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MADRID. Alberto García Alix “La Razón de Ser” Galería Juana de Aizpuru

31 mayo – 25 julio, 2017

Exposición dentro de la Sección Off de PhotoEspaña 2017, festival internacional de fotografía y artes visuales. En esta ocasión va a presentar fotografías de distintas series realizadas entre los años 2010 y 2017. La obra de Alberto García-Alix recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.

Alberto García Alix nació en León, en 1956. Comenzó la carrera de Imagen en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, pero la abandona al considerarla excesivamente teórica. Ha sido un autodidacta y trabajó en el mundo del cine antes de hacerlo como fotógrafo y de colaborar con diferentes medios, como el diario “El País”. Su primera exposición individual la realizó en Madrid, en la galería Moriarty, con lo que consiguió participar en numerosas muestras. Su especialidad son los retratos y es considerado un fotógrafo duro, obsesionado en perseguir la realidad. Busca la sencillez a través de un plano frontal muy directo, no le gusta la sofisticación ni el trucaje y le obsesiona la pureza en el revelado en blanco y negro. La trayectoria de García Alix ha sido reconocida con diversos galardones como el premio Nacional de Fotografía (1999), premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria en fotografía (2003), premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2004) , Premio PHotoEspaña (2012), Caballero de las Artes y las Letras de Francia

Galería Juana de Aizpuru. C/Barquillo 44-1º. 28004 Madrid

http://www.albertogarciaalix.com   http://juanadeaizpuru.es

Imagen: Alberto García Alix. "El Gordo y Kitty",  1991

LONDRES. Sonia Navarro , Miguel Fructuoso y FOD “STROIM” SCAN Project Room

1 junio -  1 julio, 2017 

SCAN y T20 se complacen en anunciar la inauguración de STROIM, un proyecto con obras de Sonia Navarro, Miguel Fructuoso y FOD.

SCAN recibe por primera vez a una galería española en su espacio de proyectos de Londres, abriendo las puertas a posibles colaboraciones con otras galerías españolas para la realización de proyectos en el Reino Unido, fuera del contexto de ferias

STROIM  cuenta con obras de tres artistas que aunque con lenguajes distintos crean un diálogo común en base a arquitectura y memoria. La construcción, Stroim en ruso, es la base de este proyecto desde una mirada crítica a la vanguardia en la que se genera y desarrolla el trabajo de los tres artistas. Artistas: Sonia Navarro, Miguel Fructuoso y FOD. (SCAN press-release)

SCAN Project Room 13-19 Herald Street, London E2 6JT

http://galeriat20.com  http://www.scan-arte.com

Imagen: SCAN

MADRID. Cristina García Rodero “Lalibela, cerca del cielo” Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa

01 junio – 30 julio, 2017

Entre 2000 y 2009, Cristina García Rodero hizo varios viajes a Etiopía que dieron forma aún proyecto que aún sigue en curso y será motivo de otros viajes, de otras imágenes. Dentro de ese país, la fotógrafa quedó especialmente fascinada con la ciudad de Lalibela, situada en el corazón de las montañas de Etiopía, a 2.600 metros de altitud. 

Considerada como sagrada por los etíopes  el rey Gebra Maskal Lalibela, que gobernó entre 1172 y 1212, quiso hacer de ella una Nueva Jerusalén, en respuesta a la conquista de Tierra Santa por los musulmanes. Para ello mandó construir once iglesias medievales, excavadas y esculpidas en la roca, que se convirtieron en centro de devoción y peregrinación. 

