Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
2652349

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

BARCELONA. Verónica Losantos “screen memories” Centro de Fotografía y Medios Documentales

5 mayo – 30 junio, 2017

Los cumpleaños, las visitas de familiares, bautizos, el primer del día en la escuela, viajes de vacaciones, el último día en la escuela, álbumes de fotos que canonizan eventos familiares especiales a las narraciones colectivas y visualizan historias de vida individuales. Los álbumes son una afirmación de los propios orígenes, apoyos importantes para los recuerdos que recobran una nueva vida tras ser largamente olvidados. Sin embargo, que ocurre cuando un protagonista esencial como el padre no se encuentra entre esta narrativa? ¿Cómo influye su ausencia en los recuerdos propios de la infancia? ¿Se pueden crear sus fotografías ausentes en forma retrospectiva? Y se puede revivir recuerdos a través de la recreación visual? Verónica Losantos no tiene fotos de los momentos que compartía con su padre y la ausencia de estas fotografías harán que llene las lagunas de su memoria. Con su apropiación artística, la reconstrucción y la asociación del pasado, Verónica Losantos revela la fugacidad y la falta de definición inherente al acto de recordar.
Verónica Losantos, (Logroño1984), estudió medios de comunicación  audiovisual en la Universidad de Burgos y diseño fotográfico en el Lette Verein en Berlín. En 2013 ganó el segundo premio del concurso de fotografía realizado por C / O Berlin, Close Up! Sus obras han sido expuestas en Freies Museo de Berlín, la galería World in a Room, el Contact Photography Festival en Toronto y en la galería f5,6 en Munich. En la actualidad trabaja como fotógrafa independiente en el campo de la educación en la Society for Humanistic Photography. Verónica Losantos vive en Berlín. (CFD press-release)

CFD. Centro de Fotografía y Medios Documentales. C/Fontrodona, 31 - 08004, Barcelona

http://cfdbarcelona.com    http://www.veronicalosantos.com

Imagen: Verónica Losantos

DIÁLOGOS SIN PALABRAS 12. Soledad Córdoba /Montserrat de Pablo

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogos sin Palabras 12. Soledad Córdoba /Montserrat de Pablo

Diálogo sin Palabras 12. Soledad Córdoba

Diálogo sin Palabras 012. Montserrat de Pablo

Soledad Córdoba (Avilés, 1977) es una artista que utiliza la fotografía como medio para representar nuevas realidades y como herramienta para arrojar interrogantes sobre la existencia del ser humano. Su obra se centra en la idea de transcender la realidad a través de la poética de la imagen con fotografías despojadas de su particularidad, lugares, escenarios y personajes (autorretratos) sustraídos de toda definición objetiva pero sí convertidos en signos, nodos y enlaces por un universo que se desprende de la realidad y que se fusiona con lo imaginario, lo poético y lo evocador.

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su trayectoria artística está avalada por diversos premios de Fotografía y Artes Plásticas cabe resaltar entre otros, el primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, el primer premio de Artes Plásticas de la Fundación Universidad Complutense y el del Certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid. Su trabajo está presente en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional e internacional. http://www.soledadcordoba.com

Montserrat de Pablo (Madrid 1967). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Realizó la tesis doctoral en 2014 "La cámara oscura como prehistoria de la fotografía" bajo la dirección de Horacio Fernández.

Es profesora de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca desde 1998. Su trabajo ha sido expuesto en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales, compaginado la actividad artística con la profesional. Ha realizado estancias de investigación como profesora visitante y artista en residencia en el Instituto Max Planck de Historia de la Ciencia en Berlín durante los años 2013- 2017, en Al-Farabi Kazakh National University. Almaty, Kazajstán en 2015, National University of Mongolia. Ulan-Bator, Mongolia en 2015, en el Instituto de Letras e Artes, Universidade Federal do Rio Grande, Rio Grande du Sul, Brasil en 2015 y en Western Washington University, Seattle, Washington, EEUU, 2016. http://www.montserratdepablo.com/

 “Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Marta Corada

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

 

 

LONDRES. Elena García de la Fuente “Exposición Individual” The Last Supper Gallery

6  - 28 mayo, 2017

Las pinturas de Elena García de la Fuente exploran de manera lúdica ciertos códigos de conducta dentro de un museo.

