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Foto: B. Mora

TURIN. “MIRÓ! Sogno e colore” Palazzo Chiablese

4 octubre 2017 – 14 enero 2018

El Palazzo Chiablese de Turín, acogerá hasta enero de 2018 la exposición MIRÓ! SOGNO E COLORE. La Fundación Pilar y Joan Miró en colaboración con Arthemisia Museum Srl. han organizado esta nueva exposición en tierras italianas.

Un total de 131 obras, entre pintura, escultura, obra gráfica, dibujos y libros ilustrados, así como una selección de los objetos y materiales que formaban parte de sus espacios de creación: Taller Sert y Son Boter, la muestra parte en su totalidad del fondo de la Fundación Pilar y Joan Miró en Mallorca. Esta nueva exposición individual de Joan Miró en Bologna y Turín ofrece un conjunto de claves para aproximarnos al espíritu y al pensamiento del artista. Es imposible acercarse a su figura sin hablar de la gran afición que siente por sus raíces y su identidad, aspectos que influyen de manera muy directa en su obra.

Partiendo de estos conceptos y, considerando asimismo la idea de que Joan Miró concibe su obra como un monólogo interior a la vez que un diálogo abierto con el público, es como surge la exposición "Miró! Sogno y colore". La muestra presenta un argumento expositivo dividido en cinco grandes ámbitos diferenciados y a la vez complementarios, y reúne obras realizadas íntegramente en Mallorca en su etapa de madurez más vital y artística, la menos conocida y la más innovadora de su trayectoria. Los cinco grandes ámbitos temáticos son: raíces, principales influencias plásticas, Mallorca espacios creativos, la metamorfosis creativa y vocabulario de la forma. Miró se siente muy vinculado y arraigado en dos lugares, Montroig y Mallorca, que le permiten vivir y trabajar en la intimidad y estar inmerso en una naturaleza primigenia. A través de la exposición exploraremos las raíces de la obra mironiana: las culturas primitivas y el arte popular, los frescos románicos, la arquitectura de Antoni Gaudí, la poesía, y la aproximación posterior al Expresionismo Abstracto americano y el arte oriental. Podremos explorar sus espacios de creación en Mallorca, un enclave de gran importancia para el artista, y el contexto de creación del Taller Sert y Son Boter. Para terminar, conoceremos la fecundidad creadora del artista a través de sus recursos plásticos, la variedad de técnicas y materiales y su particular iconografía, que testimonian el afán insaciable de renovación y ruptura que caracteriza su última etapa creativa en Mallorca (1956-1981).

Un Miró más transgresor e inconformista, agresivo y salvaje, convive con otro Miró más reflexivo y poético, dando lugar a nuevos retos creativos que utilizará para huir de la banalidad y acuñar así su propio lenguaje plástico, universal y único. (Palazzo Albergati press-release)

Palazzo Chiablese / Piazza S. Giovanni, 2 / Turin, Piemonte, Italia

http://www.mostramirotorino.it

Imagen: Fundació Pilar y Joan Miró

 

LONDRES. Michelangelo Arteaga “Spiral of Life: Stations of Water” St. Paul´s Cathedral

25 septiembre - 27 octubre, 2017

Stations of Water es una exposición de arte contemporáneo en la Catedral de San Pablo con motivo de justwater2017.org.

Michelangelo Arteaga participa en esta exposicion presentando: “La Espiral de la Vida”  Cual es la esencia del ser humano? Somos solo agua? ...   La escultura representa una concha marina con forma de Nautilus, con la curva de la espiral de Fibonacci. El exterior aparenta ser un cuerpo solido; sin embargo, el interior te lleva a un fondo marino desde el que se contempla la luz filtrándose en el agua. En la oscuridad, una sutil luz ultra violeta alumbra unas partículas foto sensibles, incrustadas en la superficie de la pieza, que produce el efecto de estar bajo un cielo estrellado. Un altavoz, conectado en el interior de la escultura, reproduce el latido de un Corazón, haciendo que toda la pieza vibre y recordando al pulso de un embrión.

