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Foto: B. Mora

ZURICH. Santiago Sierra “Extra Bodies – The Use of the ‹Other Body› in Contemporary Art” Migros Museum

18  noviembre 2017  –  4 febrero 2018

La exposición arroja luz sobre un fenómeno en el arte que primero se destaca en la década de 1990 y luego explota en los primeros años del nuevo milenio: la práctica artística de recurrir y desplegar "extra cuerpos". Los artistas seleccionan estos "otros cuerpos" debido a su rol social o biosocial específico, por lo que también pueden caracterizarse como extras. Todos los trabajos que se exhiben comparten una cualidad básica "performativa" o "teatral". Sorprendentemente, el espectador no está involucrado en la acción ni invitado a participar. A diferencia de muchas producciones artísticas discutidas bajo la rúbrica de estética relacional, estas obras no requieren su participación activa. Tomando los dos pisos de exposición en el museo, la extensa exposición colectiva que presenta numerosas obras de la colección examina los diversos modos en que los extras con sus roles sociales y biosociales se presentan, y funcionan, en el arte.

Santiago Sierra nació en Madrid en 1966, donde vive y trabaja. Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid y en la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (HFBK) entre 1989 y 1991, así como en la Academia de San Carlos de la Ciudad de México entre 1995 y 1997. Ha realizado acciones provocativas alrededor del mundo. Influenciado por el lenguaje formal de los movimientos minimalistas y conceptuales de los años sesenta y setenta, Santiago Sierra aborda las jerarquías de poder y clase que operan en nuestra sociedad moderna y en la vida cotidiana.

Artistas: Vanessa Beecroft   Guy Ben-Ner   Oscar Bony   Christoph Büchel  Clegg & Guttmann   Gino de Dominicis   Maria Eichhorn   Jens Haaning  Yves Klein   L.A. Raeven   Teresa Margolles   Yoshua Okón   Yuri Pattison  Edwin Sánchez   Christoph Schlingensief   Santiago Sierra  Studio Jonas Staal and Democratic Self-Administration   Ai Weiwei   Ai Weiwei   Stephen Willats   Carey Young   Artur Żmijewski

Migros Museum für Gegenwartskunst. 270. CH-8005 Zurich

 http://www.migrosmuseum.ch

 http://www.santiago-sierra.com  

Imagen: Santiago Sierra. Object measuring 600 x 57 x 52 cm constructed to be held horizontally to a wall, 2001. Schwarzweissfotografie. 234 x 155 cm

 

 

 

LISBOA. “París / Madrid / Lisboa, de Miguel Galano” Instituto Cervantes

7 diciembre 2017– 19 enero 2018 

Miguel Galano (Tapia de Casariego, Asturias, 1956) se ha ido convirtiendo en uno de los grandes de nuestra pintura. Creador profundamente enraizado en su región, Galano ha sido capaz de, a partir de ella, interrogarse sobre otras tierras. Sus viajes europeos lo han llevado a pintar calles, plazas, jardines, iglesias, cementerios, un poco por todo el continente. La exposición "París/Madrid/Lisboa", está centrada en su relación con tres de las ciudades que han retenido su atención como pintor: Madrid, donde realizó sus estudios de Bellas Artes, Lisboa que fue la primera ciudad extranjera que pisó, en la época en que por razones de trabajo residía en Extremadura, y la propia capital francesa.

Según Juan Manuel Bonet “es la de Galano una pintura septentrional, en grises y blancos, que habla del mundo en torno y que profundiza en su esencia; una pintura intemporal, contemplativa, emocionante y verdadera como pocas". (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes de Lisboa, Rua de Sta Marta, 43 F 1169-119 Lisboa

http://lisboa.cervantes.es/pt

Imagen: Miguel Galano

 

IVRY SUR SEINE. Francisco Ruiz de Infante “Le Témoin Secondaire” Galerie Fernand Léger

hasta el 16 de diciembre 2017

La expresión “Le Témoin Secondaire” (El Testigo Secundario) proviene del lenguaje de las llamadas exposiciones "históricas". Alude al lugar que ocupa el espectador en un contexto en el que el pasado vuelve al presente a través de reconstrucciones de situaciones que pertenecen a otros espacios-tiempos. Francisco Ruiz de Infante, un artista "fuera de formato", con una fuerte tendencia audiovisual lo usa para dar título a un curso de exhibición construido como una "gran aventura para compartir". El espectador está invitado (con el movimiento, la imagen y el sonido que produce consciente o inconscientemente) a entrar en un bosque laberíntico en el que se cuestiona el "aquí y ahora". Por lo tanto, los espacios y los tiempos a través de la tecnología se vuelven inadecuados.

