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AMÁN. Xavier Mascaró “Después de la tierra, todo” Galería Nacional de Bellas Artes

5 julio – 30 agosto, 2017

Exposición de esculturas y dibujos del artista Xavier Mascaró (París, 1965, se traslada a Barcelona desde 1968. Actualmente vive entre México y Madrid). Este artista trabaja en una línea atemporal de creación, adentrándose en la razón más profunda del ser humano a través de la sabiduría ancestral de culturas antiguas como la griega, egipcia, maya, fenicia, etc., logrando una iconografía esencial y común entre las diversas culturas, que se hace materia en hierro, aluminio, cerámica, pasta de papel, bronce, etc. (I. Cervantes press-release)

Galería Nacional Jordana de Bellas Artes (Amán)Al-Muntazah Circle, Jabal Lweibdeh. Amán (JORDANIA)

http://www.nationalgallery.org   http://www.xaviermascaro.com

Imagen:  Xavier Mascaró

BOLONIA. “MIRÓ! Sogno y colore” Palazzo Albergati

11 abril - 17 septiembre, 2017.
Dos palacios italianos, concretamente el Palazzo Albergati de Bologna y el Palazzo Chiablese de Turín, acogerán a partir del 11 de abril y hasta enero de 2018 la exposición MIRÓ! SOGNO E COLORE. La Fundación Pilar y Joan Miró en colaboración con Arthemisia Museum Srl. han organizado esta nueva exposición en tierras italianas.

Un total de 131 obras, entre pintura, escultura, obra gráfica, dibujos y libros ilustrados, así como una selección de los objetos y materiales que formaban parte de sus espacios de creación: Taller Sert y Son Boter, la muestra parte en su totalidad del fondo de la Fundación Pilar y Joan Miró en Mallorca. Esta nueva exposición individual de Joan Miró en Bologna y Turín ofrece un conjunto de claves para aproximarnos al espíritu y al pensamiento del artista. Es imposible acercarse a su figura sin hablar de la gran afición que siente por sus raíces y su identidad, aspectos que influyen de manera muy directa en su obra.

Partiendo de estos conceptos y, considerando asimismo la idea de que Joan Miró concibe su obra como un monólogo interior a la vez que un diálogo abierto con el público, es como surge la exposición "Miró! Sogno y colore ". La muestra presenta un argumento expositivo dividido en cinco grandes ámbitos diferenciados y a la vez complementarios, y reúne obras realizadas íntegramente en Mallorca en su etapa de madurez más vital y artística, la menos conocida y la más innovadora de su trayectoria. Los cinco grandes ámbitos temáticos son: raíces, principales influencias plásticas, Mallorca espacios creativos, la metamorfosis creativa y vocabulario de la forma. Miró se siente muy vinculado y arraigado en dos lugares, Montroig y Mallorca, que le permiten vivir y trabajar en la intimidad y estar inmerso en una naturaleza primigenia. A través de la exposición exploraremos las raíces de la obra mironiana: las culturas primitivas y el arte popular, los frescos románicos, la arquitectura de Antoni Gaudí, la poesía, y la aproximación posterior al Expresionismo Abstracto americano y el arte oriental. Podremos explorar sus espacios de creación en Mallorca, un enclave de gran importancia para el artista, y el contexto de creación del Taller Sert y Son Boter. Para terminar, conoceremos la fecundidad creadora del artista a través de sus recursos plásticos, la variedad de técnicas y materiales y su particular iconografía, que testimonian el afán insaciable de renovación y ruptura que caracteriza su última etapa creativa en Mallorca (1956-1981).

