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Foto: B. Mora

ESTAMBUL. Retratos y otras ficciones en la Coleccion la Caixa de Arte Contemporaneo. Museo Pera

hasta el 4 de marzo, 2018

El Museo Pera se complace en anunciar su nueva exposición ¡Mírame!: Retratos y otras ficciones en la Colección ”la Caixa" de Arte Contemporáneo. La exposición explora el retrato, uno de los géneros mástradicionales del arte, a través de un número considerable de obras de nuestra época. Pinturas, fotografías, esculturas y videos forman un laberinto de miradas que invita a los espectadores a reflejarse ellos mismos en el espejo social de los retratos.

Tal y como menciona en su artículo Nimfa Bisbe Molin, comisaria de la exposición y jefa de las Colecciones de Arte de la Fundación Bancaria ”la Caixa”, «en la actualidad, el retrato abarca varias formas de producir imágenes de la condición humana y de explorar la compleja noción de identidad».Dividida en cuatro secciones temáticas, «La emoción, a escena», «Las convenciones de la identidad», «La memoria del rostro» y «Máscaras y otras ficciones», la exposición presenta obras de Janine Antoni, Eduardo Arroyo, Juan Navarro Baldeweg, Jean-Michel Basquiat, Christian Boltanski, Rineke Dijkstra, Marlene Dumas, Esther Ferrer, Günther Förg, Curro González, Stefan Hablützel, Roni Horn, Sharon Lockhart, Pedro Mora, Vik Muniz, Óscar Muñoz, Bruce Nauman, Carlos Pazos, CindySherman, Antoni Tàpies, Gillian Wearing y Sue Williams.

Las obras que se reúnen en esta exposición examinan conceptos de verdad, apariencia y representación, así como de memoria y ficción. Algunas ponen a prueba los cánones normativos del retrato revelando sus artificios y las convenciones sociales. La pintura descubre máscaras y maquillajes, y en cambio la fotografía experimenta la potencialidad de la ficción para producir desconcertantes efectos de realidad. Algunos artistas se interesan por la anonimidad del retrato, mientras que otros desarticulan roles sociales y abordan la problemática de representar la identidad. Hay obras que definen una figura o un rostro, y otras que representan símbolos identitarios de nuestra sociedad. (Fundación la Caixa press-release)

Pera Museum. Meşrutiyet Caddesi No.65. Tepebaşı - Beyoğlu – İstanbul

https://www.peramuseum.org

Imagen: Eduardo Arroyo. Retrato 1975. Colección la Caixa arte contemporáneo

MADRID. ISABEL MUNOZ. AGUA. GALERIA BLANCA BERLIN

16 febrero – 21 abril 2018

Las imágenes que forman parte de la exposición “Agua” han sido obtenidas por Isabel Muñoz en 2016 y 2017 bajo las aguas mediterráneas y en distintos mares del Japón. En sus propias palabras “Inicié este proyecto atraída por la belleza de los entornos marinos y como llamada de atención ante los peligros que amenazan su supervivencia.  El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a cambio. Damos por sentado que su riqueza es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no somos capaces de cuidar de sus tesoros, si seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo habitan, si continuamos vertiendo residuos que pondrán fin a la biodiversidad marina si no reaccionamos a tiempo?”

Todas las obras expuestas en “Agua” son platinotipias. Aunque son difíciles de crear y su coste es alto, las impresiones en platino constituyen una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico. Su belleza y permanencia hacen que la platinotipia sea una pequeña joya para los amantes de la fotografía y, cómo no, para coleccionistas e inversores. Estas copias se caracterizan por su amplia rendición de tonos, que parte del negro cálido y se expande en una amplia gama de matices grises, con una reproducción de luces especialmente sutil. Isabel Muñoz está considerada como una de las grandes expertas internacionales de la platinotipia. Tras más de una década de investigación, Isabel ha logrado incluir el color en este proceso, lo que constituye un punto de inflexión en la historia de la fotografía.

Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara retratando los sentimientos del ser humano en su estado más puro, en su intimidad más recóndita. Desde la dignidad de las tribus primitivas hasta el desconsuelo de las cárceles; desde la sensualidad de la danza hasta la denuncia de la opresión; desde el éxtasis que supera el dolor lacerante hasta el dolor que ya no podrá ser superado. La autora catalana ha fotografiado casi todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluso aquellos de nuestros ancestros, los primates, cuyos gestos forman parte de nuestros genes desde hace millones de años.

En 2016 fue reconocida con el Premio Nacional de Fotografía, habiendo obtenido anteriormente premios tan prestigiosos como el World Press Photo 1999 y 2004, el Bartolomé Ross, Unicef España, Medalla de oro al mérito de las Bellas Artes en 2009, Comunidad de Madrid, etc. Sus imágenes forman parte de las más importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo.(Blanca Berlín press-release)

Blanca Berlín Galería. C/ Limón, 28 – Plaza Guardias de Corps 28015 Madrid, España.

http://www.blancaberlingaleria.com

http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz. S/T. Serie Bajo el agua, 2017

BUCAREST. Ignacio Uriarte. Borderline Relation. Eastwards Prospectus Gallery

25 enero - 24 marzo, 2018

La exposición ofrece la oportunidad de reflexionar sobre las relaciones entre las prácticas artísticas que surgen en diferentes contextos temporales, geopolíticos, sociales y económicos. Esto puede afectar la percepción del concepto de una obra de arte y, sobre todo, las condiciones de producción en que se crea. Esta es la razón por la cual la exposición reúne a artistas de diferentes generaciones, algunos de ellos ya son muy conocidos y tienen posiciones artísticas históricas, mientras que otros están surgiendo de las generaciones más jóvenes.         

Artistas: Marieta Chirulescu, Felipe Cohen, Svenja Deininger, Caroline Duchatelet, Vlatka Horvat, Željko Jerman, Ivan Moudov, Ulay, Ignacio Uriarte y Ruth Wolf-Rehfeldt.

Ignacio Uriarte (1972) nació y creció en Krefeld en Alemania. Estudió administración de empresas en Madrid y Mannheim, y trabajó para varias empresas en Alemania, España y México. Allí se graduó en artes audiovisuales del Centro de Artes Audiovisuales en Guadalajara, México. Dejó el mundo de la empresa hace diez años y se dedicó por completo al arte, llamando a su trabajo "arte de la oficina", en la actualidad vive en Berlín dese 2007. Uriarte se inspira en los pequeños momentos creativos dentro de las rutinas de oficina. El video de dos canales Blue Ribbon toma como punto de partida el más simple de todos los garabatos en la rutina de la oficina como: rellenar en papel cuadriculado, monumentalizar la función "en cascada" en Windows esparciendo hojas de papel sobre una pared, o dibujar formas con dos tonos diferentes de rotulador negro, Uriarte utiliza herramientas administrativas para restaurar la creatividad al oficinista.

Eastwards Prospectus Gallery. Strada Plantelor nr. 50, Sector 2, 023975, Bucureşti, România

 https://www.eastwardsprospectus.com

http://www.ignaciouriarte.com

Imagen: Ignacio Uriarte. Four Times, 2017. Pigmented ink on paper

MEXICO. Ruben Grilo. Draped Extension. Future Gallery

6 febrero – 7 abril, 2018

Future Gallery tiene el placer de anunciar la inauguración de un nuevo espacio en Ciudad de México ubicado en una casita tradicional en la azotea del histórico edificio Humboldt en el distrito Centro Histórico.
La exposición será una extensión de “Draped” que ha mostrado en el espacio de Berlín, presentando 
“Draped”, una exposición colectiva que presenta nuevas obras de Rubén Grilo, Spiros Hadjidjanos, Femke Herregraven y Nicolas Pelzer. “Draped”se refiere a la tela utilizada con fines decorativos. La tela en general se considera como hilos entrelazados en un todo utilizado a menudo para la ropa o para envolver algo. Los ejemplos en la exposición ofrecen diferentes líneas de lógica contraintuitivas con respecto a la utilidad a la tela. A través de los procesos digitales estos trabajos textiles se han manifestado como: hojas de denim con grabado láser que demuestran la inversión del desgaste provocado por el trabajo, un paño impreso en 3D con una fotografía, el geomapeo financiero infrarrojo satelital de un paisaje rico en recursos en el este de África, y una impresión acrílica generalmente utilizada como un anuncio publicitario, pero utilizada para demostrar cómo se vería una herramienta arcaica renderizada en 3D.

