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COLONIA. Álvaro Martínez Alonso “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable. Instalación” Galería 100 Kubik

23 junio -25 agosto, 2017

La exposición del artista Álvaro Martínez Alonso (*1983, Burgos) “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable” quiere invitar a reflexionar sobre el valor que le damos a los objetos que nos acompañan a lo largo de la vida. Se muestra como inventario que recoge algunos de los bienes que el artista deja en herencia. Abarca 127 objetos que son especiales para Martínez Alonso por su origen, utilidad o simbolismo. “La camiseta de mi abuelo, un palo de madera, 12 almendras de mi pueblo y otros objetos de valor incalculable” es un inventario con objetos que documentan momentos, relaciones personales y recuerdos de mi vida y que por ello, aun careciendo de valor económico, deseo que formen parte de mi herencia.

A la hora de ejecutar una herencia, si no se ha realizado testamento, el notario suele considerar como bienes a heredar aquellos que tienen cierto valor económico: inmuebles, vehículos, acciones, seguros, cuentas de banco, joyas, etc.
En el mejor de los casos, el resto de pertenencias suelen ser almacenadas por los familiares más cercanos, pero no se hace un inventario ni se especifica de qué bienes se trata y quién debería recibirlos.
Por eso, un reloj estropeado que el difunto conservó desde su juventud, la gorra que trajo de unas vacaciones en Atenas, la fotografía de una antigua novia y otros objetos aparentemente irrelevantes, terminan, a menudo, en manos de unos descendientes que desconocen su valor, desprendiéndose de ellos o relegándolos al olvido.

Siempre explorando el camino más apropiado para contar una historia o expresar una idea, Álvaro Martínez trabaja con una amplia variedad de medios de las artes visuales. Basándose en sus propias experiencias personales, Álvaro aborda temas de carácter socio-político e incluso emocional, retratando con frecuencia situaciones que tienden a ser olvidadas.

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.alvaromartinez.net   http://www.100kubik.de

Imagen: Álvaro Martinez Alonso. 100 Kubik galerie

LOS ANGELES. Dora García, Peio Aguirre, Adiá Juliá… “Chalk Circles” REDCAT Gallery

17 junio  - 20 agosto, 2017

La Galería REDCAT presenta “Chalk Circle“ (Círculos de Tiza), una exposición y una serie de performances y eventos relacionados que consideran las formas en que las artes escénicas y las artes visuales se cruzan. Comisariada por Ruth Estévez y José Luis Blondet, la exposición Chalk Circle marca una serie de formas en las que los artistas piensan críticamente sobre las acciones en directo, el teatro y el espectáculo.

El título de la exposición se refiere a la conocida obra de Berthold Brecht, The Caucasian Chalk Circle, escrita en Los Ángeles en 1944. La obra de Brecht es una parábola sobre la propiedad, el afecto y la justicia en la que dos personajes deben probar quién es mejor madre sacando a su bebé de un círculo de tiza. El círculo de tiza determina el lugar del cuerpo dentro de límites impermanentes pero precisos. La forma geométrica clásica habla también de la fragilidad de tales límites: actuar / ser, verdad interna / máscara pública, actor / personaje. Un círculo de tiza también puede cuestionar las superposiciones y coincidencias de la galería, el espacio teatral y el espacio cívico.

Los artistas en esta exposición documentan, reimaginan y rearticulan las metodologías de actuación para investigar la performance como una forma de producción, no sólo como una forma basada en eventos. Sus proyectos se centran en tradiciones mixtas de movimiento, actuación y gesto, así como modelos pedagógicos. El papel del actor, la figura del intérprete y sus diferentes perspectivas en la construcción de un personaje informan varios proyectos de la exposición, mientras que otros se centran en las fricciones de un cuerpo en un espacio ficticio-teatral.

Chalk Circle cuenta con obras de artistas locales e internacionales que se dedican teatro  y la performance como herramienta para alimentar la inestabilidad de tales términos. Artistas participantes: Carla Dertnig, Dora García y Peio Aguirre, Adrià Julià, Joachim Koester, David Levine, Emily Mast, Silke Otto-Knapp, Santiago Roldós y Pilar Aranda (Muégano Teatro), Catherine Sullivan y Kerry Tribu.  (REDCAT press-release)

REDCAT Gallery 631 West 2nd Street, Los Angeles, CA 90012

https://www.redcat.org

Imagen: Dora García. La eterna. Vídeo 2017

NUEVA YORK. Avelino Sala “Action Riot Paintings” Ethan Cohen Fine Arts

22 junio — 31 agosto, 2017

El artista español Avelino Sala reflexiona sobre la identidad a través de símbolos como el dinero o las banderas, el poder del símbolo y cómo puede ser destruido y generar nuevas formas de comprensión.

