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Foto: B. Mora

PARIS. "Picasso y Maya: Padre e Hija” Gagosian Galerie

hasta el 24 de febrero 2018

 

"Estas imágenes son increíblemente fieles a la vida. Todo está aquí: mi ropa de niña, mi pelo, incluso mis juguetes y, sin embargo ... " Maya Ruiz-Picasso, 1996

Gagosian se complace en presentar "Picasso y Maya: padre e hija", la primera exposición dedicada a las diversas representaciones del artista de su hija mayor, Maya.
María de la Concepción, conocida como Maya, nació el 5 de septiembre de 1935. Durante los primeros diez años de su vida fue una constante en los dibujos y pinturas de su padre, quien observó con fascinación y ternura su desarrollo físico y mental. Su madre, Marie-Thérèse Walter, fue la modelo más emblemática del artista. Desde su encuentro en 1927 en las Galeries Lafayette de París, Picasso y Marie-Thérèse comenzaron una relación amorosa de larga duración, de la que nació la primera hija de Picasso, Maya. Tras el nacimiento de Maya, Picasso hizo una crónica de los detalles íntimos de su vida privada juntos en familia, explorando el tema arquetípico de la maternidad. Los retratos de Maya reflejan la gran alegría que aportó a la vida del artista, incluso con la sombra inminente de la Segunda Guerra Mundial. De todos los hijos de Picasso Maya fue representada con mayor frecuencia.
Esta exposición presenta obras importantes de la década de 1930 a la década de 1950, incluida una colección de retratos íntimos de Maya y Marie-Thérèse, esculturas y pequeños recortes de papel diseñados especialmente para su hija. Al igual que muchos de sus retratos favoritos de miembros de la familia, la mayoría de las obras permanecieron en la colección personal de Picasso hasta su muerte en 1973. Junto a las obras del artista, se expone una selección de material de archivo, fotografías, películas, poemas y poemas inéditos que explorarán la relación entre padre e hija. Comisaria: (Gagosian press-release)

Gagosian Galerie. 4 rue de Ponthieu. 75008 Paris 

http://www.gagosian.com

Imagen: Pablo Picasso, Retrato de Maya de perfil, 1943, grafito, tiza y pastel sobre papel vitela de cuaderno espiral, 14 5/8 × 12 1/4 pulgadas (37 × 31 cm)

BRUSELAS. José María Sicilia “Ma” Galeria Meessen de Clercq

8 diciembre 2017 - 27 enero 2018 

En su cuarta exposición individual en la galería, José María Sicilia presenta sus nuevas obras bajo el título Ma. Esta expresión japonesa significa 'intervalo', 'espacio' entre dos espacios o dos momentos. El montaje de la exposición en sí ha sido pensado  para enfatizar esta noción.

En las salas de la planta baja, cinco cuadros se colocan uno al lado del otro en un frente que desafía inmediatamente al visitante, mientras que en la sala de atrás hay tres diálogos entre sus obras.

Todas las obras de esta exposición son el resultado de una investigación llevada a cabo durante varios años sobre la traducción de hechos invisibles (canciones de pájaros, tasa de radioactividad) en formas. Una constante en la práctica del artista es observar la luz y transcribirla de varias maneras. La serie actual profundiza en esto, basada en un experimento físico de principios del siglo XIX, conocido como Interferencia de Young, que ayudó a comprender la naturaleza ondulatoria de la luz. Mediante el uso de los datos matemáticos de este experimento y su integración en un software en particular, Sicilia genera formas que son, en cierto modo, representaciones formales de la luz. La información recopilada se transfiere a una máquina con la que el artista borda una gasa de seda que aplicará en telas de colores brillantes. Jugando con la transparencia de los textiles y su fragilidad, la mano del artista se activa y dibuja con los fls de color como lo haría con un pincel. Encontramos el fraseo melódico del gesto presente en la serie El Instante, canciones de pájaros pero con una suntuosidad de colores sin precedentes. En Sicilia sentimos un pensamiento gráfico consumado; el color es un vasto campo en el que la línea deambula. La fluidez del curso de las líneas permite que la ensoñación se expanda y tenga lugar en el lugar de la pintura.

