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REGGIO EMILIA. Aleix Plademunt “Un Passaggio” Claustro de San Domenico

hasta el 9 de julio 2017

Un passaggio es un proyecto realizado entre el 24 de febrero y el 10 de marzo de este año entre las ciudades de Luzzara y Reggio Emilia, a raíz de una invitación del festival Fotografía Europea.
El proyecto parte de dos de los conceptos que son la base del festival de este año: la idea de las personas y el concepto de archivo.
Un Passaggio tiene como objetivo crear un inventario de una ciudad y su gente, considerando a la gente y la ciudad como una unión compleja de hogares. El resultado es un registro masivo y una clasificación de hogares por separado.

Este proyecto está estructurado en tres partes: las fotografías tomadas en Luzzara, un pueblo de la región de Emilia Romagna, en el que se realizó el ensayo Un Paese de Cesare Zavattini y Paul Strand entre 1953 y 1955. A continuación están las fotografías realizadas en la ciudad De Reggio Emilia, y las que se tomaron por el camino que desde Luzzara lleva a Reggio Emilia, siguiendo Google Maps, que al final es un archivo y catálogo al mismo tiempo.


Michael Wetzel escribió a Baudrillard: "El mundo se convierte en una razón de su propia reproducción fotográfica y fílmica, y las imágenes de alrededor del mundo substituyen su misma imagen. Podríamos decir: ser una imagen tiene prioridad ontológica sobre el acto de ser. Los nuevos medios y las nuevas tecnologías informáticas nos han arrojado a esa zona de indiferencia entre ser y apariencia, entre realidad e imagen. El mundo de los iconos absorbe la apariencia y disipa la realidad."

 

Este proyecto, ese paseo, esa experiencia, el acto de observar y disparar fotos, todo se convierte en reconocimiento e inventario personal del ser, volviendo a ver cosas y hogares. El libro Un Paese fue publicado en 1955; Un Passaggio toma la forma de una exposición y de un largo volumen de 1955 páginas.

 

Aleix Plademunt nació en Girona en 1980. En el año 2000 estudió ingeniería técnica en la UdG y en 2003 se licenció en fotografía en la UPC de Barcelona. Desde entonces ha trabajado incesantemente en proyectos fotográficos personales como Espacios Comunes (2005), Espectadores (2006), Nada (2007), DubaiLand (2008), Todos (2009), Movimientos de Suelo (2010), Casi Allí (2013) y Morishita (2017). En 2011, junto con los fotógrafos Roger Guaus y Juan Diego Valera, fundó un proyecto editorial llamado Ca l'Isidret Edicions para publicar su propio trabajo. Ha publicado tres libros: Movimientos de Suelo, Casi Allí (MACK y Ca l'isidret Edicions, 2013), Morishita (Ca l'Isidret Edicions, 2017). Desde 2003, ha participado en más de cuarenta exposiciones colectivas y veinte exposiciones individuales, entre ellas su exposición Almost There en la galería Le Bal (París) y la Galería IMA (Tokio) junto a Antonio Xoubanova, Óscar Monzón y Ricardo Cases.
 El proyecto de Aleix Plademunt forma parte de la exposición colectiva 2017. Altri paesi, comisariada por Diane Dufour, Elio Grazioli y Walter Guadagnini. Un proyecto de la Fondazione Palazzo Magnani y Comune di Reggio Emilia (Fotografía Europea press-release)

Chiostri di San Domenico. via Dante Alighieri, 11. 42121 Reggio Emilia

Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.   http://aleixplademunt.blogspot.com.es

Imagen: Aleix Plademunt

MÉXICO. Xavier Mascaró “Guardianes” Plaza Seminario, Museo del Templo Mayor, Centro Cultural de España en México

21 junio – 20 septiembre, 2017

Guardianes es un proyecto que muestra el trabajo de Xavier Mascaró en el Centro Histórico de la Ciudad de México. El Instituto Nacional de Antropología e Historia, el Gobierno de la Ciudad de México y la Embajada de España en México han sumado esfuerzos para articular un circuito formado por el Museo del Templo Mayor, la Plaza Seminario y el Centro Cultural de España en México, puntos de referencia del Centro Histórico que temporalmente albergan la obra de este destacado artista español.

La obra de Mascaró, en palabras del historiador de arte Reynier Valdés Piñeiro, restituye el valor del mito y la esencia supersticiosa del hombre antes de ser refinados por la cultura. En lugar de la concepción antropomórfica de los dioses, prefiere su existencia totémica originaria. En este sentido, la admiración de Mascaró por la fuerza y riqueza del arte prehispánico mexicano lo ha llevado, no solo a instalar su taller en México desde hace siete años, sino a realizar su obra con figuras inspiradas en chamanes, diosas de la fertilidad y seres mitológicos que son, al mismo tiempo, una respuesta a esos ecos lejanos y un homenaje a aquellos artistas anónimos que expresaron sentimientos universales. De esta forma nace el diálogo entre el gran legado del pasado prehispánico y la obra de este destacado escultor español. Este proyecto se enmarca en el programa de actividades con las que la Embajada de España en México conmemora los 40 años del restablecimiento de relaciones diplomáticas entre España y México.