Al visitar una exposición se convierte en una voyeur buscando escenas interesantes que atraen su atención y toma fotos de personas sin que se den cuenta. Más tarde utiliza estas fotos como material de origen para sus pinturas, que hacen referencia a cómo nos parecemos e interactuamos con el mundo que nos rodea, tocando temas como la forma en que miramos el arte a través de la tecnología moderna. Las pinturas también reflejan espacios de calma que sostienen un elemento poético, invitándonos a meditar y crear nuestra propia narrativa.
"Estoy fascinada por el paralelismo creado entre el momento en que el espectador se enfrenta a mis pinturas y las escenas representadas, dándose cuenta de que se han convertido en parte del trabajo y que probablemente están siendo observados por el público". (Last Supper press-release)

The Last Supper Gallery. 42 Webbs Road . London, SW11 6SF United Kingdom + Google Map

http://the-lastsupper.com  http://elenagf.com

Imagen: Elena García de la Fuente

NUEVA YORK. Lluis Lleó “El nido de morpho” Cadmium House, Park Avenue

1 mayo – 31 julio, 2017

Las esculturas, cinco bloques de piedra arenisca procedentes de la provincia de Girona tallados y pintados, que Lluis Lleó nos propone en la mítica Park Avenue son, por un lado, el refugio y el resguardo de lo frágil, delicado y fugaz y, por otro, simbolizan el lugar donde pueden anidar los sueños que todos tenemos. Para Lleó este no es otro que el de que no muera la pintura, que salga del estudio, que se empape de lluvia y se seque con el sol, le acaricie la brisa primaveral y se haga vida.

La instalación ‘Morpho’s Nest in The Cadmium House’ podrá verse en Park Avenue, a la altura de las calles 52 y 56, en Nueva York, del 1 de mayo al 31 de julio de 2017. De forma paralela, una exposición en el Instituto Cervantes de Nueva York (211 E 49th St) reunirá, del 5 al 9 de mayo, los dibujos y piezas preparatorias del proyecto, así como algunas telas.

Lluis Lleó (Barcelona 1961) artista autodidacta creció aprendiendo las antiguas técnicas de la pintura clásica de su familia. Desde temprana edad se familiariza con la pintura al fresco en el taller de su padre y con él descubre los frescos medievales en museos y capillas rurales de toda España influyendo profundamente en su obra. Lluis Lleó utiliza la tradicional tinta y la pintura china con colores fuertes demostrando su capacidad para llevar las técnicas antiguas a un contexto contemporáneo.
Lluis Lleó vive en Nueva York desde 1989, la obra de Lleó se incluye en muchas colecciones privadas importantes, así como de museos como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Fundación la Caixa, en España, el Banco Mundial, en Washington DC y el Museo de Nagoya Arte de Japón, entre otros. (I. Cervantes press-release)

Cadmium House, Park Avenue. Avda. Park Avenue. 10017 Nueva York

http://lluislleo.com    http://nyork.cervantes.es

Imagen: Lluis Lleó

BERLIN. “Antoni Tàpies, Jordi Alcaraz , Gino Rubert” Galerie Michael Haas

28 abril – 3  junio, 2017 

Las pinturas de Tàpies, Alcaraz y Rubert en la amplia exposición que se abre en la Galerie Michael Haas y Kunst Lager Haas muestran contrastes evidentes pero también, después de una segunda mirada, de algunos puntos comunes. Las obras de los dos artistas más jóvenes se refieren en forma y contenido a las pinturas de Antoni Tàpies. El surrealismo de las primeras imágenes de Tàpies se puede ver en los mundos pictóricos de Gino Rubert, mientras que la forma específica de trabajar con diferentes materiales está presente en los cuadros escultóricos de Jordi Alcaraz así como en los de Tàpies. El juego con la percepción y (des) construcción de la realidad es común a los tres artistas.

