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Foto: B. Mora

LONDRES. “Carles Taché: Obras de 6 artistas Españoles” No 20 Centre for Contemporary Art

29 november – 23 december 2017

No 20 se enorgullece de acoger en asociación con la galería de Barcelona Carles Taché, una exposición de obras de seis artistas españoles: Miguel Ángel Campano, Santi Moix, Javier Perez, Vicky Uslé, Javier Arce y Guillermo Pfaff

Miguel Ángel Campano (Madrid, 1948) es una de las figuras más destacadas en el llamado revival de la pintura española de los años 80, junto a Ferrán García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia y Miquel Barceló. Su obra combina Expresionismo abstracto y avantgardes históricos, abstracción y figuración. Fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1996, y su retrospectiva en el Palacio Velázquez en 1999 lo confirmó como una de las figuras más importantes del arte contemporáneo español.
Santi Moix (Barcelona 1960) vive en una búsqueda constante que lo impulsa a trabajar con voracidad y creatividad. Su trabajo artístico, audaz y directo, funciona siempre como un campo de investigación, aprendizaje y resolución. Moix es un artista versátil que trabaja con escultura, pintura e ilustración. Su primera exposición individual se realizó en 1981 en Sant Cugat, Cataluña, y en 1986 se trasladó a Nueva York. En 2002 fue galardonado con la beca de la Fundación John Simon Guggenheim Memorial
El artistas multidisciplinario, Javier Pérez (Bilbao 1968) apareció en la escena artística durante los años 90. Sus piezas funcionan como lugares de conciliación en los que resuelve tensiones creadas por conceptos opuestos. La ambigüedad, la fragilidad y la inestabilidad son conceptos que han orientado su trabajo. Durante las últimas dos décadas, desarrolló una narrativa muy personal e íntima que ha convertido su trabajo en uno de los más interesantes en el panorama artístico actual. Pérez representó a España en la Bienal de Venecia en 2001 y tuvo una importante exposición individual en el Palacio de Cristal del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (2004-2005).
Vicky Uslé (Santander 1981) Moviéndose constantemente a través de los códigos de la pintura, Uslé investiga las posibilidades de la abstracción, su potencial poético y las interconexiones que establece. Su lenguaje es vívido, un lugar para experimentar. Sus trabajos mantienen una cierta tensión entre el organicismo y la geometría, la consistencia y la ligereza. La superposición de pinceladas, formas, colores y perspectivas crea una red infinita de relaciones. Vicky Uslé vive y trabaja entre Cantabria y Nueva York. Ha expuesto individualmente en diversas ciudades de Europa y Estados Unidos y su trabajo se une a colecciones como Simon de Pury y el Museo de Bellas Artes de Santander. Fue galardonada con el V Premio de Bellas Artes del Gobierno de Cantabria.

Javier Arce (Santander 1973) Graduado en Técnicas de Estampación en la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo y Licenciado con Honores en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco. Recibió su maestría en Escultura de la escuela de Bellas Artes de Wimbledon, Londres. En 2008 le fue concedida una beca por el International Studio y Programa Curatorial (ISCP) en Nueva York, EEUU, y por la Fundación de Arte y Derecho. En 2007 recibió la Mención de Honor de Generación 2007 en Madrid, habiendo recibido el año anterior un Premio de la Fundación Marcelino Botín de Artes Plásticas. Entre sus últimas exposiciones individuales destacan Primera exposición prestada. El museo bastardo, en el CAB, Burgos; This could be a show of historical importance, en el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, así como sus intervenciones en el Espai 13 de la Fundación Miró, en Barcelona, y en el Espai Quatre, del Casal Solleric, en Mallorca.