Un Miró más transgresor e inconformista, agresivo y salvaje, convive con otro Miró más reflexivo y poético, dando lugar a nuevos retos creativos que utilizará para huir de la banalidad y acuñar así su propio lenguaje plástico, universal y único. (Palazzo Albergati press-release)

Palazzo Albergati. Via Saragozza, 28 Bolonia. Italia

http://www.palazzoalbergati.com/miro-sogno-e-colore/

Imagen: Fundació Pilar y Joan Miró

 

ARLES. “Blank Paper: Historias del presente inmediato” Les Rencontres d'Arles

3 julio – 24 septiembre, 2017

Les Rencontres d'Arles es un festival anual de fotografía que fue fundado en 1970 y se celebra anualmente durante los meses de verano. Tiene un importante impacto internacional al mostrar material que nunca antes había sido visto por el público. En 2015, el festival recibió 93.000 visitantes. Sus variadas exposiciones de fotografía están diseñadas específicamente para el Festival y se organizan a menudo en colaboración con museos e instituciones francesas y extranjeras. Los Rencontres d'Arles han revelado a muchos fotógrafos y son un excelente trampolín en el mundo de la fotografía. "Blank Paper: Histoires du présent immédiat" (Blank Paper: Historias del presente inmediato) muestra las obras más recientes del Colectivo español Blank Paper y también refleja cómo el intercambio y la creatividad colaborativa generada entre sus miembros han propiciado un campo fértil para la creación fotográfica en España.

Artistas: Julián Barón (1978), Ricardo Cases (1971), Federico Clavarino (1984), David Hornillos (1974), Alejandro Marote (1978), Óscar Monzón (1981), Bernardita Morello (1984), Miren Pastor (1985), Michele Tagliaferri(1980), Fosi Vegue (1976), Antonio M. Xoubanova (1977)

A principios de la década de 2000 un grupo de fotógrafos se establece en Madrid como colectivo para desarrollar y mostrar sus trabajos y crear un espacio intelectual común: Blank Paper. Desde entonces, su fotografía no ha cesado de evolucionar a través de una práctica cuyos rasgos principales son la colaboración y el intercambio. Alejados de los circuitos oficiales del arte y de las instituciones, estos fotógrafos han sabido tejer una red independiente de producción, exposición y difusión basada en una relación solidaria que les permite llevar a término sus trabajos. Una aventura arriesgada pero necesaria, pues su época les enfrenta no solamente a un periodo de grandes cambios sociales sino también a una profunda crisis económica. Esta exposición reúne los trabajos más recientes tanto de miembros del colectivo Blank Paper (Ricardo Cases, Julián Barón, Óscar Monzón, Antonio M. Xoubanova, Fosi Vegue, Alejandro Marote) como de otros fotógrafos de su órbita (Bernardita Morello, Federico Clavarino, David Hornillos, Miren Pastor, Michele Tagliaferri), fundamentalmente profesores y exalumnos de la escuela de Blank Paper. La complicidad y la confianza fraguadas a lo largo de años de aprendizaje en común hacen que en la obra de cada uno haya algo de todos los demás. Esta exposición pretende por lo tanto mostrar algo más que la suma de sus presencias individuales y reflejar también su manera continuada de compartir los procesos creativos. (AC/E press-release)

LES RENCONTRES D’ARLES. 34 rue du docteur Fanton. 13200 Arles

https://www.rencontres-arles.com   http://www.blankpaper.es

Imagen: Alejandro Marote

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

VENECIA. Antoni Abad “La Venezia che non si vede” Catalonia en la 57ª Bienal de Venecia. Cantieri Navali de Castello

13 mayo -  26 noviembre, 2017

“La Venezia che non si vede” es un proyecto de Antoni Abad, comisariado por Mery Cuesta y Roc Parés. El proyecto se basa en un mapeado sonoro de la ciudad de Venecia a través de tablas sonoras que se registran en la app Blindwiki. Esta interpretación sensorial de la ciudad de los canales se hace colaborando con personas ciegas o con baja visión, que utilizan los sentidos de una manera diferente. Mediante el intercambio de experiencias y dificultades que tienen estas personas en su vida cotidiana, se desvelan formas urbanas menos evidentes y se traza un nuevo mapa del territorio público útil para todos. La presentación ha corrido a cargo del artista y los dos comisarios junto con el director del IRL, Manuel Forcano, y el consejero de Cultura, Santi Vila. 

