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Foto: B. Mora

BRAGA. “Cara a Cara: El retrato en la Colección Foto Colectania” Museu da Imagen

15 diciembre 2017 – 30 enero 2018

"Cara a cara" muestra la fuerza del retrato en la fotografía a través de una selección de más de cien obras de 48 fotógrafos de la colección de la Fundación Foto Colectania, algunas de las que se presentan por primera vez al público. La diversidad de esta selección nace de sumar al retrato de estudio, la aproximación más común sobre este género, la instantánea de la fotografía de calle. Una licencia que permite descubrir trabajos que se acercan a la temática desde ópticas tan diferentes, y a veces tan opuestas, como la racionalidad, el control, la complicidad, la espontaneidad o el azar. El retrato está contemplado a veces como un enfrentamiento en el que el fotógrafo debe vencer, como es el caso de Humberto Rivas; otras veces como un proceso de seducción, como en las fotografías de Leopoldo Pomés; o una experiencia tan intensa como entrar en trance. Este último es el caso de Alberto García-Alix que en palabras propias describe: "A mí, las fotos que realmente me gustan son las que hago cuando estoy en trance. Si no he vivido ese trance, si la sesión ha sido anodina, las fotos podrán resultar buenas, pero no tendré la sensación de haberlas hecho."

El retrato es uno de los géneros más atractivos del medio porque remite a algo muy próximo: nosotros mismos y los otros. La tendencia de los fotógrafos a prestar atención a los detalles les convierte en diestros analistas de las miradas y de los gestos; ellos saben captar como nadie la manera de posicionarnos, la gestualidad corporal que nos identifica y nos delata. Por todo ello, las obras de esta exposición se agrupan alrededor de dos elementos que concentran la atención de los fotógrafos cuando se enfrentan al cara a cara con el retratado: la mirada y el cuerpo. El espectador vivirá la experiencia de verse envuelto y rodeado de una infinidad de miradas: directas, provocadoras, esquivas, cruzadas, miradas que se esconden. Junto con ellas, los autorretratos: la mirada del fotógrafo sobre sí mismo. Seguidamente, el espectador se encontrará con una serie de fotografías caracterizadas por la expresividad de los cuerpos, que también nos miran y que nos hablan con sus gestos.

La exposición "Cara a cara" no pretende ser un recorrido por el género del retrato en la fotografía, pero sí quiere mostrar ejemplos destacados de fotografía española y portuguesa desde los años cincuenta hasta la actualidad a través de la colección de la Fundación Foto Colectania. Autores participantes: Helena Almeida, Manel Armengol, Javier Campano, Vari Caramés, Josep Maria Casademont, Gérard Castello-Lopes, Juan Manuel Castro Prieto, Francesc Català-Roca, Toni Catany, Joan Colom, Gabriel Cualladó, Ricky Dávila, José Miguel de Miguel, Jordi Esteva, Manuel Ferrol, Eugeni Forcano, Albert Fortuny, Alberto García-Alix, Cristina García Rodero, Gloria Giménez, Paco Gómez, Inés Gonçalves, Fernando Gordillo, Jorge Guerra, Cristóbal Hara, Fernando Lemos, Ramón Masats, Oriol Maspons, Xavier Miserachs, Jorge Molder, Nicolás Muller, Isabel Muñoz, Francisco Ontañón, Carlos Pérez Siquier, Leopoldo Pomés, Jorge Ribalta, Xavier Ribas, Humberto Rivas, Pablo San Juan, Gervasio Sánchez, Rafael Sanz Lobato, Alberto Schommer, Antonio Martín Sena da Silva, Ricard Terré, Miguel Trillo, Javier Vallhonrat, Antoni Vidal y Virxilio Vieitez.(Fotocolectania press-release)

