Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
3010128

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

LONDRES. Juan Miguel Palacios “Woundes” Lazarides Rathbone Gallery

23 junio – 20 agosto, 2017

Lazarides se complace en presentar "Wounded" (Heridos), la primera exposición individual de Juan Miguel Palacios en Londres.

"Siempre me ha fascinado el rostro humano y su lenguaje gestual por su carácter comunicativo y su belleza. Una cara puede transmitir tantas emociones diferentes con sólo una pequeña modificación de las características faciales y esto es lo que quiero explorar a través de mis obras . Un denominador común de las grandes ciudades en las que vivimos, como Nueva York o Londres, es la diversidad racial y cultural. Ciudades dinámicas, llenas de vida que atraen y dan la bienvenida a millones de personas diferentes. Ciudades fascinantes, que ofrecen todo tipo de comodidades, lujos y placeres que al mismo tiempo pueden ser extremadamente individualistas y solitarias donde muy pocas personas logran realizar sus sueños.

Una amalgama de rostros aparentemente felices y dichosos que después de una inspección más cercana revelan una expresión de fatiga y dolor, como resultado de las experiencias diarias. Identifico todas estas experiencias de vida como "heridas" y son estas "heridas" las que inevitablemente dejan marca en nuestras caras. Este fue el punto de partida para las obras de esta serie y la exposición es una investigación de estas diferentes emociones a través de los gestos.

De una manera metafórica, utilizo el rostro ambiguo de una mujer, en el que el placer y el dolor se mezclan en un solo gesto, generando un sentimiento de incertidumbre. He intentado investigar más lejos buscando nuevas maneras de la representación, utilizo un drywall y un vinilo transparente, substituyendo el lienzo tradicional. Golpeo y quemo la capa de yeso hasta que se rompe, como sinónimo de todas aquellas experiencias que nos marcan y configuran nuestras expresiones. El vinilo transparente es un sinónimo de identidad, donde represento diferentes gestos faciales y por su transparencia nos permite ver su interior ". (lazarides press-release)

Lazarides • 11 Rathbone Place • London • W1

http://www.juanmiguelpalacios.comhttp://www.lazinc.com

Imagen: Woundes” Juan Miguel Palacios

 

SAINT-ETIENNE. "Jaume Plensa" MAMC- Musée d’art moderne et contemporain

09 marzo – 17 septiembre, 2017

Desde sus principios Jaume Plensa ha desarrollado su trabajo como escultor en diversos materiales: hierro, bronce, cobre, hierro fundido, vidrio, alabastro, resina sintética, plástico, luz, hormigón, vídeo, sonido ...
Para esta exposición, el Museo presenta una colección de esculturas en hierro fundido y acero en el hall central, así como intervenciones llevadas a cabo in situ, específicamente para este proyecto. Comisariado: Lóránd Hegyi.

Jaume Plensa (Barcelona, 1955), formado en la ‘Llotja’ y en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge, es uno de los escultores más internacionales del panorama español. Su obra ha sido reconocida con premios y distinciones, entre ellas la Medalla de Caballero de las Artes y las Letras de Francia en 1993; Doctor Honoris Causa por la Escuela de las Artes del Instituto de Chicago; Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña; Premio Nacional de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; Premio Velázquez de Artes Plásticas (MAMC press-release)

MAMC- Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne. Rue Fernand Léger - 42270 Saint-Priest-en-Jarez

http://jaumeplensa.com  http://www.mam-st-etienne.fr

Imagen: Jaume Plensa. Photo : Inès Baucells. © Plensa Studio Barcelona / ADAGP, Paris 2017

COLONIA. Álvaro Martínez Alonso “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable. Instalación” Galería 100 Kubik

23 junio -25 agosto, 2017

La exposición del artista Álvaro Martínez Alonso (*1983, Burgos) “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable” quiere invitar a reflexionar sobre el valor que le damos a los objetos que nos acompañan a lo largo de la vida. Se muestra como inventario que recoge algunos de los bienes que el artista deja en herencia. Abarca 127 objetos que son especiales para Martínez Alonso por su origen, utilidad o simbolismo. “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable” es un inventario con objetos que documentan momentos, relaciones personales y recuerdos de mi vida y que por ello, aun careciendo de valor económico, deseo que formen parte de mi herencia.