Michelangelo Arteaga, escultor que aprendió el antiguo arte de la talla de piedra de su padre marmolista de profesión. En 2013, estudió escultura, grabado y joyería en el Bath College y en 2014, completó su master en Bellas Artes en el Chelsea College of Arts (UAL) en Londres. Es miembro de la Royal Society of British Sculptors. Nacido en Cádiz, España, Arteaga vive y trabaja en Londres. (St. Paul´s Institute press-release)

St Paul’s Cathedral London, EC4M 8AD United Kingdom

http://www.stpaulsinstitute.org.uk http://www.arteagasculpture.com

Imagen: Michelangelo Arteaga. Spiral of Life. 2017 Polyester resin, fiberglass, light and sound. 2.25 H x 1.50 L x 1.50 D metros.

BRUSELAS. Dora García "En algún lugar, dos planetas han estado chocando durante miles de años (El pensador como poeta)" La Verrière

6 octubre – 9 diciembre, 2017

En el centro de una instalación minimalista en La Verrière, algo está ocurriendo. Los visitantes se convierten en los espectadores de una performance que invierte el espacio de la galería. La elegante y rigurosa presentación de Dora García busca generar una poesía accesible a todos.

El comisario Guillaume Désanges describe la última exposición en La Verrière, Bruselas: "La pieza se presenta como una unidad autónoma: un espacio prácticamente vacío, con dibujos esquemáticos en las paredes y una escultura-libro concebida como telón de fondo de un serie continua de actuaciones ". El enfoque radical de la artista española Dora García despoja a La Verrière de su esencialidad: el espacio se concibe como un soporte neutral para las palabras y acciones de su performance.

Como última artista invitada a participar en la temporada de poesía balística de La Verrière, lanzada en 2016, Dora García elige un título enigmático para esta nueva pieza que refleja su práctica programática, trabajando con la materia prima de la poesía. El trabajo culturalmente exigente de García juega con normas establecidas, como aquí: el proyecto se basa en una discusión entre dos escritores (Andrea Valdés y Manuel Asín) y un texto poético del filósofo Martin Heidegger. Conceptos de tiempo y espacio, la palabra escrita y hablada y otros misterios de la mente humana son abordados por varios artistas que trabajan continuamente en el centro de la exposición.

Nacida en 1965, Dora García es una artista cuyo trabajo se define por su inspiración conceptual y aspecto performativo, a veces participativo. Su práctica se basa en la relación entre la artista y el público, basándose en textos, páginas web, películas y actuaciones en las que la realidad suele pincharse con la ficción. García es regularmente invitada a exponer en importantes eventos internacionales de arte y representó a España en la Bienal de Venecia 2011. .  (La Verrière press-release)

La Verrière / Fondation d’entreprise Hermès . 50, boulevard de Waterloo – 1000 Brussels

http://en.fondationdentreprisehermes.org  http://www.doragarcia.org

Imagen: Dora García, Two planets, Mad Marginal Charts Series, 2014-2017

MADRID. “Pablo Palazuelo: sin principio ni fin” Galería Cayón

14 septiembre – 4 noviembre, 2017

Pablo Palazuelo: sin principio ni fin, la cuarta muestra individual dedicada a la figura de Pablo Palazuelo (Madrid, 1915 – Galapagar, Madrid, 2007) en la Galería.

La exposición, que se celebra cuando se cumplen diez años del fallecimiento del artista, reúne en los dos espacios de Blanca de Navarra un conjunto excepcional de 7 esculturas y 8 pinturas, todas ellas realizadas durante los últimos 20 años de su vida.

Las piezas que conforman la exposición revelan la conclusión plástica a la que Pablo Palazuelo llegó tras más de 60 años de actividad creadora. Basada en una minuciosa observación del orden implícito en la naturaleza, la obra de este insólito artista descubre un universo de formas orgánicas llenas de vida, que revela un excepcional y personal uso de la imaginación.

Fascinado por las formas contenidas en la naturaleza, valorada por él mismo como un elemento ilimitado, Palazuelo aspira a representarlas en su apariencia más simplificada. Haciendo uso de la geometría, instrumento que consideraba fundamental para conocer la materia, el artista revela en sus composiciones la realidad oculta del mundo que nos rodea.  

La vida se crea a sí misma y la naturaleza es la manifestación perpetua de aquella auto-creación. Lo real velado o desvelado es el movimiento viviente de la naturaleza sin principio ni fin, y en ese movimiento participan todas sus partes ninguna de las cuales puede crear independientemente y por sí misma[1].

La exposición explora la etapa de madurez del artista en la que Palazuelo trabaja con los conocimientos de toda una vida de observación y experimentación plástica acumulada.

Pablo Palazuelo: sin principio ni fin se ha realizado con la colaboración de diversos coleccionistas privados y de la Fundación Pablo Palazuelo, institución con la que Galería Cayón viene trabajando en los últimos años.

