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Foto: B. Mora

LISBOA. Maria Luisa Fernandez. Obras 1980 – 1990. Galeria Maisterravalbuena

1 febrero – 5 abril, 2018

Las obras de María Luisa Fernández se caracterizan por incorporar lenguajes artísticos dispares: desde los post del conceptual y el minimalismo a elementos que provienen de los cruces entre los constructivismos y la tradición de la escultura en el País Vasco, lugar de formación de la artista. También es frecuente el uso de dobles sentidos y juegos de palabras, así como la incorporación de la crítica a los relatos oficiales de la historia del arte.

El trabajo de María Luisa Fernández (Villarejo de Órbigo, León, 1955) ha sido expuesto en muestras como Mínima resistencia. Prácticas artísticas durante las décadas de los 80 y 90, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MNCARS 2013-2014; CVA (1980-1984), Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, 2004/Centre d’Art La Panera, Lleida, 2005; Burlas expresionistas, Trayecto Galería, Vitoria-Gasteiz, 1993; Galería Berini, Barcelona, 1991; Sculptures, CREDAC, París, 1990; Galería Oliva Arauna, Madrid, 1990; Jeunes sculpteurs espagnols, Centre Albert Borschette, Bruselas, 1989; Esculturas: Mª Luisa Fernández, Pello Irazu, Juan Luis Moraza, Sala Amadís, Madrid, 1987; Mitos y Delitos, Sala Metrònom, Barcelona/CAM, Bilbao, 1985; o El suelo como soporte, Sala Metrònom, Barcelona, 1986.

Sus obras forman parte de las colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); MACBA (Barcelona); Fundació la Caixa (Barcelona); Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria-Gasteiz); así como de distintas colecciones privadas.

Galeria Maisterravalbuena. Reinaldo Ferreira 40 — 1700 – 324. Lisboa

http://maisterravalbuena.com

Imagen: Maria Luisa Fernandez. Cobarde temerario, 1989. Wood, oil. 107 x 55 x 97 cm

 

SHANGHAI. Joan Brossa en Shanghai. Biblioteca Miguel de Cervantes

31 enero – 15 marzo, 2018

Artista, transgresor, atrevido, contemporáneo, irónico, genio… son algunos de los adjetivos que podrían definir a Joan Brossa.

Como el propio artista afirmaba: Si el poeta tiene realmente cosas que decir, las puede expresar en diferentes lenguajes sin que deje de ser poesía.

A través del símbolo lingüístico y la manipulación del lenguaje, Joan Brossa creó unos poemas visuales que ponen a prueba la capacidad de abstracción del espectador. La exposición «Joan Brossa en Shanghái», es una selección de poemas visuales de Joan Brossa y libros del autor en los que ha colaborado con artistas como Tàpies o Miró. La muestra llega en un momento clave para presentar a Brossa a la comunidad china, puesto que en 2019 se conmemora el centenario de su nacimiento.

A lo largo de su vida, el poeta visual, junto con otros genios catalanes de su época como el filósofo Arnau Puig y los pintores Joan Ponç, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats, fundó el grupo artístico vanguardista “Dau al Set” (en español, la séptima cara del dado), inspirado en los trabajos de Joan Miró, Max Ernst y Paul Klee. Este grupo está considerado como uno de los primeros referentes de la vanguardia artística española del siglo XX. (BMC press-release)

Biblioteca Miguel de Cervantes. 198 - 208 Anfu. Rd. 200031 Shanghái

http://biblioteca-shanghai.cervantes.es

Imagen: Marti Gasull. MACBA

BARCELONA. Jordi Comas. [Re]velados. Projekteria Art Gallery

17 febrero – 8 abril, 2018

[Re]velados presenta dos partes de la trilogía de la niebla de Jordi Comas, un trabajo donde los conceptos de velado y revelado y la dualidad entre el paisaje aparecido y el oculto refuerza una visión onírica de la realidad