Guillermo Pfaff (Barcelona 1976) Profundamente involucrado en la reflexión sobre el medio en sí, explora con su pintura cuestiones relacionadas con el objeto pictórico como su capacidad narrativa, el uso social y los procesos de aprendizaje. Estos controles continuos lo ubican en una posición que varía continuamente entre el reclamo y el cuestionamiento del propio lenguaje pictórico. Habiendo vivido en París, Berlín y Madrid, Pfaff ahora vive y trabaja en Barcelona, ​​donde tiene su estudio. En 2009 obtuvo una beca de residencia en Hangar (Barcelona) y en 2011 fue seleccionado para una estancia en el centro Shin Minatomura de Japón participando en la Trienal de Yokohama. . (No 20 press-release)

No 20. 20 Cross Street. London. N1 2BG. UK

http://www.no20arts.com/      https://www.carlestache.com

Imagen Santi Moix

MADRID. Esther Ferrer “Todas las variaciones son válidas, incluida esta” Palacio de Velázquez

26 octubre 2017 – 25 febrero 2018

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos). 



En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.



A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisariado: Mar Villaespesa y Laurence Rassel. (MNCARS press-release)

Palacio de Velázquez. Parque del Retiro, Paseo Venezuela, 2, 28001 Madrid

http://www.museoreinasofia.es

http://estherferrer.fr/en

Imagen: Esther Ferrer, Biografía para una exposición, 1982. Collage. Fotografía y tinta sobre papel. 32,5 x 24 cm. Cortesía de la artista

ROMA. Juan Zamora “NOW (bajo el cielo de la boca)” Espacio AlbumArte

24  noviembre 2017 – 20 enero 2018

 

El artista español Juan Zamora (Madrid, 1982), residente en la Real Academia de España en Roma en 2016, ganador del prestigioso Premio Fundación Princesa de Girona de Artes y Letras en 2017 y artista en residencia en la Residency Unlimited (New York) en 2018, inaugura en colaboración con la Academia, su primera exposición individual en Italia, comisariada por Paola Ugolini, dentro del proyecto AlbumArte | Residences, en el que se exponen obras producidas exclusivamente durante residencias artísticas.

Parte central de la exposición, es una serie de trabajos desarrollados entre 2014 y 2016 durante una residencia artística en la Fundación Nirox en Johannesburgo (Sudáfrica), en lo que en 1999 fue declarado por la UNESCO como la ‘Cuna de la Humanidad'; un lugar donde se han encontrado algunos de los restos humanos más antiguos y donde nació la primera forma de lenguaje.

El proyecto NOW (bajo el cielo de la boca) reinterpreta de forma poética la aparición de las primeras formas de lenguaje del Homo Sapiens, raíz primordial de todos las lenguas contemporáneas, centrando su atención en el estudio de las lenguas Khoisan (que todavía se habla en algunas partes del sudoeste de África) y su nacimiento en relación con la imitación del sonido de la caída rítmica de las gotas de agua en las cuevas prehistóricas.

Después de su etapa en el Museo Nacional Centro de Investigación de Altamira (2016), mostrando una serie de dibujos, esculturas e instalaciones de vídeo, Juan Zamora crea un site-specific adaptado especialmente para los espacios AlbumArte, creando una relación mística entre el origen del lenguaje oral del hombre y el contexto natural en el que nació.

Juan Zamora desarrolla su investigación artística en constante diálogo entre la poesía visual y la investigación científica (desde la biología a la arqueología); el uso de materiales naturales afronta cuestiones complejas, íntimamente relacionadas con el origen y la esencia del hombre en relación con la naturaleza y sus transformaciones.

La exposición se ha realizado en colaboración con la Real Academia de España en Roma. El proyecto  NOW (bajo el cielo de la boca) ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Nirox en Johannesburgo, en colaboración con la Embajada de España en Pretoria. (rae press-release)

AlbumArte. Via Flaminia 122, 00196 Roma (RM)

http://juanzamora.com

http://www.accademiaspagna.org

http://www.albumarte.org

Imagen: CRADLE. Homo sapiens garden. Juan Zamora

NUEVA YORK. “Eugènia Balcells presenta cuatro proyectos en su estudio”

14 noviembre - 17 diciembre 2017

Residente en Nueva York durante más de 30 años, Eugènia Balcells es considerada una pionera de la creación audiovisual catalana. Del 14 de noviembre al 17 de diciembre, la artista abre las puertas de su estudio del barrio de Brooklyn para presentar tres trabajos multimedia -'Frequencies ',' Origin 'y' Alphabeth'- y un mural, 'Homage to the elementos' .