A la hora de ejecutar una herencia, si no se ha realizado testamento, el notario suele considerar como bienes a heredar aquellos que tienen cierto valor económico: inmuebles, vehículos, acciones, seguros, cuentas de banco, joyas, etc.
En el mejor de los casos, el resto de pertenencias suelen ser almacenadas por los familiares más cercanos, pero no se hace un inventario ni se especifica de qué bienes se trata y quién debería recibirlos.
Por eso, un reloj estropeado que el difunto conservó desde su juventud, la gorra que trajo de unas vacaciones en Atenas, la fotografía de una antigua novia y otros objetos aparentemente irrelevantes, terminan, a menudo, en manos de unos descendientes que desconocen su valor, desprendiéndose de ellos o relegándolos al olvido.

Siempre explorando el camino más apropiado para contar una historia o expresar una idea, Álvaro Martínez trabaja con una amplia variedad de medios de las artes visuales. Basándose en sus propias experiencias personales, Álvaro aborda temas de carácter socio-político e incluso emocional, retratando con frecuencia situaciones que tienden a ser olvidadas.

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.alvaromartinez.net   http://www.100kubik.de

Imagen: Álvaro Martinez Alonso. 100 Kubik galerie

SAO PAULO. Sara Ramo “Para Marcela y Otras” Capela do Morumbi

8 abril – 8 septiembre, 2017

Sara Ramo, tres veces nominada para el Premio PIPA, dice que fue una cuestión específicamente brasileña lo que la incitó a producir "Para Marcela y Otras": la violencia contra travestis y transexuales. "Brasil es el país del mundo con más violencia contra ellos. Me sentí desafiada a presentar una protesta" y añade la artista que la instalación que se abre en la Capilla de Morumbi, es, sin embargo, al mismo tiempo, un homenaje."Es un trabajo muy sutil y poético, que requiere la atención y la reflexión del espectador". "Las personas se relacionan estrechamente con las paredes y la arquitectura de la capilla"

Sara Ramo Madrid, 1975.Vive y trabaja en Belo Horizonte, Brasil. Las obras de Sara Ramo encierran mucha fuerza poética en modestos marcos. Los temas que ocupan a esta artista parecen, al principio, relativamente sencillos: el espacio y lo que pueda (o no) contener, así como la preocupación por la dualidad del orden y el desorden. Y como Sara Ramo señala, "la imagen está destinada a ser algo más que mi propia vida personal: se trata de la vida que todo el mundo lleva". De acuerdo con Sara Ramo el espacio, y el orden, tanto interior como exterior, son precariamente equilibrados para todos nosotros. Comisariado: Douglas Freitas (Pipa press-release)

Capela do Morumbi. Avenida Morumbi, 5387 – Morumbi. Sao Paulo

http://www.pipaprize.com

Imagen: Sara Ramo

 

LOS ANGELES. Dora García, Peio Aguirre, Adiá Juliá… “Chalk Circles” REDCAT Gallery

17 junio  - 20 agosto, 2017

La Galería REDCAT presenta “Chalk Circle“ (Círculos de Tiza), una exposición y una serie de performances y eventos relacionados que consideran las formas en que las artes escénicas y las artes visuales se cruzan. Comisariada por Ruth Estévez y José Luis Blondet, la exposición Chalk Circle marca una serie de formas en las que los artistas piensan críticamente sobre las acciones en directo, el teatro y el espectáculo.