Antoni Tàpies, nacido en Barcelona en 1923 y fallecido en 2012, está considerado como el representante más importante del informalismo español. Mezcla arena, cemento, polvo de mármol y pegamento en sus pinturas. Rasca la pintura y vuelve a aplicarla hasta que la superficie se asemeja al ladrillo. En su vida, Tàpies estudió intensamente las filosofías del Lejano Oriente. En su búsqueda de expresión integró letras individuales, signos, cruces, así como objetos materiales o prendas de vestir. Los collages y murales de Antoni Tàpies parecen secretos, meditativos. Se describió a sí mismo no como un artista abstracto, sino como un realista que busca hacer comprensible la realidad en sus obras.

Jordi Alcaraz, nacido en 1963 en Calella catalana y que todavía vive allí, también utiliza formas libres en sus collages para transmitir las complejas y diversas posibilidades de percibir la realidad. Trabaja con imágenes, palabras y diversos materiales, particularmente vidrio, espejos, metal, piedra, madera y pintura, así como libros que trata con estos materiales y fenómenos. Su proceso gráfico da lugar a voluminosas obras que reivindican el espacio a su alrededor, en el que las líneas metálicas forman relaciones con otros materiales. Las reflexiones, sutiles sombras, contrastes entre claro-oscuro, superficies lisas y rugosas, y transparencia y solidez que emergen y entran en diálogo unas con otras, se determinan recíprocamente y son conscientemente fragmentarias. Las obras pueden ser consideradas pinturas, pero conservan cualidades de escultura. Las obras de Alcaraz son un estudio de la tridimensionalidad, en el que el diálogo entre la superficie y el interior de los objetos se ha convertido en un tema corriente.

El artista Gino Rubert, nacido en 1969 en México de padres españoles vive en Barcelona, ​​es ante todo un pintor. También trabaja dibujo, video e instalación y escribe historias. Su mundo pictórico muestra a personas modernas, mujeres y usualmente un hombre en forma de artista, y las muchas circunstancias desconcertantes y complejas en que se encuentran atrapados, solos o con otros. El artista no escatima al espectador, que se ve atraído por los pequeños y grandes dramas de las telas de Rubert a través de un juego de miradas y se convierte en un voyeur. Los temas que Rubert trata en sus escenas oníricas bajo la superficie de un estilo de pintura realista son emociones y miedos, deseos, dependencias y conflictos. Al igual que Tàpies y Alcaraz, también utiliza la técnica del collage: aporta la realidad palpable en sus cuadros en forma de fotos o textiles. Estas adiciones reales pero extrañamente extranjeras cambian las imágenes en surrealidad. Y esto nos lleva de nuevo a Tàpies y a su pintura de 1950 "Caballeros presentes" de su anterior fase surrealista. (Galerie Michael Haas press-release)

Galerie Michael Haas. Niebuhrstraße 5. 10629 Berlin

http://www.galeriemichaelhaas.de http://ginorubert.com http://jordialcaraz.com

Imagen: Gino Rubert. Los amantes (The Lovers)The Lovers. 2015

NUEVA YORK. “Muntadas: Projects/Proposals” Kent Fine Art

5 mayo – 23 junio, 2017

La obra de Antoni Muntadas aborda el poder social y político codificado en los medios contemporáneos.

“Muntadas: Proyectos / Propuestas” presenta una manera de crear y trabajar. La exposición pretende demostrar, su compromiso con la creación de modelos sobre los que se ha articulado independientemente de las tendencias y modas en las técnicas y los medios durante más de cuarenta años.