"[Re]velados consiste en Re-conocer un paisaje concreto dónde la niebla ocupa buena parte de la temporada de invierno otorgando unas características específicas de humedad que condiciona su principal actividad económica y el carácter de sus gentes. Eligiendo al azar un lugar, el proyecto documenta el sutil y gradual proceso de Re-velado del paisaje, introduciendo en la obra el carácter fortuito y contingente propio de la fotografía". Jordi Comas

Jordi Comas Mora (Vic, Barcelona), compagina la profesión de arquitecto con sus inquietudes artísticas, autodidacta, potencia la fotografía como lenguaje artístico desde 2010. Ha sido ganador del Concurso Photoactitudes de Madrid (la fábrica) y ha sido seleccionado en Descubrimientos Photoespaña 2014 con la serie Re-velados. Ha expuesto en la V Bienal de fotografía de Vic, el III Festival Miradas de Torroella, al Presente arte contemporáneo de Milan, en la galería "La Salita" de Gijón, en el Casino de Vic y el Festival Fine-Art 2015 de Igualada

Projekteria. C/ Ricart 19. 08004 Barcelona

https://comasmora.files.wordpress.com

http://projekteria.net

Imagen: Revelados. Jordi Comas

ROMA. Eugenio Ampudia. Un Infierno comodo. Real Academia de España

8 febrero – 1 abril, 2018

Comisariada por Blanca de la Torre la exposición Un infierno cómodo propone una reflexión crítica sobre el turismo cultural, relacionada en clave metafórica con problemáticas globales como el cambio climático o los modos de consumo, en especial el de nuestro propio patrimonio cultural y artístico. Ampudia remarca así la importancia de hacer más accesible el arte y de entender que la cultura y el patrimonio deben ser espacios cómodos. La muestra cuestiona la eficacia de los espacios asignados a la cultura, remarcando la importancia de acortar distancias con el arte y de entender que la cultura y el patrimonio deben ser espacios cómodos.

A la Real Academia de España en Roma, epicentro del proyecto, se le suman otras instituciones culturales de la ciudad, que funcionarán como satélites del mismo, como la Fundación Baruchello, en cuya sede Ampudia ha realizado una instalación site-specific, una posible intervención en el río Tiber en colaboración con la asociación Tevereterno, una intervención en la fachada de la Embajada de España en Roma, así como presentaciones y conferencias en museos como el MAXXI o la Galleria Nazionale di Arte Moderno e Contemporáneo.

Eugenio Ampudia es en la actualidad uno de los videoartistas españoles más reconocidos. Su trabajo multidisciplinar recibió en 2008 la beca The Delfina Foundation (Londres) y el Premio AECA al mejor artista español vivo representado en ARCO08. Además fue finalista para representar al pabellón de España en la Bienal de Venecia 2017.

Su trabajo indaga, bajo una actitud crítica, sobre los procesos artísticos, el artista como gestor de ideas, el papel político de los creadores, el significado de la obra de arte, las estrategias que permiten ponerla en pie, sus mecanismos de producción, promoción y consumo, la eficacia de los espacios asignados al arte, así como sobre el análisis y experiencia de quien las contempla e interpreta.

Sus obras se han expuesto internacionalmente en lugares como ZKM, Karlsruhe; Jordan National Gallery of Fine Arts; Museo Carrillo Gil, Centro de las Artes de Monterrey y Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca; NC-Arte de Bogotá; Matadero Madrid; MAC Museo Gas Natural Fenosa; Boston Center for the Arts; Ayala Museum; y en bienales como la de Singapur, la Havana, y la Bienal del Findel Mundo en Argentina. Su obra se encuentra en colecciones como la del MNCARS (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía); MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), ARTIUM (Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo), IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) y La Caixa, entre otras. (RAER press-release)

Real Academia de España en Roma. Piazza San Pietro in Montorio, 3. 00153 Roma, Italia

http://www.accademiaspagna.org

http://www.eugenioampudia.net

Imagen: Eugenio Ampudia.