'Pattern Free: Ripped from Zara' es una serie continua de trabajos que Rubén Grilo inició en 2013. Grilo presentará obras de esta serie, donde reproduce el "look usado" de los jeans Zara. Al examinar la relación entre el cuerpo y el trabajo del artesano, diseña objetos industriales destinados al consumo y observa el campo de la producción artística desde la perspectiva industrial y viceversa. Revela los rastros de uso de jeans que pueden atribuirse al desgaste causado por el movimiento y la fricción, pero aquí están grabados con láser. Crea imágenes corporales grotescas como enormes huellas de manos. La observación de Grilo de un detalle de la prenda conduce a la historia del material que es al mismo tiempo una historia de relaciones corporales-laborales alteradas. Las marcas del trabajo físico se vuelven casi obsoletas en la era digital, signos artificiales de que el trabajo duro se vuelve cada vez más exótico. El uso que hace Grilo de la estandarización, la escala y la abstracción trata la historia de la industrialización y la producción moderna con una visión del cambio de paradigma digital cultural e Internet.

Ruben Grilo (Lugo 1981), vive y trabaja en Berlin. Entre sus exposiciones individuales se incluyen: ‘Solo’, Nogueras Blanchard, Madrid (2017); ‘Proof of Concept’, Union Pacific, London (2016); ‘Rubén Grilo’, Fundació Joan Miró – Espai13, Barcelona (2015); ‘Mit eigener Hand’, Kunstverein Hildesheim (2014); ‘Drawings of Alien Control’, V4ULT, Berlin (2013); ‘The Need for Speed’, CIRCA Projects, Newcastle upon Tyne (2013); ‘Bioscope’ Wilfried Lentz, Rotterdam (2012); ‘They’re Not All Funny, but They’re in a Row’ 1646 (La Haya) o ‘PowerPoint Karaoke’, MARCO, Vigo (2011). He has also participated in group shows at la Casa Encendida, Madrid (2017), el Künstlerhaus Halle für Künst & Medien, Graz (2015); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2013); Tatjana Pieters, Ghent (2012); CSS Bard, New York (2011); CGAC, Santiago de Compostela (2009), entre otras. Grilo ha sido artista en residencia en Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam (2011-2013) y Gasworks, London (2015), y ha recibido la beca Fundación Botín, el premio ARCO de la Comunidad de Madrid y el Generación 2017. (Future gallery press-release)

Future Gallery Casita. Edificio Humboldt. Calle del Artículo 123 116, #401. Colonia Centro, Juárez, 06000. Ciudad de México

http://futuregallery.org   http://www.rubengrilo.net

Imagen: Rubén Grilo

 

CHICAGO. Xavier Toubes. PushMoon4. Chicago Cultural Center

9 febrero – 13 abril, 2018

En PushMoon4 de Xavier Toubes, el hábil manejo del material y la técnica de esmaltado está creada con las palmas de las manos pero ejecutado en el fondo de la mente. Las obras mezclan la experiencia con las emociones, tocando lo real, consciente del momento histórico pero no consumido por él. Los objetos son fluidos, eléctricos, absurdos, teatrales y existenciales, con una belleza salvaje y solitaria.
El trabajo de Xavier Toubes se basa en la escultura de cerámica. Toubes nació en Coruña, España, pero ha estado trabajando en los Estados Unidos durante varios años. En 1989, se involucró en la creación del European Ceramics Work Centre en s-Hertogenbosch, Países Bajos, y fue su director artístico desde su apertura en 1991 hasta el otoño de 1999, cuando comenzó a enseñar en la School of the Art Institute. de Chicago. Ha expuesto con frecuencia tanto en los Estados Unidos como en Europa y también en Asia, y ha dictado conferencias en numerosas universidades y foros internacionales. (spainculture press-release)