Antoni Abad trabaja con comunidades digitales en que los teléfonos móviles tienen un papel importante como medio de comunicación social y elabora una cartografía sonora y geolocalizada de Venecia a través de la app BlindWiki creada para las personas ciegas, pero accesible para todo el público desde un teléfono móvil. La aplicación permite registrar y publicar impresiones sobre cualquier lugar de la ciudad y escucharlas en cualquier momento: una red ciudadana que mejora los servicios a la comunidad y al mismo tiempo se convierte en una red internacional para compartir experiencias, historias y pensamientos sobre todo lo que no se ve.

De forma paralela, para acercar al público a la BlindWiki, Abad ha dirigido un documental que ha realizado Daniele Zoico -con subtítulos en italiano, inglés y audiodescripción en italiano e inglés - que se proyectará en el espacio expositivo.

El proyecto también incluye la publicación de un cómic táctil, con diseños en relieve de Max (Francesc Capdevila, Premio Nacional de Cómic de España, 2007) y con un guión creado con la colaboración de participantes ciegos, bajo la dirección de la co-comisaria Mery Cuesta. Producción: Institut Ramón Llull. (I.Ramón Llull press-release)

Evento Collaterale della 57. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia. Cantieri Navali de Castello 

http://blind.wiki  

http://www.llull.cat http://www.labiennale.org

Imagen: Ovvero *Venecia, Italia 2017-05-05 15:36:06 #cultura.  BlindWiki.

 

LIMA. Sixe Paredes “Abstracción Numérica” Centro Cultural de España

hasta el 31 diciembre, 2017

Como parte de la exposición Antes, después, ahora, el artista Sixe Paredes vuelve a sus orígenes grafiteros para intervenir la fachada lateral y la galería exterior de nuestro CCE pintando los murales Abstracción numérica y Quipu abstracción.

En Abstracción numérica (pared lateral del CCE, Av. Arenales), Sixe utiliza los números como alegorías  simbólicas de la crisis moderna en la que el ser humano es reducido a un número estadístico por su valor de cambio. Pero el artista también se aproxima al significado y la proyección mística de los números en las culturas ancestrales y a una proyección mística.

Construyendo una amplia crítica como consecuencia de un proceso de adaptación socioeconómico, Sixe investigó sobre nuestra percepción de los números. El individuo, privado de su esencia,  deviene “número” en un estudio de mercado y, bombardeado de información, “abstrae su realidad”, se aliena.

Por otro lado, el número nace como algo fuertemente intrínseco del ser humano, en particular en referencia a su capacidad de racionalizar, a sus necesidades prácticas y, aun más, religiosas. En esta serie, Sixe no prescinde de su enlace íntimo con la tradición andina según la cual, gracias a las matemáticas, el ser humano logra un lenguaje absoluto que le permite unificarse con el cosmos.

“He hecho abstracciones de quipus con cuerdas, con nudos; pero también quise llevar el quipu a la pintura. Me gusta esa idea de transmutar elementos de culturas primigenias para darles importancia y una nueva mirada en el mundo contemporáneo”, explica Sixe Paredes sobre esta pintura mural en la que recrea el magnífico sistema de contabilidad del imperio Incaico, un sistema también de escritura que contenía la narración de múltiples historias.

Quipu abstracción replica en los intensos colores de los hilos y nudos de los quipus una policromía fosforescente que resalta sobre un fondo negro. CCE Lima press-release)

Centro Cultural de España en Lima. Jr. Natalio Sánchez 181. Santa Beatriz. Cercado de Lima 

http://ccelima.org   Sixe Paredes  

Imagen:Quipu abstracción.Sixe Paredes

MÉXICO. Xavier Mascaró “Guardianes” Plaza Seminario, Museo del Templo Mayor, Centro Cultural de España en México

21 junio – 20 septiembre, 2017

Guardianes es un proyecto que muestra el trabajo de Xavier Mascaró en el Centro Histórico de la Ciudad de México. El Instituto Nacional de Antropología e Historia, el Gobierno de la Ciudad de México y la Embajada de España en México han sumado esfuerzos para articular un circuito formado por el Museo del Templo Mayor, la Plaza Seminario y el Centro Cultural de España en México, puntos de referencia del Centro Histórico que temporalmente albergan la obra de este destacado artista español.