Museo de la Imagen. Campo das Hortas 35, 4700-421 Braga, Portugal

http://museudaimagem.blogspot.com.es

http://www.fotocolectania.org

Imagen: Miguel Trillo

OPORTO. Juan Manuel Castro Prieto “Extraños” Centro Português de Fotografía

15 diciembre 2017 – 4 marzo 2018

Extraños es un magnífico ejemplo de la coherencia que Castro Prieto ha desarrollado entre 1983 y 2003. Un periodo fundamental en el proceso de maduración de una obra poliédrica, que explora la memoria desde las huellas latentes que habitan sus espacios personales y familiares; el sexo y la muerte, coexiste en algunas de sus imágenes como una dualidad que evidencia un cierto fatalismo en su relación con la vida y , simultáneamente, una reivindicación lúdica de la existencia.

Economista de formación, su vinculación con la fotografía comienza en 1977 y, como la mayoría de los autores de su generación, lo hace de forma autodidacta. A comienzos de los años ochenta, ingresa en la Real Sociedad Fotográfica de Madrid donde conoce a Gerardo Vielba, Gabriel Cualladó, Paco Gómez y Juan Dolcet. En 1990 viajó a Cuzco, Perú, para hacer junto a Juan Manuel Díaz Burgos los positivos del maestro peruano Martín Chambi a partir de las placas de cristal originales.

La obra de Juan Manuel Castro Prieto obra ha sido objeto de numerosas exposiciones, tales como: Open Spain, Documentary Photography. Itinerante por Estados Unidos y España (1992); En Avión, Palais de Tokio, París (1992); Instituto Gaudi, Lima (1993); El Perú de Vargas Llosa, Alcalá de Henares e itinerante (1995); Visión Mediterránea, itinerante (1998); Perú, viaje al sol, Galería Vu, París, Sala Las Claras, Murcia e itinerancia por Francia, Italia y Bélgica (2001); Extraños, Canal de Isabel II, Madrid e itinerancia (2003); Unique, París (2004); Agua al desnudo, Fundación Canal, París (2004); Ten views. Contemporary Spanish Photography, Tokio (2005); Esperando al cargo, Sestao, Bilbao e itinerancia (2006); Museo de Orsay, Francia (2006); Espacios, Museo de Arte Contemporáneo de La Coruña (2007) Etiopia, Teatro Fernán Gómez de Madrid (2009); Paseo por el amor y la muerte, CentroCentro, Madrid (2011); Sete, Francia (2011); Perú, viaje al sol. Círculo del Arte, Barcelona (2011); Martín Chambi -Perú- CastroPrieto. CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente), Fuenlabrada, Madrid e itinerante (2012); Etiopía. Galeria VU, París. (2012), Chambi -Perú- Castro Prieto (2013) Itinerancia por España: Madrid, Zaragoza, Cádiz, Almería;  Los paisajes de Don Quijote, Teatro Liberté, Toulon, Francia (2013).

Extraños é um magnífico exemplo da coerência que Castro Prieto desenvolveu entre 1983 e 2003. Um período fundamental no processo de maturação de uma obra multifacetada, que explora a memória a partir das impressões latentes que habitam os seus espaços pessoais e familiares; o sexo e a morte coexistem em algumas das suas imagens como uma dualidade que evidencia um certo fatalismo na sua relação com a vida e, em simultâneo, uma reivindicação lúdica da existência.

Premiado, entre outros, com os prémios César Vallejo (Perú, 2001), Bartolomé Ros (PHE, 2002) de Fotografia da Comunidade de Madrid (2003) e Nacional de Fotografia (Governo de Espanha, 2015) Juan Manuel Castro Prieto é um dos fotógrafos espanhóis de maior prestígio internacional.

Centro Português de Fotografía. Antiga Cadeia e tribunal da Relação do Porto, Largo Amor de Perdição, s/N, 4050-008 Porto

http://www.cpf.pt

https://www.castroprieto.com

Imagen: Juan Manuel Castro Prieto

FRANKFORT. Carlos Aires “ON DESIRE” B3 Biennial of the Moving Image

29 noviembre – 20 diciembre 2017

Este año, el tema de la B3 Biennale 2017 es "ON DESIRE". Con la ayuda de imágenes en movimiento, nuestro objetivo es hacer posible el deseo y la aspiración a través de todo el espectro del arte, los medios, la ciencia y la tecnología. Para este propósito, hemos invitado a artistas internacionales a presentar sus trabajos actuales y compartir sus ideas en la exposición principal de B3.