Recientemente el trabajo de José María Sicilia (Madrid 1954) ha sido expuesto en las salas de  Calcografía Nacional y Museo Casa de la Moneda de Madrid, en el Palacete del Embarcadero, Santander, el Museo de la Prefectura de Fukushima de Arte en Fukushima y Nagasaki Prefectural Art Museum Nagasaki, en Meessen De Clercq, Bruselas, en el Delacroix Museum y la Galerie Chantal Crousel en París.

MEESSEN DE CLERCQ Abdijstraat 2A Rue de l’Abbaye Bruselas

http://www.meessendeclercq.be

Imagen: MA. José María Sicilia

BRISBANE. Picasso “La Suite Vollard” Queensland Art Gallery

2 diciembre 2017 – 15 abril 2018

La serie toma su nombre, precisamente, de Ambroise Vollard, marchante y amigo personal de Picasso. La relación entre ellos, si bien nunca fue demasiado continua, se inició muy pronto, en 1901, cuando Picasso expuso por primera vez en París, junto con Francisco Iturrino, en la Galerie Vollard. Desde entonces, el galerista francés mostró un interés constante por el pintor español y comenzó a editar su obra gráfica. La colaboración entre Vollard y Picasso llega a su punto álgido con la Suite Vollard que, sin embargo, no fue un encargo del marchante al artista sino, más bien, fruto de un intercambio amistoso y comercial.

La Suite Vollard es fruto de momentos intensamente creativos en los que Picasso, a modo de diario íntimo, fue desarrollando sus obsesiones personales. Éstas se pueden ordenar en torno a seis bloques temáticos que, en esta ocasión, sirvieron de gión a la muestra en el Museo ICO.

La edición definitiva de la serie comenzó a estamparse en 1939, antes de la muerte de Vollard en julio de ese mismo año. Una vez concluida la tirada, las estampas pasaron, junto a otras series inéditas, a los almacenes del marchante francés. Los cobres de la Suite Vollard fueron mostrados por primera vez en 1979 en la exposición que tuvo lugar en el Museo de Arte Moderno de la Villa de París, de donde pasaron a formar parte de los fondos del Museo Picasso de París.

Queensland Art Gallery . Stanley Place, South Bank, Brisbane

The Vollard Suite

https://www.qagoma.qld.gov.au/whats-on/exhibitions/picasso-the-vollard-suite

Imagen: Pablo Picasso. Suite Vollard. Galería Nacional de Australia. © Sucesión Picasso. Con licencia de Viscopy, 2017.

BRAGA. “Cara a Cara: El retrato en la Colección Foto Colectania” Museu da Imagen

15 diciembre 2017 – 30 enero 2018

"Cara a cara" muestra la fuerza del retrato en la fotografía a través de una selección de más de cien obras de 48 fotógrafos de la colección de la Fundación Foto Colectania, algunas de las que se presentan por primera vez al público. La diversidad de esta selección nace de sumar al retrato de estudio, la aproximación más común sobre este género, la instantánea de la fotografía de calle. Una licencia que permite descubrir trabajos que se acercan a la temática desde ópticas tan diferentes, y a veces tan opuestas, como la racionalidad, el control, la complicidad, la espontaneidad o el azar. El retrato está contemplado a veces como un enfrentamiento en el que el fotógrafo debe vencer, como es el caso de Humberto Rivas; otras veces como un proceso de seducción, como en las fotografías de Leopoldo Pomés; o una experiencia tan intensa como entrar en trance. Este último es el caso de Alberto García-Alix que en palabras propias describe: "A mí, las fotos que realmente me gustan son las que hago cuando estoy en trance. Si no he vivido ese trance, si la sesión ha sido anodina, las fotos podrán resultar buenas, pero no tendré la sensación de haberlas hecho."