A través de obras como El mapa no es el territorio, Quick Silver, Forbes List o Action Riot Paintings, el artista pone en tela de juicio la idea de la nación y el poder, la identidad nacional, el dinero como símbolo y su Influencia real.

A través de las pinturas de la acción Riot, Sala hace algunas esculturas con los blindajes del motín, con las banderas de país destruido en ellas. La bandera de los Estados Unidos aparece en tres actos, como el eje de su propuesta, así como los de las primeras potencias económicas mundiales: China, Alemania, o aquellos países dentro de las fronteras de Estados Unidos como México.

En Quick Silver y en El mapa no es el territorio, Sala cuestiona el dinero como otro objeto de identidad tanto como un modo de vida. En Quick Silver, las reproducciones de las facturas están hechas de plantas y la mancha es la bandera "diluida". En suma, un conjunto de trabajos vinculados a la resistencia del arte, y sobre todo a cuestionar nuestro tiempo desde una perspectiva diferente, menos amable pero poética al mismo tiempo.

Avelino Sala (Gijón, 1972) Avelino Sala (Gijón, 1972) es artista, comisario (colectivo curatorial Commission) y editor (revista Sublime). Además, escribe en medios como Artishock o A desk. En 2001 obtuvo su Bachelor in Arts (BA, Hons degree) en Critical Art Practice en la Universidad de Brighton. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.

Su trabajo como artista le ha llevado a cuestionar la realidad cultural y social desde una perspectiva tardo-romántica, con una mirada crítica y poco cómoda, en un continuo explorar el imaginario social e intentar meter el dedo en la llaga para comprobar el poder del arte como generador de espacios de experimentación capaces de recrear nuevos mundos. Ha participado en bienales como: la Bienal de Video Arte de Puebla, en México (2014); la Bienal de Istmo Centro Americano de Guatemala (2014); la Bienal del fin del mundo (2011); VideoZone. V Bienal de Vídeo Arte de Tel Aviv (2010); Anámnesis, Encuentro entre dos mares (Bienal de Valencia, 2007); Nightcomers, 10 Bienal de Estambul (Colateral 2007); en la Bienal del Fuego de Caracas (2006) y en la Poles Apar t/ Poles Together project, 51 Bienal de Venecia (Colateral 2005), entre otras.  (Ethan Cohen Fine Arts press-release)

Ethan Cohen Fine Arts, 251 W 19th St, New York, NY 10011

http://www.ecfa.com  http://avelinosala.es

Imagen: Avelino Sala

NUEVA YORK. Juan Garaizabal “Construir una historia. Memoria Urbana de las Tullerías Perdidas” The Buck Gallery

8 junio —  15 julio, 2017

Conocido por sus monumentales esculturas urbanas, Urban Memories, Juan Garaizabal presenta su primera exposición individual en Nueva York.
La exposición se compone de bocetos y una serie de esculturas. La motivación principal  de Garaizabal en Memoria Urbana es la resurrección física y concreta en el lugar de la memoria de una estructura histórica, valorando y capturando fragmentos de fundamentos arquitectónicos que se han perdido o destruido a lo largo del tiempo.
En la Memoria Urbana de las Tullerías Perdidas, Garaizabal espera reavivar recuerdos y conversaciones relacionadas con la historia política y la convulsión social que alguna vez marcaron el sitio del palacio y el jardín de las Tullerías. Las obras de Juan Garaizabal se pueden describir como mínimas en presencia, sostenidas sólo por sus mecanismos más esenciales, mostrando así el poder de la ausencia y la capacidad de abrazar su entorno.
Nacido en 1971 en Madrid, Juan Garaizabal obtuvo su licenciatura en 1993 en la Universidad Pontificia Comillas de Madrid y Reims. Sus grandes instalaciones públicas se pueden ver en muchas ciudades, incluyendo Miami, La Habana, Berlín y Valencia. Actualmente vive y trabaja entre Madrid, Berlín y Miami. (The Buck press-release)

The Buck Gallery. 545 W 23rd St, New York, NY 10011

https://www.debuckgallery.com http://www.juangaraizabal.com

Imagen: Juan Garaizabal

 

BUENOS AIRES. Ilustradores Españoles. El Color del Optimismo” Centro Cultural de España

29 junio – 28 agosto, 2017

Una muestra de la obra de algunos de los más importantes ilustradores españoles contemporáneos de nuestro país. Comisariada por el periodista Mario Suárez, la exposición quiere dar a conocer una generación de jóvenes artistas cuyos trabajos son habituales en publicaciones nacionales e internacionales, galerías, museos y firmas comerciales. Paula Bonet, Ricardo Cavolo, Carla Fuentes, Gabriel Moreno, Silvia Prada y Paco Roca, son algunos de los creadores cuyas ideas frescas y atrevidas han sido seleccionadas para un colorido repertorio que ofrece a los ojos del visitante un auténtico festín visual.