Deseo / Aspiración designa fenómenos inscritos en una ambivalencia productiva. Asocian elementos básicos de la coexistencia humana, al mismo tiempo que se refieren a procesos e instituciones sociales complejos. Con los medios digitales e Internet, experimentamos un tejido de deseo que propone nuevas relaciones con la propiedad, el cuerpo social, la sexualidad y las cuestiones de género, y con la producción, percepción y apropiación de imágenes en movimiento, la música y arte.

El B3 responde a estas nuevas condiciones con una amplia gama de trabajos artísticos internacionales que utilizan la imagen en movimiento. Dentro de su semántica estética, estas posiciones artísticas bien articuladas responden a la ubicuidad del deseo / aspiración y temas relacionados como el amor, el sexo, la libertad, la religión, las obsesiones, la individualidad, el poder y la codicia.

En la actualidad, el debate político se ve eclipsado por cuestiones como la patria, la fuga y el desplazamiento, lo que también ha influido fuertemente en el comportamiento electoral actual en Europa. El B3 también le ha dado a algunos artistas internacionales la oportunidad de discutir sus contribuciones personales a la causa y efecto de este problema mundial.

Hemos pedido a los coleccionistas Carol Weinbaum de Canadá, Baryn Futa, Tony Podesta y Manuel de Santaren de EE. UU., Y Mario von Kelterborn de Frankfurt que nos proporcionen trabajos que podamos utilizar para demostrar que siempre ha habido personas que, con diferentes preferencias personales, al mismo tiempo que demuestran ser socialmente responsables al no comprar arte a partir de intereses especulativos. Estos trabajos seleccionados también reflejan los principios rectores de la exposición  "ON DESIRE" de la Bienal B3.

Carlos Aires (1974, Ronda España), obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Granada, completó sus estudios en Fontys Academy Tilburg, HISK Antwerp y la Universidad Estatal de Ohio. Su trabajo se puede encontrar en colecciones públicas. incluyen: ARTIUM, España, MACBA, España, Fondation Francès, Francia, ARTER, Turquía, Maison Particulière, Bélgica, Museum Biedermann, Alemania, 21c Museum USA, MAK, Austria, Frans Masereel Centrum, Bélgica.

Artists: Carlos Aires (ES): Sweet Dreams (are made of this), 2016. Shirin Anlen (ISR): Tzina, 2016. Janet Biggs (USA): Afar, 2016. Candice Breitz (SA): TLDR, 2017. Persien Broersen und Margit Lukács (NL): Double Mirror, 2017
Martha Colburn (NL): Metamorfoza, 2013
(B3 press-release)

B3 Biennial of the Moving Image Junghofstr. 5-9, Frankfurt

http://www.b3biennale.de

Imagen: Carlos Aires. “Sweet Dreams are made of this” 2016).Video, 4:21´

MADRID. “Tentativas para agotar un espacio” La Principal.Tabacalera

1 diciembre 2017 – 4 febrero 2018

Tentativas para agotar un espacio  es un proyecto de investigación colectiva que busca el diálogo con el espacio y la historia de Tabacalera a través de diferentes estrategias artísticas. 

Impulsada por el grupo REAR, esta serie de tentativas desplegadas en Tabacalera busca agotar su realidad inmediata para hacer presente el espacio-tiempo plural que resguarda y convoca su arquitectura, el movimiento que sobrevive en su aparente silencio en el día a día de la ciudad.

