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GUADALAJARA. MX. Sofía Gandarias “El coloquio de los perros” Museo de las Artes. Universidad de Guadalajara

21 julio, 17 septiembre, 2017

“El Coloquio de los perros” es una serie de 28 obras que representan su interpretación visual de la novela homónima de Cervantes. Este proyecto nace durante el discurso que Carlos Fuentes, gran amigo de Gandarias, ofreció durante la aceptación de su Doctorado Honoris causa por la Universidad de Castilla-La Mancha, en 2007, en donde el escritor mexicano habló de la bruja Camacha, personaje de El coloquio de los perros, última Novela ejemplar de Cervantes.

“Hacían falta la intuición profunda, la mirada larga y la excepcional capacidad expresiva de Sofía Gandarias para acometer y lograr la primera gran versión plástica del Coloquio de los perros. El Coloquio, enmarcado en la historia del Casamiento engañoso, es quizá la más compleja y rica de las Novelas ejemplares (1613), a las que no en balde sirve de conclusión y en cierto modo recapitula. En el Coloquio están, en efecto, todos los temas y estilos presentes en ellas. Desde el rincón del vallisoletano hospital de la Resurrección, para pacientes de sífilis, Cipión y Berganza, perros, y por perros doblemente cínicos, contemplan un pequeño universo de personajes singulares y extravagantes, costumbres llamativas, ambientes picarescos…, pero también con momentos estilizados, y todo entre la realidad y el ensueño, por el prodigio de los canes parlantes y el fascinador trasfondo de brujería.

Es, sin embargo, el caso que tan inquietante retablo de episodios y personajes no había penetrado sino en una medida mínima en el dominio del arte. Hasta que Sofía Gandarias ha puesto los ojos en él, la trayectoria gráfica del Coloquio apenas cuenta con una pieza de algún valor: los dos finos grabados del holandés Jakob Folkema incluidos primero en una traducción francesa (1713) de las Novelas y después en la edición del original publicada en El Haya, en 1739, al cuidado de Pedro Pineda, atrabiliario y a ratos estupendo profesional de la tipografía. Posteriormente, sólo alguna lámina suelta en tal o cual impresión ha venido a aumentar el parco catálogo visual del relato cervantino. Con los lienzos de Sofía estamos ante un principio absoluto y con el grado supremo de la originalidad. Una figuración del Quijote siquiera remotamente realista no puede prescindir, incluso si es para contrastarlos, de los arquetipos de una tradición que va ya por los cuatrocientos años. Frente al Coloquio, el artista, nuestra artista, tiene el campo franco: sólo le toca medirse con ella misma. Que no es poco”. Francisco Rico

Sofía Gandarias (Guernica 1951-Madrid 2016) Patrona de la Fundación Yehudi Menuhin España. Recibió en 2005 la Orden de Caballero de las Letras y las Artes francesas, comenzó a pintar a los 12 años, una actividad que, aseguraba, la “poseyó”, aunque confesaba que no hubiera ocurrido sin la música, elemento fundamental para el desarrollo de su obra. Inició su carrera artística en 1978 con el cuadro “Kokoschka, Mahler y Alma” y la serie “Presencias”, con la que comenzó sus retratos de personalidades como Augusto Roa Bastos, Federico García Lorca, Jorge Luís Borges, Julio Cortázar, Rubén Darío, Guimaraes Rosa, Gabriel García Márquez, Gabriela Mistral, Pablo Neruda, Juan Carlos Onetti, Octavio Paz, Juan Rulfo y César Vallejo. Con retratos de Nureyev, inicia la serie “Toreo y Ballet”, al que le siguen obras sobre Bacon, Diego y Frida Kahlo o Delvaux, series como “El amor en Venecia”, “Arte contra la violencia” o la dedicada a los atentados del 11-S en Nueva York. Sus últimos trabajos, realizados en 2015, habían sido reunidos en una serie en la que, bajo el título “El caballero de la mano en el pecho”, plasma a personajes como María Callas, Plácido Domingo, Greta Garbo, Steven Spielberg o Giorgio Armani caracterizados como el retrato de El Greco. (CCEMX press-release)