El retrato es uno de los géneros más atractivos del medio porque remite a algo muy próximo: nosotros mismos y los otros. La tendencia de los fotógrafos a prestar atención a los detalles les convierte en diestros analistas de las miradas y de los gestos; ellos saben captar como nadie la manera de posicionarnos, la gestualidad corporal que nos identifica y nos delata. Por todo ello, las obras de esta exposición se agrupan alrededor de dos elementos que concentran la atención de los fotógrafos cuando se enfrentan al cara a cara con el retratado: la mirada y el cuerpo. El espectador vivirá la experiencia de verse envuelto y rodeado de una infinidad de miradas: directas, provocadoras, esquivas, cruzadas, miradas que se esconden. Junto con ellas, los autorretratos: la mirada del fotógrafo sobre sí mismo. Seguidamente, el espectador se encontrará con una serie de fotografías caracterizadas por la expresividad de los cuerpos, que también nos miran y que nos hablan con sus gestos.

La exposición "Cara a cara" no pretende ser un recorrido por el género del retrato en la fotografía, pero sí quiere mostrar ejemplos destacados de fotografía española y portuguesa desde los años cincuenta hasta la actualidad a través de la colección de la Fundación Foto Colectania. Autores participantes: Helena Almeida, Manel Armengol, Javier Campano, Vari Caramés, Josep Maria Casademont, Gérard Castello-Lopes, Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català-Roca, Toni Catany, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Ricky Dávila, José Miguel de Miguel, Jordi Esteva, Manuel Ferrol, Eugeni Forcano, Albert Fortuny, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Gloria Giménez, Paco Gómez, Inés Gonçalves, Fernando Gordillo, Jorge Guerra, Cristóbal Hara, Fernando Lemos, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Jorge Molder, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Jorge Ribalta, Xavier Ribas, Humberto Rivas, Pablo San Juan, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Alberto Schommer, Antonio Martín Sena da Silva, Ricard Terré, Miguel Trillo, Javier Vallhonrat, Antoni Vidal y Virxilio Vieitez.(Fotocolectania press-release)

Museo de la Imagen. Campo das Hortas 35, 4700-421 Braga, Portugal

http://museudaimagem.blogspot.com.es

http://www.fotocolectania.org

Imagen: Miguel Trillo

OPORTO. Juan Manuel Castro Prieto “Extraños” Centro Português de Fotografía

15 diciembre 2017 – 4 marzo 2018

Extraños es un magnífico ejemplo de la coherencia que Castro Prieto ha desarrollado entre 1983 y 2003. Un periodo fundamental en el proceso de maduración de una obra poliédrica, que explora la memoria desde las huellas latentes que habitan sus espacios personales y familiares; el sexo y la muerte, coexiste en algunas de sus imágenes como una dualidad que evidencia un cierto fatalismo en su relación con la vida y , simultáneamente, una reivindicación lúdica de la existencia.

Economista de formación, su vinculación con la fotografía comienza en 1977 y, como la mayoría de los autores de su generación, lo hace de forma autodidacta. A comienzos de los años ochenta, ingresa en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid donde conoce a Gerardo Vielba, Gabriel Cualladó, Paco Gómez y Juan Dolcet. En 1990 viajó a Cuzco, Perú, para hacer junto a Juan Manuel Díaz Burgos los positivos del maestro peruano Martín Chambi a partir de las placas de cristal originales.

La obra de Juan Manuel Castro Prieto obra ha sido objeto de numerosas exposiciones, tales como: Open Spain, Documentary Photography. Itinerante por Estados Unidos y España (1992); En Avión, Palais de Tokio, París (1992); Instituto Gaudi, Lima (1993); El Perú de Vargas Llosa, Alcalá de Henares e itinerante (1995); Visión Mediterránea, itinerante (1998); Perú, viaje al sol, Galería Vu, París, Sala Las Claras, Murcia e itinerancia por Francia, Italia y Bélgica (2001); Extraños, Canal de Isabel II, Madrid e itinerancia (2003); Unique, París (2004); Agua al desnudo, Fundación Canal, París (2004); Ten views. Contemporary Spanish Photography, Tokio (2005); Esperando al cargo, Sestao, Bilbao e itinerancia (2006); Museo de Orsay, Francia (2006); Espacios, Museo de Arte Contemporáneo de La Coruña (2007) Etiopia, Teatro Fernán Gómez de Madrid (2009); Paseo por el amor y la muerte, CentroCentro, Madrid (2011); Sete, Francia (2011); Perú, viaje al sol. Círculo del Arte, Barcelona (2011); Martín Chambi -Perú- CastroPrieto. CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), Fuenlabrada, Madrid e itinerante (2012); Etiopía. Galeria VU, París. (2012), Chambi -Perú- Castro Prieto (2013) Itinerancia por España: Madrid, Zaragoza, Cádiz, Almería;  Los paisajes de Don Quijote, Teatro Liberté, Toulon, Francia (2013).