En las imágenes de Cristina García Rodero podemos observar tanto la belleza y peculiaridad de las iglesias medievales, el paisaje y las rocas, como la riqueza de las ceremonias y los ritos que allí se celebran. Sus fotografías nos introducen en un viaje simbólico por esa tierra santa, esa ciudad bíblica, a miles de kilómetros de Jerusalén. En sus imágenes, el tiempo parece haberse detenido para sumergirnos con sus ritos y ceremonias en un tiempo bíblico, que creíamos perdido.(Centro Cultural de la Villa press-release)

Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Plaza de Colón 4. 28001 Madrid

Página web    teatrofernangomez.esmadrid.com   

Imagen: Cristina Garcái Rodero

LONDRES. Rosana Antolí “My East Ballad: The One, The Teeth and the Circle” The RYDER

3 junio – 1 julio, 2017

En la exposición individual de Rosana Antolí 'My East Ballad: The One, The Teeth and the Circle' en The RYDER, la artista presentará una instalación y una performance específicas para el sitio que sumergirá al público en las actividades cotidianas y los movimientos del barrio de la galería , Bethnal Green. Tomando como punto de partida la actividad cotidiana, ritmos y gestos de las personas que viven en la zona, la artista transformará y abstraerá la esencia de estos movimientos en formas geométricas, sonidos y acciones, formas metálicas flotando en el espacio, esculturas suspendidas y geométricas colgadas desde el techo, y un intérprete en una performance armónica con el sonido y el video proyectado en la pared posterior.

Colaborando con los músicos experimentales y psicodélicos Tomaga, así como con la crítica de arte e intérprete Sarah Kent, Antolí compondrá un retrato abstracto de las actividades y ritmos cotidianos del barrio basado en una extensa investigación e interacciones reiteradas con las personas que viven en la zona. Siguiendo la teoría de la armonía del espacio de Laban y la coreografía, su práctica tiene como objetivo crear coreografías alternativas donde la repetición, la narración y el gesto se utilizan para explorar nuestros movimientos más intrínsecos e inconscientes. El carácter utópico es central en su práctica y, en consecuencia, el absurdo y el fracaso de estas acciones.

Durante el tiempo de la exposición, dos performances en directo tendrán lugar en la galería. En la jornada inaugural de la exposición, 2 de junio, 6-8pm -, así como en el último día de la exposición y coincidiendo con el programa de la Galería Whitechapel Noche de Arte, 1 de julio, 7-9pm, la artista presentará dos performances que Funcionará como una narrativa ficticia que explora los movimientos cotidianos y los ritmos del barrio de East London, Bethnal Green.

Rosana Antolí (Alcoy 1981) vive y trabaja en Londres. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia y actualmente cursando el Master en Performance por el Royal College of Art de Londres. Su trabajo está representado tanto nacional como internacionalmente. Ha expuesto en los últimos años en instituciones y museos como el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y CEART en Madrid, el Museo DA2 de Salamanca, Local Projects en Nueva York, Casal Solleric en Palma, Museo del Carmen en Valencia, entre otros. Ha participado en festivales como Buzzcut Performance Festival en Glasgow o Friktioner Performance Festival en Suecia. Entre los apoyos que ha recibido destacan los premios EAC Encuentros de Arte Contemporáneo del Museo de Alicante, CCEC Residencias AECID en Argentina y dos becas de Pilar Juncosa y Sotheby’s. (The RYDER press-release)

The RYDER, 19a Herald Street . London, E2 6JT United Kingdom

http://www.theryderprojects.com/   www.rosanaantoli.com

Imagen: Rosana Antolí

NUEVA YORK. Pierre Gonnord “Arraigados” Instituto Cervantes

1 -25 junio, 2017  

Los retratos de Pierre Gonnord celebran con sobriedad y fuerza la dignidad de la condición humana y nos invitan a sentirnos unidos a ella mostrándonos los rostros de trabajadores mineros de Asturias

Pierre Gonnord nacido en Francia en 1963 y afincado en España, desde 1988 vive y trabaja en Madrid, ante sus retratos (y esta exposición es un claro ejemplo de ello) el espectador siempre se siente transportado hasta los extremos de la condición humana, al que llega siguiendo esos mismos caminos antes trazados por los retratos psicológicos, identitarios y generacionales firmados por fotógrafos como Thomar Struth, Wolgang Tillmans o Rineke Dijstra. De esta manera, los retratos de Gonnord consiguen reflejar la más alta grandeza del ser, del individuo y de su construcción social y cultural. (I.Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. 211 E 49th St. 10017 Nueva York (ESTADOS UNIDOS)

http://nyork.cervantes.es

Imagen: Pierre Gonnord

DIÁLOGOS SIN PALABRAS. 16. Isabel Muñoz / Lidia Benavides

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogos sin Palabras 16. Isabel Muñoz / Lidia Benavides