El eje principal de la muestra lo forma una serie de piezas realizadas específicamente para Tabacalera, diferentes aproximaciones y lenguajes artísticos que componen un ejercicio de escucha espacial múltiple y atenta. Sébastien Remy establece un puente físico y temporal con la memoria de la fábrica y sus trabajadores generando un nuevo espacio de representación que, como un extraño espejo, convoca la multitud de sus ecos alrededor del visitante. Con una minuciosidad pareja, Irma Álvarez-Laviada se apropia de las técnicas y discursos de la restauración para intervenir los muros originales del edificio e inquietar nuestra confortable relación con lo visible y lo invisible. Rodríguez–Méndez se apropia del espacio de Tabacalera estableciendo una conexión con su propio taller para adentrarse en la superficie de los materiales que allí encuentra con una geometría operativa alejada de la abstracción como única arma. FOD se encarga de agitar la percepción espacial del visitante desde el mismo hall de entrada de la exposición, donde, mediante un dibujo escultórico, produce un doble invertido de la cúpula que cubre este paso. En un diálogo crítico con las pinturas de inspiración colonial presentes en el Palacio de Schönbrunn de Viena, Belén Rodríguez viste las formas arquitectónicas de Tabacalera con un mural pictórico expresión de la tensión nunca resuelta del espacio en blanco. Patricia Esquivias traslada una serie de relieves de mujeres de la burguesía madrileña al espacio de Tabacalera, poniendo de manifiesto la falta de representación de las trabajadoras que ocuparon anteriormente el espacio. Miguel Ángel Delgado, en su ejercicio de expansión del espacio expositivo mediante la apertura de puertas espacio temporales hacia las partes del edificio inaccesibles para el visitante, hace aparecer una Tabacalera de límites imposibles y dimensiones inconmensurables. Por último, Nicolás Combarro convoca nuevos equilibrios y relaciones espaciales capaces de trastornar el orden y estabilidad de su arquitectura a través de una serie de intervenciones en las plantas superiores del edificio que traslada a la muestra a través de piezas fotográficas.

A las intervenciones de los artistas se suman, desde la palabra, otros ejercicios de agotamiento espacial: en el diálogo entablado con los autores por parte de Lucía Jalón y volcado en un mapa del espacio conjurado por sus tentativas, en las veintinueve notas y un poema ofrecidas por Alberto Ruiz de Samaniego y en la invitación de Érika Goyarrola a mirar la grieta abierta por las estrategias de exploración espacial empleadas por el arte del último siglo. La exposición se completa con una serie de encuentros y conferencias vinculadas con las intervenciones, un programa de actividades paralelas realizadas por el equipo educativo de Tabacalera y una programación específica de cine experimental coordinada por Luis E. Parés.

Artistas | Belén Rodríguez | FOD | Irma Álvarez-Laviada | Miguel Ángel Delgado | Nicolás Combarro | Patricia Esquivias | Rodríguez-Méndez | Sébastien Rémy (Promoción del arte press-release)

Tabacalera. La Principal. Embajadores 51. Madrid

https://www.promociondelarte.com/tabacalera

Imagen: “Mural” Belén Rodriguez

BERLIN. Teresa Esteban “El Cielo sobre Berlín” IG Metall Haus

5 diciembre 2017 – 5 enero 2018

La exposición de esculturas, collages y dibujos de la artista española Teresa Esteban, “El cielo sobre Berlín”, se presenta dentro de la programación de la Semana de Arquitectura Madrid-Berlin, organizada por la Cámara de Arquitectos de Berlín.

Aunque la exposición de Teresa Esteban lleva como título el mismo de la célebre película de Wim Wenders, Der Himmel über Berlin, su objeto no es en realidad los cielos berlineses, sino más bien los patios interiores de los edificios privados de Berlín, los que se han convertido en el motivo de su atención. Es cierto que los patios berlineses se abren hacia el cielo, y celebran por ello esta doble presencia de lo terrenal y lo celestial. Pero son además espacios de reunión y de convivencia. Al respecto ha escrito la propia escultora: «Uno de los muchos lugares que me fascinan en Berlín son sus patios. No tan habituales en otras ciudades, al menos no con tanta profusión y variedad como en Berlín, no fascinan necesariamente por su estética (aunque también), sino más por la vida interior que tienen y por su poder comunicativo entre los vecinos». La exposición se compone fundamentalmente de esculturas, collages y dibujos, en los que la artista muestra su fascinación por los patios berlineses.