El proyecto artístico más reciente de Eugènia Balcells es FRECUENCIAS que gira entorno a la luz y el color como elementos que distinguen -permiten y delimitan al mismo tiempo- la percepción. La obra intenta crear imágenes, cercanas a las holográficas, en las que coexisten distintos planos para representar la realidad como un tejido de frecuencias. El carácter poético de la obra se sustenta en el punto de encuentro entre las ciencias y las artes, siempre tan frágil y tan potente

Eugènia Balcells, (Barcelona 1943) diplomada en Arquitectura Técnica y con un máster en Arte, comenzó la carrera artística en el ámbito del cine experimental. La luz siempre ha sido su principal interés y el instrumento para expresarse. En sus instalaciones también encontramos siempre referencias a la ciencia, el arte y la filosofía.

Eugenia Balcells Foundation. 78 Roebling St Apt 1b, Brooklyn, NY 11211-2110

http://araahoranow.blogspot.com.es

http://eugeniabalcells.com/

Imagen: 'Homage to the elementos' Eugenia Balcells

BRUSELAS. Almudena Lobera “What is Lost” Island Art Space

22 noviembre – 29 diciembre 2017

En años recientes, Almudena Lobera  se ha dedicado a mostrar modelos alternativos para la configuración de lo visible, profundizando en la noción de que la imagen no es siempre visible o accesible en la naturaleza. Explora la naturaleza de la imagen, sus variadas capas, la percepción de lo (no) representado, el cuestionamiento de la ‘obra de arte’ como dispositivo y la relación del trabajo con el espacio y con el espectador. Su obra busca conectar con el legado del pasado y la influencia de autores clásicos y renacentistas con un presente instantáneo y continuo que explora las cualidades efímera y virtual de nuestra era.

Almudena Lobera tiene un Grado en Bellas Artes y un Master en Artes, Creación e Investigación de la Universidad Complutense de Madrid. Estudió en Udk Berlin. Ha realizado residencias artísticas en UCL Slade, Londres (2010); FAAP São Paulo (2011); Casa de Velázquez-Academy of France in Madrid (2013); Foundation B.a.d. Roterdam (2013); Real Academia de España en Roma (2014-2015); Les Récollets, Paris (2015) y HISK, High Institute for Fine Arts en Gantes (2015-16).

Su obra se ha mostrado en el CCI Fabrika de Moscú (2015); Bronx Museum of the Arts, Nueva York (2014); Fabra i Coats, Barcelona (2012); Mole Vanvitelliana, Ancona, Italia (2012); Tabacalera, Madrid (2011); Museo ABC – ARCO Madrid (2013); entre otros.

Ha recibido diversos premios incluyendo: Generación 2012 de Caja Madrid; Circuitos 2011, Madrid; Premio Proyectos INJUVE 2011; Beca FIBArt 2011; Premio Del Piano al Cubo, CCE México; Beca para la Producción de Artes Visuales de la Comunidad de Madrid 2012; y el Premio ABC 2013.

Island. 69 rue Général Leman - 1040 Brussels

http://www.islandisland.be   http://www.almudenalobera.com/

Imagen: Almudena Lobera – There is nothing hidden that will not be revealed

SANTO DOMINGO. “Unfinished” Casas del siglo XVI y Centro Cultural de España

10 noviembre - 20 diciembre

Unfinished, fue presentada en el Pabellón de España y galardona con el León de Oro en la XV Bienal de Arquitectura de Venecia en 2016, uno de los premios más prestigiosos de arquitectura, merecido por mostrar una arquitectura combativa y resolutiva que contribuya a lograr solucionar los desafíos a los que se enfrenta el mundo actual.