También se presenta aquí la versión original de Muntadas: Emisión / Recepción realizada en Madrid en un momento en que el control de Franco sobre los medios de comunicación de España con una sola estación de televisión. Todas las ubicaciones y toda la audiencia se limitaban a la misma emisión exacta en todo momento. Presentado como una doble proyección de diapositivas sincronizadas de 35 mm en los proyectores de carrusel Kodak, la instalación en 1974 fue uno de sus primeros y más importantes proyectos. El ciclo de las primeras obras de Muntadas finaliza presentando su obra, Diálogo (1980).

La presentación de la galería incluye también dos proyectos más recientes que ponen de relieve la calidad interpretativa del significado a través del lenguaje -Palabras, Palabras ..., y a través de un proyecto de cine temático más cinematográfico presentado en el 72 Festival de Cine de Venecia en 2015 titulado Dérive Veneziane.

Muntadas, que vive en Nueva York desde 1971, sobra decir, que estamos ante uno de los más reconocidos artistas nacionales e internacionales, que ha recibido el Premio Nacional de Artes Plásticas de España, el Premio Velázquez de Artes Plásticas y el Premio de Artes Plásticas de la Generalidad de Cataluña.

Otros premios que ha recibido son el Solomon R. Guggenheim Foundation, the Rockefeller Foundation, the National Endowment for the Arts, the New York State Council on the Arts, Arts Electronica in Linz (Austria) y Laser d'Or en Locarno (Suiza).

Se trata de un artista multidisciplinar, pionero del media art y del arte conceptual en España, que ha realizado múltiples exposiciones en los eventos y las más importantes instituciones del mundo: Bienal de Venecia, Bienal de São Paulo, la documenta de Kassel, Museo Guggenheim y MOMA de Nueva York, así como en el Museo Reina Sofía de Madrid, el MACBA de Barcelona y Jeu de Paume de París. (Kent Fine Art press-release)

Kent Fine Art LLC 210 Eleventh Avenue — 2nd Floor. New York, NY 10001

http://www.kentfineart.net

Imagen: Diálogo 1980. Antoni Muntadas

NUEVA YORK. Miró/Calder “Constellations” Pace Gallery y Acquavella Galleries

20 abril - 26 mayo, 2017

La Pace Gallery y Acquavella Galleries presentan en Nueva York la doble exposición Calder/Miró: Constellations, que enseña, en diálogo, las series de los dos artistas que se pasaron a conocer bajo el nombre de Constelaciones. Las exposiciones, diferenciadas pero complementarias, iluminan las sorprendentes afinidades entre los dos artistas, que en el momento de crear su obra, durante la Segunda Guerra Mundial, estaban separados por el Atlántico y no tenían posibilidad de comunicarse. 

“Calder/Miró: Constellations” nos muestra un conjunto de 60 esculturas, pinturas y obras sobre papel, en diálogo las unas con las otras, para poner de relieve las diversas preocupaciones formales, sociales y políticas que impregnaron las dos series, ninguna de las cuales, en realidad, fue bautizada por los propios artistas con el nombre de Constelaciones.

En conjunto, las exposiciones proporcionan una visión única de cómo el clima austero de la guerra inspiró los dos artistas para producir obras icónicas. Amigos de toda la vida, Calder y Miró se conocieron en París en 1928 y fueron piezas fijas de la escena artística del barrio de Montparnasse, que tenía el legendario restaurante La Coupole como centro. El estallido de la guerra aisló Calder en Estados Unidos y Miró en Europa, interrumpiendo así el contacto regular entre los dos artistas.