La obra de Mascaró, en palabras del historiador de arte Reynier Valdés Piñeiro, restituye el valor del mito y la esencia supersticiosa del hombre antes de ser refinados por la cultura. En lugar de la concepción antropomórfica de los dioses, prefiere su existencia totémica originaria. En este sentido, la admiración de Mascaró por la fuerza y riqueza del arte prehispánico mexicano lo ha llevado, no solo a instalar su taller en México desde hace siete años, sino a realizar su obra con figuras inspiradas en chamanes, diosas de la fertilidad y seres mitológicos que son, al mismo tiempo, una respuesta a esos ecos lejanos y un homenaje a aquellos artistas anónimos que expresaron sentimientos universales. De esta forma nace el diálogo entre el gran legado del pasado prehispánico y la obra de este destacado escultor español. Este proyecto se enmarca en el programa de actividades con las que la Embajada de España en México conmemora los 40 años del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre España y México.

Xavier Mascaró nació en Paris en 1965 y se trasladó con su familia a España poco después, en 1968. Comenzó a realizar sus primeras pinturas y trabajos en aguafuerte en 1979 y ya en la década de los 80 decidió estudiar la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, graduándose en 1988 con una especialidad en pintura. En 1989 comenzó a realizar sus primeras obras en bronce y, desde entonces, se ha decantado por el campo de la escultura. A lo largo de su carrera ha expuesto sus obras en numerosas ciudades como París, Caracas, Viena, Montecarlo, Cartagena de Indias, Madrid o Nueva York y actualmente vive y trabaja entre Madrid y Ciudad de México (CCEMX press-release)

Plaza Seminario – Museo del Templo Mayor – Centro Cultural de España en México

http://ccemx.org  http://xaviermascaro.com

Imagen: “Guardianes” Xavier Mascaró

NUEVA YORK. Walter Martín y Paloma Muñoz “The New York Times” The Flag Art Foundation

01 junio – 11 agosto, 2017

La exposición utiliza al "The New York Times" como punto de partida y cuenta con más de 80 artistas y colectivos que utilizan el "papel impreso" para abordar y redefinir  temas que afectan a nuestra vida cotidiana.

La lectura de El New York Times está incrustada en las rutinas diarias de muchas personas. Esta crónica de los problemas geopolíticos y locales, las tragedias, las historias de interés humano y las tendencias culturales, sirven como fuente de inspiración y medio para que los artistas afirmen sus perspectivas sobre el estado del mundo.

A raíz de las elecciones presidenciales de 2016, donde los medios de comunicación se consideraban "el enemigo del pueblo", y el New York Times atacó y etiquetó directamente como "noticias falsas", FLAG comenzó a desarrollar una exposición examinando cómo artistas como Robert Gober, Ellsworth Kelly, Lorraine O'Grady, Fred Tomaselli, y otros, que han utilizado y se han inspirado en este periódico en sus obras. Para dar voz a una comunidad más grande, la fundación FLAG hizo una convocatoria abierta para presentaciones de obras de artistas que recibieron más de 400 propuestas de todo el mundo. 

Durante siglos, los artistas han intentado adaptar la escala de la realidad a confines más pequeños: lienzos enmarcados, estatuas cinceladas, retratos de marfil ... Walter Martin y Paloma Muñoz se han metido en su propio nicho. Conocidos como Martin & Muñoz, esculpen y organizan escenas tridimensionales en miniatura, escenas de pánico y cierto humor negro y las colocan dentro de globos de nieve. Llenos de agua y con un toque de alcohol que actúa como conservante, los orbes evocan al diminuto Damien Hirsts, aunque la condición humana, no un tiburón, se muestra inmóvil y torcida. 