Extraños é um magnífico exemplo da coerência que Castro Prieto desenvolveu entre 1983 e 2003. Um período fundamental no processo de maturação de uma obra multifacetada, que explora a memória a partir das impressões latentes que habitam os seus espaços pessoais e familiares; o sexo e a morte coexistem em algumas das suas imagens como uma dualidade que evidencia um certo fatalismo na sua relação com a vida e, em simultâneo, uma reivindicação lúdica da existência.

Premiado, entre outros, com os prémios César Vallejo (Perú, 2001), Bartolomé Ros (PHE, 2002) de Fotografia da Comunidade de Madrid (2003) e Nacional de Fotografia (Governo de Espanha, 2015) Juan Manuel Castro Prieto é um dos fotógrafos espanhóis de maior prestígio internacional.

Centro Português de Fotografía. Antiga Cadeia e tribunal da Relação do Porto, Largo Amor de Perdição, s/N, 4050-008 Porto

http://www.cpf.pt

https://www.castroprieto.com

Imagen: Juan Manuel Castro Prieto

MADRID. “Tentativas para agotar un espacio” La Principal.Tabacalera

1 diciembre 2017 – 4 febrero 2018

Tentativas para agotar un espacio  es un proyecto de investigación colectiva que busca el diálogo con el espacio y la historia de Tabacalera a través de diferentes estrategias artísticas. 

Impulsada por el grupo REAR, esta serie de tentativas desplegadas en Tabacalera busca agotar su realidad inmediata para hacer presente el espacio-tiempo plural que resguarda y convoca su arquitectura, el movimiento que sobrevive en su aparente silencio en el día a día de la ciudad.

El eje principal de la muestra lo forma una serie de piezas realizadas específicamente para Tabacalera, diferentes aproximaciones y lenguajes artísticos que componen un ejercicio de escucha espacial múltiple y atenta. Sébastien Remy establece un puente físico y temporal con la memoria de la fábrica y sus trabajadores generando un nuevo espacio de representación que, como un extraño espejo, convoca la multitud de sus ecos alrededor del visitante. Con una minuciosidad pareja, Irma Álvarez-Laviada se apropia de las técnicas y discursos de la restauración para intervenir los muros originales del edificio e inquietar nuestra confortable relación con lo visible y lo invisible. Rodríguez–Méndez se apropia del espacio de Tabacalera estableciendo una conexión con su propio taller para adentrarse en la superficie de los materiales que allí encuentra con una geometría operativa alejada de la abstracción como única arma. FOD se encarga de agitar la percepción espacial del visitante desde el mismo hall de entrada de la exposición, donde, mediante un dibujo escultórico, produce un doble invertido de la cúpula que cubre este paso. En un diálogo crítico con las pinturas de inspiración colonial presentes en el Palacio de Schönbrunn de Viena, Belén Rodríguez viste las formas arquitectónicas de Tabacalera con un mural pictórico expresión de la tensión nunca resuelta del espacio en blanco. Patricia Esquivias traslada una serie de relieves de mujeres de la burguesía madrileña al espacio de Tabacalera, poniendo de manifiesto la falta de representación de las trabajadoras que ocuparon anteriormente el espacio. Miguel Ángel Delgado, en su ejercicio de expansión del espacio expositivo mediante la apertura de puertas espacio temporales hacia las partes del edificio inaccesibles para el visitante, hace aparecer una Tabacalera de límites imposibles y dimensiones inconmensurables. Por último, Nicolás Combarro convoca nuevos equilibrios y relaciones espaciales capaces de trastornar el orden y estabilidad de su arquitectura a través de una serie de intervenciones en las plantas superiores del edificio que traslada a la muestra a través de piezas fotográficas.