Diálogos sin Palabras 16. Isabel Muñoz

Diálogos sin Palabras 16. Lidia Benavides

Isabel Muñoz, nacida en Barcelona en 1951 y afincada en Madrid desde 1970, es una fotógrafa que ha sabido destacar dentro de la diversidad de propuestas que caracterizan el panorama fotográfico español contemporáneo, apostando por la técnica de la platinotipia y por el gran formato con el objetivo de reforzar su discurso: su pasión por el cuerpo como forma de aproximación al estudio del ser humano.

Una pasión que ya desde sus primeras series,Tango y Flamenco (1989), marca el inicio de un recorrido por numerosas culturas en las que busca capturar con su cámara la belleza del cuerpo humano, abarcando desde sus bailes y luchas tradicionales hasta ciertas realidades y problemáticas en las que Muñoz decide centrar la mirada estableciendo un compromiso social.

Su primera exposición, Toques, realizada en octubre de 1986 en el Instituto Francés de Madrid, y su participación en el Mes de la Fotografía de París en noviembre de 1990, marcan profundamente un antes y un después en su trayectoria profesional al suponer su lanzamiento nacional e internacional. Estas exposiciones estarán sucedidas por otras muchas, tanto individuales como colectivas, a lo largo de las cuales Muñoz se irá consagrando como una gran fotógrafa de resonancia internacional.

Esta fuerte presencia que Isabel Muñoz ha adquirido dentro de la realidad artística contemporánea queda reflejada en el reconocimiento a su trabajo a través de distintos premios y menciones entre los que destaca premio de fotografía de la Comunidad de Madrid en 2006, el Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo, así como también el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social, Fundación DEARTE 2012 y Premio Nacional de Fotografía 2016. Un reconocimiento profesional igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas colecciones tanto nacionales como internacionales, entre las cuales cabría señalar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, MaisonEuropéenne de la Photographie de París y New Museum of Contemporary Art de Nueva York. Raquel Temiño. http://www.isabelmunoz.es

Lidia Benavides, (Madrid, 1971). Expone con la Galería Pilar Serra en Madrid y Adora Calvo en Salamanca. Ha participado en Ferias de Arte como ARCO, Estampa, Dfoto San Sebastian, Paris Photo, PhotoMiami, CIGE Pekin y Preview Berlín.

Ha sido seleccionada y premiada en el IV Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler (2009), o en el Premio Extraordinario de fotografía Fundación AENA entre otros. Subvenciones como la “Ayuda a la promoción del Arte Español en el Extranjero” Ministerio de Asuntos Exteriores (1998) para Berlín y Atenas, el “Apoyo a las nuevas tendencias en las Artes” Ministerio de Cultura (2000) para Munich, Stuttgart y Berlín. Y la “Subvención Ministerio de Cultura para la promoción del Arte Contemporáneo Español” (2011) para Berlín. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y públicas de museos e instituciones en España, Francia, Austria, Suiza, Alemania, Italia, México, EEUU y Canadá. Museo ARTIUM, Caja Burgos, Colección Circa XX, Colección Munich Re, Ministerio de Cultura, Ministerio de Asuntos Exteriores, Biblioteca Nacional y Congreso de los Diputados. Destacar la inclusión de su obra en el libro: “100 Fotógrafos Españoles”(2006) Exit, Y en el “Diccionario de Fotógrafos” editado por La Fábrica en 2014. http://lidiabenavides.com

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Nagore Legarreta

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

LONDRES. “Balenciaga: Shaping Fashion” Victoria and Albert Museum

27 mayo – 18 febrero, 2018

Conocido como "El Maestro" de la alta costura, Cristóbal Balenciaga fue uno de los diseñadores de moda más innovadores e influyentes del siglo pasado. Su exquisita artesanía y el uso innovador de los tejidos revolucionaron la silueta femenina