Francisco Ruiz de Infante(1966 Vitoria) pertenece a una generación cuya sensibilidad está marcada por el encuentro y confrontación de máquinas audiovisuales con los materiales más simples, incluso los más cotidianos. Hace malabarismos sin complejos entre la alta tecnología y el bricolaje de emergencia para construir sus instalaciones y sus películas. En su trabajo, reconstruye la forma en que funciona la memoria cuando alimenta el presente: mediante movimientos sacádicos llenos de errores de información, o como un torrente de imágenes que comienzan de nuevo sin fin. Francisco cuestiona algunos estados efímeros (presente / pasado / futuro), algunos espacios inestables, varias dualidades falsamente similares (reales / imaginarias) y varios complejos acelerados del inconsciente ... entre los cuales, obviamente, el cuerpo. Ha expuesto importantes proyectos en el Museo Guggenheim de Bilbao, el Museo de Arte Moderno ARC en la Ciudad de París, el Reina Sofía en Madrid, el Kunst Hall en Bonn, el PAC en Milán, el Stedelijk Museum en Amsterdam, en la Granja Buisson (Noisiel-Paris), en el Bienal de SANTA FE (EE.UU.), en el ZKM Karlsruhe, el Kunst-Halle Bonn, en el EFT en Buenos Aires .

Galerie Fernand Léger. 93 Avenue Georges Gosnat. 94200 Ivry-sur-Seine. France

 http://www.ruizdeinfante.org

http://fernandleger.ivry94.fr

Imagen: Francisco Ruiz de Infante “Le Témoin Secondaire” Galerie Fernand Léger

MADRID. Victoria Civera “Every Day. Ni la palabra ni el silencio ” Centro de Arte Alcobendas

28 noviembre 2017 - 3 febrero 2018 

Every Day. Ni la palabra ni el silencio es una exposición concebida por Victoria Civera (Puerto de Sagunto, Valencia, 1955) específicamente para el Centro de Arte de Alcobendas. Planteada como una sinuosa travesía entre sus obras, en la muestra, un conjunto de instalaciones recientes dialogarán con piezas emblemáticas de toda su trayectoria. La exposición puede considerarse una suerte de retrospectiva sintética por rescatar lo esencial de su práctica, y detenerse en trabajos que permiten abordar cuatro décadas de trayectoria desplegada en todas las disciplinas: pintura, escultura, instalación, fotografía, vídeo y dibujo.
El punto de partida del proyecto es «el hacer de la artista», la observación del proceso de trabajo solitario que Civera lleva a cabo incansablemente en sus estudios de Nueva York y Saro (Cantabria). Su característico lenguaje híbrido surge de un modo de hacer, en el que la investigación sobre la representación de imágenes y la experimentación con los materiales colisionan con aspectos afectivos y sociales, para generar estructuras que se van puliendo progresivamente, hasta lograr instalaciones de una potente carga sensorial. Poseedora de una gramática propia, con muchas claves privadas, sus piezas tienen el poder de acallar al visitante, pues para disfrutarlas precisan de pocas palabras y muchos silencios.
El uso de objetos cotidianos y de materiales industriales, junto a las técnicas tradicionales, dota a su obra de una atmósfera singular, en la que el debate arte vs. realidad se hace presente, así como el interés por la arquitectura y los temas existenciales e identitarios: la espiritualidad cotidiana, el tiempo y la finitud, o el sujeto femenino y su situación en el mundo.
En la exposición podrán verse piezas icónicas de la artista, como "Aviador Sibila" (2008), "Sueños inclinados" (2009), "Habitación anónima" (1993), "Mal de Jem" (2004) o "A-be-ce-da-rio" (1991), en diálogo íntimo con las instalaciones recientes, y el vídeo "Nieve en Saro 2004" (2017), que aporta el tono a todo el proyecto. En definitiva, es una inmersión en la obra de una artista de piezas fascinantes que, citando sus palabras, "van surgiendo del silencio, parten del objeto pequeño, tocado, minúsculo", y se trabajan "en voz baja". Comisaria: Susana Blas