NUEVA YORK. Rafa Macarron. Stand Still...Still: A Still Life Show Part II. Allouche Gallery

8 – 25 febrero 2018

Stand Still ... Still: A Still Life Show Part II es la siguiente edición de 2017 Stand Still: una exposición dedicada a la naturaleza muerta, en la que los artistas interpretan este género a través del arte contemporáneo en una variada gama de medios. La exposición muestran obras multidisciplinarias de artistas como Donald Baechler, Joe Grillo, Evan Gruzis, Rafa Macarrón, Taylor McKimens, Erik Parker, Kenny Scharf y Brian Willmont.

Rafa Macarrón (Madrid, 1981) Vive y trabaja en Madrid, crea personajes únicos que reclaman todo el protagonismo de cada obra y que encarnan a un tiempo lo universal y lo irrepetible.

Podemos observar los estudios del cuerpo de los protagonistas, hombres y animales de piernas demasiado delgadas como para soportar el peso de sus cabezas. Las figuras siempre se asientan sobre un fondo neutro, azul, rosa, verde agua, y en cada escena, la línea que corta el plano vertical del fondo con el plano horizontal, es la única línea que reconocemos como característica de nuestro mundo.

En sus cuadros, Macarrón crea escenas oníricas y un mundo de personajes insólitos que a pesar de su dramatismo y deformidad desprenden ternura y amabilidad. Con un estilo y lenguaje definido, su pintura es fluida, fresca y armoniosa en su conjunto. Influido por el cómic, la pintura española de los 50 y los 60, la obra de Dubuffet, Fraile, Matta o Quirós, Macarrón se convierte en un referente de la pintura de nuestro tiempo. Macarrón está considerado uno de los jóvenes artistas españoles con mayor proyección internacional. Ganador del primer premio de pintura BMW en 2011, ha estado presente en diversos países y ha participado en numerosas ferias como Context Art Miami, ARCOmadrid, Zona Maco, ArtBo, Art Miami o Art Moscow. (Allouche press-release)

Allouche Gallery. 82 Gansevoort Street. New York, NY 10014

http://allouchegallery.com

http://rafamacarron.com

Imagen: Rafa Macarrón. Naturaleza Muerta 1. 2017

PRAGA. Patricia Dauder. Superficie. Trade Fair Palace

15 febrero – 9 septiembre, 2018

La artista Patricia Dauder presenta su proyecto Superficie, una elaboración poética de una imagen como una arquitectura compleja, compuesta por capas de memoria y significado, comisariado por la Galería Nacional de Praga. Una instalación que construye un diálogo entre varios elementos cuidadosamente distribuidos en un espacio, y que tienen en común la falta de volumetría, los tonos oscuros y una cierta apariencia de fragilidad. A pesar de que pueden considerarse como dibujos o esculturas, las obras trascienden su propia dimensión y se convierten en meras superficies resultantes de algún tipo de acción erosiva hasta obtener una imagen-objeto única. Tal y como el título evoca, parecen estar privados de contenido, relegados a capas superficiales o "pieles", pero a pesar de eso, consiguen recordar la esencia de  un espacio, una acción o un objeto.

Patricia Dauder (Barcelona 1973) estudió en la Facultad de Bellas Artes de Sant Jordi (Barcelona), y en Ateliers Arnhem (Arnhem) * 4 Ha sido artista residente en espacios y plataformas como Project Sonae // Serralves (Oporto ), ISCP International Studio and Curatorial Program (Nueva York) o Hangar (Barcelona), y por último pero no menos importante, Meetfactory en Praga. Ha recibido premios y reconocimientos notables, como la Beca DKV / MARCO, la Beca de Artes Visuales CONCA, la Beca de la Fundación Botín Internacional de Artes Plásticas y el Premio Generación Caja Madrid, entre otros.