Museo de las Artes Universidad de Guadalajara. Calle Juárez, 975, Colonia Centro, 44100 Guadalajara, Jal., Mexico

http://gandarias.es   http://musa.udg.mx

Imagen: Coloquio de los perros. Sofía Gandarias

MILÁN. José Lerma “The Last Upper” Brand New Gallery

hasta el 9 de septiembre de 2017

Brand New Gallery se complace en presentar "The Last Upper", la primera exposición individual de José Lerma en la galería. La exposición presentará la más reciente obra de José Lerma.  Nacido en España en 1971 y criado en Puerto Rico, José Lerma se inspira en su historia personal, así como en figuras y eventos históricos, afirmando que "todo arte es sobre otro arte y sobre tus padres". Lerma explora conceptualmente y materialmente el medio de la pintura, reconociéndolo como un medio que, históricamente, ha sido a menudo un vehículo para conmemorar el estado y el poder.

"El retrato ha sido tradicionalmente una forma de representar el estatus ... Los retratos fueron idealizados, incluso teatrales ... Eran instrumentos. Las imágenes sirven a esa función "

El poder sigue siendo un tema recurrente para Lerma, que tenía una formación en ciencias sociales y estudió derecho antes de tomar un giro a la izquierda para seguir el arte contemporáneo de alto concepto. Ni crítico ni festivo, el acercamiento de Lerma a su tema expone paradojas que van desde el sitio y el contexto hasta sus proyectos al medio de la pintura misma. Utilizando variados métodos y materiales alternativos, los gestos y representaciones de Lerma continúan desarrollándose tras la investigación, sus composiciones son abstractas y figurativas, humorísticas y oscuras, caóticas y controladas, fomentando un compromiso más profundo con el contenido y la narrativa incorporados en la obra.

La exposición  es una continuación de los temas en los que he trabajado en los últimos años, lo que le ha interesado ha sido el nexo entre finanzas, economía e historia, todo ello expresado con una estética algo infantil. Hace alusiones al uso de drogas y, por supuesto, a la obra de arte más famosa de Milán, La Santa Cena.  Las dos versiones presentadas aquí son dibujos cartoonish de obras de Lucas Cranach y el Maestro del Housebook. Los apostoles se mezclan y existen en una forma severamente comprimida, pero frenética, rápida y paranoica.

La Familia Real bajo el agua se basa en el famoso retrato de Jean Nocret, grupo de los Borbones representados como dioses griegos y es un guiño a la suerte de las Américas de la primera familia actual. Los cambiadores de dinero se basan libremente en las versiones de Jan Sanders van Hemessen Y Jacob Jordaens. Otro retrato es una imagen del banquero Roberto Calvi del Banco Ambrosiano realizado utilizando patrones de sobre de seguridad bancaria. Las pinturas están llenas de contradicciones. Son detalladas y directas, absurdas y filosóficas, históricas y tópicas

José Lerma (1971, Sevilla, España) vive y trabaja en Chicago. Recibió su MFA en Pintura en la Universidad de Wisconsin, Madison. Es profesor de dibujo y pintura en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago.

Entre sus crecientes exposiciones individuales se incluyen: Museo de Arte Kemper (Kansas City, 2016), Museo de Arte Contemporáneo de San Juan (San Juan, 2016), Galería Andrea Rosen (Nueva York, 2014), Museo de Arte Contemporáneo Detroit (Detroit, 2014) , Galería Kavi Gupta (Chicago, 2014), Museo de Arte Contemporáneo (Chicago, 2013), Galería Marta Cervera (Madrid, 2010), Galería Arario (Seúl, 2007), Xavier Hufkens , 2005). (Brand New Gallery press-release)

 

Brand New Gallery, via Carlo Farini 32, 20159 Milano (Italy)

http://www.brandnew-gallery.com

Imagen: The Last Upper 2017. José Lerma

 

BARCELONA. Oriol Vilapuig “La noche sexual” Fundació Suñol

hasta el 2 de septiembre, 2017

Bajo el título La noche sexual, tomado del libro homónimo de Pascal Quignard, el artista Oriol Vilapuig (Sabadell, 1964) articula las obras en siete ámbitos y un preámbulo. Dos ejes constituyen la exposición: por un lado lo que se puede definir como formas de resistencia y supervivencia que inciden sobre ciertos sentimientos de pérdida y miedo, y por otro los trabajos alrededor del erotismo entendido como una forma de desborde entre una voluptuosidad extrema, el pudor y el espanto, insistiendo también en su aspecto sagrado y ontológico.