Chicago Cultural Center, Michigan Avenue Galleries, South 78 E. Washington St., Chicago, IL 60602

http://www.xaviertoubes.com

https://www.cityofchicago.org

Imagen: Xavier Toubes

MADRID. Martin Chirino en su Finisterre. Galeria Marlborough

15 febrero – 28 marzo, 2018

En vísperas de cumplir 93 años, un fuerte impulso vital recorre la última obra de Martín Chirino. Vuelven las espirales de Chirino, fruto de su labor más reciente. El herrero ha apostado con todas las consecuencias por la escultura en su manifestación más plena y rotunda. La exposición que inaugura en su galería de cabecera, Galería Marlborough, puede entenderse como una exploración de un nuevo hacer directo y espontáneo en el que la obra es pensada al tiempo que se realiza, y que poco a poco va abriendo fisura y camino en los trabajos anteriores a modo de un continuum.  Durante esta etapa de madurez sigue trabajando con los sedimentos de toda una vida de experiencias. Son esculturas optimistas desde un viso que el propio artista define como “Finisterre”, y que son, por tanto, continuadoras de ese universo tan personal en el que prevalece la curva del Viento. La escultura de Chirino se abre con plena madurez a la mirada de una década después de su última exposición en esta misma galería, y el conjunto de su obra se revela como una serie de claves necesarias para el examen de nuestra época, tiempos que él considera convulsos y de difícil interpretación. Vuelven a aparecer sus Cabezas Crónicas del SigloXX, como siempre meditando y con mirada reflexiva.

La intensidad del proceso de realización, la celeridad de la ejecución y el manejo simultáneo de varias esculturas a la vez, provocan necesariamente una alta movilidad emotiva e icónica, una constante retroalimentación de los impulsos y de la memoria formal. Es la obra del herrero un resultado fecundo que se multiplica y se refleja en la de otros artistas de su época. Junto a Chillida y Oteiza, Chirino es el escultor más incisivo de su generación, como señala Calvo Serraller en el texto que acompaña el catálogo editado para la muestra. Asimismo, Su obra está dotada del vigor necesario para servir de materia de reflexión en los artistas más jóvenes.

Su devoción por la música se pone de manifiesto en esta muestra, con un bello homenaje (Guitarra. Sueño de la Música. Homenaje VII) a modo de fragmento, tan común en la mejor literatura, a la mejor poesía e incluso gran parte del mejor pensamiento de este siglo como una de las características más notables de este artista que los usa con inteligencia y recurre a ellos de una forma anacrónica, recuperándolos del pasado para incorporarlos a sus obras nuevas. Elogio del fragmento, uso cada vez más sutil de las consecuencias, Chirino esculpe sus enigmas como si estuviera mostrando un relato, imagen a imagen, forma a forma, y nos reclama una mirada integral, totalizadora, que, desde un punto de vista exterior, sea cómplice de ese tapiz aleatorio, que no nos quiere imponer sino como la cambiante llama del fuego que da vida a sus esculturas, quiere fascinarnos. ¡Y vaya que lo consigue! (fundacionmartinchirino press-release)

Galeria Marlborough. Orfila, 5. Madrid, 28010,
http://www.galeriamarlborough.com

http://www.fundacionmartinchirino.org

Imagen: Fundación Martín Chirino

IZMIR. Chema Madoz. El grito improbable de la mirada reticente. Folkart Gallery

hasta el 25 febrero, 2018

Novelando y capturando objetos ordinarios de la vida cotidiana con una perspectiva estética surrealista, las obras del artista español Chema Madoz se exhiben por primera vez en Turquía en la Galería Izmir Folkart.

Interpretando la realidad de los objetos a través de su punto de vista único y alternativo, el fotógrafo español Chema Madoz crea metáforas poéticas y nuevas fiestas visuales especialmente en sus fotografías en blanco y negro ayudando a los objetos comunes a escapar de sus tareas cotidianas. En sus obras, Madoz hace que los amantes del arte reflexionen sobre varios objetos que a menudo vemos en nuestra vida cotidiana, pero que no reconocemos.