C/ Mariano Sebastián Izuel 9 . 28100 Alcobendas, Madrid

http://www.centrodeartealcobendas.org

Imagen: Victoria Civera “Every Day. Ni la palabra ni el silencio ” Centro de Arte Alcobendas

AMSTERDAM. Lara Almarcegui “Terrestrial Records” Manifesta Foundation

24 noviembre 2017 – 25 mayo 2018

Comisariada por Ellen de Bruijne PROJECTS, Terrestrial Records presenta una serie de trabajos que exploran diversos temas contemporáneos, como nuestra actitud y relación con la naturaleza; la interacción entre digitalización, poder y privacidad; y las presunciones ocultas dentro de nuestras sociedades.
La obra de Lara Almarcegui  titulada "Derechos minerales (Tveitvangen)" cuestiona la propiedad de la Tierra y sus recursos naturales. En sus "City Weights" crea conciencia sobre nuestro entorno urbano opuesto a la naturaleza, y en sus "Guías" se centra en la importancia del páramo dentro de nuestro entorno construido.

Las obras que Lara Almarcegui  (Zaragoza 1972 residente en Rotterdam) que ha venido desarrollando a lo largo de casi veinte años cuestionan la frontera entre la decadencia urbana y la renovación urbana, y trata de hacer visible lo que tiende a pasar desapercibido. Aunque se centra en los espacios y estructuras abandonadas que se someten a un proceso de transformación, Almarcegui también investiga las diferentes conexiones que se pueden establecer entre la arquitectura y el urbanismo. Explora el estado actual de las zonas periféricas, su desarrollo, uso y decadencia y logra establecer un discurso sobre los diferentes elementos que constituyen la realidad física de un paisaje urbano en constante evolución

Artistas participantes en Terrestrial Records: : Lara Almarcegui, Pauline Boudry/Renate Lorenz, Pauline Curnier Jardin, Jeremiah Day, Maria Pask, Falke Pisano, Michael Smith

Terrestrial Records es parte de una serie continua de exposiciones alojadas por Manifesta en su sede de Amsterdam. Cada 6 meses, una galería de arte contemporáneo diferente de Amsterdam es invitada a comisariar un exposición específica para el lugar que enlaza con los temas clave de las bienales de Manifesta  o refleja la historia de Manifesta HQ, una casa del canal del siglo XVII en Herengracht. Las exposiciones se convierten en un punto de partida para reuniones públicas, debates, actuaciones y recepciones. A través de este programa, queremos mostrar nuestro aprecio y apoyo hacia la escena artística de Amsterdam.

Manifesta Foundation offices. Herengracht 474, 1017CA Amsterdam

https://manifesta.org

Imagen: “Mineral rights” Lara Almarcegui

HOUSTON. Luis Moro "Fragments of the Paradise" Samara Gallery

3 noviembre – 16 diciembre 2017

“Los animales son un pretexto para hablar de otras cosas, aunque el universo cuenta una de ellas en cada pequeño ser.

Mi trabajo se basa en el mundo animal y su relación con el hombre y sus fronteras, marcadas por los límites geográficos, carreteras, ciudades y centros industriales que son verdaderos muros para las migraciones de los animales. En particular, para la mariposa monarca en su largo viaje a través de América del Norte y para el desarrollo de diferentes formas de vida y equilibrio natural.

Hay mapas de bisontes, víctimas reales del progreso humano. Del oso polar en el Polo Norte que se está derritiendo como una metáfora del cambio climático y las consecuencias de un espacio marcado por los seres humanos y la explotación por encima del planeta. Por otro lado, también hay puntuaciones de pianola con hendiduras musicales en el papel que apuntan a los cantos de los pájaros, símbolo de la relación de la naturaleza con los artificios que coexisten dentro de ella”Luis Moro

Luis Moro (Segovia 1969), en una tarea heredada de otros viajeros del Viejo Mundo, llegó a México para explorar la biodiversidad, en la obra de Moro se ve la representación pura, lejos del mito y de las tradiciones regionales, creando sus propias fábulas a partir de la superposición de imágenes en una especie de collage.

Esta forma de transcribir la naturaleza, dadas sus proporciones inversas, desde pequeñas a grandes y viceversa, nos permite mirar en un mundo fantástico que coexiste en la epidermis de la tierra a través de las páginas de hojas sueltas de un bestiario que no ilustran descripciones, sino que las crea a través de sus propias y sorprendentes narraciones visuales.