Teresa Esteban(Madrid 1960) es doctora en Bellas Artes, en la especialidad de escultura, por la Universidad Complutense de Madrid y ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Madrid, Cáceres, Toledo, París, Rabat, Casablanca, Teherán y Riad.

IG Metall-Haus / Alte Jakobstr. 149 / Berlin, Alemania

http://www.teresaescultora.com

Imagen: Teresa Esteban

MUNICH. “Juan Zurita / Akihito Takuma” Galerie Benjamin ECKII

17 noviembre 2017 – 6 enero 2018

"Mi trabajo se mueve dentro del marco de la sociedad contemporánea, el estilo de vida y la cultura de la imagen. La gran ciudad como paradigma de la sociedad occidental, como contenedor y como contexto de un mundo en constante cambio, que construye y deconstruye. Una sociedad de una gran "cultura visual" que está influenciada por un tráfico constante de "imágenes", que surgen de lo virtual, de lo digital y que modifican nuestra percepción de la realidad.

El título de mi proyecto es "Tráffic". Revisa el paisaje mientras lo usa como una metáfora social. Es una reflexión sobre la posición relevante de la imagen en la sociedad actual y la transformación que ha sufrido con la llegada del mundo digital. Son piezas hechas con un enfoque híbrido, que combina técnicas pictóricas tradicionales con las digitales en el boceto inicial, lo que finalmente da como resultado una obra pictórica. La base o el boceto de mi trabajo comienza con la búsqueda de imágenes en internet. En este caso, el repertorio de imágenes se selecciona de tráfico y cámaras de la calle. Creé nuevas imágenes a partir de la deconstrucción y la superposición de capas, dando otro valor a las imágenes con códigos de interpretación probados por las nuevas tecnologías. Estos bocetos digitales están libres en el lienzo, película y cinta. Me interesa la idea de una imagen encontrada, capa, superposición y percepción” Juan Zurita

"Hay belleza en espacios inmanejables. Mis obras están hechas con pintura al óleo sobre lienzo. Antes de que la pintura se haya secado, corro un cepillo de 2 m de ancho de arriba a abajo, terminando el trabajo de una sola vez. Con este método, es imposible corregir secciones individuales. Mis obras atesoran ese sentimiento momentáneo de tensión. Representan paisajes con ciudades u horizontes, cerezos japoneses de Yoshino u otras cosas más abstractas.

Recientemente, he llegado a sentir que hay belleza en espacios inmanejables. En este momento, no hay nada más que pueda reemplazar la emoción en que la imagen completa está envuelta, la enorme brocha la recorre y el instante en el que ya no es posible corregir” AkihitoTakuma  (Benjamín ECK press-release)

Galerie Benjamín ECKII.Zieblandstrabe 19. Munich

http://www.benjamin-eck.com

http://www.juanzurita.com

Imagen Juan Zurita “Traffic”

BARCELONA. Jordi Mitjà “Llegir amb les condicions idònies” Bombon Projects

12 diciembre 2017 – 2 febrero 2018

Llegir amb les condicions idònies reúne diferentes dibujos y esculturas hechas con tubo de hierro, alambre, monedas, papeles, tinta de imprenta y cartón, que Jordi Mitjà ha producido expresamente para esta exposición.