El título de la exposición se refiere a la conocida obra de Berthold Brecht, The Caucasian Chalk Circle, escrita en Los Ángeles en 1944. La obra de Brecht es una parábola sobre la propiedad, el afecto y la justicia en la que dos personajes deben probar quién es mejor madre sacando a su bebé de un círculo de tiza. El círculo de tiza determina el lugar del cuerpo dentro de límites impermanentes pero precisos. La forma geométrica clásica habla también de la fragilidad de tales límites: actuar / ser, verdad interna / máscara pública, actor / personaje. Un círculo de tiza también puede cuestionar las superposiciones y coincidencias de la galería, el espacio teatral y el espacio cívico.

Los artistas en esta exposición documentan, reimaginan y rearticulan las metodologías de actuación para investigar la performance como una forma de producción, no sólo como una forma basada en eventos. Sus proyectos se centran en tradiciones mixtas de movimiento, actuación y gesto, así como modelos pedagógicos. El papel del actor, la figura del intérprete y sus diferentes perspectivas en la construcción de un personaje informan varios proyectos de la exposición, mientras que otros se centran en las fricciones de un cuerpo en un espacio ficticio-teatral.

Chalk Circle cuenta con obras de artistas locales e internacionales que se dedican teatro  y la performance como herramienta para alimentar la inestabilidad de tales términos. Artistas participantes: Carla Dertnig, Dora García y Peio Aguirre, Adrià Julià, Joachim Koester, David Levine, Emily Mast, Silke Otto-Knapp, Santiago Roldós y Pilar Aranda (Muégano Teatro), Catherine Sullivan y Kerry Tribu.  (REDCAT press-release)

REDCAT Gallery 631 West 2nd Street, Los Angeles, CA 90012

https://www.redcat.org

Imagen: Dora García. La eterna. Vídeo 2017

NUEVA YORK. Avelino Sala “Action Riot Paintings” Ethan Cohen Fine Arts

22 junio — 31 agosto, 2017

El artista español Avelino Sala reflexiona sobre la identidad a través de símbolos como el dinero o las banderas, el poder del símbolo y cómo puede ser destruido y generar nuevas formas de comprensión.

A través de obras como El mapa no es el territorio, Quick Silver, Forbes List o Action Riot Paintings, el artista pone en tela de juicio la idea de la nación y el poder, la identidad nacional, el dinero como símbolo y su Influencia real.

A través de las pinturas de la acción Riot, Sala hace algunas esculturas con los blindajes del motín, con las banderas de país destruido en ellas. La bandera de los Estados Unidos aparece en tres actos, como el eje de su propuesta, así como los de las primeras potencias económicas mundiales: China, Alemania, o aquellos países dentro de las fronteras de Estados Unidos como México.

En Quick Silver y en El mapa no es el territorio, Sala cuestiona el dinero como otro objeto de identidad tanto como un modo de vida. En Quick Silver, las reproducciones de las facturas están hechas de plantas y la mancha es la bandera "diluida". En suma, un conjunto de trabajos vinculados a la resistencia del arte, y sobre todo a cuestionar nuestro tiempo desde una perspectiva diferente, menos amable pero poética al mismo tiempo.

Avelino Sala (Gijón, 1972) Avelino Sala (Gijón, 1972) es artista, comisario (colectivo curatorial Commission) y editor (revista Sublime). Además, escribe en medios como Artishock o A desk. En 2001 obtuvo su Bachelor in Arts (BA, Hons degree) en Critical Art Practice en la Universidad de Brighton. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.

Su trabajo como artista le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social desde una perspectiva tardo-romántica, con una mirada crítica y poco cómoda, en un continuo explorar el imaginario social e intentar meter el dedo en la llaga para comprobar el poder del arte como generador de espacios de experimentación capaces de recrear nuevos mundos. Ha participado en bienales como: la Bienal de Video Arte de Puebla, en México (2014); la Bienal de Istmo Centro Americano de Guatemala (2014); la Bienal del fin del mundo (2011); VideoZone. V Bienal de Vídeo Arte de Tel Aviv (2010); Anámnesis, Encuentro entre dos mares (Bienal de Valencia, 2007); Nightcomers, 10 Bienal de Estambul (Colateral 2007); en la Bienal del Fuego de Caracas (2006) y en la Poles Apar t/ Poles Together project, 51 Bienal de Venecia (Colateral 2005), entre otras.  (Ethan Cohen Fine Arts press-release)

