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Foto: B. Mora

MADRID. “Cualladó esencial. Gabriel Cualladó, fotógrafo” Canal de Isabel II

17  febrero - 29 abril, 2018

La Sala Canal de Isabel II presenta esta exposición dedicada a Gabriel Cualladó, un homenaje a uno de los grandes maestros en blanco y negro de la fotografía española de la que muestra el trabajo de un autor claramente rupturista en el devenir del siglo XX.

La exposición, comisariada por Antonio Tabernero, confirma que la obra de Cualladó es una de la más singulares de la fotografía española, no solamente por su dimensión poética y por su extraordinaria libertad de expresión, sino también por la natural sencillez con la que abordó su personal interpretación del mundo.

Su época de mayor actividad fueron las décadas de los 50 a los 70, aunque su carrera continuó siendo fecunda hasta poco antes de su fallecimiento, como demuestra el proyecto fotográfico Puntos de vista para el Museo Nacional Thyssen – Bornemisza, configurando una trayectoria inclasificable. En ella plasmó una obra cargada de humanismo lírico, encontrando poesía incluso en lo más doméstico, recorriendo ciudades como Madrid o París, pero también entorno rurales del norte de España.

Gabriel Cualladó (Massanassa, Valencia, 1925 – Madrid, 2003) fue miembro de AFAL y cofundador del grupo La Palangana, antes de formar parte de la Escuela de Madrid. Fue premiado, entre otros reconocimientos, con el primero de los Premios Nacionales de Fotografía y con la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid. Su obra está presente en las colecciones y museos más relevantes del país, a pesar de ser uno de los grandes desconocidos de la fotografía para el gran público.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II. C/ Santa Engracia, 125. 28003 Madrid      

http://www.madrid.org

Imagen: Gabriel Cualladó - Sobrepiedra, Asturias, 1958

FORDE. Beatriz Alonso “La timidez de la copa de los árboles” Sogn og Fjordane Kunstmuseum

17 febrero  - 03 junio, 2018

Exposición colectiva que, tomando como punto de partida poético un fenómeno botánico, reúne prácticas artísticas que promueven o visibilizan nuevos escenarios posibles para vivir juntos en el mundo. Es el resultado del premio para Jóvenes Comisarios que organizan conjuntamente MARCO Vigo, FRAC Lorraine y SFKM Førde, en cuya 7ª edición fue seleccionado el proyecto de la comisaria Beatriz Alonso. AC/E apoya laparticipación de las artistas españolas invitadas a la muestra Beatriz Alonso, Lara Almarcegui, Marta Fernández Calvo, Dora García y Alex Reynolds.
Esta exposición colectiva que toma como punto de partida la timidez de la copa de los árboles, un fenómeno natural mediante el cual cada árbol define un límite en el crecimiento de su copa, facilitando una armonía en el dosel forestal que hace que las especies coexistan fuera de competencia. De entre las posibles respuestas alrededor de esta consciencia de los árboles sobre los límites de su crecimiento, una de ellas tiene que ver con su capacidad para el intercambio de señales químicas, lo que les provee de un sistema de comunicación entre ellos que deja pasar la luz pero bloquea el acceso a los elementos dañinos para la supervivencia del conjunto. La observación poética de este fenómeno, además de cuestionar algunas lecturas hegemónicas alrededor de la naturaleza, nos ofrece un diálogo con nuestra contemporaneidad y la urgencia de imaginar un sistema basado en las sinergias y no en la supervivencia del más fuerte.
Desde el potencial de esta metáfora, esta exposición reúne prácticas artísticas que fomentan o visibilizan nuevos escenarios para vivir juntos en el mundo y aprender los unos de los otros desde la alteridad y la diferencia. Se pretende así revisar desde el arte el concepto de comunidad, contribuyendo a un entendimiento más amplio de lo común sin dejar de lado el conflicto, la inestabilidad o la utopía. Para ello, se propone una aproximación a la naturaleza más flexible y distorsionada, poniendo en valor metodologías de investigación y aprendizaje más intuitivas y poéticas. (AC/E press-release)