Xavier Mascaró nació en Paris en 1965 y se trasladó con su familia a España poco después, en 1968. Comenzó a realizar sus primeras pinturas y trabajos en aguafuerte en 1979 y ya en la década de los 80 decidió estudiar la licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, graduándose en 1988 con una especialidad en pintura. En 1989 comenzó a realizar sus primeras obras en bronce y, desde entonces, se ha decantado por el campo de la escultura. A lo largo de su carrera ha expuesto sus obras en numerosas ciudades como París, Caracas, Viena, Montecarlo, Cartagena de Indias, Madrid o Nueva York y actualmente vive y trabaja entre Madrid y Ciudad de México (CCEMX press-release)

Plaza Seminario – Museo del Templo Mayor – Centro Cultural de España en México

http://ccemx.org  http://xaviermascaro.com

Imagen: “Guardianes” Xavier Mascaró

NUEVA YORK. Walter Martín y Paloma Muñoz “The New York Times” The Flag Art Foundation

01 junio – 11 agosto, 2017

La exposición utiliza al "The New York Times" como punto de partida y cuenta con más de 80 artistas y colectivos que utilizan el "papel impreso" para abordar y redefinir  temas que afectan a nuestra vida cotidiana.

La lectura de El New York Times está incrustada en las rutinas diarias de muchas personas. Esta crónica de los problemas geopolíticos y locales, las tragedias, las historias de interés humano y las tendencias culturales, sirven como fuente de inspiración y medio para que los artistas afirmen sus perspectivas sobre el estado del mundo.

A raíz de las elecciones presidenciales de 2016, donde los medios de comunicación se consideraban "el enemigo del pueblo", y el New York Times atacó y etiquetó directamente como "noticias falsas", FLAG comenzó a desarrollar una exposición examinando cómo artistas como Robert Gober, Ellsworth Kelly, Lorraine O'Grady, Fred Tomaselli, y otros, que han utilizado y se han inspirado en este periódico en sus obras. Para dar voz a una comunidad más grande, la fundación FLAG hizo una convocatoria abierta para presentaciones de obras de artistas que recibieron más de 400 propuestas de todo el mundo. 

Durante siglos, los artistas han intentado adaptar la escala de la realidad a confines más pequeños: lienzos enmarcados, estatuas cinceladas, retratos de marfil ... Walter Martin y Paloma Muñoz se han metido en su propio nicho. Conocidos como Martin & Muñoz, esculpen y organizan escenas tridimensionales en miniatura, escenas de pánico y cierto humor negro y las colocan dentro de globos de nieve. Llenos de agua y con un toque de alcohol que actúa como conservante, los orbes evocan al diminuto Damien Hirsts, aunque la condición humana, no un tiburón, se muestra inmóvil y torcida. 

The Flag Art Foundation 545 W 25th St, New York, NY 10001

http://flagartfoundation.org http://www.martin-munoz.com

Imagen: Walter Martin and Paloma Muñoz. Traveler 46 at Night, 2003, snowglobe

NUEVA YORK. Xavier Rodés “Metaphor” Hugo Galerie

24 junio – 16 julio, 2017

Las pinturas de Rodés capturan un momento muy específico en el tiempo, un tiempo de luz, mareas y cielo. Sus obras transmiten una inusual armonía entre la naturaleza, la arquitectura y la mano del artista. Con frecuencia representa muelles y puertos incorporados en los vastos océanos y mares; Sin embargo, sus composiciones tranquilas de las ciudades de América y Europa revelan un mundo donde las vigas artificiales se elevan casi orgánicamente del agua sin alterar la belleza del entorno natural. Ya sea pintando ciudades costeras soleadas, tranquilas escenas en la nieve o bodegones caprichosos, las obras de Rodés demuestran una habilidad innata para hacer sensible la luz, la precisión y la emoción.
Xavier Rodés, nacido en 1971, estudió arte en EINA en España, donde se especializó en Paisaje Industrial y Paisaje Urbano. Tras la primera exposición de Rodés en 1996, ha expuesto su obra en numerosas galerías de toda España. Ha participado en varias ferias internacionales, como las de Estrasburgo, Londres y Madrid. Sus pinturas se encuentran en numerosas colecciones públicas y privadas y en galerías de todo el mundo, incluyendo EE.UU., Francia, Suiza y Argentina. Hoy vive y trabaja en El Masnou, Barcelona.