Balenciaga: Shaping Fashion es la primera exposición del Reino Unido en explorar el trabajo y el legado del couturier español, mostrando más de 100 prendas y sombreros elaborados por Balenciaga y sus seguidores, diseñadores contemporáneos que trabajan de la misma manera innovadora hoy. La exposición examina la obra de Balenciaga de los años cincuenta y sesenta, quizá el período más creativo de su carrera, cuando vestía a algunas de las mujeres más renombradas de la época y fue reverenciado por sus contemporáneos, entre ellos Christian Dior y Coco Chanel.

La exposición presenta ejemplos de las formas revolucionarias de Balenciaga en este período: la túnica, el saco, la muñeca y una variedad de vestidos con un estilo que perdura hasta el día de hoy. Otras piezas destacables son los conjuntos de Balenciaga para la actriz de Hollywood Ava Gardner, vestidos y sombreros pertenecientes a la alta sociedad como Gloria Guinness, icono de la moda de los años 60, piezas de una de las mujeres más ricas del mundo, Mona von Bismarck y pantalones cortos del couturier.

La segunda parte de la exposición explora el impacto duradero de Balenciaga, trazando su influencia a través del trabajo de más de 30 diseñadores de moda a lo largo de los últimos 50 años. Piezas diseñadas por los ex-aprendices de Balenciaga, André Courrèges y Emanuel Ungaro, demuestran una estética minimalista de firma, recientemente renovada por Phoebe Philo para Celine y en las fuertes líneas de J.W. Anderson. El perfeccionismo de Balenciaga y la atención al detalle se reflejan en la obra de Hubert de Givenchy y Erdem. Su patrón de corte y exploraciones con el volumen se puede ver en el trabajo de Molly Goddard y Demna Gvasalia, mientras que su uso creativo de nuevos materiales se hace referencia en la obra del ex director de creatividad Balenciaga Nicolas Ghesquière.

El V & A tiene la colección más grande de Balenciaga en el Reino Unido, iniciada en la década de 1970 por el fotógrafo Cecil Beaton, viejo amigo de Balenciaga. Balenciaga: Shaping Fashion marca el centenario de la inauguración de la primera casa de moda de Balenciaga en San Sebastián, y el 80 aniversario de la apertura de su famosa casa de moda en París. (V&A press-release)

Victoria and Albert Museum. Cromwell Road, London SW7 2RL

https://www.vam.ac.uk

Imagen: Sombrero de seda espiral, Balenciaga para Eisa, 1962, España. Museum no. T.146-1998. © Victoria and Albert Museum, London

BARCELONA. Soledad Sevilla “Génesis” Galería Marlborough

25 mayo – 1 julio, 2017

La muestra exhibe más de una docena de obras de distintos formatos y periodos, ejemplos destacados de su trayectoria artística, que abarcan más de cuatro décadas de trabajo. A lo largo de su dilatada trayectoria artística Soledad Sevilla (Valencia, 1944) muestra una invariable inquietud por las relaciones entre el espacio, la luz, la materia y el color. Su método de trabajo es a través de series pictóricas que le permiten profundizar en cada tema que aborda hasta conseguir llegar a la imagen deseada y a partir de allí perfeccionarla. En su obra se manifiesta una clara preocupación por el orden y el ritmo. Presentamos en la muestra diversas obras de los años 70 en las que se puede apreciar como Sevilla partía de una rigurosa base geométrica formando redes unas veces más densas y otras más dinámicas.

Hacia finales de los años 90 desaparece de su obra la estructura básica en forma de retícula, de la que Sevilla hacía uso en series como Las meninas (1981-83) o Alhambras (1984-86), para dar paso a una abstracción de cáliz más lírico, una pintura de trama más poética que busca la complicidad entre lo emocional y lo racional. En la exposición se podrán ver algunos de los muros vegetales, cascadas oníricas de floración cromática como Insomnio sin sonido (2000) o Insomnio de Soledad (2003). En los últimos años Sevilla ha abordado el tratamiento de las texturas de superficies como la madera y el metal es el caso de obras como Hammershoi azul (2008) o de Sonata (2010), otra de sus obras de grandiosas dimensiones que forma parte de su Retablo (2010), pero tiene a su vez vida independiente. La exposición se cierra con uno de sus trabajo más recientes en los que el color revela su huella a partir de reiteradas y vibrantes pinceladas que multiplicadas se disuelven en atmósferas de variaciones cromáticas, Las lunas oscuras de cristal (2015).