Sogn og Fjordane Kunstmuseum, Storehagen 1, 6800 FØRDE. Noruega

SFKM, Sogn og Fjordane Kunstmuseum

Imagen:  La timidez de la copa de los árboles” Sogn og Fjordane Kunstmuseum

MULHOUSE. Teresa Lanceta y Esther Ferrer “La Criatura Viviente” La Kunsthalle

15 febrero – 29 abril 2018

Esta exposición colectiva tiene como objetivo explorar las conexiones entre el arte, la educación y la vida cotidiana a través de la práctica artística. Quiere ser un recorrido a través de un entorno donde los procesos de investigación y producción, junto con diferentes enfoques para la comprensión de la pedagogía y la transmisión del conocimiento, se convierten en sujetos y herramientas de la producción artística contemporánea.
La Criatura viviente toma su título del primer capítulo del libro de John Dewey “Arte como experiencia” publicado en 1934. Un libro que, a pesar de que en su momento, fue recibido con diferentes entusiasmos, el tiempo y un enfoque renovado en su lectura lo han colocado en un lugar central dentro de las contribuciones teóricas a la educación artística y la conexión de la práctica artística con la vida diaria.
Para Dewey la autonomía de la experiencia artística se basa en la función social del arte, promoviendo un tipo de práctica que incrementa nuestra capacidad de acción y entendimiento de la agencia de las relaciones que establecemos con las condiciones de producción. La teoría de Dewey podría ser vista como un intento de trasladar la atención de la manifestación física de los procesos artísticos en el “objeto expresivo”, al proceso completo, un proceso cuyo elemento fundamental no es la “obra de arte” material sino el desarrollo de una “experiencia”.
Esta forma de entender la experiencia ha tenido mucha influencia en artistas como Allan Kaprow que llevaron las ideas de Dewey al contexto experimental de la interacción social y psicológica, donde los resultados son menos predecibles. De este modo, la formas naturales y sociales de experiencia dadas alimentan el marco intelectual, lingüístico, material, temporal habitual, performativo, ético, moral y estético en el que se produce el conocimiento. Esta idea de la producción de conocimiento conecta con uno de los últimos artículos publicados por Maria Puig de la Bellacasa en el que afirma que la producción de conocimiento, que de manera libre asimilaríamos a la práctica artística, es una producción situada y por lo tanto no puede ser entendida sin la multitud de relaciones que la hacen posible.
La exposición incluye proyectos que exploran las conexiones entre arte, educación y el cotidiano a través de la práctica artística; pudiendo ser proyectos de investigación, procesos de producción o diferentes formas de entender la pedagogía y la transmisión de conocimiento y cómo el potencial colectivo y performativo de estos se convierte muchas veces en herramienta y sujeto de la producción artística contemporánea. Partiendo de este marco recoge proyectos que se centran en la conexión entre educación y práctica artística, la artesanía como un modo de relacionarse con el mundo, el cuerpo como sujeto de transmisión pero también, la relevancia de lo urbano y los procesos naturales que nos rodea como punto de partida para la producción artística como herramienta para generar un mejor entendimiento de la manera en la que vivimos.

“La Criatura Viviente” en una propuesta de Soledad Gutiérrez (1976 Torrelavega, España) es comisaria e investigadora independiente.
Trabajó hasta 2014 como comisaria en el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Anteriormente, dirigió, en Londres, el programa de exposiciones de Hauser & Wirth Gallery y Whitechapel Art Gallery.
De 2014 a 2017, colaboró como curadora en Manufactories Of Caring Space-Time, un proyecto europeo de la Fundación Tàpies en Barcelona; el Museum voor Schone Kunsten (MSK) en Gante (Bélgica) y el FRAC Lorraine, especializado en las potencialidades de las prácticas colectivas e intangibles del arte contemporáneo. Soledad Gutierrez también ha publicado en varias revistas y catálogos. La exposición cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española, AC / E.
Artistas participantes: Anna Craycroft (USA), Esther Ferrer (ESP), Adelita Husni-Bey (IT), Allan Kaprow (USA), Teresa Lanceta (ESP), Nicolas Malevé (BE), Aimée Zito Lema (NL) (La Kunsthalle press-release)

La Kunsthalle. 6, rue de la Fonderie, 68093 Mulhouse. France

http://kunsthallemulhouse.com            

http://www.teresalanceta.com

http://estherferrer.fr

Imagen: Franjas III 2017. cosidos sobre tela pintada - 250 x 150 cm

BARCELONA. José María Sicilia “Phasma” Galería Joan Prats

09 febrero – 23 marzo, 2018

José María Sicilia (Madrid 1954) fue uno de los representantes más significativos de la pintura española de los años ochenta y se identificó con la joven generación de artistas que, a principios de esa década, retomaba la práctica de la pintura desde una perspectiva `matérica´.