Trade Fair Palace. Dukelských Hrdinu 47. 170 00 Praga

http://www.ngprague.cz/en/exposition-detail/introducing-patricia-dauder-surface

http://patriciadauder.net

Imagen: Patricia Dauder. Surface

MADRID. Irene Cruz. Drowning in Blue. Galeria Theredoom

20 febrero – 17 marzo, 2018

En “Drowning in Blue” Irene Cruz reflexiona sobre la injerencia de un material tan habitual en nuestro día a día, como es el plástico, y de su consecuente vinculación con el medio ambiente.

Convive en la fotografía de Irene la idea del medioambiente como supérstite de un ser humano que cesó de habitarlo, para usarlo, dominarlo y, aun así, la naturaleza de la que nos habla en sus fotos es afable, generosa, acogedora. Es una naturaleza que nos perdona, como una madre absolviera la culpa más nefasta de su hijo, como la mirada de alguien que se está apagando lenta pero inexorablemente y nos sonríe, porque en su esencia no perdura la ira, sino el anhelo de superación.

​Nos enfrentamos a un escenario del que ya no nos podemos apartar: la Tierra llora nuestras propias lágrimas. Este desconsuelo líquido envuelve los cuerpos de los protagonistas de las fotografías de Irene -que navegan en un ecosistema que ya es otro, distorsionado pero reconocible- bajo otra forma, que es aquella con la que tenemos que coexistir. Asimismo percibimos en ellos una energía, que sobresale del olvido, y bucea en nuestra conciencia hasta arrinconarnos en la vergüenza que nos corresponde… Sin embargo la eludimos, como si estuviéramos en la orilla de un futuro que supuestamente es de otros, los que vendrán después. No obstante el tiempo, cada vez más rápido, lo va acercando también a nuestra propia existencia.  

​De alguna manera, el planteamiento ético y estético de la obra de Irene nos relaciona con el que será el argumento del debate de este año en ARCO. En lugar de un país invitado, el eje central de la feria se ha desplazado hacia un tema concreto: el futuro, y cuyo lema nos dice que El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer. Con esta exposición, por tanto, queremos recapacitar sobre nuestras responsabilidades como individuos, ciudadanos o, simplemente, como huéspedes de un mundo que, aparentemente, va cambiando con nosotros pero que, en realidad, somos nosotros mismos los que lo estamos modificando.

​Comisaria: Andrea Perissinotto

Galería Theredoom, Doctor Fourquet, 3. 28012, MADRID

http://www.theredoom.net

Irene Cruz

Imagen: Drowning in Blue. Irene Cruz

MARSELLA. “Picasso, viajes imaginarios” Centre de la Vieille Charité

16 febrero – 24 junio, 2018

En el marco de Picasso-Mediterranean 2017-2019. Entre recuerdos de viaje e itinerarios ficticios, la exposición Picasso, viajes imaginarios explora las fuentes de un artista visionario en busca constante de otros lugares y de renovación formal. Las pinturas, esculturas y dibujos de Pablo Picasso se presentan junto con obras maestras de las colecciones del Museo de Arqueología Mediterráneo y el Museo de Arte Africano, Oceánico y Amerindio de Marsella. Cuatro itinerarios, cuatro diálogos, para una invitación a viajar a la guarida imaginaria del genio de Picasso.

Desde las costas del Mediterráneo hasta los confines de África, la obra de Pablo Picasso está impregnada de un deseo de escapar. Las vías de desarrollo se asemejan a una iniciación mitológica, por lo descrito por el artista: "Si marcan en un mapa todas las rutas por las que he pasado  y si se conectan con una línea quizás aparecería una minotauro ".