SAMARA Gallery. 3911 Main Street. Houston TX 77002

http://luis-moro.com   http://www.samaragallery.com

Imagen: “Wings” Luis Moro

MADRID. David Magán “El Peso del Color” Galería Cayón

25 noviembre 2017 – 13 enero 2018

La exposición, dedicada al escultor madrileño galardonado con el II premio NH Colección de Arte Contemporáneo dentro del marco de la Feria ARCOmadrid 2016, explora las posibilidades plásticas y espaciales de la escultura a través de un conjunto de instalaciones y obras de pared realizadas en metacrilato.

Desde el inicio de su carrera David Magán ha sentido una gran fascinación por la materialización de la transparencia y del color en el espacio. Con sus primeras esculturas, realizadas en vidrio, ha obtenido estos resultados pues las cualidades físicas del cristal le permiten atrapar el color en el aire. 

De este modo, utilizando un material de origen milenario, David Magán produce piezas completamente contemporáneas. Durante los últimos años ha ampliado esta investigación introduciendo en sus instalaciones el metacrilato que le permite llegar a los mismos resultados ofreciendo nuevas posibilidades.

El trabajo de Magán se concibe, no sólo como una actividad artística, sino como una labor científica y minuciosa, resultado de un intenso proceso de investigación. Fruto de este estudio son un conjunto de obras que permiten hablar de fusión entre arquitectura, pintura y escultura.

Las obras de David Magán trascienden el concepto tradicional de escultura, entendida ésta como un elemento estático, invariable y limitado, para revelar un sinfín de posibilidades cromáticas y lumínicas que superan la pura materialidad. Las piezas realizadas por Magán se descubren como una articulación de módulos geométricos en constante transformación que modifican el espacio según la incidencia lumínica, la posición y el movimiento del espectador, evidenciando la interdependecia entre obra, cuerpo y espacio.

Escultura transformada en acontecimiento en la que el color se presenta como una situación evolutiva, una experiencia ligada al propio desplazamiento del espectador y el tiempo, carente de límites, que se contrae y expande inagotable a nuestro paso.

En 2016 David Magán presentó Interferencias Primarias, exposición individual en la sala B del Centro Tomás y Valiente en Fuenlabrada (CEART) resultado de una amplia investigación en torno a los colores primarios. (Cayon press- release)

Galería Cayón. Blanca de Navarra, 7. 28010 Madrid (España)

http://galeriacayon.com

http://davidmagan.com

Imagen: David Magán. P5, 2014-2017

PARIS. Juan Uslé “La noche se agita” Galerie Lelong

30 noviembre  2017 – 20 enero 2018

Juan Uslé es un artista que entiende el significado del tiempo, no solo teóricamente sino también prácticamente. Pinta con una lentitud deliberada, a menudo de noche, al ritmo de su corazón palpitante, su respiración, después de leer textos que lo animan a soñar. Le gustan las vibraciones del silencio y odia apurarse. Pone a prueba sus cuadros, uno por uno, dejando mucho espacio a su alrededor, en la tranquilidad de su estudio, solo o con un amigo, en Saro (Cantabria) o en Nueva York, donde tiene su sede desde hace casi 25 años. Le gusta pintar lienzos muy grandes o muy pequeños; la tensión entre estos formatos extremos lo estimula.
Esta nueva exposición presenta pinturas de 2017, incluidas dos obras de gran formato que superan las dimensiones que hasta ahora ha preferido. Uno es azul y el otro en dos tonos y ambos llevan el nombre de ríos, porque hay un flujo en estas superficies que son simultáneamente estáticas y vibratorias; estarán acompañados por la familia de obras que ha titulado "Soné que revelabas" y un grupo de pequeños lienzos, cada uno de los cuales ilustra ese toque sensible que se ha convertido en su "firma".