“Saber leer los materiales, inhabilitar sus usos, voltear sus lógicas. No descartar nada, saltar las convenciones e improvisar. Incorporar todo lo que nos vamos encontrando al mismo proceso y no obviar los accidentes”

Partiendo del descarte y la utilización de materiales muy sencillos, Jordi Mitjà presenta la cuarta exposición individual de este año, que sintetiza las pasadas y cierra el círculo que abrió a principios de Febrero con La escultura no és important en la Fundación Suñol de Barcelona donde el artista incorpora el oficio paterno de cerrajero para explorar diferentes derivas relacionadas con los materiales, las técnicas y la propia escultura.

De forma azarosa, el hierro previamente fundido y ardiente, es lanzado encima de los papeles que el artista dispone en el suelo del estudio. Este hierro ardiente genera quemaduras que en algunos casos se extienden a causa del viento, dibujando trazos y surcos, y nos hacen dudar de los límites del dibujo y de éste con la escultura.

La prensa que un día fabricó su padre, sirve ahora para doblar y aplastar tubos de hierro como si fueran de papel. Utilizar las herramientas de cerrajero, explorar el material, el proceso, su funcionamiento y librarse del relato, huir del sentido y disparar a las lógicas que éstos imponen es su modus operandi.

Jordi Mitjà parte de hechos intrascendentes, de accidentes estrechamente vinculados a su día a día, a su biografía, a su dislexia y la lucha constante para realizar las cosas de una forma diferente. Llegir amb les condicions idónies, tiene como detonante principal la comprensión y el impasse entre lo que hacemos y la recepción que conseguimos. La falta de sentido genera sentido? La dificultad del lenguaje crea lenguaje? Las preguntas siguen en pie.

Jordi Mitjà (1970, Figueres) ha realizado exposiciones individuales en diferentes instituciones como la Fundació Suñol (Barcelona, 2017), el Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona, 2016), la Fondazione Zimei (Pescara, 2015) o el Espai 13 Fundació Joan Miró (Barcelona, 2012). Su obra también se ha podido ver en diferentes exposiciones colectivas en La Panera (Lleida, 2017, 2011), MACBA (Barcelona, 2016), CA2M (Madrid, 2015, 2010) o en el Museo de Arte Moderno (Ciudad de Méjico, 2010).(Bombom Projects press-release)

Bombon projects, Trafalgar 45, 08010 Barcelona España

https://bombonprojects.com

http://www.jordimitja.com

Imagen: Jordi Mitjá

MEXICO. “Dionisio González“ Centro Cultural de España

5 diciembre 2017 – 11 febrero 2018

La fascinación por la arquitectura es una constante en la obra de Dio­nisio González. Sus fotografías nos muestran una arquitectura intervenida con un fin positivo, social, a veces alegórico. Todos son lugares en los que los conceptos de creación y destrucción, ruina y habitabilidad entablan un diálogo continuo. Sus investigaciones le han llevado a lugares remotos para mostrarnos cómo los difíciles hábitats creados por el hombre pudieran evolucionar (y mejorar) antes del caos final.

 En la serie fotográfica Dauphin Island, realizada por el artista e inspirada en la isla del mismo nombre, proyecta una arqui­tectura habitable que aspira a comprender el lugar que la genera para fusionarse con él. Auténticos fortines futuristas de metal y hormigón, inspirados por las tragedias y los desastres naturales ocurridos allí, en una pequeña barrera de arena de 16 km2 en la que apenas viven 1.200 personases y que se sitúa frente a la costa de Alabama, en el Golfo de México

La paradisíaca Bahía de Halong (Vietnam) donde la forma de vida se asienta sobre barcas flotantes, circunstancia que condiciona incluso los biorritmos de sus ocupantes, ha sido escenario de otra de las series de Dionisio González, titulada con el mismo nombre, Halong. Este hermoso ecosistema natural declarado Patrimonio de la Humanidad en 1994, ve actualmente amenazado su frágil equilibrio debido a las nuevas regulaciones de la industria pesquera, el cambio climático y sobre todo los grupos de turistas que acuden en masa a visitarlo, una coyuntura contradictoria que al mismo tiempo que se convierte en un acicate económico para la región, provoca una alteración irreversible que puede acarrear su desaparición

En la serie Inter-Acciones, el artista retrata recreaciones ficticias de construcciones injertadas al entorno que se nos presentan como imágenes en blanco y negro de misteriosas casas aisladas situadas en hábitats dispares. Cada una de estas edificaciones posee personalidad propia y establece una relación extraña con el medio que la acoge.