[1] Fragmento del texto inédito escrito, La Exploración (La Peraleda, 18 de mayo de 1998) por Pablo Palazuelo de donde se ha obtenido el título de la exposición. (Cayón press-release)

Galería Cayón. Blanca de Navarra, 7. 28010 Madrid 

http://galeriacayon.com

Imagen: “Pablo Palazuelo: sin principio ni fin” Galería Cayón

NUEVA YORK. Ivana Larrosa “In search of lost Time” The International Center of Photography

16 septiembre – 19 noviembre 2017

¿Cómo se ha transformado el acto de recordar y olvidar en la era digital?

La relación de la fotografía con el concepto de memoria se extiende por toda su historia e incluye todas sus iteraciones. Sólo ahora la distribución de la fotografía ha estallado con nueva ubicuidad, dando paso a un cambio de paradigma que se parece al de la prensa de Gutenberg. Las diversas formas de la fotografía han convergido hacia un punto de accesibilidad donde lo que antes era un lujo es ahora una presuposición. A medida que disminuyen los grados de separación entre las personas, también lo hacen entre el pasado, el presente y el futuro. Recordar es comprometerse con los tres, y crear es hacerlos tangibles. La conciencia colectiva de la humanidad habla un lenguaje visual, y la fotografía  está preparada, ahora más que nunca, para elevar la noción misma de lo que significa crear. Esta exposición está comisariada por Miles Goscha (GS 2016), Mohamed AlMannai (DOC 2016) y Mengwen Cao (NMN 2016/DOC 2017)

Ivana Larrosa (Logroño, La Rioja 1975) es una artista visual que vive actualmente en Nueva York. Licenciada en Ciencias de la Información y Comunicación por la Universidad de Navarra,  actualmente se encuentra cursando un Master en Bellas Artes en el Centro Internacional de Fotografía-Bard College en la ciudad de Nueva York.
Su obra se ha expuesto en muchos lugares en los Estados Unidos, incluyendo Umbrella  Arts Gallery (Nueva York), El Centro de Fotografía de Autor (Fort Collins, CO) y Castell Gallry (Asheville, Carolina del Norte). A nivel internacional se ha exhibido su trabajo en el Espacio Aglutinador (La Habana) y el Proyecto Espacio Kleiner Salon (Berlín).

Artistas: Kinuko Esther Asano (DOC 2017), Maria Bilbao•Herrera (GS 2012), Sarah Blesener (DOC 2016) & Cédric von Niederhäusern (DOC 2016) with Robert Langellier, Camilla Cerea (DOC 2014), Jeri Coppola (GS 1989), Marjolaine Gallet (GS 2013), Kasia Gumpert (MFA 2014), Jhe Ming Hsu (GS 2013), Ivana Larrosa (MFA 2016), Paula Lombardi (GS 2016), Stacy Mehrfar (GS 2002), Caterina Miani F. (GS 2016), Heather M. O'Brien (GS 2009), Un-hee Park (GS 2010), Louise Prévert (GS 2013), Laís Pontes (GS 2011), Verónica Puche (MFA 2016), David B. Smith (MFA 2007), Daniel Temkin (MFA 2012), Eliso Tsintsabadze (GS 2016) & Pavel Filkov (GS 2016).

The International Center of Photography. ICP School, Rita K. Hillman Gallery. 1114 Avenue of the Americas, New York, NY

https://www.icp.org   https://www.ivanalarrosa.com

Imagen: Ivana Larosa. Hair Series Project

BOGOTÁ. Ignasi Aballí “Sin principio / sin final“ Museo de Arte de la Universidad de Colombia