A pesar de ello, los dos crearon sus respectivas series Constelaciones en paralelo, que dan testimonio de la determinación de los artistas para desafiar la influencia externa y preservar su libertad creativa. Separadas de la devastación generalizada de su tiempo, las Constelaciones son un testamento sobre la manifestación de la autonomía de un artista. (Acquavella Gallery press-release)

Miró “Constellations”. Acquavella Gallery. 18 East 79th St., Nueva York

Calder “Constellations”. Pace Gallery, 32 East 57th Street

Imagen:  Joan Miró. Chiffres et constellations amoureux d’une femme (Ciphers and Constellations in Love with a Woman) June 12, 1941. Photo: The Art Institute of Chicago /Art Resource, NY. Art © 2017 Successió Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

LEIGH ON SEA. Jordi Ruiz Cirera “The United Soya Republic” Francesca Maffeo Gallery

22 abril – 3 junio, 2017

La exposición “The United Soya Republic” presenta un recorrido por el corazón de la agroindustria del Cono Sur; Es una representación de los cambios en el paisaje y en el tejido socioeconómico provocados por la agricultura intensiva y la exportación de productos en Argentina y Paraguay.

Jordi Ruiz Cirera ha pasado tres años viajando por Sudamérica para plantarle cara a la soja y al funcionamiento poco carismático de la agricultura. Las consecuencias de cultivar y cultivar soja son algo que este artista ha registrado sensitivamente a lo largo de esta serie fotográfica. Trabajando en estrecha colaboración con los agricultores, los trabajadores, los terratenientes y sus familias, ha podido ver de cerca cómo los pesticidas, la deforestación y la migración de los agricultores han impactado a estas comunidades.

Jordi Ruiz Cirera (Barcelona 1984) es un galardonado fotógrafo documental de Barcelona. Actualmente con sede en Londres, combina proyectos personales de largo plazo con trabajos editoriales, de ONG y corporativos para una amplia gama de editoriales internacionales. En los últimos años, su trabajo ha sido expuesto internacionalmente y ha sido galardonado con el Premio del Fondo de Emergencia Magnum, el Premio Deutsche Bank de Fotografía, el Fotógrafo del Año del AOP, el POYi, los Premios Lucie o el Taylor-Wessing Photographic Portrait Premio en la National Portrait Gallery de Londres. En 2014 publicó su primera monografía, Los Menonos, con la editorial independiente Editions du LIC. Posee una licenciatura en Diseño y un Master en Fotoperiodismo y Fotografía Documental del London College of Communication. (Francesca Maffeo press-release)

Francesca Maffeo Gallery, 284 Leigh rd. Leigh on Sea, Essex

 francescamaffeogallery.com    www.jordiruizcirera.com

Imagen: Jordi Ruiz Cirera

MADRID. Laura Ramis “CROMÁTICA” Galería Rafael Pérez Hernando

6 abril – 3 junio 2017

Desde juguetes de la primera infancia, retenidos cariñosamente por algún niño, a tapones que pasaron su etapa útil apenas fueron abiertos, CROMÁTICA es una lúdica y ensoñadora propuesta. Cada obra ha sido minuciosamente montada en base a planteamientos orgánicos y composiciones de color, sus elementos tienen distinta naturaleza y provienen de lugares y situaciones muy distantes; la semejanza es un engaño, un juego formal que la artista propone como acumulaciones en tránsito. El espacio entre lo que tenemos y lo que deseamos, nos permite encontrar relaciones creativas. Los sugerentes objetos que componen las instalaciones de Laura Ramis (Palma de Mallorca 1988) son una réplica de ese principio ansiado de felicidad y belleza que nunca alcanzamos, semejante al material de restos de sueños que tampoco sabemos explicar cuando despertamos, elementos que se han mezclado en nuestra mente, dispares y de procedencias muy distintas. Kapytal o Cromática son instalaciones que Ramis ha vuelto a plantar como abismos de colores sin fin, de burbujas, tan luminosas y abiertas como el Mediterráneo de donde ella procede. Para la artista, la cuestión sobre cómo interpretar el mundo, es una selectiva recopilación de “pequeños tesoros”, de juegos de niños rescatados y acumulados a través de la nostalgia. “El trabajo con este tipo de objetos me da la posibilidad de liberar a ese Yo pequeño que todavía guardo”, dice Ramis al hablar del origen de sus piezas. Con el paso de la existencia, sin quererlo, almacenamos los recuerdos y, sin ser conscientes de la reconstrucción que de ellos hacemos, jugamos a retener el tiempo; pero no hay salida en el tiempo y la vida es, decididamente, inestable. Los materiales de CROMÁTICA han sido recuperados de la dispersión que habita en bazares, rastros y tiendas de todo el mundo; pero ahora, conectados de modo sorprendente e inesperado, como en los sueños, pertenecen a ficciones que no hablan del pasado o de lo que fueron, sino de lo que deseamos y en qué nos estamos convirtiendo. Construidas por una eclosión de colores, apetece contemplar estas obras y jugar con ellas..., de nuevo. José Luis Pajares Artista Plástico Profesor de la Universidad de Salamanca (Pérez Hernando press-release)