Chema Madoz, conocido como "el poeta visual", es considerado como uno de los fotógrafos más importantes de nuestros días, y revela lo extraordinario de la vida cotidiana con una estética poética.

En sus fotografías también utilizadas en publicidad, Madoz ha aprovechado objetos de la vida cotidiana para generar imágenes surrealistas con una técnica única desde la década de 1990 en particular. La exposición "El grito improbable de la mirada reticente", que se presentará en la Galería Folkart, muestra 80 obras del artista y objetos especiales que han sido una fuente de inspiración para estas piezas. La exposición de Madoz llega a Turquía por primera vez.

Sus obras han sido objeto de numerosas exposiciones en todo el mundo; algunas de las más recientes son: “The Modern Surrealist” , Kahmann Gallery, (Amsterdam, 2017), “Photomanipulations”, Erarta Contemporary Museum (San Petersburgo, 2017), “The hidden face of things” Mari Mauroner Contemporary Art VIENNA Basement (Viena, 2014), “Ars Combinatoria” Fundación Catalunya-La Pedrera (Barcelona, 2013), Instituto Cervantes de Tokio (Tokio, 2009) y Netherland Photomuseum (Rotterdam, 2011). Galardonado en numerosas ocasiones, en el año 2000 recibió el Premio PHotoEspaña por su trayectoria fotográfica, el Premio Higasikawa en la sección Overseas Photographer del Higasikawa PhotoFestival (Japón) y el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura de España. También ha sido Premio Bartolomé Ros en PHotoEspaña 2011. Su obra pertenece a las colecciones del MNCARS, el Ministerio de Cultura, la Fundación Telefónica, el Museum of Fine Arts de Houston y el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, entre otros (Folkart Gallery press-release)

Folkart Gallery Adalet Mahallesi, Manas Bulvarı,. No: 39 Bayraklı/İZMİR. Turquia.

http://folkartgaleri.com 

Imagen: Chema Madoz

 

STUTTGART. Aurora Valero. Space for Art. Institute of Space Systems (IRS)

25 enero  – 31 julio 2018

En esta exposición los espectadores que visitan el Institute of Space Systems experimentan el espacio y el arte, por así decirlo, en dos líneas paralelas que conducen al infinito. En su respectiva perspectiva específica del cosmos, buscan acceso a los misterios de la vida.

Esto es lo que dice Aurora Valero sobre la proximidad de la ciencia y el arte: "La ciencia y el arte intentan acercarse a la verdad. La ciencia hace esto de una manera lógica y concreta. El arte sigue el camino de la intuición para ver lo que de otro modo permanecería oculto: los sentimientos pero también los hallazgos. Cuando vi el universo con todas las tensiones, velocidades, constricciones y regeneraciones, experimenté lo que lo mueve todo, no solo en nuestro planeta sino en el universo: la increíble sensación de belleza que, casualmente, aparece está perfectamente estructurada."

Aurora Valero (1940, Alboraya, Valencia) El descubrimiento de las grandes obras de la Historia del Arte a los trece años, la impulsó a dedicarse a la creación artística para transcribir y dar forma de una manera especial  y consecuente  a  la vida misma.

La transformación que ello implica y el deseo de compartir ampliamente la experiencia, hizo que desde los veinte años, se dedicara también a la educación artística, es decir, a transmitir a las generaciones jóvenes, el conocimiento y las vivencias que desarrollan la sensibilidad y aumentan la capacidad de sentir, de construir y de pensar.

Estas dos actividades entrelazadas, han ocupado su tiempo y su vida. No obstante, para encauzarlas debidamente, también ha tenido que profundizar en la investigación, a fin de que sus objetivos tuvieran una justificación teórica. Por tanto, la creación artística, la formación de generaciones jóvenes, la investigación y su divulgación, han sido la aspiración  más importante de su quehacer humano.