Originalidad, creatividad, profesionalidad, diversidad y ruptura, son algunas de las palabras que definen esta generación de jóvenes artistas que emergieron alrededor del año 2000 y que, gracias a Internet, lograron dar visibilidad a su trabajo. La creciente demanda de sus publicaciones en todo el mundo ha contribuido al auge de la ilustración española que hoy en día es considerada, no sólo una industria, sino también una de las tendencias creativas más importantes en todo el mundo. Sólo el sector del libro infantil sumó 20 millones de euros en exportaciones en España durante el 2010.

La sólida tradición de la ilustración en España está asentada en la Historia del Arte como una realidad, presente tanto en la potente industria artística como en la editorial. Los años ochenta y noventa fueron momentos álgidos para la ilustración en España donde resonaban nombres como Mariscal o Jordi Labanda. En la actualidad se observa un nuevo impulso de los creadores españoles que se han convertido en referencia absoluta en el uso del lápiz en todo el mundo.

Los 28 ilustradores que participan en esta exposición son: Raúl Allen, Marta Altés, Óscar del Amo, Iban Barrenetxea, Paula Bonet, Mikel Casal, Ricardo Cavolo, César Fernández Arias, Carla Fuentes, Óscar Giménez, Javier Jubera, Violeta Lópiz, Sean Mackaoui, Merino, Gabriel Moreno, Santiago Morilla, María Pascual, Silvia Prada, Sonia Pulido, Paco Roca, Conrad Roset, Aitor Saraiba, María Simavilla, Eva Solano, Iván Solbes, Robert Tirado, Luis Úrculo, y Noemí Villamuza. Comisario: Mario Suarez (CCEBA press-release)

CCEBA. Paraná 1159 (CP 1018) Buenos Aires Argentina

http://www.cceba.org.ar

Imagen: Paula Bonet

NOTTINGHAM. Juan delGado “Paisajes Alterados” New Art Exchange, Mezzanine Gallery

17 junio - 6 agosto, 2017

Una instalación multimedia inmersiva que aborda temas como el trauma, los desplazamientos, las narrativas personales y el paisaje. La obra es un relato íntimo de la experiencia personal de viajar a través de un paisaje desconocido que recuerda la experiencia de los refugiados.
A través de la utilización de vídeo, la fotografía, la luz y el sonido, “Paisajes Alterados” tiene como objetivo involucrar al espectador en un viaje. Invita al espectador a navegar por diferentes elementos en el espacio de la galería con el fin de ser absorbido por las experiencias y los desplazamientos de los refugiados, con el fin de abrir la contemplación y la discusión acerca de la situación actual en Europa, un lugar , hoy día, repleto de fronteras militarizadas.

Para la realización de “Paisajes Alterados” delGado ha viajado a Grecia, Macedonia y Calais para filmar, fotografiar y grabar los viajes de los refugiados. delGado no ha filmado a estas personas "invisibles", que proliferan en nuestros medios de comunicación, sino los lugares por los que han pasado a través. Hay rastros de su existencia, experiencias fragmentadas, momentos fugaces y huellas dejadas en la tierra a medida que iban pasando tratando de encontrar la seguridad.
Inspirado en el texto de la metamorfosis del escritor checo Franz Kafka, el proyecto se centra en el diario personal de un narrador europeo, que está describiendo cómo su identidad humana poco a poco se está transformando en otra cosa, como respuesta al sufrimiento que percibe.
Estas reflexiones están provocadas por los acontecimientos y debates de los últimos años en torno a la crisis de refugiados y están contextualizadas en un paisaje que está fuertemente arraigado en nuestro imaginario colectivo, Grecia con su Acrópolis, la antigua ciudadela de Atenas, el lugar de nacimiento de la democrática los valores y la cultura.