A partir de 1985, Sicilia inicia una nueva serie de trabajos sobre el tema de las flores, por la cual es especialmente conocido en España. Este nuevo desarrollo temático le llevará a profundizar en una investigación centrada en el análisis de la forma, la construcción del espacio y la estructura de la luz.

 En la pintura abstracta que el artista ha desarrollado en los últimos años, la utilización de la cera adquiere un papel protagonista por sus posibilidades de diálogo con la luz y la creación de espacios en la superficie pictórica. (Joan Prats press-release)

Galeria Joan Prats. Carrer Balmes, 54. 08007 – Barcelona, Spain

http://www.galeriajoanprats.com

Imagen: José María Sicilia. La locura del ver, 2016-17

BELGRADO. Maria Hesse “Ilistraciones” Instituto Cervantes

9 febrero – 10 marzo, 2018

Exposición de las ilustraciones originales de María Hesse contenidas en "Frida Kahlo. Una biografía", publicado en serbio por Dibidus Book & Films. Una selección de dibujos realizados en gouache, tinta china y acuarela sobre papel de grabado, que reinterpretan cuadros de Frida Kahlo e ilustran momentos de su biografía.

Frida fue aas de la pintora mexicana, este libro es un paseo ilustrado por la emocionante biografía de Frida Kahlo.

María Hesse (Huelva, 1982) es ilustradora y ha desarrollado su actividad principalmente en el mundo editorial, publicando varios libros, entre ellos Orgullo y prejuicio (2017), Frida Kahlo. Una biografía (algo más que dolor y angustia. Se conformó con estar a la sombra de Diego Rivera y su arrolladora personalidad, y se convirtió en una artista llena de vida. Su pintura es fiesta, color, sangre y vida. Fue una luchadora que decidió ponerse el mundo por montera. Fue, también, una mujer apasionada que decidió vivir con intensidad, tanto las desgracias como las alegrías que le deparó el destino. Bowie (2018). Su obra se ha publicado en revistas como Jot Down o Maasai Magazine. Además del trabajo editorial, su obra ha sido expuesta en diferentes ciudades y cuenta con un trabajo personal donde la sensibilidad y la mujer son las grandes protagonistas.

Instituto CervantesC/ Knez Mihailova / Cika Ljubina, 19 C.P. 11.000 Belgrado Serbia

http://www.mariahesse.es

https://hermes.cervantes.es

Imagen: Maria Hesse "Frida Kahlo. Una biografía"

SAN PETERSBURGO. Fl. “Dali / Duchamp” The Dalí Museum, St Petersburg

10 febrero – 27 mayo 2018

Esta exposición única examina la relación entre Salvador Dalí y el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp. Es la primera exposición dedicada a su amistad y a la influencia mutua en su trabajo, la exposición explora el terreno común, tanto personal como estético.

Dalí y Duchamp mantuvieron una amistad y una admiración mutua a lo largo de sus carreras, alimentados por sus intereses artísticos compartidos, entre ellos el erotismo, el lenguaje, la óptica y los juegos, y su humor y escepticismo, lo que llevó a ambos, de diferentes maneras, a desafiar las opiniones convencionales del arte y la vida.

Esta exposición reúne alrededor de 60 obras, entre ellas algunas de las pinturas y esculturas más inspiradas realizadas de Dalí, y las instalaciones y los ready-mades de Duchamp. También muestra fotografías de Dalí, pinturas de Duchamp, correspondencia y colaboraciones entre los dos artistas.