A las intervenciones de los artistas se suman, desde la palabra, otros ejercicios de agotamiento espacial: en el diálogo entablado con los autores por parte de Lucía Jalón y volcado en un mapa del espacio conjurado por sus tentativas, en las veintinueve notas y un poema ofrecidas por Alberto Ruiz de Samaniego y en la invitación de Érika Goyarrola a mirar la grieta abierta por las estrategias de exploración espacial empleadas por el arte del último siglo. La exposición se completa con una serie de encuentros y conferencias vinculadas con las intervenciones, un programa de actividades paralelas realizadas por el equipo educativo de Tabacalera y una programación específica de cine experimental coordinada por Luis E. Parés.

Artistas | Belén Rodríguez | FOD | Irma Álvarez-Laviada | Miguel Ángel Delgado | Nicolás Combarro | Patricia Esquivias | Rodríguez-Méndez | Sébastien Rémy (Promoción del arte press-release)

Tabacalera. La Principal. Embajadores 51. Madrid

https://www.promociondelarte.com/tabacalera

Imagen: “Mural” Belén Rodriguez

BARCELONA. Jordi Mitjà “Llegir amb les condicions idònies” Bombon Projects

12 diciembre 2017 – 2 febrero 2018

Llegir amb les condicions idònies reúne diferentes dibujos y esculturas hechas con tubo de hierro, alambre, monedas, papeles, tinta de imprenta y cartón, que Jordi Mitjà ha producido expresamente para esta exposición.

“Saber leer los materiales, inhabilitar sus usos, voltear sus lógicas. No descartar nada, saltar las convenciones e improvisar. Incorporar todo lo que nos vamos encontrando al mismo proceso y no obviar los accidentes”

Partiendo del descarte y la utilización de materiales muy sencillos, Jordi Mitjà presenta la cuarta exposición individual de este año, que sintetiza las pasadas y cierra el círculo que abrió a principios de Febrero con La escultura no és important en la Fundación Suñol de Barcelona donde el artista incorpora el oficio paterno de cerrajero para explorar diferentes derivas relacionadas con los materiales, las técnicas y la propia escultura.

De forma azarosa, el hierro previamente fundido y ardiente, es lanzado encima de los papeles que el artista dispone en el suelo del estudio. Este hierro ardiente genera quemaduras que en algunos casos se extienden a causa del viento, dibujando trazos y surcos, y nos hacen dudar de los límites del dibujo y de éste con la escultura.

La prensa que un día fabricó su padre, sirve ahora para doblar y aplastar tubos de hierro como si fueran de papel. Utilizar las herramientas de cerrajero, explorar el material, el proceso, su funcionamiento y librarse del relato, huir del sentido y disparar a las lógicas que éstos imponen es su modus operandi.

Jordi Mitjà parte de hechos intrascendentes, de accidentes estrechamente vinculados a su día a día, a su biografía, a su dislexia y la lucha constante para realizar las cosas de una forma diferente. Llegir amb les condicions idónies, tiene como detonante principal la comprensión y el impasse entre lo que hacemos y la recepción que conseguimos. La falta de sentido genera sentido? La dificultad del lenguaje crea lenguaje? Las preguntas siguen en pie.

Jordi Mitjà (1970, Figueres) ha realizado exposiciones individuales en diferentes instituciones como la Fundació Suñol (Barcelona, 2017), el Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona, 2016), la Fondazione Zimei (Pescara, 2015) o el Espai 13 Fundació Joan Miró (Barcelona, 2012). Su obra también se ha podido ver en diferentes exposiciones colectivas en La Panera (Lleida, 2017, 2011), MACBA (Barcelona, 2016), CA2M (Madrid, 2015, 2010) o en el Museo de Arte Moderno (Ciudad de Méjico, 2010).(Bombom Projects press-release)

Bombon projects, Trafalgar 45, 08010 Barcelona España

https://bombonprojects.com

http://www.jordimitja.com

Imagen: Jordi Mitjá

MEXICO. “Dionisio González“ Centro Cultural de España

5 diciembre 2017 – 11 febrero 2018

La fascinación por la arquitectura es una constante en la obra de Dio­nisio González. Sus fotografías nos muestran una arquitectura intervenida con un fin positivo, social, a veces alegórico. Todos son lugares en los que los conceptos de creación y destrucción, ruina y habitabilidad entablan un diálogo continuo. Sus investigaciones le han llevado a lugares remotos para mostrarnos cómo los difíciles hábitats creados por el hombre pudieran evolucionar (y mejorar) antes del caos final.