Ethan Cohen Fine Arts, 251 W 19th St, New York, NY 10011

http://www.ecfa.com  http://avelinosala.es

Imagen: Avelino Sala

LISBOA. Jordi Colomer “Utopia/Dystopia: X-Ville” MAAT Museo de Arte, Arquitectura y Tecnologia

22 marzo –21 agosto, 2017

El artista español Jordi Colomer (representante oficial de España en la Bienal de Venecia de este año) participa en la exposición Utopia/Distopia Parte II con su obra X-Ville.
Basada en la obra del arquitecto y filósofo Yona Friedman, Utopies Réalisables (1974), la obra busca reafirmar la posible implementación de una utopía documentando la realización de un taller por el artista y varios estudiantes.

Jordi Colomer nació en Barcelona en 1962. Actualmente reside y trabaja entre Barcelona y París. Dotada de un marcado sentido escultórico, su obra abarca múltiples medios poniendo un énfasis especial en la fotografía, el vídeo y en la puesta en escena de ambos dentro del espacio expositivo. A menudo, la creación de situaciones, propias de una suerte de “teatro expandido”, permite al espectador evaluar su relación con las representaciones y con su propio papel dentro de y frente a ellas. 

Algunos de los trabajos más recientes investigan las múltiples facetas de la utopia o de la distopía y sus relaciones con la ficción y la Historia; en L'avenir (2010), seguimos a  un grupo singular de pioneros en el marco de una interpretación libre del proyecto del Falansterio de Charles Fourier. Prohibido Cantar / No Singing (2012) superpone ciudades imaginarias y proyectos no realizados. El gesto fundador de una ciudad, evoca al mismo tiempo los mega-proyectos fallidos de ciudades-casino en la España de la crisis económica, (como Gran Escala o Eurovegas) y la ciudad de Mahagonny descrita por Bertoltd Brecht en el momento mismo en que Las Vegas empezaba a tomar forma en pleno desierto. La Soupe Americaine / The American Soup, sobre los habitats provisionales de la posguerra (Normandía, 2013) o The Svartlamon Parade (Trondheim, Noruega, 2014) incorporan imágenes de archivo, que sobreviven en un pliegue del imaginario próximo, para reactualizarlas y situar al presente en una posición crítica. (MAAT press-release)

MAAT Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Av. Brasília, Central Tejo, 1300-598 Lisboa

http://www.jordicolomer.com   https://www.maat.pt

Imagen: “X-Ville”. Jordi Colomer

MADRID. “Piedad y terror en Picasso. El Camino a Guernica” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 abril – 4 septiembre, 2017

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror? (Museo Reina Sofía press-release)

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia . C/ Santa Isabel, 52 . 28012. Madrid

http://www.museoreinasofia.es

Imagen: Pablo Picasso. Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

BUENOS AIRES. Ilustradores Españoles. El Color del Optimismo” Centro Cultural de España

29 junio – 28 agosto, 2017

Una muestra de la obra de algunos de los más importantes ilustradores españoles contemporáneos de nuestro país. Comisariada por el periodista Mario Suárez, la exposición quiere dar a conocer una generación de jóvenes artistas cuyos trabajos son habituales en publicaciones nacionales e internacionales, galerías, museos y firmas comerciales. Paula Bonet, Ricardo Cavolo, Carla Fuentes, Gabriel Moreno, Silvia Prada y Paco Roca, son algunos de los creadores cuyas ideas frescas y atrevidas han sido seleccionadas para un colorido repertorio que ofrece a los ojos del visitante un auténtico festín visual.