La exposición busca contribuir a generar un espacio de reflexión arquitectónico, que permita aprender sobre cómo anticipar y abordar cuestiones similares en la República Dominicana a partir de la experiencia española, recapacitar sobre las consecuencias de un crecimiento económico acelerado y su impacto en el territorio, al igual plantearnos el concepto de sostenibilidad en la arquitectura actual.

La muestra original de UNFINISHED presentada en el pabellón de España en la XV Bienal de Venecia ha sido adaptada a República Dominicana. La exposición se nutrirá con imágenes impresas de la campaña de redes sociales y con las propuestas ganadoras del concurso de arquitectura Inacabados.

En el marco de dicha exposición, la Embajada de España junto a diez universidades dominicanas lanzaron el concurso Inacabados sobre propuestas de arquitectura inacabada en las categorías de rehabilitación de edificios, arquitectura bioclimática y fachadas inteligentes. También acaban de abrir un certamen de fotografías en torno a la muestra, así como conferencias dinámicas alrededor del concepto de “Arquitectura Sostenible”, pueden seguir el calendario en www.ccesd.org y en las redes sociales del CCESD.

La exposición Unfinished estará abierta al público en las instalaciones de Casas del XVI, ubicada en la calle Arzobispo Nouel 3, y en el Centro Cultural de España en Santo Domingo ambas en la Zona Colonial de Santo Domingo. Unfinished, ha sido organizada conjuntamente por Acción Cultural Española (AC/E), la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y el Ministerio de Fomento español.

Centro Cultural de España en Santo Domingo calleArzobispo Meriño #2, Ciudad Colonial,
Santo Domingo, República Dominicana.

www.unfinished.es    https://ccesd.org

Imagen: Pabellón de España. Bienal de Arquitectura. Venecia 2016

LISBOA. “A show to more voices" Plataforma Revolver

16 noviembre 2017 – 20 enero 2018

Compuesta de dos planteamientos paralelos, el proyecto expositivo y discursivo "A show to more voices" despliega singularidades curatoriales y artísticas que exploran técnicas somáticas y subjetivas desclasificadas de algunas prácticas artísticas (DO. The method JC, JME, LSR), y la idea de agotamiento como desasosiego y motor (Whenever you don’t feel like, keep going).

"DO. The method JC, JME, LSR" muestra la visión del artista y su problemática relación con la técnica y la estética, señalando el estrecho vínculo y la negociación que existe entre metodología, económica significativa y pensamiento. "Whenever you don’t feel like, keep going" empuja literalmente los límites de lo soportable?, lo deseable?, lo necesario?, y observa lo que tales términos pueden entrañar en la sociedad contemporánea en a través de la praxis artística y sin afán maniqueísta.

Ambos ensayos se funden conceptual, discursiva y espacialmente en Una exposición a más voces, un ejercicio coral que se adentra en problemáticas relacionadas con las ciencias sociales y las políticas de los afectos y que convoca artistas que atraviesan diferentes campos y posturas de trabajo a este respecto.

Artistas: Jon Mikel Euba, Beatriz Olabarrieta, June Crespo, Leonor Serrano, Elena Alonso, Fran Meana, Daniel Steegmann, Mangrané, Belén Zahera, Cristina Garrido, Juan López, Anna Dot, Irma Álvarez-Laviada (Uma exposição a duas vozes). Ibon Aranberri, Elena Bajo, Cabello/Carceller, Albert Corbí, Dora García, Daniel Jacoby, Álvaro Urbano y Pablo Valbuena. Comisariado de Veronica Valentini (DO. The method JC, JME, LSR) y Andrea Rodriguez Novoa (Whenever you don’t feel like, keep going) (Plataforma Revolver press-release)