 En la serie fotográfica Dauphin Island, realizada por el artista e inspirada en la isla del mismo nombre, proyecta una arqui­tectura habitable que aspira a comprender el lugar que la genera para fusionarse con él. Auténticos fortines futuristas de metal y hormigón, inspirados por las tragedias y los desastres naturales ocurridos allí, en una pequeña barrera de arena de 16 km2 en la que apenas viven 1.200 personases y que se sitúa frente a la costa de Alabama, en el Golfo de México

La paradisíaca Bahía de Halong (Vietnam) donde la forma de vida se asienta sobre barcas flotantes, circunstancia que condiciona incluso los biorritmos de sus ocupantes, ha sido escenario de otra de las series de Dionisio González, titulada con el mismo nombre, Halong. Este hermoso ecosistema natural declarado Patrimonio de la Humanidad en 1994, ve actualmente amenazado su frágil equilibrio debido a las nuevas regulaciones de la industria pesquera, el cambio climático y sobre todo los grupos de turistas que acuden en masa a visitarlo, una coyuntura contradictoria que al mismo tiempo que se convierte en un acicate económico para la región, provoca una alteración irreversible que puede acarrear su desaparición

En la serie Inter-Acciones, el artista retrata recreaciones ficticias de construcciones injertadas al entorno que se nos presentan como imágenes en blanco y negro de misteriosas casas aisladas situadas en hábitats dispares. Cada una de estas edificaciones posee personalidad propia y establece una relación extraña con el medio que la acoge.

 El argumento principal gira en torno a la arquitectura y se sustenta en la profunda reflexión que plantea el autor sobre los modos de habitar contemporáneos, una investigación en torno a las formas de vivir en el siglo XXI y las relaciones que establece el hombre con el medio. Paradójicamente, estas moradas generadas a partir de imágenes tomadas in situ por el propio artista, marcan pautas para maximizar el espacio y los bienes disponibles, aunque sólo sea de un modo ficcional. No son simples fotografías retocadas, sino proyectos viables de residencia y alojamiento que examinan los recursos cercanos, escuchan el pálpito geográfico y resuelven las necesidades de sus moradores.

Hay una actitud, una intención por parte del artista de ofrecer respues­tas a los problemas del mundo, no limitándose a interpretarlos o sim­plemente a evidenciar su existencia. Esta actitud de Dionisio González lo sitúa en un plano que supera lo real y se sitúa en una posición más trascendental y, al tiempo, adopta un papel próximo al del urbanista, el ingeniero y el arquitecto: el de un creador que rediseña el orden esta­blecido cambiando el statu quo.

 Dionisio González (Gijón. Asturias. 1965) es un artista multidisciplinar y fotógrafo que vive y trabaja en Sevilla. En sus obras fotográficas encontramos una mezcla entre arquitectura, diseño y arte. Es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Su formación se completa con cursos de fotografía, infografía, multimedia y cine en la Escola de Artes Avanzadas de Lisboa (Portugal), el College of Art de la Univeridad Heriot Watt de Edimburgo (Escocia) y el Camberwell College of Art de Londres (Inglaterra). Es Profesor Titular de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