4 octubre 2017 – 3 marzo 2018

Sin principio / sin final es una muestra antológica de la obra del artista Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) comisariada por João Fernandes, que se celebró en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía entre los meses de octubre de 2015 y marzo de 2016, y que incluía algunas obras que se presentaban por primera vez. AC/E colabora en esta itinerancia de la misma en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, en Bogotá. La nueva exposición está co-comisariada por João Fernandes junto a la directora del Museo de Arte de la Universidad, María Belén Sáez de Ibarra.
El trabajo de Ignasi Aballí desafía permanentemente la atención y percepción del espectador. Utilizando estrategias características del arte conceptual, como el texto, el archivo y el documento, sus proyectos subvierten las distinciones entre géneros artísticos como la pintura, la literatura, la fotografía, la instalación, el cine y el vídeo y cuestionan, asimismo, el sistema de convenciones de la representación de la obra de arte y el valor cultural o económico de los objetos.
Desde los inicios de su trayectoria en los años 80, una serie de constantes y preocupaciones han centrado su labor: la invención y reorganización de textos, imágenes, materiales y procesos, confrontando la presencia y la ausencia, lo material y lo inmaterial, lo visible y lo invisible, la transparencia y la opacidad, la apropiación y la creación. Así, relaciona el exceso de imágenes en la sociedad actual con la escasez de significados que se les atribuye.
La obra de Ignasi conjuga piezas con un alto contenido crítico, creadas mediante el uso de referentes cotidianos, para aludir a la propia exposición de su obra y al juego de la percepción por parte del espectador.(AC/E press-release)

Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Carrera 45 No 26-85 – Edificio León de Greiff. Bogotá D.C. – Colombia

http://patrimoniocultural.bogota.unal.edu.co http://www.ignasiaballi.net

Imagen: Ignasi Aballí

 

MADRID. Ana Prada “Perfección” Galería Helga de Alvear

14 septiembre – 25 noviembre, 2017

Perfección es el título que la artista Ana Prada ha elegido para su nueva exposición en el espacio de la galería. Una rotunda declaración de intenciones que quiere definir su práctica artística.

En palabras de la propia artista «buscar la perfección es como perseguir rayos de luna o como cazar sombras; inútil, pero eso no evita que los soñadores lo intenten».

Los sueños de Ana Prada consisten en dar con el jarrón perfecto, con la cuchara perfecta, con la vela perfecta. A través de este tipo de sueños, se enfrenta con lo que se podría denominar el problema de la silla de Platón: todas las sillas están determinadas por la idea de silla, todos los panes por la idea de pan.

Para ella lo más importante de su relación con la perfección es cómo se enfrenta con la falta de ésta, promoviendo la repetición y modificación infinita.

Por ello, las piezas que presenta se basan en esa búsqueda constante y sin fin del objeto perfecto, o al menos, del momento fugaz de la perfección. (Helga de Alvear press-release)

Galería Helga de Alvear. Doctor Fourquet 12 | ES–28012 Madrid 

http://www.helgadealvear.com

Imagen: Ana Prada. “Perfección” Galería Helga de Alvear

GDÁNSK. Blanca de la Torre “Imbalance” Laznia Centre for Contemporary Art

22 septiembre – 19 noviembre, 2017

Comisariada por Blanca de la Torre, Imbalance busca inducir a la reflexión sobre el potencial del arte como un camino útil para revisar nuestros conceptos acerca de algunos de los problemas a los que se enfrenta el medio ambiente en la actualidad. El enfoque de la exposición implica entender que nuestras concepciones de la realidad o de lo que es un hecho natural tienen que volver a ser examinadas a partir de la base que de nuestra situación actual de "ecocidio"depende —directa o indirectamente—de la manera en que hemos instrumentalizado nuestro medioambiente natural.

La exposición en el Laznia Centre for Contemporary Art está estructurada en cuatro capítulos conceptuales: 1. La domesticación del paisaje, la política de la tierra y otras dialécticas de la naturaleza, 2. Catástrofes medioambientales como consecuencia del Capitaloceno, 3. Un análisisdel Sur global y 4. Gestión de recursos y hábitos de consumo.

Las obras seleccionadas —a pesar de proceder de distintos enfoques tanto en lo que respecta a los modos como a los medios— suponen una contribución a la renovación de nuestras reflexiones sobre la idea de la naturaleza y a la búsquedade un nuevo paradigma para comprender nuestra relación con ella.

El momento actual ha sido denominado Antropoceno (un término introducido originalmente por el geólogo italiano Antonio Stoppani en 1873) y fue popularizado por Paul Crutzen en el año 2000, que lo diferenció del anterior periodo del Holoceno, admitiendo que el hombre es responsable del estado de degradación del planeta, un estado que inició su vertiginoso descenso a partir de la Revolución Industrial. "Antropoceno" es un término general que elude la intrincada red de implicaciones políticas, ecológicas y coloniales que afectan al deterioro ecológico del planeta. Por el contrario, "Capitaloceno", un término empleado por algunos pensadores como Donna Haraway, Andreas Malm y Jason Moore, señala con mayor precisión a la era del capitalismo.