La exposición ha sido organizada por la Real Academia de las Artes de Londres y el Museo Dalí de San Petersburgo, Florida, en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí y la Asociación Marcel Duchamp. (RAA press-release)

The Dali Museum, 1 Dali Blvd, St Petersburg, FL 33701

http://thedali.org/exhibit/daliduchamp

Image: Salvador Dalí, Les premiers jours du printemps (The First Days of Spring), 1929. © Collection of the Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida / © Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS 2016

PALERMO. Xavier Mascaró “Después de la tierra, todo” Instituto Cervantes

15 febrero – 20 abril, 2018

El Instituto Cervantes de Palermo presenta la exposición de Xavier Mascarò  “Después de la tierra, todo”

¿Cómo una creación artística nos puede evocar tantas emociones a la vez, tan diversas y todas tan poderosas? Fuerza, ternura, alegría… La inspiración del artista en culturas milenarias, cuyas obras de arte nos atraen y nos inducen a la meditación individual profunda casi sin darnos cuenta, puede ser una de las causas. En esta ocasión y gracias a la colaboración del Museo Arqueológico, las piezas entran en diálogo director con aquellas otras que las inspiran.

Mascaró nació en Paris en 1965 y se trasladó con su familia a España poco después, en 1968. Comenzó a realizar sus primeras pinturas y trabajos en aguafuerte en 1979 y ya en la década de los 80 decidió estudiar la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, graduándose en 1988 con una especialidad en pintura. En 1989 comenzó a realizar sus primeras obras en bronce y, desde entonces, se ha decantado por el campo de la escultura. A lo largo de su carrera ha expuesto sus obras en numerosas ciudades como París, Caracas, Viena, Montecarlo, Cartagena de Indias, Madrid o Nueva York y actualmente vive y trabaja entre Madrid y Ciudad de México.

Instituto Cervantes. Chiesa di Santa Eulalia dei Catalani Via Argenteria Nuova, 33 90133 Palermo ITALIA

http://palermo.cervantes.es

http://xaviermascaro.com

Imagen: Woman. Hierro y Níquel. 2017.Xavier Mascaró

NUEVA YORK. Yapci Ramos “Red-Hot” Catinca Tabacaru Gallery

26 enero  – 25 febrero, 2018 

Como acto primordial y espontáneo, cada mes durante dos años, la artista española Yapci Ramos escribe una palabra en la pared de su baño. Escritas en letras rojas húmedas, las palabras culminan en un diario minimalista y primitivo, una reflexión sobre sus decisiones y renuncias.
En una nueva instalación de video de 18 canales, la artista, desnuda y mojada, extiende un pigmento primario sobre su lienzo íntimo y efímero, lavándolo momentos después. Tal desempeño evoca creencias ancestrales y rituales tribales de mujeres purificadoras.
Atrapa nuestra mirada con una mirada arrepentida que recuerda una práctica artística de dos décadas filtrada en la documentación de otros: su carnalidad, género y especialmente las vidas de mujeres que viven al margen de una sociedad. Pero, la vida se revela a sí misma y resulta que Ramos no está tan lejos de sus antiguos sujetos como una vez creyó.
Ramos gira la cámara hacia ella misma, sumergiéndose más profundamente que nunca en su propia otredad, sus elecciones y pérdidas, sintiéndose peligrosamente cerca de esa franja que ella pensó que era más un interés intelectual que un imán emocional.
Red-Hot es el paso necesario en la investigación artística de Ramos. A medida que la artista se convierte en un reflejo, ofrece un trabajo llamativamente universal.
Históricamente, escribir con la propia sangre nos lleva a una variedad de prácticas desde la pintura rupestre hasta el arte feminista radical. Portia Munson (Huellas menstruales con texto de los años 1980-90), Tracy Emin (Mi cama, 1999), Christen Clifford (I want your blood, 2013) y muchas otras artistas feministas han hecho declaraciones radicales y han impulsado a la sociedad a avanzar en su trabajo. Hoy en día, el movimiento para normalizar el sangrado menstrual está en pleno apogeo y dirigido por pensadores capaces como Kiran Gandhi y Miki Agrawal. Se han vaciado innumerables plumas para analizar, criticar y filosofar el papel sociopolítico de los fluidos, los cuerpos, el arte y el gesto. Las conclusiones han sido firmadas en sangre. .(Spainculture press-release)
 Catinca Tabacaru Gallery  250 Broome St, New York, NY 10002 New York, USA

http://www.catincatabacaru.com

https://www.yapciramos.com

Imagen:Yapci Ramos “ Red-Hot”