Ha recibido en la última década importantes reconocimientos, destacando entre ellos el Mecenazgo de Arte de la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson (Asturias), el Premio Pilar Juncosa y Sotheby´s de la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca) o en este mismo año el European Month of Fotography Arendt Award (Luxemburgo). Asimismo, su obra se ha incluido en destacadas publicaciones internacionales, la última un monográfico dedicado a fotógrafos que trabajan con la arquitectura Shooting Space: Architecture and Photography realizado por la editorial Phaidon (Austria).2014. Su obra se ha expuesto en infinidad de países por todo el mundo, con especial profusión en Estados Unidos, Francia, Alemania, Italia y Corea del Sur y en destacadas colecciones internacionales de arte contemporáneo (CCE press-release)

Centro Cultural de España en México Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97 Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

http://www.dionisiogonzalez.es

http://ccemx.org

Imagen: Dionisio González. “Halong Bay” 2008 - 2011

PARIS. “ Picasso 1947. Una gran donación al Museo Nacional de Arte Moderno ” Musée National Picasso

hasta el 27 enero 2018

El Museo Nacional Picasso-París presenta las diez obras maestras que Picasso ofreció al Museo Nacional de Arte Moderno en el Hotel Salé con motivo de su inauguración en 1947. Una oportunidad para celebrar dos momentos importantes en la historia de la colección de Arte Moderno del Museo Nacional, su inauguración en el Palais de Tokyo y su traslado al Centro Pompidou, redescubriendo obras maestras como Atelier de la Modiste (1926), La Muse (1935) o L'Aubade (1942). Este proyecto reúne a las dos instituciones asociadas para presentar no solo las obras de arte, sino también los archivos y los documentos que cuentan la historia de su creación, su adquisición y su primera exposición. La exposición también está sujeta a una publicación que muestra el estado de la investigación sobre este importante momento de la historia del arte y las colecciones nacionales. (Musée Picasso press-release)

Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris.

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: L’Aubade. Pablo Picasso, 4 Mai 1942. Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais.© Succession Picasso

ZURICH. Santiago Sierra “Extra Bodies – The Use of the ‹Other Body› in Contemporary Art” Migros Museum

18  noviembre 2017  –  4 febrero 2018

La exposición arroja luz sobre un fenómeno en el arte que primero se destaca en la década de 1990 y luego explota en los primeros años del nuevo milenio: la práctica artística de recurrir y desplegar "extra cuerpos". Los artistas seleccionan estos "otros cuerpos" debido a su rol social o biosocial específico, por lo que también pueden caracterizarse como extras. Todos los trabajos que se exhiben comparten una cualidad básica "performativa" o "teatral". Sorprendentemente, el espectador no está involucrado en la acción ni invitado a participar. A diferencia de muchas producciones artísticas discutidas bajo la rúbrica de estética relacional, estas obras no requieren su participación activa. Tomando los dos pisos de exposición en el museo, la extensa exposición colectiva que presenta numerosas obras de la colección examina los diversos modos en que los extras con sus roles sociales y biosociales se presentan, y funcionan, en el arte.

Santiago Sierra nació en Madrid en 1966, donde vive y trabaja. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK) entre 1989 y 1991, así como en la Academia de San Carlos de la Ciudad de México entre 1995 y 1997. Ha realizado acciones provocativas alrededor del mundo. Influenciado por el lenguaje formal de los movimientos minimalistas y conceptuales de los años sesenta y setenta, Santiago Sierra aborda las jerarquías de poder y clase que operan en nuestra sociedad moderna y en la vida cotidiana.

Artistas: Vanessa Beecroft   Guy Ben-Ner   Oscar Bony   Christoph Büchel  Clegg & Guttmann   Gino de Dominicis   Maria Eichhorn   Jens Haaning  Yves Klein   L.A. Raeven   Teresa Margolles   Yoshua Okón   Yuri Pattison  Edwin Sánchez   Christoph Schlingensief   Santiago Sierra  Studio Jonas Staal and Democratic Self-Administration   Ai Weiwei   Ai Weiwei   Stephen Willats   Carey Young   Artur Żmijewski

Migros Museum für Gegenwartskunst. 270. CH-8005 Zurich

 http://www.migrosmuseum.ch

 http://www.santiago-sierra.com  

Imagen: Santiago Sierra. Object measuring 600 x 57 x 52 cm constructed to be held horizontally to a wall, 2001. Schwarzweissfotografie. 234 x 155 cm

 

 

 

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