 El argumento principal gira en torno a la arquitectura y se sustenta en la profunda reflexión que plantea el autor sobre los modos de habitar contemporáneos, una investigación en torno a las formas de vivir en el siglo XXI y las relaciones que establece el hombre con el medio. Paradójicamente, estas moradas generadas a partir de imágenes tomadas in situ por el propio artista, marcan pautas para maximizar el espacio y los bienes disponibles, aunque sólo sea de un modo ficcional. No son simples fotografías retocadas, sino proyectos viables de residencia y alojamiento que examinan los recursos cercanos, escuchan el pálpito geográfico y resuelven las necesidades de sus moradores.

Hay una actitud, una intención por parte del artista de ofrecer respues­tas a los problemas del mundo, no limitándose a interpretarlos o sim­plemente a evidenciar su existencia. Esta actitud de Dionisio González lo sitúa en un plano que supera lo real y se sitúa en una posición más trascendental y, al tiempo, adopta un papel próximo al del urbanista, el ingeniero y el arquitecto: el de un creador que rediseña el orden esta­blecido cambiando el statu quo.

 Dionisio González (Gijón. Asturias. 1965) es un artista multidisciplinar y fotógrafo que vive y trabaja en Sevilla. En sus obras fotográficas encontramos una mezcla entre arquitectura, diseño y arte. Es doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla. Su formación se completa con cursos de fotografía, infografía, multimedia y cine en la Escola de Artes Avanzadas de Lisboa (Portugal), el College of Art de la Univeridad Heriot Watt de Edimburgo (Escocia) y el Camberwell College of Art de Londres (Inglaterra). Es Profesor Titular de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla.

Ha recibido en la última década importantes reconocimientos, destacando entre ellos el Mecenazgo de Arte de la Fundación Maria Cristina Masaveu Peterson (Asturias), el Premio Pilar Juncosa y Sotheby´s de la Fundació Pilar i Joan Miró (Mallorca) o en este mismo año el European Month of Fotography Arendt Award (Luxemburgo). Asimismo, su obra se ha incluido en destacadas publicaciones internacionales, la última un monográfico dedicado a fotógrafos que trabajan con la arquitectura Shooting Space: Architecture and Photography realizado por la editorial Phaidon (Austria).2014. Su obra se ha expuesto en infinidad de países por todo el mundo, con especial profusión en Estados Unidos, Francia, Alemania, Italia y Corea del Sur y en destacadas colecciones internacionales de arte contemporáneo (CCE press-release)

Centro Cultural de España en México Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97 Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

http://www.dionisiogonzalez.es

http://ccemx.org

Imagen: Dionisio González. “Halong Bay” 2008 - 2011

PARIS. “ Picasso 1947. Una gran donación al Museo Nacional de Arte Moderno ” Musée National Picasso

hasta el 27 enero 2018

El Museo Nacional Picasso-París presenta las diez obras maestras que Picasso ofreció al Museo Nacional de Arte Moderno en el Hotel Salé con motivo de su inauguración en 1947. Una oportunidad para celebrar dos momentos importantes en la historia de la colección de Arte Moderno del Museo Nacional, su inauguración en el Palais de Tokyo y su traslado al Centro Pompidou, redescubriendo obras maestras como Atelier de la Modiste (1926), La Muse (1935) o L'Aubade (1942). Este proyecto reúne a las dos instituciones asociadas para presentar no solo las obras de arte, sino también los archivos y los documentos que cuentan la historia de su creación, su adquisición y su primera exposición. La exposición también está sujeta a una publicación que muestra el estado de la investigación sobre este importante momento de la historia del arte y las colecciones nacionales. (Musée Picasso press-release)

Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris.