Galería Rafael Pérez Hernando . Orellana, 18 – 28004 Madrid

www.rphart.net   http://www.lauraramis.com

Imagen:  Laura Ramis. ST, 2017 (detalle). Tapones sobre malla de plástico 200 x 245 cm

DIÁLOGOS SIN PALABRAS 11. Montserrat de Pablo / Alejandra López Zaballa

Diálogos sin Palabras 11. Montserrat de Pablo / Alejandra López Zaballa

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogo sin Palabras 11. Montserrat de Pablo

Diálogo sin Palabras 11. Alejandra López Zaballa

Montserrat de Pablo (Madrid 1967). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Realizó la tesis doctoral en 2014 "La cámara oscura como prehistoria de la fotografía" bajo la dirección de Horacio Fernández.

Es profesora de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca desde 1998. Su trabajo ha sido expuesto en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales, compaginado la actividad artística con la profesional. Ha realizado estancias de investigación como profesora visitante y artista en residencia en el Instituto Max Planck de Historia de la Ciencia en Berlín durante los años 2013- 2017, en Al-Farabi Kazakh National University. Almaty, Kazajstán en 2015, National University of Mongolia. Ulan-Bator, Mongolia en 2015, en el Instituto de Letras e Artes, Universidade Federal do Rio Grande, Rio Grande du Sul, Brasil en 2015 y en Western Washington University, Seattle, Washington, EEUU, 2016. http://www.montserratdepablo.com/

Alejandra López Zaballa (Madrid 1974) es fotógrafa profesional, especializada en fotografía documentalista, de viaje, retrato y narrativa. Siempre comienza sus proyectos con un concepto, una estrategia, que le lleva a viajar allá donde pueda profundizar en los temas que desea comunicar. Estudió fotografía en la London School of Photography y el International Center of Photography de Nueva York. Posteriormente realizó talleres y proyectos con importantes y reconocidos fotógrafos como Mary Ellen Mark, Peter Turnley y Karl Grobl. en lugares como NYC, Oaxaca, Filipinas, Camboya, Lisboa, La Habana, entre otros.

En 2011 funda “Bangkok Soul, Photography Journeys”, empresa de tours fotográficos que ofrece experiencias visuales y culturales a fotógrafos profesionales y viajeros en Tailandia. Ha vivido en 9 países y visitado más de 70. Actualmente trabaja en la Ciudad de México, en donde expone, imparte cursos de fotografía y colabora en diversos proyectos visuales. Sus trabajos expuestos en México, NYC, Londres, Bangkok y Madrid han tenido reconocimientos internacionales, como el 3er premio Imagen Unica 2015 Exposure Awards de LensCulture, premio 2016 Art Takes Manhattan, premio 2015 Call for Chelsea NYC, selección Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y el 3er premio del Goethe Institut Thailand. Su talento y habilidad para buscar historias y narrarlas, desde una perspectiva inusual e íntima, son algunas de las cualidades principales que hacen que su fotografía sea otra manera de viajar a través de lugares, personas y miradas. http://www.alejandra-photography.com

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Marta Corada

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

Subcategorías