HUGO GALERIE. 472 WEST BROADWAY, NEW YORK, NY. 10012

https://www.hugogalerie.com   http://xavierrodes.com

Imagen: Xavier Rodés

 

CÓRDOBA. AR. Chema Madoz “Ocurrencias y regalos (para la vista)” Centro Cultural de España

21 junio – 15 septiembre, 2017

El Centro Cultural España Córdoba junto con FoLa, Fototeca Latinoamericana, presentan el viernes 23 de junio por primera vez en Córdoba una amplia muestra dedicada a Chema Madoz, uno de los autores de la fotografía contemporánea más reconocidos internacionalmente (Premio Nacional de Fotografía- España).

Las obras de Madoz son consideradas poesía visual. Sus imágenes constituyen agudos poemas: el autor los encuentra escondidos en la realidad y los materializa a través de su cámara para ser luego leídos por los espectadores. Madoz muestra una constante inclinación hacia lo simbólico, con imágenes caracterizadas por un sutil juego de paradojas, alegorías, metáforas y metonimias que le llevan a crear un universo visual propio, imaginativo y reflexivo.

Las operaciones fotográficas de Madoz son sin duda precisas en su técnica y analíticas con respecto a  su contenido. En la configuración de mundos improbables, pero no imposibles, la tensión entre realidad y virtualidad que genera habilita el descubrimiento de nuevas historias de los objetos. El espectador de su obra es alejado del automatismo y situado en la paradoja de verse desconocedor del mundo que creía infalible. Con ello tiene la oportunidad de volver a mirar y volver a conocer aquello que creía familiar.

La obra de Madoz ha sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo; algunas de las más recientes son: “The Modern Surrealist” , Kahmann Gallery, (Amsterdam, 2017), “Photomanipulations”, Erarta Contemporary Museum (San Petersburgo, 2017), “The hidden face of things” Mari Mauroner Contemporary Art VIENNA Basement (Viena, 2014), “Ars Combinatoria” Fundación Catalunya-La Pedrera (Barcelona, 2013), Instituto Cervantes de Tokio (Tokio, 2009) y Netherland Photomuseum (Rotterdam, 2011). Galardonado en numerosas ocasiones, en el año 2000 recibió el Premio PHotoEspaña por su trayectoria fotográfica, el Premio Higasikawa en la sección Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival (Japón) y el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España. También ha sido Premio Bartolomé Ros en PHotoEspaña 2011. Su obra pertenece a las colecciones del MNCARS, el Ministerio de Cultura, la Fundación Telefónica, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, entre otros. (CCEC press-release)

Centro Cultural de España. Entre ríos 40, Ciudad de Córdoba. Córdoba, Argentina

http://ccec.org.ar

www.chemamadoz.com  http://fola.com.ar/wp

Imagen: Chema Madoz

MADRID. Isabel Muñoz “El Derecho a Amar” Centro Centro

23 junio – 01 octubre, 2017

Un proyecto fotográfico ideado y desarrollado por la fotógrafa Isabel Muñoz, comisariado por Christian Caujolle, realizado con ocasión del World Pride.

El derecho a amar exhibe cerca de 90 fotografías, retratos de los protagonistas del abanico LGTBI en la España actual y de los diferentes tipos de vivencias dentro de la diversidad y orientación sexual. 

Para este trabajo Isabel Muñoz (Premio Nacional de Fotografía 2016) ha retratado con su cámara a activistas, intelectuales, gentes de a pie, creyentes y agnósticos, adolescentes, jóvenes y mayores, para escenificar su derecho a amar a quien quieran. En la muestra se exponen las imágenes  en un recorrido que aborda diferentes ámbitos  y temáticas: el acoso adolescente, relatos personales de persecución, intolerancia y de víctimas de la ley de Peligrosidad Social, la tercera edad LGTB, los espacios de socialización y la transexualidad, entre otros. (Centro Centro press-release)

CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid |

http://www.centrocentro.org http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz

"diálogos SIN palabras. Secuencia Final"

Todo un placer presentar la secuencia final de "diálogos SIN palabras

Entre los meses de marzo a mayo de este año, 18 fotógrafas españolas han estado dialogando entre ellas a través de sus imágenes, la secuencia final recoge el resultado de esta aventura que no puede ser más satisfactorio, los diálogos han sido verdaderos, cada una de las fotógrafas participantes se ha volcado en el proyecto y creo hemos conseguido una valiosa secuencia de imágenes estrechamente relacionadas entre sí que resalta la gran fuerza de la fotografía como medio de comunicación y la capacidad de interrelacionarse de 18 fotógrafas de distintas generaciones, técnicas y estilos. ¡BRAVO A TODAS!

Como fundadora y editora de la agenda de exposiciones de artistas españoles en el exterior quepintamosenelmundo.com, he seguido con entusiasmo, y día a día,  la trayectoria de la fotografía española, y en especial la fotografía realizada por mujeres. “diálogos SIN palabras”  está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino, todas las fotógrafas participantes están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible nacional e internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres. 

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Nagore Legarreta. Moderadora: Blanca Mora Sánchez.