Juan delGado es un artista multidisciplinar que vive y trabaja en Londres. Llegó al Reino Unido hace más de 15 años y decidió estudiar en la Contemporary Media Practice en Londres, seguido de una master en la Universidad de Westminster. Realizó su tesis sobre la transexualidad en el cine español (de Armiñán a Almodóvar) y ganó el Premio de la Academia Británica por su investigación. Desde entonces ha creado numerosas obras relacionadas con diferentes temas como los traumas, el paisaje, la discapacidad, la desmembración o el género. Sus obras se han expuesto en países como España, Reino Unido, EE.UU, Egipto o Colombia, y ha participado en importantes eventos culturales como la feria de arte ARCO, FotoEspaña o la Bienal de Estambul.

New Art Exchange, Mezzanine Gallery. New Art Exchange. 39 – 41 Gregory Boulevard. Nottingham. U.K

http://cargocollective.com/JuandelGado   http://www.nae.org.uk

Imagen: “Paisajes Alterados” Juan delGado

MADRID. Diana Coca “ Where is Diana? La Fragua. Tabacalera

22 junio – 03 septiembre, 2017

Un proyecto de Diana Coca, en cuya práctica e investigación artísticas se conjugan fotografía, performance y videoarte. Su temática gira en torno a la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor; un cuerpo objeto y sujeto de protocolos, convenciones, espacios sociales, políticos, culturales, religiosos... Cuerpos que muestran el malestar por la opresión de un orden social, un orden marcado por dicotomías excluyentes que hacen imposible la integración de lo múltiple, y que niegan los estados fronterizos.

Where is Diana?’ investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… Me centro en la invasión del espacio público, localizaciones con fisuras y áreas que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad.

Realizo performances para la cámara fotográfica y vídeo fuera del espacio de galerías, museos y distritos artísticos de Pekín y México, donde las reacciones de los transeúntes son más intensas, ya que no esperan que una acción artística suceda ahí. A través de la ironía y la descontextualización creo situaciones donde el espectador puede participar en estas experiencias en contextos de vida real, así hay un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. Inspirada por las Pussy Riots, a través del uso del pasamontañas represento la idea del miedo al otro, que está siendo usado globalmente como estrategia para limitar nuestras libertades. Diana Coca

Diana Coca. Palma de Mallorca, 1977. Vive y trabaja entre Madrid y Pekín. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía por la University of Brighton (2003) y en Filosofía por la Universitat de les Illes Balears (2009). La destrucción y construcción de la realidad o el control ejercido por todos aquellos atributos que contribuyen a caracterizar el cuerpo femenino (maquillaje, zapatos de tacón...), son temas recurrentes en su obra, trabajados a partir de la simbiosis entre la performance, el vídeo y la fotografía. Mediante secuencias narrativas, encontramos su cuerpo semidesnudo y fragmentado concebido como objeto y sujeto a la vez, utilizándose a sí misma como territorio de experimentación y subversión, con la voluntad de transmitir la tensión de lo oculto y poniendo énfasis en la esclavitud del ser humano surgida a raíz de la dependencia tecnológica de la sociedad actual. 

Tabacalera Promoción del Arte. Calle de Embajadores, 51. 28012, Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera  http://www.dianacoca.com

Imagen: Diana Coca

 

LISSONE. Albert Pinya “Obra reciente” Museo d´arte Contemporanea

27 mayo – 23 julio, 2017

En esta, su primera exposición individual en un museo italiano, Albert Pinya [Palma de Mallorca, 1985] ha decidido exponer una serie de nuevas obras que revelan un cambio brusco de dirección respecto a trabajos anteriores.
La decisión lacónica de nombrar a sus pinturas "obras recientes" (una designación impersonal y estandarizada) se ajusta al deseo de ocultar sus intenciones detrás de un título convencional y, al mismo tiempo hermético. Pinya no tiene intención de revelar nada sobre la nueva dirección de su pintura, prefiere en su lugar adoptar una proyección que amplifica la confusión iconográfica de sus últimas obras. En el último año el artista ha experimentado con nuevas hipótesis de investigación, lo que lleva a una síntesis formal que combina el estilo pop-naif previo con estilos geométrico-abstractos. El resultado es un posmoderno crisol, exuberante que, sin falsa modestia y sin miedos innecesarios, nos hace parte del entusiasmo pictórico.
Dispersos en la planta baja del museo, los grandes lienzos pintados especialmente para la exposición en Lissone aluden a la pintura en constante expansión, como sugiere en las intervenciones de pared que conectan las pinturas en una especie de círculo vicioso, un cordón umbilical sin fin que se extiende a través de estructuras biomórficas llamativas. El derroche de color, típico del artista, que siempre se inspira en los colores brillantes del Mediterráneo, también corresponde a un desbordamiento: es como si quisieran migrar las formas de la pintura a la pintura, liberándose de la red / la red que les da el fondo. No por casualidad, en estas obras hay una reciprocidad que nos recuerda que la pintura no sólo está hecha de tela y color, si no de las tensiones y ambiciones.
Además de establecer un diálogo estrecho entre tres obras individuales, Pinya ha incluido una instalación sonora en colaboración con el poeta Jaume Munar [Felanitx, 1982], que ha prestado su voz recitando algunos poemas en mallorquín. Una vez más, el artista ha querido recuperar sus raíces culturales y geográficas, la identidad insular en la que se basa libremente y con pleno derecho, la tradición de las Baleares. ( Museo d´arte Contemporanea press-release)

