los lenguajes pictóricos que el artista catalán desarrolló por primera vez a mediados de la década de 1920. La exposición considera sus metamorfosis artísticas a través del dibujo, pintura, collage y tapices.

El pensamiento visual de Miró y las formas ópticas y táctiles se examinan en detalle, al igual que los procesos de trabajo del artista. La exposición está compuesta por alrededor de 80 obras de Joan Miró, la mayoría de las cuales nunca antes han sido vistas por el público en general, incluidos seis de sus cuadros producidos en 1936 y seis "tapices, de 1973, la exposición se acompaña de un catálogo ilustrado con un ensayo del comisario.

La exposición "Joan Miró: Materialidad y metamorfosis” está organizada por el Museo Serralves de Arte contemporáneo y está comisariada por Robert Lubar Messeri, experto en la obra de Miró.

Palácio Nacional da Ajuda

Palacio da Ajuda. Largo da Ajuda, 1349-021 Lisboa 

Imagen: Joan Miró “Materiality and Metamorphosis”

BERLIN. SALUSTIANO "Presente Pluscuamperfecto" Galerie Brockstedt

07 septiembre - 11 noviembre de 2017

Sólo la naturaleza es capaz de crear efectos de colosal sutileza de manera totalmente espontánea.

El ser humano trata de emularla una y otra vez cuando pareciera claro que es imposible si nos atenemos a que él mismo es -consciente o inconscientemente- uno de los elementos imprescindibles para su armonía en plenitud. La perfección en ella no existe sin él. El principio último es uno. Es en todo, es todo.

Tan sólo en ocasiones muy puntuales surge una auténtica simbiosis entre ambos, los roles se confunden y el resultado es de una acuidad tal que sólo puede ser contemplado bajo la prodigiosa mirada de la magia.

Salustiano es un claro ejemplo de esa simbiosis. Su obra está planteada desde la profundidad del espíritu y la superficialidad de las pasiones humanas. Nos ofrece el retrato como reflejo en el que rebuscar entre nuestras emociones, afirma desproveer la obra de su personal carga sensible con el fin de provocar una reacción en el observador. Y lo consigue, consigue que buceemos en las aguas más recónditas de nuestro ser en busca de la memoria que nos derive a ese momento de nuestra vida en el que nuestro ánimo se iluminó con el mismo sentimiento que nos inspira la mirada de cada figura retratada. Él insistirá, no es él ni su yo más interno el que es admirado sino los demás, los espectadores.

Salustiano no quiere ser protagonista, no pretende hablar de sí mismo ni de sus emociones. Él no juzga ni interpreta, no pregunta ni responde. Salustiano es su pintura, es lo que en su obra vemos, él es nosotros, nosotros somos él; en sus cuadros reside la idea más absoluta, y es que está en cada uno entender lo que vemos, cómo lo vemos. De eso se trata, todo es uno, uno es todo.

La pintura de Salustiano es el espíritu, el pensamiento y la energía creativa, es simplemente, magia. (Lucia Mendoza press-release)

Galerie Brockstedt OHG. Mommsenstraße 59. D-10629 Berlin

http://www.brockstedt.com http://www.salustiano.com

http://www.luciamendoza.es

Imagen: SALUSTIANO "Presente Pluscuamperfecto" 

BARCELONA. Jordi Colomer “TBC” Galería ADN

28 septiembre - 11 noviembre, 2017

La variedad de medios que convoca la obra de Jordi Colomer (Barcelona, 1962) y la transversalidad de su criterio están ligadas a su formación como arquitecto, artista e historiador del arte. Colomer fusiona escultura, elementos de la escenografía teatral, referencias a la arquitectura y el vídeo como mediador principal. Para el Barcelona Gallery Weekend, Jordi Colomer presenta en ADN Galería una exposición individual que cuenta con una revisión de su trabajo reciente y obra inédita

Jordi Colomer actualmente reside y trabaja entre Barcelona y París. Dotada de un marcado sentido escultórico, su obra abarca múltiples medios poniendo un énfasis especial en la fotografía, el vídeo y en la puesta en escena de ambos dentro del espacio expositivo. A menudo, la creación de situaciones, propias de una suerte de “teatro expandido”, permite al espectador evaluar su relación con las representaciones y con su propio papel dentro de y frente a ellas. 

Algunos de los trabajos más recientes investigan las múltiples facetas de la utopia o de la distopía y sus relaciones con la ficción y la Historia; en L'avenir (2010), seguimos a  un grupo singular de pioneros en el marco de una interpretación libre del proyecto del Falansterio de Charles Fourier. Prohibido Cantar / No Singing (2012) superpone ciudades imaginarias y proyectos no realizados. El gesto fundador de una ciudad, evoca al mismo tiempo los mega-proyectos fallidos de ciudades-casino en la España de la crisis económica, (como Gran Escala o Eurovegas) y la ciudad de Mahagonny descrita por Bertoltd Brecht en el momento mismo en que Las Vegas empezaba a tomar forma en pleno desierto. La Soupe Americaine / The American Soup, sobre los habitats provisionales de la posguerra (Normandía, 2013) o The Svartlamon Parade (Trondheim, Noruega, 2014) incorporan imágenes de archivo, que sobreviven en un pliegue del imaginario próximo, para reactualizarlas y situar al presente en una posición crítica.

adn galería. C. Enric Granados, 49. 08008 Barcelona

http://www.adngaleria.com   http://www.jordicolomer.com

Imagen: Jordi Colomer

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