Soledad Sevilla nace en Valencia en 1944. Estudia en la Academia de bellas Artes de Sant Jordi en Barcelona entre 1960 y 1965. Participa entre 1969 y 1971 en el Seminario de generación automática de formas plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1980 y 1982 reside en Boston, realizando estudios en la Universidad de Harvard. Soledad Sevilla recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas (1993), la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2007) y el Premio Arte y Mecenazgo de la Fundación La Caixa (2014) entre otros reconocimientos. (Galería Marlborough press-release)

Galería Marlborough. Enric Granados 68. Barcelona, 08008, Spain

http://www.galeriamarlborough.com http://www.soledadsevilla.com

Imagen: Soledad Sevilla, Insomnio de Soledad, 2003

MÉXICO. “Cartografías líquidas” Museo de Arte Carrillo Gil

26 mayo – 17 septiembre, 2017

Cartografías líquidas, se propone una lectura trasversal en torno a los postulados del recién fallecido Zygmunt Bauman y su noción líquida de la modernidad desde el trabajo de doce artistas mexicanos y españoles. Este célebre filósofo consideró que después de las certezas sólidas de la modernidad, ésta se ha tornado “líquida”, por su carácter: “obsesivo y compulsivo, que se propulsa e intensifica a sí misma como resultado de la cual (…) ninguna de las etapas consecutivas de la vida social puede mantener su forma durante un tiempo prolongado” Zygmunt Bauman (1939-2017).

Esta muestra conmemora los 40 años del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre México y España. Una coproducción entre ambos países que se exhibirá en el Museo Artium de Vitoria en el segundo semestre de 2017.

Artistas participantes: Eduardo Aragón (Mex), Élena Lavellés (Esp), Mauricio Orduña (Mex), Carlos Aires (Esp), Miguel Fernández de Castro (Mex), Rosel Meseguer (Esp), Morelos León Celis (Mex), Maider López (Esp), Ana Roldán (Mex), Fernando García-Dory (Esp), Emilio Chapela (Mex) y Asunción Molinos Gordo (Esp). Comisarios: Carlos Palacios, Paula Duarte y Blanca de la Torre (MACG press-release)

Museo de Arte Carrillo Gil, Avenida Revolución, Ciudad de México, México

http://museodeartecarrillogil.com

Imagen; Museo de Arte Carrillo Gil 

MUNICH. Rubén Pellejero “Corto Maltese y Dieter Lumpen, figuras del cómic” Instituto Cervantes

15 mayo – 24 junio, 2017

Rubén Pellejero (Badalona, 1952) estudió Dibujo Publicitario en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Barcelona. Se inició como dibujante de historietas mediante el trabajo de encargo a través de agencias para editoriales extranjeras: Suecia, Inglaterra e Italia. En el año 1981, publica en la revista Cimoc de Norma Editorial. A partir de allí publica numerosos álbumes sobretodo para el mercado francés. Ha trabajado de ilustrador en diversas ocasiones para el mundo editorial (libros juveniles) y publicitario. Rubén Pellejero es uno de los autores españoles más interesantes, reconocibles y admirados de los que están trabajando para el mercado franco-belga.

Festival del Cómic de Múnich de 2017, exposición en el Instituto Cervantes de las figuras del cómic Dieter Lumpen y CortoMaltese.

Instituto Cervantes. Alfons-Goppel-Strasse 7. 80539 Múnich Baviera (ALEMANIA)

http://rubenpelle.blogspot.com.es  http://munich.cervantes.es

Imagen: Rubén Pellejero

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