El objetivo de la exposición en su conjunto es ofrecer un acercamiento a aquellas manifestacionesartísticasque están avanzando hacia la ecología política y llevando a cabo una revisión de nuestra visión ecológica, así como tratar de entender el arte desde ese punto de vista. El arte debería ser una forma de contribuir al debate público sobre las diferentes construcciones de la llamada "ecología". El desafío al que nos enfrentamos es encontrar un modo de abordar el actual "ecocidio" a través del arte con el fin de revelar la insostenibilidad de los sistemas existentes, las relaciones de desequilibrio y los modelos de poder globales.. Comisariado: Blanca de la Torre

Artistas: Lara Almarcegui, Sergio Belinchón, Julius Von Bismark, Kamila Chomicz, Lúa Coderch, Mujeres Creando, Joan Fontcuberta, Philipp Fröhlich, Chus García Fraile, John Gerrard, Máximo González, Andreas Gursky, Federico Guzmán, Cecylia Malik, Antoni Muntadas, Jun Nguyen-Hatsushiba, Oligatega Numeric, Perejaume, Marjetica Potrč, Xavier Ribas, Anri Sala, Allan Sekula, Jennifer Steinkamp, Superflex, Manuel Vázquez (MUSAC press-release)

Laznia Centre for Contemporary Art. 1, Jaskolcza st. 80 – 767 Gdarisk. Poland

http://www.laznia.pl  http://musac.es

Imagen: Federico Guzmán. MUSAC

BARCELONA. “Ciutat de vacances” Arts Santa Monica

03 octubre – 19 noviembre, 2017

“Ciutat de vacances” es un proyecto que une los esfuerzos de las tres instituciones y toma forma en Venecia como lugar en el cual visibilizar los resultados de los trabajos de investigación y producción desarrollados en Es Baluard y Arts Santa Mònica. A ellos se suma el MACA (Alicante) y desde Italia el IED como formación pedagógica para el diseño de un prototipo de punto de información turísticafake efímero y un grupo de investigación.
Con el desarrollo de este punto de información turística, podremos continuar testando y analizando en tiempo real el fenómeno de las corrientes de desplazamiento planetario y su relación con las ciudades en este momento de máxima intensidad de un tipo de turismo fundamental: el turismo del arte durante la Bienal más importante del mundo, la de Venecia.
El proyecto cuenta con el apoyo de Acción Cultural Española, AC/E, y de la Vicepresidencia y Consejería de Innovación, Investigación y Turismo de las Baleares (Agència de Turisme de les Illes Balears - ATB), y con la colaboración de la Federación Empresarial Hotelera de Mallorca (FEHM) y del Polo Museale del Veneto, así como otras entidades públicas y privadas.
Ciutat de vacances: punto de información turística en el Palacio Grimani está siendo desarrollado por los alumnos del IED – Istituto Europeo di Design (Venezia) y se ubicará en el acceso a la primera planta de dicho palacio. 
En él se presentan los trabajos desarrollados desde 2016 por: Juan Aizpitarte, Ángela Bonadies, Domènec, Idensitat (Ramon Parramon y Gaspar Maza), Left Hand Rotation, Ángel Marcos, Neus Marroig, Marc Morell, Ana A. Ochoa, Irene Pittatore, Marina Planas y Arxiu Planas, Miguel Trillo. Dirección general y comisariado: Nekane Aramburu (Es baluard press-release)

Arts Santa Mónica. La Rambla, 7, 08002, Barcelona

http://artssantamonica.gencat.cat/ca/detall/Ciutat-de-vacances

 Imagen: Ángel Marcos. “End of Season”

MILÁN. Nuria Mora “Drishti” Galería Patricia Armocida

27 septiembre - 25 noviembre, 2017

La Galería Patricia Armocida se complace en presentar la primera exposición en Italia de la artista española Nuria Mora, exposición comisariada por Fabiola Naldi. La artista presentará veintiún trabajos en acrílico sobre papel y dos instalaciones específicas.
"El universo de Nuria es una mezcla de estímulos externos e internos, empezando por su familia artística, su padre arquitecto y en la universidad de Madrid, donde cursó sus estudios de arte y arquitectura que se convirtieron en el pretexto para empezar a mirar el espacio con una mirada particular, donde cada parte, tanto entonces como ahora, podría convertirse en un nuevo hipertexto visual de formas, códigos, lenguajes y cromatismos.
Nuria desarrolla nuevas formas, líneas y módulos capaces de incorporarse a los distintos tipos de arquitectura, opta por soluciones que flotan entre lo abstracto y lo concreto, donde los fitomorfismos de diversos orígenes se convierten en un solo código, una firma sin firma. La artista afirma que no hay referencias directas a la historia del arte o la arquitectura, pero al observar sus creaciones, se puede detectar una conexión con el neoplasticismo en el que las figuras geométricas, en el caso de Nuria, están distorsionadas, con líneas inclinadas y la rigidez de ángulos es suavizada por una paleta típicamente mediterránea inspirada en la tradición popular, por el estilo románico español, y por el paisaje urbano contemporáneo con sus paradojas visuales.