En quepintamosenelmundo.com se inicia una nueva etapa, a la ya consolidada agenda de exposiciones se ha sumado el nuevo espacio de proyectos on-line “diálogos SIN palabras” con el objetivo de elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “diálogos SIN palabras” ha adoptado la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se ha convertido en un encuentro de imágenes con "alma". Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

 

Diálogos. 00 - 017

Diálogo. 00. Blanca Mora. Moderadora

Diálogo 01. Alejandra Carles Tolrá

Diálogo 02. Marta Soul

Diálogo 03. Beatriz Moreno

Diálogo 04. Bego Antón

Diálogo 05. Berta Jayo

Diálogo 06. Diana Coca

Diálogo 07. Eva Diez

Diálogo 08 Gisela Rafols

Diálogo 09. Irene Cruz

Diálogo 010. Alejandra López Zaballa

Diálogo 011. Montserrat de Pablo

Diálogo 012. Soledad Córdoba

Diálogo 013. Ouka Leele

Diálogo 014. Patricia Esteve

Diálogo 015. Lidia Benavides

Diálogo 016. Isabel Muños

Diálogo 017. Nagore Legarreta

Alejandra Carles-Tolrá es una fotógrafa y profesora de fotografía de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido. .http://www.alejandractr.com

 

Marta Soul, (Madrid, 1973). Fotógrafa residente en España. Sus proyectos artísticos reflexionan sobre la interacción entre imágenes y realidad, así como la influencia mutua que tienen entre sí ambas ideas. Está interesada en explorar los roles de identidad, sexualidad, cultura y apariencia, y en el modo en que se determinan por la sociedad.

Sus imágenes suelen incluir personajes retratados en contextos con un discurso social determinado. Experimenta con las apariencias de estos personajes (por ejemplo, la estética del éxito) para reflexionar sobre temas como la consecución de los deseos o la expresión de las aspiraciones insatisfechas.
Ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia).         

http://martasoul.com

 

Beatriz Moreno 1971, Toledo (España). Interesada en artes visuales desde muy temprana edad. Estudió Diseño Gráfico e Ilustración en la Escuela de Arte de Toledo. Su trayectoria artística en la fotografía se remonta a 1990, realizando un cuerpo de obra que ha sido expuesto a nivel nacional e internacional en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas destacar: 70 ans de l’UMAM (Union Méditerranéenne pour l'Art Moderne, France); 30 Festival Photo de Mouans-Sartoux (France); Instituto Cervantes de: Chicago (EE.UU), Albuquerque (Nuevo Méjico), Roma (Italia), Naples (Italia), Palermo (Italia), Tetuan (Marruecos), Rabat (Marruecos), Fez (Marruecos), Casablanca (Marruecos), Tanger (Marruecos); Embajada de España en Washington DC (EE.UU); Salon de la Photo Paris 2013 (France), Festival Voies Off 2010 (Arles, France), Descubrimientos PhotoEspaña 2009 (Madrid), Blanca Berlin Galería (Madrid), Feria de Arte Contemporáneo Estampa (Madrid).http://beatriz-moreno.format.com

 

Bego Antón nació en Bilbao en 1983. Estudió periodismo en la Universidad del País Vasco y se especializó en fotografía documental en Barcelona. Su trabajo fotográfico explora habitualmente las relaciones contradictorias que los humanos tenemos con la naturaleza y los animales. También muestra un interés particular en los grupos pequeños que parecen extraños a una parte de la sociedad.

Su trabajo ha sido publicado en Lens Blog del New York Time, National Geographic, Esquiere, Le Monde, Fotos de CNN, The British Journal of Photography, Stand Quarterly y Pretty Good Summer, entre otros. Ha expuesto en FotoWeek DC, Museo Guggenheim de Bilbao, en PhotoEspaña 2014 como parte de la Práctica Contemporánea de Fotografía en Español P2P, Festival de Fotos de Begira y en Post - Arte, parte del Festival Miradas de Mujeres, 2016 Verzaska Photo Festival, Lumix Photo Festival, Hannover y Geology Of The Ineffable, curated by Widephoto, Can Felipa, Barcelona. Bego Antón ha participado en el Joop Swart Masterclass de World Press Photo 2014 y ha ganado recientemente el 2º premio Istanbul Photo Awards Singles 2016. Premio Revelación Photespaña 2017.  http://begoanton.com/

 

Berta Jayo nació en Santander, España, en 1971,Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Bilbao, España, ha realizado su Postgrado y Master en Bellas Artes en el Chelsea College of Art and Design de Londres. Ha participado en muchos programas como ISCP (estudio internacional y programa curatorial) Nueva York.