The Flag Art Foundation 545 W 25th St, New York, NY 10001

http://flagartfoundation.org http://www.martin-munoz.com

Imagen: Walter Martin and Paloma Muñoz. Traveler 46 at Night, 2003, snowglobe

CÓRDOBA. AR. Chema Madoz “Ocurrencias y regalos (para la vista)” Centro Cultural de España

21 junio – 15 septiembre, 2017

El Centro Cultural España Córdoba junto con FoLa, Fototeca Latinoamericana, presentan el viernes 23 de junio por primera vez en Córdoba una amplia muestra dedicada a Chema Madoz, uno de los autores de la fotografía contemporánea más reconocidos internacionalmente (Premio Nacional de Fotografía- España).

Las obras de Madoz son consideradas poesía visual. Sus imágenes constituyen agudos poemas: el autor los encuentra escondidos en la realidad y los materializa a través de su cámara para ser luego leídos por los espectadores. Madoz muestra una constante inclinación hacia lo simbólico, con imágenes caracterizadas por un sutil juego de paradojas, alegorías, metáforas y metonimias que le llevan a crear un universo visual propio, imaginativo y reflexivo.

Las operaciones fotográficas de Madoz son sin duda precisas en su técnica y analíticas con respecto a  su contenido. En la configuración de mundos improbables, pero no imposibles, la tensión entre realidad y virtualidad que genera habilita el descubrimiento de nuevas historias de los objetos. El espectador de su obra es alejado del automatismo y situado en la paradoja de verse desconocedor del mundo que creía infalible. Con ello tiene la oportunidad de volver a mirar y volver a conocer aquello que creía familiar.

La obra de Madoz ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo; algunas de las más recientes son: “The Modern Surrealist” , Kahmann Gallery, (Amsterdam, 2017), “Photomanipulations”, Erarta Contemporary Museum (San Petersburgo, 2017), “The hidden face of things” Mari Mauroner Contemporary Art VIENNA Basement (Viena, 2014), “Ars Combinatoria” Fundación Catalunya-La Pedrera (Barcelona, 2013), Instituto Cervantes de Tokio (Tokio, 2009) y Netherland Photomuseum (Rotterdam, 2011). Galardonado en numerosas ocasiones, en el año 2000 recibió el Premio PHotoEspaña por su trayectoria fotográfica, el Premio Higasikawa en la sección Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival (Japón) y el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España. También ha sido Premio Bartolomé Ros en PHotoEspaña 2011. Su obra pertenece a las colecciones del MNCARS, el Ministerio de Cultura, la Fundación Telefónica, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, entre otros. (CCEC press-release)

Centro Cultural de España. Entre ríos 40, Ciudad de Córdoba. Córdoba, Argentina

http://ccec.org.ar

www.chemamadoz.com  http://fola.com.ar/wp

Imagen: Chema Madoz

MADRID. Isabel Muñoz “El Derecho a Amar” Centro Centro

23 junio – 01 octubre, 2017

Un proyecto fotográfico ideado y desarrollado por la fotógrafa Isabel Muñoz, comisariado por Christian Caujolle, realizado con ocasión del World Pride.

El derecho a amar exhibe cerca de 90 fotografías, retratos de los protagonistas del abanico LGTBI en la España actual y de los diferentes tipos de vivencias dentro de la diversidad y orientación sexual. 

Para este trabajo Isabel Muñoz (Premio Nacional de Fotografía 2016) ha retratado con su cámara a activistas, intelectuales, gentes de a pie, creyentes y agnósticos, adolescentes, jóvenes y mayores, para escenificar su derecho a amar a quien quieran. En la muestra se exponen las imágenes  en un recorrido que aborda diferentes ámbitos  y temáticas: el acoso adolescente, relatos personales de persecución, intolerancia y de víctimas de la ley de Peligrosidad Social, la tercera edad LGTB, los espacios de socialización y la transexualidad, entre otros. (Centro Centro press-release)

CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid |

http://www.centrocentro.org http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz

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