Originalidad, creatividad, profesionalidad, diversidad y ruptura, son algunas de las palabras que definen esta generación de jóvenes artistas que emergieron alrededor del año 2000 y que, gracias a Internet, lograron dar visibilidad a su trabajo. La creciente demanda de sus publicaciones en todo el mundo ha contribuido al auge de la ilustración española que hoy en día es considerada, no sólo una industria, sino también una de las tendencias creativas más importantes en todo el mundo. Sólo el sector del libro infantil sumó 20 millones de euros en exportaciones en España durante el 2010.

La sólida tradición de la ilustración en España está asentada en la Historia del Arte como una realidad, presente tanto en la potente industria artística como en la editorial. Los años ochenta y noventa fueron momentos álgidos para la ilustración en España donde resonaban nombres como Mariscal o Jordi Labanda. En la actualidad se observa un nuevo impulso de los creadores españoles que se han convertido en referencia absoluta en el uso del lápiz en todo el mundo.

Los 28 ilustradores que participan en esta exposición son: Raúl Allen, Marta Altés, Óscar del Amo, Iban Barrenetxea, Paula Bonet, Mikel Casal, Ricardo Cavolo, César Fernández Arias, Carla Fuentes, Óscar Giménez, Javier Jubera, Violeta Lópiz, Sean Mackaoui, Merino, Gabriel Moreno, Santiago Morilla, María Pascual, Silvia Prada, Sonia Pulido, Paco Roca, Conrad Roset, Aitor Saraiba, María Simavilla, Eva Solano, Iván Solbes, Robert Tirado, Luis Úrculo, y Noemí Villamuza. Comisario: Mario Suarez (CCEBA press-release)

CCEBA. Paraná 1159 (CP 1018) Buenos Aires Argentina

http://www.cceba.org.ar

Imagen: Paula Bonet

MADRID. Diana Coca “ Where is Diana? La Fragua. Tabacalera

22 junio – 03 septiembre, 2017

Un proyecto de Diana Coca, en cuya práctica e investigación artísticas se conjugan fotografía, performance y videoarte. Su temática gira en torno a la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor; un cuerpo objeto y sujeto de protocolos, convenciones, espacios sociales, políticos, culturales, religiosos... Cuerpos que muestran el malestar por la opresión de un orden social, un orden marcado por dicotomías excluyentes que hacen imposible la integración de lo múltiple, y que niegan los estados fronterizos.

Where is Diana?’ investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… Me centro en la invasión del espacio público, localizaciones con fisuras y áreas que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad.

Realizo performances para la cámara fotográfica y vídeo fuera del espacio de galerías, museos y distritos artísticos de Pekín y México, donde las reacciones de los transeúntes son más intensas, ya que no esperan que una acción artística suceda ahí. A través de la ironía y la descontextualización creo situaciones donde el espectador puede participar en estas experiencias en contextos de vida real, así hay un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. Inspirada por las Pussy Riots, a través del uso del pasamontañas represento la idea del miedo al otro, que está siendo usado globalmente como estrategia para limitar nuestras libertades. Diana Coca

Diana Coca. Palma de Mallorca, 1977. Vive y trabaja entre Madrid y Pekín. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía por la University of Brighton (2003) y en Filosofía por la Universitat de les Illes Balears (2009). La destrucción y construcción de la realidad o el control ejercido por todos aquellos atributos que contribuyen a caracterizar el cuerpo femenino (maquillaje, zapatos de tacón...), son temas recurrentes en su obra, trabajados a partir de la simbiosis entre la performance, el vídeo y la fotografía. Mediante secuencias narrativas, encontramos su cuerpo semidesnudo y fragmentado concebido como objeto y sujeto a la vez, utilizándose a sí misma como territorio de experimentación y subversión, con la voluntad de transmitir la tensión de lo oculto y poniendo énfasis en la esclavitud del ser humano surgida a raíz de la dependencia tecnológica de la sociedad actual. 

Tabacalera Promoción del Arte. Calle de Embajadores, 51. 28012, Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera  http://www.dianacoca.com

Imagen: Diana Coca

 

Subcategorías