Su trabajo ha sido expuesto en muchos países y en Ferias Internacionales de Arte como ARCO Madrid, SWAB Barcelona, ​​FRIEZE Londres, PULSE Nueva York, Art BASEL Suiza, Festivales Internacionales como Video Screen Festival en Berlín o New Media Festival HACS Miami, en espacios públicos o Museos como MAM RD, MAS, Museo del Concepto Chill Miami, CAC Málaga, Museo del Bronx NYC, Reina Sofía, Tate Modern, Guggenheim Bilbao, MoMa, Louvre París. 
Otras exposiciones relevantes son: 'Exquisite Doll Kit' México itinerante, 'Artistas de los siglos XX y XXI', itinerante, Sala Robayera, 'Ellas' Madrid, itinerante, Void + Tokio, Japón. http://www.bertajayo.com

 

Diana Coca. Palma de Mallorca, 1977. Vive y trabaja entre Madrid y Pekín. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía por la University of Brighton (2003) y en Filosofía por la Universitat de les Illes Balears (2009). En 2004 recibe la beca de fotografía del MAE, Ministerio de Asuntos Exteriores de España, para la producción artística de la Real Academia de España en Roma. Completa su formación con la participación en los siguientes programas de residencia:Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá de Henares y La Casa Encendida (Madrid, 2007), Internacional Center of Photography (Nueva York), beca Matadero (Madrid, 2008), Programa de Residencias Artísticas para Creadores Iberoamericanos en Oaxaca, Méjico, del AECID, FONCA y CONCULTA (2009), y Three Shadows Photography Art Centre (Pequín, 2010).
 La destrucción y construcción de la realidad o el control ejercido por todos aquellos atributos que contribuyen a caracterizar el cuerpo femenino (maquillaje, zapatos de tacón...), son temas recurrentes en su obra, trabajados a partir de la simbiosis entre la performance, el vídeo y la fotografía. Mediante secuencias narrativas, encontramos su cuerpo semidesnudo y fragmentado concebido como objeto y sujeto a la vez, utilizándose a sí misma como territorio de experimentación y subversión, con la voluntad de transmitir la tensión de lo oculto y poniendo énfasis en la esclavitud del ser humano surgida a raíz de la dependencia tecnológica de la sociedad actual. http://www.dianacoca.com

 

Eva Díez (Vigo, Pontevedra, 1982) es una artista cuyo trabajo puede calificarse de “fotopoético” por la clara intencionalidad lírica que desprenden sus fotografías. En ellas juega con la simbología de la luz y la estética de la ruina para dar paso a una reflexión sobre la imagen inmemorial del hogar. Toda su producción manifiesta un cierto carácter escenográfico que se ha ido haciendo cada vez más sutil, dejando atrás la intención esteticista de sus primeras piezas para centrarse principalmente en la pureza del concepto de la habitabilidad del espacio.

En su trabajo, las referencias a la ensoñación poética de Bachelard son frecuentes, teniendo en cuenta la simbología del hogar como una metáfora plástica de nuestro inconsciente, un estimulo para la memoria y la imaginación. http://evadiez.es

 

Gisela Ràfols  (Vilafranca del Penedès, 1984) realiza un trabajo sincero donde se reflexiona sobre el conflicto con uno mismo, la lucha eterna sin fin que cada uno puede sentir con su propio ser, como la lucha que el artista tiene con su obra, un amor-odio que tantas veces se convierte en el que da vida y sentido al ser de su trabajo. Gisela Ràfols vive y trabaja en Beijing. Es licenciada en Fotografía y Creación Digital por la Universitat Politècnica de Catalunya en el Centro de la Imagen y Tecnología Multimedia, así como también ha impartido parte de sus estudios en el Art College University of Falmouth, Inglaterra. En su trayectoria artística cabe destacar su actividad tanto a nivel nacional como internacional, exponiendo en Galerías y Ferias de arte en ciudades como Barcelona, Madrid, Lisboa, Berlín, Buenos Aires, New York o Beijing  http://giselarafols.com/

 

Irene Cruz (Madrid 1987). Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas y Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, realizó un master en la escuela de fotografía EFTI especializándose en Fotografía Conceptual y Creación Artística. El trabajo de Irene está altamente influenciado por el curso especializado en Iluminación Narrativa Cinematográfica. La luz es de hecho un elemento significativo del trabajo de Irene Cruz, llevándola a  explorar y experimentar con ella en países del norte de Europa. Esta joven artista está creando un punto de inflexión en el mundo de la fotografía. Su trabajo está ganando una personalidad remarcable, con un estilo que se ha convertido ya en inconfundible para todos hoy en día. Irene Cruz ha participado en más de 200 exposiciones, ferias de arte y festivales alrededor del mundo, y ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que  destacan el Primer Premio en el Concurso de Fotografía de Iberdrola, y el Segundo Premio en el Concurso de Fotografía de la Fundación AENA en el 2014. http://www.irenecruz.com

 

Alejandra López Zaballa (Madrid 1974) es fotógrafa profesional, especializada en fotografía documentalista, de viaje, retrato y narrativa. Siempre comienza sus proyectos con un concepto, una estrategia, que le lleva a viajar allá donde pueda profundizar en los temas que desea comunicar. Estudió fotografía en la London School of Photography y el International Center of Photography de Nueva York. Posteriormente realizó talleres y proyectos con importantes y reconocidos fotógrafos como Mary Ellen Mark, Peter Turnley y Karl Grobl. en lugares como NYC, Oaxaca, Filipinas, Camboya, Lisboa, La Habana, entre otros.