Un Minotauro liberado, Pablo Picasso viaja verdaderamente o internamente, a través del laberinto de su alma. En los caminos desiertos de España, la soledad de la era azul y rosa está teñida de una metafísica de deambular. Sin ir allí, se acerca a África espiritualmente, dibujando los contornos de una exploración en los márgenes del "exorcismo". Durante la guerra, su viaje a Roma es el de la madurez, manteniendo las huellas de una antigüedad encontrada.

Grecia, a las lejanas islas Cícladas, aunque nunca visitada, sigue siendo su cuna primitiva, donde el artista dibuja la expresión y la simplicidad de las formas puras. Finalmente, Oriente, la fantasiosa Argelia de un último cruce mediterráneo se convierte en un refugio en el corazón de la sensualidad femenina.

Cuatro etapas: Azul Bohemio, África Fantasma, Amor Antiguo y Oriente Soñado,  ofrecen descubrir pinturas, esculturas, collages, dibujos, fotografías y postales de Pablo Picasso.

Estas obras se pondrán en perspectiva con obras maestras de las colecciones del Museo de Arqueología Mediterránea y el Museo de Artes Africanas, Oceanía y Amerindio de Marsella.

Azul Bohemio: En los caminos la de Bohemia, Picasso representa a los charlatanes, metáfora de un joven a veces teñida de azul (1901-1904) y Rose (1904 a 1906).

África Fantasma: La fascinación de África, que inspiró sus visitas al museo Trocadero quedando inmerso en una investigación interna que conduce a la consecución de Las señoritas de Avignon (1907) y la compra en Marsella en 1912 de una famosa máscara Grebo. El diálogo se entrelaza entre las obras del artista español y las colecciones del Museo de Artes Africanas, Oceanía y Amerindio de Marsella.

Amor Antiguo: después de la Primera Guerra Mundial, la antigüedad recién descubierta aparece como un nuevo Renacimiento. En su primera visita a Roma en 1917 para diseñar los decorados y el vestuario del ballet de la compañía de los ballets rusos, lo antiguo irriga toda la obra de Picasso y sus más sorprendentes transformaciones, “El minotauro ". Una confrontación sin precedentes con las colecciones del Museo de Arqueología de Marsella ilustra este diálogo atemporal.

Oriente Soñado: Tras los pasos de Ingres y Delacroix, Picasso explora el gusto orientalista del siglo XIX. La serie de Mujeres de Argel después de Delacroix (1955) transforma a su última esposa Jacqueline en odalisca, heroína de un harem imaginario

Centre de la Vieille Charité, rue de la Charité. Marseille. Fr.

https://vieille-charite-marseille.com/expositions/picasso-voyages-imaginaires

Imagen: “Picasso, viajes imaginarios” Centre de la Vieille Charité

SHEFFIELD. Marta Soul “Ama y Bebe” DINA Venue

14 febrero – 30 marzo, 2018

La exposición, Ama y Bebe, es una serie de fotografías teatrales, películas y presentaciones en directo donde la cámara investiga el mundo oculto de las relaciones privadas de las personas.
Marta Soul es la ganadora de The Potential Prize, un premio anual de arte creado por DINA Arts Center, para destacar el nuevo trabajo desarrollado por la fusión de disciplinas digitales y analógicas.
Marta invita a las parejas a participar en su exposición y les retrata en la noche de apertura, los retratos se tomarán por orden de llegada y con bebidas gratis como recompensa por su participación.

Marta Soul, (Madrid, 1973). Sus proyectos artísticos reflexionan sobre la interacción entre imágenes y realidad, así como la influencia mutua que tienen entre sí ambas ideas. Está interesada en explorar los roles de identidad, sexualidad, cultura y apariencia, y en el modo en que se determinan por la sociedad.
Sus imágenes suelen incluir personajes retratados en contextos con un discurso social determinado. Experimenta con las apariencias de estos personajes (por ejemplo, la estética del éxito) para reflexionar sobre temas como la consecución de los deseos o la expresión de las aspiraciones insatisfechas.
Ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia).  (Dina Venue press-release)