Plataforma Revólver, Transboavista Art Edificio, Rua da Boavista 84, Lisboa

http://www.artecapital.net/plataforma.php

http://mostraespanha.com/

Imagen: “A show to more voices" Mostra Espanha

LONDRES. “César Dezfuli gana el premio The Taylor Wessing Photographic Portrait 2017” National Portrait Gallery

 6 noviembre 2017 - 8 febrero 2018

La imagen ganadora del Taylor Wessing Photographic Portrait Prize es un retrato sorprendente de Amadou Sumaila, de 16 años, del fotógrafo español César Dezfuli, Amadou acaba de ser rescatado del mar frente a la costa libia por un barco europeo, aparentemente cumpliendo su sueño de comenzar una nueva vida. Se enfrenta a la cámara con una mirada inquebrantable que no puede ocultar su trauma y su conflictiva mezcla de emociones. Los jueces elogiaron el retrato por la inquietante franqueza de la mirada de Sumaila y por la forma en que "transmite con fuerza su pérdida, soledad y determinación".

El prestigioso premio Taylor Wessing Photographic Portrait es el principal concurso internacional de retratos fotográficos, que celebra y promociona lo mejor de la fotografía del retrato contemporáneo.
Las imágenes seleccionadas, muchas de las cuales se exhibirán por primera vez, exploran los enfoques tradicionales y contemporáneos del retrato fotográfico y capturan una variedad de personajes, estados de ánimo y ubicaciones. La exposición de cincuenta y nueve obras presenta a todos los prestigiosos ganadores, incluido el ganador del primer premio de £ 15,000, César Dezfuli
César Dezfuli(Madrid1991), nací en un contexto de mezcla cultural de mis orígenes hispano-persas, pronto despertó mi interés por conocer las diferentes realidades sociales y culturales. Esto supuso que durante mi formación en la Universidad Rey Juan Carlos, donde estudié un Doble Grado en Periodismo y Estudios de Medios, decidí especializarme en el ámbito internacional, con dos intercambios de estudios en Polonia y Argentina.
Después de pasar por las salas de redacción del diario 20 minutos y El Periódico de Catalunya, mi trabajo como periodista se ha centrado en informes documentales e investigativos, principalmente sobre cuestiones humanitarias, pero también sobre política internacional e investigación antropológica. Combino el trabajo como periodista escrito con informes fotográficos. Me especialicé en la práctica del fotoperiodismo, en la Universitat Autònoma de Barcelona. Mi trabajo ha sido publicado en medios como Al Jazeera, The Guardian, The Atlantic, De Groene Amsterdammer, El Mundo, El País, Eldiario.es, El Periódico, 20 Minutos, BBC, Deutsche Welle TV, The World PIR, Antena 3, TVE, La Sexta o Cadena SER.

National Portrait Gallery. St Martin’s Place. London. WC2

https://www.npg.org.ukhttp://www.cesardezfuli.com

Imagen: The Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2017 imagen ganadora. César Dezfuli

BARCELONA. “MATERIA PRIMA” Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany

8 noviembre 2017 – 1 abril 2018

MATERIA PRIMA es una propuesta expositiva que parte de una voluntad de prospección general del actual ecosistema local de artistas visuales a fin de determinar un mapa posible de algunos de los proyectos y obras más significativos producidos en nuestro entorno en los últimos años. En este sentido, la exposición, como fruto de una labor de prospección, apunta a una suerte de ejercicio de minería de la MATERIA PRIMA con la cual operan principalmente las estructuras, públicas y privadas, de investigación, producción, exhibición y mediación de arte contemporáneo local en nuestro país.

Al igual que otro tipo de minería, la de datos, MATERIA PRIMA aspira a activar, desde la gestión de la información derivada de esta prospección y de sus resultados, un proceso de generación de patrones de aproximación y de lectura del valor simbólico y de las circunstancias materiales presentes en nuestro ecosistema artístico.