En 2011 funda “Bangkok Soul, Photography Journeys”, empresa de tours fotográficos que ofrece experiencias visuales y culturales a fotógrafos profesionales y viajeros en Tailandia. Ha vivido en 9 países y visitado más de 70. Actualmente trabaja en la Ciudad de México, en donde expone, imparte cursos de fotografía y colabora en diversos proyectos visuales. Sus trabajos expuestos en México, NYC, Londres, Bangkok y Madrid han tenido reconocimientos internacionales, como el 3er premio Imagen Unica 2015 Exposure Awards de LensCulture, premio 2016 Art Takes Manhattan, premio 2015 Call for Chelsea NYC, selección Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y el 3er premio del Goethe Institut Thailand. Su talento y habilidad para buscar historias y narrarlas, desde una perspectiva inusual e íntima, son algunas de las cualidades principales que hacen que su fotografía sea otra manera de viajar a través de lugares, personas y miradas. http://www.alejandra-photography.com

 

 

Montserrat de Pablo (Madrid 1967). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Realizó la tesis doctoral en 2014 "La cámara oscura como prehistoria de la fotografía" bajo la dirección de Horacio Fernández.

Es profesora de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca desde 1998. Su trabajo ha sido expuesto en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales, compaginado la actividad artística con la profesional. Ha realizado estancias de investigación como profesora visitante y artista en residencia en el Instituto Max Planck de Historia de la Ciencia en Berlín durante los años 2013- 2017, en Al-Farabi Kazakh National University. Almaty, Kazajstán en 2015, National University of Mongolia. Ulan-Bator, Mongolia en 2015, en el Instituto de Letras e Artes, Universidade Federal do Rio Grande, Rio Grande du Sul, Brasil en 2015 y en Western Washington University, Seattle, Washington, EEUU, 2016. http://www.montserratdepablo.com/

 

Soledad Córdoba (Avilés, 1977) es una artista que utiliza la fotografía como medio para representar nuevas realidades y como herramienta para arrojar interrogantes sobre la existencia del ser humano. Su obra se centra en la idea de transcender la realidad a través de la poética de la imagen con fotografías despojadas de su particularidad, lugares, escenarios y personajes (autorretratos) sustraídos de toda definición objetiva pero sí convertidos en signos, nodos y enlaces por un universo que se desprende de la realidad y que se fusiona con lo imaginario, lo poético y lo evocador.

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su trayectoria artística está avalada por diversos premios de Fotografía y Artes Plásticas cabe resaltar entre otros, el primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, el primer premio de Artes Plásticas de la Fundación Universidad Complutense y el del Certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid. Su trabajo está presente en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional e internacional. http://www.soledadcordoba.com

 

Ouka Leele. Nacida en Madrid en 1957, Ouka Leele es una figura clave en la escena artística de los años 80 asociada a la ‘movida madrileña’. Su técnica se caracteriza por pintar sobre fotografías en blanco y negro con acuarelas intensas y, a menudo, penetrantes. Su trabajo marcó una época y sigue siendo relevante, como pone de manifiesto su inclusión en las colecciones e instituciones como entre otras el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Instituto Cervantes de Lisboa o la Fondation Cartier en París. Ouka Leele recibió en 2005 el premio nacional de fotografía.  www.oukaleele.com

 

Patricia Esteve. Al finalizar sus estudios en el IEFC se establece como fotógrafa free-lance en Barcelona. Donde trabaja para diferentes ONGS, asociaciones, medios e instituciones de carácter local y nacional.
Siempre interesada en la fotografía documental, centra gran parte de su trabajo en cuestiones sociales de actualidad llevando a cabo proyectos a largo plazo en países en vías de desarrollo.
Desde 2011 ha centrado gran parte de su trabajo en África, primero en Chad trabajando para UNICEF, después en Costa de Marfil con Naciones Unidas, actualmente vive en Nairobi donde colabora con diferentes ONGs como freelance.http://patriciaesteve.com

 

Lidia Benavides, (Madrid, 1971). Expone con la Galería Pilar Serra en Madrid y Adora Calvo en Salamanca. Ha participado en Ferias de Arte como ARCO, Estampa, Dfoto San Sebastian, Paris Photo, PhotoMiami, CIGE Pekin y Preview Berlín.

Ha sido seleccionada y premiada en el IV Premio Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler (2009), o en el Premio Extraordinario de fotografía Fundación AENA entre otros. Subvenciones como la “Ayuda a la promoción del Arte Español en el Extranjero” Ministerio de Asuntos Exteriores (1998) para Berlín y Atenas, el “Apoyo a las nuevas tendencias en las Artes” Ministerio de Cultura (2000) para Munich, Stuttgart y Berlín. Y la “Subvención Ministerio de Cultura para la promoción del Arte Contemporáneo Español” (2011) para Berlín. Sus obras se encuentran en colecciones privadas y públicas de museos e instituciones en España, Francia, Austria, Suiza, Alemania, Italia, México, EEUU y Canadá. Museo ARTIUM, Caja Burgos, Colección Circa XX, Colección Munich Re, Ministerio de Cultura, Ministerio de Asuntos Exteriores, Biblioteca Nacional y Congreso de los Diputados.