CHICAGO. Daniel Cerrejón “Beyond Meausure” Tiger Strikes Asteroid

28 enero — 10 marzo, 2018

La práctica escultórica de Daniel Cerrejón otorga a los sistemas de medición corporal una presencia material y relacional. En la serie CORPUS, Cerrejón sella marañas de cuerda cuyas longitudes se derivan del promedio de la métrica corporal de la Organización Internacional de Normalización para la población estadounidense. El lenguaje frío de sus títulos roza la carnosidad de los nudos y el maquillaje (también derivado del promedio de los tonos de piel) que los recubre. Si estas medidas parecen evacuar la corporeidad, entonces las esculturas de Cerrejón la devuelven.
En las otras series de obras expuestas, Cerrejón ofrece aproximaciones materiales de la proxémica, el campo de estudio que busca definir el promedio de las distancias entre los cuerpos humanos en diferentes escenarios de comportamiento.
Tiger Strikes Asteroid es una red de espacios dirigidos por artistas con sedes en Filadelfia, Nueva York, Los Ángeles y Chicago. Cada espacio funciona de forma independiente y se centra en presentar un programa variado de artistas emergentes. El objetivo es reunir a las personas, ampliar las conexiones y construir una comunidad a través de exposiciones, proyectos y oportunidades curatoriales iniciadas por artistas. La red busca potenciar el rol del artista más allá del profesional del estudio para incluir los roles de curador, crítico y desarrollador de la comunidad, y para actuar como un modelo alternativo a las convenciones del mercado de arte comercial actual.

Tiger Strikes Asteroid Chicago, 319 N Albany Ave, Chicago IL 60612

http://www.tigerstrikesasteroid.com/tagged/beyondmeasure

https://danielcerrejon.com

Imagen: Daniel Cerrejon. Zero Sum Objects, 2015, Rubber and steel, 8” x 8” x 2

NUEVA YORK. Martí Cormand ‘Formalizing their concept: After Levine, After Evans’ Josée Bienvenu Gallery

20 enero – 3 marzo, 2018

La Josée Bienvenu Gallery de Nueva York acoge la exposición ‘Formalizing their concept: After Levine, After Evans’, del artista barcelonés Martí Cormand. La muestra reúne una serie de dibujos a lápices de grafito inspirados en las fotografías de Walker Evans realizadas durante la Gran Depresión. ‘Formalizing their concept: After Levine, After Evans’ se inaugurará el 20 de enero y se podrá ver hasta el 3 de marzo.

Durante los últimos cinco años, Martí Cormand ha ido representando obras conceptuales emblemáticas de los años sesenta, setenta y ochenta en grafito sobre papel y con una extraordinaria atención.

En esta ocasión, el barcelonés se ha centrado exclusivamente en reproducir “After Walker Evans”, una serie de 22 fotografías de Sherrie Levine inspiradas en el trabajo del prestigioso artista Walkter Evans. Sus imágenes, marcadas por el realismo y la cotidianidad, muestran las condiciones de familias norteamericanas pobres durante la Gran Depresión. Todas ellas se hicieron famosas con la publicación del libro “Let Us Now Praise Famouse Men” (1941) y cuarenta años más tarde, Levine las volvió a recrear proporcionando un comentario político y estético sobre la naturaleza de la fotografía.

El objetivo de Cormand es cuestionar la capacidad de mimesi de las técnicas del dibujo y la pintura a través de versiones hiperrealistes hechas a lapiz que pretenden ser ‘la sombra perfecta’ de las obras originales.

Nacido en Barcelona el 1970, Martí Cormand vive y trabaja en Brooklyn. Licenciado en Bellas Artes por la Universitat de Barcelona, después de una década de trayectoria profesional, Cormand ha participado en una quincena de exposiciones individuales y en más de cincuenta muestras colectivas. Las más recientes incluyen ‘Really?’ comissariada por Beth Rudin DeWoody, ‘Walk the Distance and Slow Down: Selections from the Collection of JoAnn Gonzalez Hickey’ o ‘Postcards tono AZ’. (Ramon Llull I. press-release)

Josée Bienvenu Gallery . 529 West 20th Street(between 10th & 11th Avenues)New York, NY 10011

Josée Bienvenu Gallery   Martí Cormand

Imagen : Formalizing their concept: After Levine, After Evans’1 1987. 2017. graphite on paper

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