En el marco de las premisas de esta prospección, en MATERIA PRIMA el corte de observación del ecosistema local de artes visuales se ha centrado en aquellos y aquellas artistas que, habiendo dejado ya –a menudo muy atrás– una primera fase emergente de su trayectoria, se encuentran hoy en curso de consolidación de sus carreras artísticas–un curso permanentemente inestable y temporalmente indefinido en la mayor parte de los casos–. Artistas y trayectorias que algunas voces, rehuyendo toda adscripción generacional, definen como de tramo medio, a medio camino entre la emergencia local y la consagración internacional.

Artistas y trayectorias de tramo medio que constituyen la MATERIA PRIMA de nuestro ecosistema local de artes visuales, razón por la cual un equipamiento expositivo como el de Fabra i Coats en Sant Andreu –llamado a erigirse en el centro de arte contemporáneo al que aspira esta ciudad–debe realizar una prospección sistemática para sacarlos a la luz y visibilizarlos. Comité curatorial: David Armengol, David G. Torres i Martí Peran

Artistas participantes:Antoni Hervàs, Antonio Ortega, Avelino Sala, Dani Montlleó, Daniela Ortiz, David Bestué, Domènec, Enric Farrés Duran, Erick Beltrán, Ester Partegàs, Jaume Pitarch, Javier Peñafiel, Joan Morey, Joana Cera, Jordi Mitjà, Lúa Coderch, Luis Guerra, Luís Bisbe, Luz Broto, Martí Anson, Mireia Sallarès, Núria Güell, Oriol Vilanova, Patricia Dauder, Pere Llobera, Rafel G. Bianchi, Regina Giménez, Tere Recarens, Xavier Arenós y Yamandú Canosa. (Fabra i Coats press-release)

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany. c/ Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany.

http://ajuntament.barcelona.cat/centredart/es/

Imagen: MATERIA PRIMA. Pere Llobera

BERLIN. PSJM y Avelino Sala “Sueños y realidades" WHITECONCEPTS Gallery

09 – 27 noviembre 2017

PSJM,al igual que Avelino Sala, son políticamente activos e interesados ​​en temas contemporáneos. La exposición "Sueños y realidades" es un conglomerado de aspectos únicos, reflexivos y críticos en sus obras.
Las obras de PSJM están pensadas para pensar en el futuro, después de un levantamiento global, cuando ya hubiéramos vivido en la utopía, y podríamos habernos abandonado a la creación pura de bellas formas.
Avelino Sala examina el poder del arte como un espacio experimental. Sus imágenes aparecen como alegorías o metonimias que ejemplifican la soledad del individuo, las debilidades que surgen en la propia personalidad y, mientras están sujetas a la esencia de la historia del discurso global, fluyen en los intersticios y preguntas sobre la identidad y el recuerdo.
PSJM, es el colectivo compuesto desde 2003 por el dúo de artistas Pablo San José y Cynthia Viera. Sus obras han sido ampliamente exhibidas, por ej. en PS1- MOMA, Nueva York, Galería Blanca Soto, Madrid, Galería Riflemaker, Londres, Galería Baró Cruz, Sao Paulo, WIP: sthlm, Estocolmo. Recientemente, fueron incluidos en la publicación "Younger than Jesus". El manual esencial sobre el futuro del arte "del New Museum of New York, publicado por Phaidon.
Avelino Sala  completó sus estudios en Gran Bretaña. Sus obras han sido expuestas en numerosas exposiciones grupales e individuales en prestigiosos salones y galerías de España, Francia, Italia, Rusia, Inglaterra, Europa del Este, Hong Kong, Estados Unidos y Cuba. (Whiteconcepts press-release)

WHITECONCEPTS gallery. Augustrasse 35. 10119  Berlin

www.whiteconcepts-gallery.com

http://www.psjm.eshttp://avelinosala.es

Imagen: PSJM. Shapes for a perfect world 2017

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