Destacar la inclusión de su obra en el libro: “100 Fotógrafos Españoles”(2006) Exit, Y en el “Diccionario de Fotógrafos” editado por La Fábrica en 2014. http://lidiabenavides.com

 

Isabel Muñoz, nacida en Barcelona en 1951 y afincada en Madrid desde 1970, es una fotógrafa que ha sabido destacar dentro de la diversidad de propuestas que caracterizan el panorama fotográfico español contemporáneo, apostando por la técnica de la platinotipia y por el gran formato con el objetivo de reforzar su discurso: su pasión por el cuerpo como forma de aproximación al estudio del ser humano.

Una pasión que ya desde sus primeras series,Tango y Flamenco (1989), marca el inicio de un recorrido por numerosas culturas en las que busca capturar con su cámara la belleza del cuerpo humano, abarcando desde sus bailes y luchas tradicionales hasta ciertas realidades y problemáticas en las que Muñoz decide centrar la mirada estableciendo un compromiso social.

Su primera exposición, Toques, realizada en octubre de 1986 en el Instituto Francés de Madrid, y su participación en el Mes de la Fotografía de París en noviembre de 1990, marcan profundamente un antes y un después en su trayectoria profesional al suponer su lanzamiento nacional e internacional. Estas exposiciones estarán sucedidas por otras muchas, tanto individuales como colectivas, a lo largo de las cuales Muñoz se irá consagrando como una gran fotógrafa de resonancia internacional.

Esta fuerte presencia que Isabel Muñoz ha adquirido dentro de la realidad artística contemporánea queda reflejada en el reconocimiento a su trabajo a través de distintos premios y menciones entre los que destaca premio de fotografía de la Comunidad de Madrid en 2006, el Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo, así como también el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social, Fundación DEARTE 2012 y Premio Nacional de Fotografía 2016. Un reconocimiento profesional igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas colecciones tanto nacionales como internacionales, entre las cuales cabría señalar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, MaisonEuropéenne de la Photographie de París y New Museum of Contemporary Art de Nueva York. Raquel Temiño. http://www.isabelmunoz.es

 

Nagore Legarreta (Hernani, 1981). Licenciada en Comunicación Audiovisual vive y trabaja en San Sebastian. Su trabajo se articula en una línea de exploración de las relaciones interpersonales y los conflictos de género y sociales. Iniciada en la fotografía a través del fotoperiodismo, desarrolla principalmente técnicas relacionadas con la fotografía estenopéica y analógica tanto en su estudio como en la India, donde viaja con frecuencia. En paralelo, realiza trabajos de edición como Edipotoa, un fotolibro que recoge sus primeras estenopeicas. Sus obras han sido expuestas en diferentes exposiciones colectivas como Artea Oinez 2014, institucionales a través de Donostia Kultura y en festivales como GETXOPHOTO 2015. PhotoGune Lab

“Había oído hablar sobre la cámara estenopéica, pero después de ver los trabajos de Alberto Gago y Illan Wolf pensé que dicha técnica me venía como anillo al dedo. ¿Que es una cámara estenopéica? Se puede construir con cualquier caja, sencillamente hay que tapar bien la caja para que no entré luz por ningún lado, y después, se le hace un pequeño agujero para que la luz entré dentro y se proyecté en unas de las paredes de la caja. En esa pared hay que poner material fotosensible. Hasta ahora he utilizado papel fotográfico, pero estoy experimentado con negativo de 35 mm en una cámara que construí con una caja de cerillas” Nagore Legarreta , http://www.nagorelegarreta.com

 

Blanca Mora. Moderadora de Diálogos sin Palabras, editora y directora de quepintamosenelmundo.com. Como gestora cultural ha producido y coordinado toda clase de eventos artísticos contemporáneos relacionados con las artes visuales. Desde los años ochenta ha trabajado en importantes centros de arte e instituciones españolas e internacionales como Círculo de Bellas Artes de Madrid o School of Visual Arts de Nueva York. En paralelo, y llevada por su pasión por la fotografía, ha realizado un buen número de talleres y exposiciones con sus trabajos personales.

 

 

 

 

 

KASSEL. Joan Fontcuberta “ Herbarium” Kassel Fotoforum

17 junio – 09 julio, 2017

Kassel Photo Forum presenta "Herbarium" de Joan Fontcuberta. Durante más de 30 años, Joan Fontcuberta ha desafiado el medio de la fotografía. El tema principal que trata en su obra se centra alrededor de la verdad y el engaño. En 2013 obtuvo el Premio Hasselblad uno de los premios más prestigiosos de fotografía.