Juan Uslé nació en 1954 en Santander, España. En los últimos años se ha confirmado como uno de los artistas más importantes en el mundo del arte internacional. Sus pinturas y fotografías han sido expuestas en numerosas exposiciones de América y Europa. Ha expuesto en museos como el Reina Sofía (2003), el SMAK en Ginebra (2004), y el Museo Irlandés de Arte Moderno de Dublín (2004). En 2005 participó en la Bienal de Venecia 51a. En Alemania, sus obras se han presentado en la Documenta IX y recientemente en una retrospectiva del Museo Morsbroich en Leverkusen. El conjunto de obras de la serie “Soñe que revelabas” se ha expuesto ampliamente en 2014 en el Kunstmuseum de Bonn y el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela. En el 2002 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas de España. Vive y trabaja en Nueva York y en Saro (Cantabria). (Lelong press-release)

GALERIE LELONG PARIS. 13, rue de Téhéran. 75008 Paris - France

http://www.galerie-lelong.com

Imagen: Juan Uslé Avobe Baikal, 2017

BARCELONA. “Ponç / Brossa” Galería Joan Prats

30 noviembre 2017 – 3 febrero 2018

Unidos por una afinidad creativa y personal desde finales de los años 40 hasta principios de los 50 Joan Ponç y  Joan Brossa  están unidos también a la historia de la Galeria Joan Prats, donde expondrían en diversas ocasiones.

En 1982, Joan Brossa mostró por primera vez en la exposición en la Galeria Joan Prats sus poemas objeto y visuales, poemas que realizaba desde 1954 y que eran entonces prácticamente desconocidos por el público. Más adelante, se mostrarían en otras exposiciones en la galería de Barcelona (1989, 1995, 1997) y de Nueva York (1989), y en la Feria de Basilea (1989). Por otro lado, Joan Ponç comienza su colaboración con la Galeria Joan Prats en 1978, con la exposición Fons de l’ésser. También expondría en 1983, Nocturns, en 1987 con dibujos de la época Pre-Dau Al Set, en 1994 y 1996 con dibujos de la Suite Geomètrica y en 1980 en la feria FIAC en París.

En palabras de Arnau Puig, en el texto realizado para esta exposición, “Un temperamento y carácter de la dimensión del de Brossa casi estaba obligado por el destino a encontrarse con alguien, Joan Ponç, que bajaba de las nubes”. Este gusto por la magia, la adivinación y lo oculto sería uno de los puntos de unión entre los dos artistas, que se conocieron en 1946. Ese año publicarían junto a Arnau Puig y a Enric Tormo el único número de la revista “Algol”, que quería ser un revulsivo delante del inmovilismo y la pérdida de idealismo de sus contemporáneos. Proponían una renovación de la mirada que se encuentra también en los monotipos que Ponç realizó para acompañar los ejemplares de la revista y que se aleja de la figuración naturalista predominante en el arte español de la época.

La exposición pretende mostrar las trayectorias de los dos artistas: una primera parte, con obras del periodo “Dau Al Set”, el momento de mayor afinidad entre Joan Brossa y Joan Ponç, y una segunda parte de la exposición, con obras posteriores, que permiten ver sus evoluciones en el ámbito plástico, y que se reflejan de la misma manera que en la suite Joan Brossa-Joan Ponç (1947). (Joan Prats press-release)

Galería Joan Prats. C.Balmes, 54 - 08007 Barcelona, Spain

http://www.galeriajoanprats.com

Imagen: Brossa, Brossa, 1950

BERLIN. Vicky Uslé “Open Shear” Alexander Levy Gallery

25 noviembre 2017 – 27 enero 2018

Vicky Uslé, (1981 Santander) continúa su investigación sobre las
posibilidades de la pintura, así como en navegar más profundamente en la complejidad de las superficies. Utiliza el dibujo y la pintura para expresar observaciones, sueños y
reflexiones de su vida cotidiana. Inspirada en la arquitectura y la naturaleza, Uslé
crea su propio lenguaje con la pintura.
En su nuevo ciclo de trabajos construye y deconstruye las formas y las reorganiza en situaciones dinámicas. Como en sus obras anteriores, Uslé utiliza conscientemente la pincelada visible para crear formas orgánicas y flotantes. La alusión a la arquitectura es cada vez más fuerte en sus obras. Debido a este nuevo proceso, las pinturas de Uslé obtienen un fuerte aspecto dimensional. El espectador ya no está de pie delante de una pintura, se ha convertido en una parte de ese mundo que está viendo, y sumergiéndose en él.
Con sus pinturas, Uslé entra en relación con las partes de nuestro mundo que
generar nuevas visiones cambiando su percepción. Industria y Naturaleza pueden
coexistir sin molestar a los demás, una utopía deseable. (A. Levy press-release)

Alexander Levy. rudi-dutschke-str. 26 | d-10969 berlin

http://alexanderlevy.net

Imagen: Vicky Uslé . Ascendente, 2014 Oil and acrylic on canvas. 200 x 150 cm

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