Para Drishti, la primera exposición individual de la artista en Italia, las características no convencionales de su rasgo se combinan y se comunican con el espacio ocupado. Drishti es un enfoque iniciático, es el instante en que el cuerpo, en una pose de yoga específica, canaliza la energía necesaria para asimilar nuevos estímulos. Por lo tanto, el título debe considerarse un punto de partida, abierto a cualquier elección hecha por la artista que en este caso opta por una gran instalación “Boyas” y diversos trabajos sobre papel cuyos patrones creados en la calle revelan soluciones nunca antes vistas, nuevas codificaciones y configuraciones específicas. Estas formas cromáticas evolucionan para ayudar a la expansión de un motivo, dentro del cual los matices elaborados se entrelazan.
Tanto con las boyas como con las obras de acrílico sobre papel, el objeto no se modifica en el sitio, sino que se retira, se apropia indebidamente para cambiar su función inicial. En sus obras pasadas con polos de utilidad, algunas de las piezas las ha realizado en cerámica para funcionar como un no conductor y un conector: aquellos objetos, creados para un propósito específico, cuando se ven solos son elementos en sí mismos, cuerpos hechos de un antiguo material a través de un proceso artesanal.
Y así las piezas de cerámica, salvadas del deterioro y la destrucción, coloreadas, recubiertas, transformadas, fusionadas con madera, con cuerdas, con vidrio, flotan en el aire, ya no se adhieren a una estructura funcional, sino que se convierten en sujetos de presencia, esperando , y la defensiva.
La materia y la forma adquieren un nuevo significado, tanto estético como funcional, moldeado por una artista visionaria capaz de armonizar delicados matices cromáticos y meticulosos fondos geométricos, dando vida a un léxico original donde la abstracción parece más concreta que nunca. Extracto de la crítica de Fabiola Naldi "A Promise

Nuria Mora (Madrid, 1974) empezó a mediados de los años 90 en el complicado y heterogéneo mundo del arte urbano europeo y es considerada una de las figuras más destacadas en el uso del espacio público para obras abstractas autorizadas ilegalmente. Co-fundadora del Equipo Plastico (con Nano4814, Sixe y Eltono), Nuria ha creado grandes murales, instalaciones, esculturas para espacios interiores y exteriores, trabajos sobre papel, alfombras, objetos de vidrio y madera para Sybilla, DAC Alfombras, Ikea, Facebook, Loewe. En 2013, ganó el Absolut Art Award.
Algunas de sus más destacadas exposiciones individuales incluyen: Los objetos en el espejo están más cerca de lo que parece, Winterlong Gallery, Niort, Francia, 2016; Mango Chile, Galería Celaya Brothers, Ciudad de México, 2015; En la frontera, Galería Astarté Madrid, España, 2014; Sedimentos, Molinos del Río, Murcia, España, 2014; Punto Volado, Delimbo Espacio de Arte, Sevilla, 2013; Paisaje de Fondo, Galería SKL, Mallorca, España, 2012; Mirilla, Turbo Gallery, Buenos Aires, Argentina, 2009; Napa Aire LOEWE, Galería Vacío9, Madrid, España, 2006; Eigenkunstruktion, Artitude, Berlín, Alemania, 2006; (x, y, z), Galería Vacío9, Madrid, España, 2006; En el exterior, The Arches Gallery, Glasgow, Escocia, 2003; Complémentaires, Galería Vacío9, Madrid, España, 2002. (Galería Patricia Armocida press-release)

GALLERIA PATRICA ARMOCIDA. Via Argelati n° 24, 20143 Milano (MI)

http://www.galleriapatriciaarmocida.com  http://www.nuriamora.com

Imagen: Nuria Mora, Papaguena, 2017, Galería Patricia Armocida 

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