"Herbarium"  es una serie que imita estilísticamente las fotografías formales de plantas de Karl Blossfeldt de los años 20. De hecho, son construcciones hechas a partir de objetos encontrados, de trozos de cables, fragmentos de plástico, partes animales que se convierten en pseudoplantas que a través de su clasificación latina se convierten en plantas que se supone son reales.

Joan Fontcuberta(Barcelona 1955), artista, profesor, escritor y comisario es una de las figuras más significativas de la fotografía contemporánea. Después de comenzar su carrera en publicidad, enseña en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, así como en numerosas otras instituciones como la Universidad de Harvard. Co-fundó la revista PhotoVision en 1980 y tiene muchas otras publicaciones en su haber. Fue nombrado Chevalier des Arts et des Lettres por el ministro francés de Cultura en 1994, Premio Nacional 1998 de Fotografía del Ministerio de Cultura, Premio Nacional de Cultura de Artes Visuales por el Gobierno catalán español y Premio Internacional Hasselblad de fotografía 2013.

Kassel  Fotoforum. Büroadresse: Am Wolfskopf 35. 34130 Kassel

https://fontcuberta.com/  http://www.kasselerfotoforum.de

Imagen: Joan Fontcuberta (Herbarium)

BELGRADO. Maider López: Cuándo los otros conocen a los otros, ¿Qué pasa? ¿Qué no pasa? Kulturni Centar

06 junio – 1 julio, 2017

El Centro Cultural de Belgrado celebra este año su 60 aniversario con una exposición colectiva en sus tres espacios expositivos, entre otras actividades especiales. La muestra Cuándo los otros conocen a los otros, ¿Qué pasa? ¿Qué no pasa? De la comisaria Biljana Ciric, tendrá lugar desde el 6 de julio al 1 de julio de 2017 e incluirá obras de varios artistas jóvenes internacionalmente reconocidos, entre otros la donostiarra Maider López.

Maider López (San Sebastián, 1975), desarrolla su trabajo interviniendo en el espacio público y la arquitectura. Sus obras requieren a menudo de la participación del espectador al que involucra haciéndole parte de un espacio sutilmente alterado, y en el caso de esta exposición pondrá en marcha la instalación “Corde”, compuesta por un video en el que 400 metros de cuerda conectan espacios públicos y privados de la ciudad de Besançon al tiempo que la misma cuerda conecta distintos espacios y galerías del Centro Cultural de Belgrado.

Kulturni Centar Beograda (Centro Cultural de Belgrado). Knez Mihailova 6.. 11 000 Beograd (SERBIA)

http://www.kcb.org.rs  http://www.maiderlopez.com

Imagen: “Corde”Maider López

LONDRES. Juan Miguel Palacios “Woundes” Lazarides Rathbone Gallery

23 junio – 22 julio, 2017

Lazarides se complace en presentar "Wounded" (Heridos), la primera exposición individual de Juan Miguel Palacios en Londres.

"Siempre me ha fascinado el rostro humano y su lenguaje gestual por su carácter comunicativo y su belleza. Una cara puede transmitir tantas emociones diferentes con sólo una pequeña modificación de las características faciales y esto es lo que quiero explorar a través de mis obras . Un denominador común de las grandes ciudades en las que vivimos, como Nueva York o Londres, es la diversidad racial y cultural. Ciudades dinámicas, llenas de vida que atraen y dan la bienvenida a millones de personas diferentes. Ciudades fascinantes, que ofrecen todo tipo de comodidades, lujos y placeres que al mismo tiempo pueden ser extremadamente individualistas y solitarias donde muy pocas personas logran realizar sus sueños.

Una amalgama de rostros aparentemente felices y dichosos que después de una inspección más cercana revelan una expresión de fatiga y dolor, como resultado de las experiencias diarias. Identifico todas estas experiencias de vida como "heridas" y son estas "heridas" las que inevitablemente dejan marca en nuestras caras. Este fue el punto de partida para las obras de esta serie y la exposición es una investigación de estas diferentes emociones a través de los gestos.

De una manera metafórica, utilizo el rostro ambiguo de una mujer, en el que el placer y el dolor se mezclan en un solo gesto, generando un sentimiento de incertidumbre. He intentado investigar más lejos buscando nuevas maneras de la representación, utilizo un drywall y un vinilo transparente, substituyendo el lienzo tradicional. Golpeo y quemo la capa de yeso hasta que se rompe, como sinónimo de todas aquellas experiencias que nos marcan y configuran nuestras expresiones. El vinilo transparente es un sinónimo de identidad, donde represento diferentes gestos faciales y por su transparencia nos permite ver su interior ". (lazarides press-release)

Lazarides • 11 Rathbone Place • London • W1

http://www.juanmiguelpalacios.comhttp://www.lazinc.com

Imagen: Woundes” Juan Miguel Palacios

 

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