Las treinta obras, la mayoría de ellas polípticos, que conforman la exposición abrazan más de seis años de trabajos recientes de Vilapuig, los que van desde 2010 a 2016. La mayoría son mostradas al público por primera vez. Este conjunto de obras incide en metodologías que aparecen a menudo en los últimos trabajos de este autor, como son la utilización de la forma de ensayo como actitud de estudio en constante construcción y la incidencia en la tradición y el arte como un espacio simbólico de uso que conforma nuestro inconsciente colectivo. Unos trabajos que generan presencias a través del lenguaje del dibujo, como experiencia vinculada al cuerpo, pero también como posibilidad para construir imaginarios. (Fundació Suñol)

Fundació Suñol , Passeig de Gràcia 98. 08008 Barcelona

http://www.fundaciosunol.org  http://oriolvilapuig.com

Imagen: Oriol Vilapuig

ARLINGTON. mmm….. “Meeting Bowls 2017” 1320 N Courthouse Road

12 julio – 01 noviembre, 2017

Creados por el colectivo español mmmm..., los Meeting Bowls son bancos sociales para encontrarse y conocerse, para quedar y relacionarse, lugares para el debate, bancos que humanizan la ciudad. Son unos cuencos muy grandes donde pueden entrar y sentarse ocho personas. Unas cápsulas semiesféricas situadas en la calle para que los peatones puedan mirarse unos a otros. Este mobiliario urbano temporal y lúdico se instalará en 1320 N Courthouse Road (Arlington, Virginia) del 12 de julio al 1 de noviembre. Posteriormente, los Meeting Bowls se trasladarán a Miami del 15 de noviembre al 23 de diciembre, y se instalarán en el Miami Design District durante la prestigiosa feria internacional de arte contemporáneo Art Basel Miami, en colaboración con el Centro Cultural Español en Miami (CCEMiami).  (AC/E press-release)

1320 N Courthouse Road. Arlington, Estados Unidos

http://www.mmmm.tv

Imagen: mmm…. Meeting Bowls

KASSEL. Daniel García Andujar, Martín Artiach, Roger Bernat y "El Niño de Elche" Documenta 14” Kassel

10 junio – 17 septiembre, 2017

La exposición Documenta es una de las mayores muestras de arte contemporáneo del mundo que se celebra desde 1955 cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel y dura 100 días. Por primera vez en su historia, Documenta se celebra en dos sedes, la segunda es Atenas bajo el título Documenta 14: Aprender de Atenas.
Esta decimocuarta edición comienza en abril de 2017 en Atenas y luego se inaugura el 10 de junio en Kassel. De esta manera coinciden, de manera paralela, un mes en ambas ciudades. La co-organización de la 14ª edición de Documenta entre Kassel y Atenas es una propuesta de Adam Szymczyk, director artístico de la feria, quien explicó que el propósito de dicha decisión es «reflejar la situación actual en Europa y poner de relieve las tensiones palpables entre el norte y el sur». Szymczyk considera que la elección de Grecia se desmarca de los conflictos entre el país mediterráneo y Alemania y que su punto focal es su situación geográfica y la migración. «Lo que me interesa de Atenas es que se trata de una metrópolis que se conecta con otras a través del mar. Limita con Turquía, tiene una gran afluencia de inmigrantes procedentes de Asia y África. Atenas es un portal o una frontera a la que llega mucha gente que puede tener visibilidad », dijo Szymczyk.
Con esta iniciativa Documenta abandona por un año su papel de permanente anfitriona para convertise en invitada de Atenas. La dirección artística está a cargo de la comisaria y escritora Marina Fokidis, fundadora y directora artística de Kunsthalle Athena. En esta edición el director artístico de Documenta, Adam Szymczyk ha invitado a un grupo de artistas españoles a participar con el apoyo de AC/E: Daniel García Andujar, Martín Artiach, Roger Bernat y "El Niño de Elche" con Israel Galván, Pedro José González Romero y Francisco Molina. (AC/E press-release)