Museo d'Arte Contemporanea. Viale Elisa Ancona, 6   20851 Lissone. Italia

ww.comune.lissone.mb.it   http://albertpinya.com

Imagen: Albert Pinya

EDIMBURGO. David Guillén “A Tale on the Mile” Museo de Edimburgo

9 junio - 25 septiembre, 2017

“A Tale on the Mile” (Un Cuento en la Milla), la obra del fotógrafo David Guillén, explora las personalidades y los lugares en una de las calles más históricamente vibrantes en Escocia: “La milla real”.

A través del curso de la historia humana, las sociedades han crecido siempre con los mismos principios fundamentales, sin importar el tiempo o el lugar.

La sociedad parece ser una simbiosis, un macroorganismo. Los individuos se agrupan para trabajar como grupos, que forman una mente propia y, a su vez, influyen en cada individuo. Estas pequeñas tribus que comienzan alrededor de una fogata, en la playa o en la montaña, crean ciudades. Esas ciudades se unifican para crear países. Puede parecer extraño, pero a menudo la historia y el carácter de una nación entera de su gente se puede leer en una sola de sus calles. (Museum of Edinburgh press-release)

Museum of Edinburgh: 142 Canongate, Royal Mile, Edinburgh

http://www.davidguillen.co.uk   http://www.edinburghmuseums.org.uk

Imagen: David Guillén

 

COLONIA. Gonzalo Fuentes “Mixtapes” Galeria 100 Kubik

23  junio - 25 agosto, 2017

El pintor Gonzalo Fuentes (*1991, Málaga), expone por primera vez en la Galería 100 kubik y presenta su nueva serie „Mixtapes

En contraposición a la idealización del entorno y su efecto positivo en el hombre, se encuentran las piezas pictóricas de Gonzalo Fuentes. A través de interiores arquitectónicos dinámicos y complejos, donde se pone en cuestión la solidez del espacio que nos rodea y que hablan de su carácter volátil, Fuentes nos presenta todo un imaginario distópico de alta tecnología y bajo nivel de vida, como hiciera el género del Cyberpunk desarrollado en los años ochenta del pasado siglo. En series como Juegos de construcción (2014) o Territorios de ficción (2015), representa lugares impersonales, de colores intensos y formas que rozan la abstracción, donde la percepción humana se disgrega para alcanzar un estado de incertidumbre y desasosiego ante el futuro que está por venir.
En Mixtapes, estos interiores arquitectónicos antes tan evidentes se vuelven indeterminados; la estructura, el tiempo y el espacio se diluyen, convirtiéndose en un detritus de arquitectura moderna donde los trazos y los planos se confunden para dar lugar a todo un universo de asociaciones. De esta forma, los lienzos se convierten en portales a otros mundos, pero también en límites espaciales, invitando al espectador a decidir si adentrarse en ellos o quedarse fuera.
Estos “ciberespacios” al modo de Blade Runner (1982), que se dispersan y multiplican hasta el infinito como un reflejo de la ciudad contemporánea, son el resultado del propio proceso de composición de la imagen, donde la selección, el recorte, el collage y la manipulación digital tienen un papel importante como paso previo a la imprimación del lienzo. Junto a esto, los postulados de Le Corbusier y su “máquina de habitar” están muy presentes en el trabajo del malagueño, más si cabe en sus últimos proyectos donde aplica a sus pinturas el axioma de la arquitectura modular. Se trata de una estrategia de apropiación del espacio a través de módulos en este caso pictóricos que se interrelacionan entre sí hasta formar un todo, una instalación donde la pintura de sus lienzos se hibrida casi por completo con el entorno, convirtiéndose en instrumento para dar forma a una concepción mental, cargada de elementos psicoanalíticos del espacio que les acoge. Sara Blanco. (100 Kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.gonzalofuentes.net   http://www.100kubik.de

Imagen: Gonzalo Fuentes

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