Dina Venue 32 Cambridge Street, S1 4HP Sheffield. UK

http://dinavenue.com

http://martasoul.com

Imagen: Marta Soul. Ama y Bebe, Armonía

LONDRES. Juan Muñoz “Arenas” Skarstedt Gallery

19 enero – 22 febrero, 2018

Para Juan Muñoz, el espacio en el que se ubican las figuras y la arquitectura de ese espacio juega un papel crucial en cómo se perciben y cómo respondemos a ellas. Colocados en lo alto de la pared, los conjuntos figurativos interrumpen los ángulos de visión normales, aumentando el efecto dramático de su presencia. Mirando hacia arriba para ver al Hombre Colgado Boca, 2001, influenciado por la señorita Lala de Degas en el Cirque Fernando, 1879, o relacionarse con las figuras más pequeñas que las de tamaño real en Piggyback (Chinese Down), el espectador experimenta los trabajos tanto visual como corporalmente. Jugando con la noción de espectador, el espacio interior de la galería se convierte en una arena en el que las figuras están simultáneamente mirando y siendo observadas.
Esta idea de que la exposición se invierte en el espectador se ve realzada en la sala principal de la galería por el parloteo y la risa de las figuras que cobran vida en todos los lados y en el centro. Al ingresar a este entorno, el espectador queda excluido de sus narrativas privadas. A diferencia de las formas tradicionales de escultura figurativa, las figuras de Muñoz están inmersas en sus propios mundos y conversaciones.
Además de distanciar las figuras al espectador, Muñoz juega con nuestro sentido de la proporción y nuestras nociones tradicionales de exotismo. La sonriente figura china en Piggyback (Chinese Down) pertenece a un repertorio de personajes que creó Muñoz, incluidos el dummy, la bailarina y el dummy de ventrílocuo, que nos parecen familiares y extraños:
"Hay algo en su apariencia que los hace diferentes, y esta diferencia en efecto excluye al espectador de la habitación que están ocupando ... El espectador se parece mucho al objeto que se va mira, y tal vez el espectador se ha convertido en el único que está a la vista '. (Juan Muñoz)
Las obras de Muñoz funcionan como cuentos en los que los movimientos del espectador son deliberadamente establecidos por él. Alentando al espectador a deambular entre las esculturas, coreografia su participación dentro del paisaje interior de la galería. Atrapados en un momento de congelación, los cuadros tridimensionales en bronce y resina invitan y rechazan la atención, a la vez que plantean preguntas sobre la naturaleza del aspecto y nuestra forma de ser:
"Mis personajes a veces se comportan como un espejo que no puede reflejar. Están allí para decirte algo sobre tu aspecto, pero no pueden, porque no te permiten verte a ti mismo”
Uno de los escultores más importantes de su generación, Juan Muñoz (1953-2001) alcanzó prominencia internacional a mediados de la década de 1980 por su retorno a la forma humana y su énfasis en la relación de la escultura, la arquitectura y el espectador. Su trabajo fue recientemente tema de una exposición individual en Hangar Bicocca, Milán en 2015, comisariada por Vicente Todolí.
Más recientemente, en el Reino Unido, una de las piezas de "Conversación" de Muñoz se mostró en Turner Contemporary, Kent en 2013. Entre las retrospectivas importantes de su trabajo se incluyen las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2009), Tate Modern, Londres y el Guggenheim Bilbao, España (2008), el Musée de Grenoble Grenoble (2007), K21 Kunstsammlung, Dusseldorf (2006-2007); Museo Hirshhorn y Sculpture Garden, Washington, D.C .; el Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles (2003), el Instituto de Arte de Chicago (2002), el Museo de Arte Contemporáneo, Houston (2003). (Skarstedt press-release)

Skarstedt, London. 8 Bennet Street. London SW1A 1RP, UK

http://www.skarstedt.com

Imagen: Hombre colgado boca 2001

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