Documenta 14. Friedrichsplatz 4, 34117 Kassel

http://www.documenta14.de

Imagen: Daniel García Andujar, Disaster of war. Trojan Horse 2016

BURDEOS. Lara Almarcegui, Martín Llavaneras, Erlea Maneros Zabala, Xavier Ribas, Pep Vidal “4,543 billones. La cuestión de la materia”CAPC musée d’art contemporain

29 junio 2017 – 7 enero 2018

‘4,543 billones. La cuestión de la materia’ es una exposición que aborda obras de arte, colecciones e historias culturales en relación a procesos ecológicos y la escala geológica del tiempo. La exposición presenta un continuo entre materiales y paisajes temporales a través de películas, obra gráfica, fotografía, escultura, documentos y otros objetos significativos, y surge a partir de la anterior vida del edificio del museo CAPC como almacén de productos coloniales cuyas paredes de piedra caliza antaño fueron extraídas de las profundidades de la Tierra y cuyas vigas de madera formaron parte de un bosque.
Una de las propuestas centrales de la exposición es considerar las obras de arte como parte de la historia geofísica del mismo modo que forman parte de la historia del arte. ‘4,543 billones’ intenta mantener una perspectiva micro-local así como una perspectiva planetaria, y repensar algunas de las historias del arte como fragmentos de narrativas más amplias sobre la Tierra y sobre cómo se ha representado nuestro lugar en ella. ¿Qué está en juego cuando el arte y los museos asumen una mayor conciencia temporal y material? ¿Cómo podrían ir más allá del marco espacial “piensa globalmente, actúa localmente” y profesar “piensa históricamente, actúa geológicamente”?
La exposición toma una visión del pasado que resiste una narrativa indiferenciada en la que la Modernidad en general es culpable del desorden ecológico global y en la que humanidad, en un sentido invariablemente abstracto, debe asumir su responsabilidad. En consecuencia, los artistas participantes a menudo alertan sobre el papel específico y los efectos intencionados de determinados individuos, prácticas, estados o corporaciones a través de relatos entorno a agentes minerales y procesos orgánicos, y cómo éstos se han entrelazado y apuntalado a través de la cultura. Proyectos más documentales evidencian las relaciones entre el arte moderno, el museo y la riqueza creada a través de la industria extractiva, combinando enfoques enmarcados por las ciencias de la Tierra y la historia colonial, la sociología y el reportaje político. Sin embargo, otras obras adoptan un enfoque más atmosférico, fílmico, escultórico o gráfico entorno a la extracción, la economía, la energía y el intercambio global, ya sea orbitando entorno a la luz solar, los bosques, los materiales sintéticos derivados de combustibles fósiles o los servicios y sustancias implicadas en los edificios que conservan y exhiben arte.

Con la participación de: A.J. Aalders, Lara Almarcegui, Maria Thereza Alves, Félix Arnaudin, Amy Balkin, Alessandro Balteo-Yazbeck en colaboración con Media Farzin, Bernd Becher y Hilla Becher, Étienne Denisse, Hubert Duprat, Giulio Ferrario, Ângela Ferreira, Anne Garde, Ambroise-Louis Garneray, Terence Gower, Rodney Graham, Ilana Halperin (también en el departamento de zoología de la Université de Bordeaux), Marianne Heier, Christina Hemauer y Roman Keller, Lucas Ihlein y Louise Kate Anderson, Jannis Kounellis, Martín Llavaneras, Erlea Maneros Zabala, Nicholas Mangan, Fiona Marron, Alexandra Navratil, Xavier Ribas, Alfred Roll, Amie Siegel, Lucy Skaer, Alfred Smith, Rayyane Tabet, Pierre Théron, Pep Vidal, Alexander Whalley Light, Stuart Whipps (también en el Musée des Beaux-Arts) así como documentos y objetos procedentes del fondo documental del CAPC, los Archives Bordeaux Métropole, los Archives départementales de la Gironde, y la colección geológica de la UFR Sciences de la Terre et de la Mer, Université de Bordeaux. (CAPC press-release)

CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux- 7, rue Ferrère. 33000 Bordeaux

www.capc-bordeaux.fr   http://www.lttds.org

Imagen: Xavier Ribas “Chilean Nitrate publicity postcard, c. 1920” from A History of Detonations, 2013. Cortesía del artista y ProjecteSD, Barcelona

HAMBURGO. Ignacio Uriarte “El Arte y el Alfabeto” Hamburger Kunsthalle

21 julio - 29 octubre, 2017

La interrelación compleja de la escritura y la imagen en el arte contemporáneo es el objetivo de la exposición “El Arte y el Alfabeto”, que tiene lugar en las dos plantas de la galería de arte contemporáneo del Hamburger Kunsthalle. Las obras en una variedad de medios, realizadas por 22 artistas internacionales procedentes de 15 países diferentes que tienen que ver con elementos de una amplia gama de idiomas y sistemas de escritura, exploran su impacto como señales visuales al transformándolas artísticamente.

Ya sea en pintura, dibujo, escultura, cine, video, fotografía, instalaciones, obras o performances: observamos aquí cómo los artistas manipulan diversos alfabetos (armenios, árabes, latinos, etc.) y desafían su potencia por prestar una identidad cultural. El texto se superpone hasta el punto de ser ilegible, o se atomiza en sus elementos constitutivos; Los pasajes manuscritos toman una vida propia como vibrantes y poderosas líneas de energía; Y las letras son entonadas y por lo tanto traducidas en unidades de sonido o promulgadas en lenguaje corporal. Esto crea una oscilación de tensión-carga hacia adelante y hacia atrás entre la decodificación y la lectura del texto frente a la percepción y contemplación de la imagen.

Se presentan obras de arte de los últimos diez años, con algunos grupos de obras creadas específicamente para la exposición. Un puente hacia el pasado está creado por unas pocas obras de los años 60 y 70 intercaladas a lo largo de la exposición.

La exposición cuenta con obras de Mounira Al Solh, Richard Artschwager, John Baldessari, Michael Bauch, Marcel Broodthaers, Natalie Czech, Ayşe Erkmen, Friederike Feldmann, Mekhitar Garabedian, Petrit Halilaj, Camille Henrot, Katie Holten, Bethan Huws, Janice Kerbel, Karl Larsson , Rivane Neuenschwander, Paulina Olowska, Martha Rosler, Michael Sailstorfer, Harald Stoffers, Ignacio Uriarte, Philippe Vandenberg

La explicación de Uriarte de su trabajo al principio un poco irritante es inteligente, hilarante y un poco sentimental al mismo tiempo. Estando, como él dice "traumatizado" por su trabajo de oficina durante nueve años, su arte gira en torno a los temas derivados del trabajo y las actividades en las oficinas.

Aquí Ignacio Uriarte se ocupa del orden de las letras en un teclado que inicialmente se pusieron en ese orden para evitar que los tipos se enredaran al escribir. Por lo tanto, hoy día que todos estamos tecleando en ordenadores o teléfonos inteligentes, este orden ha perdido su significado y necesidad, sin embargo nunca se ha cambiado.

El orden en su obra es la fila media de un teclado (agregando el Ö en el teclado alemán). La persona que lee estas diez letras más de treinta minutos es la artista underground alemána, Blixa Bargeld, cantante de la banda de los 80 "Einstürzende Neubauten", una banda que utiliza maquinaria pesada como martillos perforadores y martillos neumáticos, de ahí la connotación con el ambiente de trabajo. (Hamburger Kunsthalle press-release)

Hamburger Kunsthalle. Glockengießerwall 5- 20095 Hamburg

http://www.hamburger-kunsthalle.de  http://ignaciouriarte.com

Imagen: Igancio Uriarte: ASDFGHJKLÖ

 

LONDRES. “Picasso: Minotauros y Toreros” Gagosian Gallery

hasta el 25 de agosto de 2017

Picasso: Minotauros y Toreros, comisariada por Sir John Richardson examina la intersección de las imágenes sobre tauromaquia de Picasso con sus composiciones mitológicas y biográficas de los años treinta. Incluyendo obras que datan de 1889 a 1971, esta largo periodo traza el compromiso de Picasso con los antiguos rituales y narraciones de su Mediterráneo natal.