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: L’Aubade. Pablo Picasso, 4 Mai 1942. Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais.© Succession Picasso

BERLIN. Nieto Sobejano Arquitectos “TABULA” Aedes Architecture Forum

9 diciembre 2017 - 16 enero  2018

La exposición TABULA presenta una instalación visual-acústica del proyecto para el Centro Arvo Pärt creado por Nieto Sobejano Arquitectos en Estonia. El nuevo hogar del centro se encuentra actualmente en construcción y albergará el legado del compositor estonio Arvo Pärt. El complejo de edificios está situado en Laulasmaa, a 35 km de Tallin, en una península con un magnífico entorno natural en un bosque de pinos cerca del mar. El núcleo del Centro Arvo Pärt será el archivo, que reúna todo el patrimonio creativo del compositor, proporcionando un entorno de investigación y aprendizaje para la educación cultural. La exposición presenta una instalación visual-acústica que captura la atmósfera del Centro Arvo Pärt, mientras que los visitantes pueden escuchar la composición 'Tabula rasa' de Arvo Pärts.


El estonio Arvo Pärt es considerado como uno de los compositores vivos más importantes de la nueva música. Con el objetivo de crear oportunidades para preservar e investigar el patrimonio creativo del compositor en su tierra natal, y en el contexto del idioma estonio, Arvo Pärt y su familia fundaron el Centro Arvo Pärt en Laulasmaa en 2010

Con la estructura elegida de un patrón geométrico, originado en una forma pentagonal repetida, los arquitectos quieren mantenerse vivos e interpretar en términos arquitectónicos el legado creativo de Arvo Pärt significa encontrar un equilibrio entre la intimidad de sus composiciones musicales y la poderosa belleza del paisaje de Estonia Está previsto que el Centro Arvo Pärt esté abierto al público en el otoño de 2018, el año en que Estonia celebra su centésimo aniversario.
La instalación de la exposición transmitirá la atmósfera del Centro Arvo Pärt. Los elementos definitorios del edificio se mostrarán descansando en un plano figurado en el que la forma, el ritmo y la transparencia se convertirán en partes distintas de la presentación conceptual, a fin de proporcionar una visión en profundidad del proyecto. La música de Arvo Pärt rodeará a los visitantes mientras caminan entre las piezas exhibidas.

Nieto Sobejano Arquitectos, estudio de arquitectura fundado en 1985 por Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano y tienen oficinas en Madrid y Berlín.

 Enrique Sobejano ha trabajado como arquitecto desde que se graduó de la Universidad Politécnica de Madrid y la Escuela de Posgrado de Arquitectura y Planificación en la Universidad de Columbia en Nueva York en 1983. Es profesor en la Universidad de Künste Berlín (UdK), donde ostenta la presidencia de Principios de Diseño. Es miembro permanente de la Akademie der Künste Berlin (AdK).

Fuensanta Nietoha trabajado como arquitecta desde su graduación en la Universidad Politécnica de Madrid y la Escuela de Posgrado de Arquitectura y Planificación en la Universidad de Columbia en Nueva York en 1983. Es socia fundadora de Nieto Sobejano Arquitectos y profesora de la Universidad Europea de Madrid. Han recibido el Premio Nacional 2007 de Conservación y Restauración del Patrimonio Cultural y el Premio Nike 2010 otorgado por el Bund Deutscher Architekten (BDA), así como el Premio Aga Khan de Arquitectura (2010), el Premio Piranesi de Roma (2011). ), el Premio al Museo Europeo del Año (2012), el Premio Hannes Meyer (2012), la Beca Honoraria AIA (2015) y la Medalla Alvar Aalto en 2015. (Aedes press-release)

Aedes Architecture Forum . Christinenstr. 18-19. 10119 Berlin. Germany

 http://www.aedes-arc.de   http://www.nietosobejano.com

Imagen: “TABULA” Nieto Sobejano Arquitectos

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