Picasso, aunque es uno de los modernistas más innovadores de la historia, se basó en las tradiciones de su patrimonio español. Nacido en el puerto meridional de Málaga en 1881, fue aficionado a lo largo de toda la vida al drama de las corridas: matadores, picadores, caballos y toros fueron temas recurrentes a lo largo de su obra, desde sus primeros dibujos infantiles hasta algunas de sus últimas pinturas

“Picasso: Minotauros y Toreros "se presenta en una innovadora instalación diseñada por la firma de arquitectura ganadora del premio Stirling, Caruso St. John, y está acompañada de un catálogo completamente ilustrado con ensayos de Richardson, y destacados estudiosos de Picasso: Michael FitzGerald y Gertje Utley, así como historiador del arte y arqueología griega Clemente Marconi- (Gagosian press-release)

Gagosian Gallery. 20 Grosvenor Hill. London, W1K 3QD United Kingdom 

http://www.gagosian.com

Imagen: Picasso wearing a bull’s head intended for bullfighter’s training, La Californie, Cannes, 1959. Photo by Edward Quinn © edwardquinn.com

HAMBURGO. Marta Jansana y Frauke Kohlmorgen “Diálogo con la materia” Instituto Cervantes

4 julio – 01 septiembre, 2017

El Instituto Cervantes de Hamburgo se complace en presentar la exposición de pintura de las artistas Marta Jansana y Frauke Kohlmorgen. Ambas han realizado sus obras pictóricas a cuatro manos. Entienden el proceso creativo no solo como un intercambio de ideas sino como la realización compartida de sus pinturas. Siempre han pintado al unísono, utilizando la misma tela y elaborando entre las dos, un mismo cuadro. Su trabajo es el resultado de una reflexión e inspiración conjunta. Sus obras son abstractas, expresivas y poéticas. Marta Jansana y Frauke Kohlmorgen dialogarán con Isabel Navarro sobre el proceso de creación y sus concepciones artísticas. 

Instituto Cervantes Fischertwiete 1, Chilehaus, Eingang B 20095 Hamburg (ALEMANIA)

http://hamburgo.cervantes.es

Imagen: Marta Jansana y Frauke Kohlmorgen “Diálogo con la materia” 

MADRID. Manuel Antonio Domínguez“LA RELACIÓN ESTABLE” Museo ABC

20 junio – 24 septiembre, 2017

El trabajo del artista Manuel Antonio Domínguez (Villablanca, Huelva, 1976) se inscribe en la línea denominada «discurso de género», interesada en analizar las cuestiones que afectan a la comprensión, construcción y valoración colectiva de los roles del hombre. La relación estable a la que alude el título de la muestra es la que afecta a la idea preconcebida que tenemos de las cosas y que aquí se tambalea. ¿Los hombres son lo que aparentan?, ¿actúan como tales? Las imágenes estereotipadas de la masculinidad y de la feminidad en manos de nuestro artista revelan facetas inesperadas.

Para su proyecto, el artista ha elegido de la Fundación Banco Santander, en un irónico acto de restitución de sus características figuras guillotinadas (el artista firmaba hasta hace poco con el seudónimo «El Hombre Sin Cabeza»), una deliciosa pareja de bustos de la Manufactura de Alcora (fechada en torno a 1750) de aire rococó. Del Museo ABC ha optado por dos portadas de la revista Blanco y Negro, firmadas por Hipólito Hidalgo de Caviedes y Abelardo Parrilla Candela en los años treinta, en una el hombre y en otra la mujer como protagonistas absolutos. (Museo ABC press-release)

MUSEO ABC. Amaniel 29-31. 28015 Madrid

http://museo.abc.es  http://manuelantoniodominguez.com

Imagen: La Relación Estable. Manuel Antonio Domínguez

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