 Universität Stuttgart, Institut für Raumfahrtsysteme, IRS. Öffentlichkeitsarbeit

https://www.uni-stuttgart.de

http://auroravalero.com

Imagen: Aurora Valero. Sueños del Alba III. 2017. 200X130cm

ROMA. Cristina Garcia Rodero. Magnum Manifiesto: Mira el mundo y cuentalo en fotografia. Museo Ara Pacis

7 febrero – 3 junio, 2018

Con motivo del 70 ° aniversario de la agencia Magnum Photos se exponen en el Museo Ara Pacis las famosas imágenes y documentos históricos de la prestigiosa agencia de fotoperiodismo.

El comisario, Clément Cheroux ha seleccionado una serie de reportajes raros e inéditos de gran valor histórico y también los nuevos logros, para ilustrar cómo la agencia Magnum debe su excelencia a la capacidad del fotógrafo para fusionar el arte y el periodismo, la creación personal y la evidencia de lo real, verificar cómo el, Factor Magnum, continúa existiendo renovando continuamente su estilo.
La exposición recoge parte del trabajo realizado a lo largo de los años y ofrece una nueva y profunda visión de la historia y el archivo de la Agencia.
Las famosas imágenes y los grandes reportajes de sus autores nos permiten comprender cómo y por qué Magnum se ha vuelto diferente, única y legendaria.
Desde el reportaje sobre los trabajadores emigrantes en los EE.UU., creado por Eve Arnold en los años cincuenta, a los retratos de "familia", tierna e íntima, Elliott Erwitt; las famosas imágenes de los gitanos de Josef Koudelka, a la serie punzante hecha en 1968 por Paul Fusco en "Funeral Train", el tren que lleva el cuerpo de Robert Kennedy en su último viaje hasta el cementerio de Arlington, a través de América. Y, sin embargo, la más reciente serie de nuevos autores de Magnum: desde "España oculta" de Cristina García Rodero, a las observaciones antropológicas, en forma de fotografías tomadas en todo el mundo por Martin Parr; de la realidad cruda de América del Sur documentado por Jérôme Sessini, hasta el mar Mediterráneo, sombrío e incierto en las noches de los emigrantes, fotografiada por Paolo Pellegrin.
Cristina García Rodero: Nacida en Puertollano, Ciudad Real, el 1949, se licenció en Bellas artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido la primera española que ha entrado a trabajar en la prestigiosa agencia fotoperiodística Magnum. Entre sus trabajos destaca La España Oculta, que forma parte de la colección de la Obra Social "la Caixa". Ha recibido numerosos premios, entre ellos los World Press Photo 1993, Premio Nacional de Fotografía 1996, Fotopres "la Caixa" 1997, PhotoEspaña 2000, Godó de Fotoperiodismo 2000, y las medallas de oro al Mérito de las Bellas Artes 2005 y de Castilla la Mancha 2016

Museo dell'Ara Pacis, Lungotevere in Augusta corner to via Tomacelli) - 00100 Roma

http://www.arapacis.it

Imagen: Cristina Garcia Rodero

MADRID. Jeronimo Elespe. Galeria Maisterravalbuena

10 febrero - 7 abril 2018

A través de un lento proceso acumulativo de adición y sustracción, de meses o incluso años, cada pintura de Jerónimo Elespe se revela como una plataforma para investigar la propia naturaleza del tiempo y la memoria. A menudo trabajando en muy pequeños formatos, explora las propiedades físicas de las obras con temáticas que habitualmente aluden a estados próximos a lo inmaterial.

Junto con un profundo estudio de la historia de la pintura, fuentes tan diversas como la literatura simbolista y decadentista francesa de finales del XIX , o la narrativa de Donald Barthelme y J.G. Ballard, entre otros, juegan un papel fundamental en la práctica de Elespe, siguiendo un diálogo entre realidad y ficción en el que las obras cumplen a la vez la función de ambiguos y muy personales diarios abstractos, herramientas de experimentación de diversos lenguajes pictóricos y repositorios de ficciones creadas por el filtro de la memoria.

Jerónimo Elespe (Madrid, 1975) desarrolló su formación y los primeros años de su carrera artística en Estados Unidos, donde se licenció en la School of Visual Arts de Nueva York y completó después el máster de Bellas Artes de la Universidad de Yale. En 2008, tras doce años en Nueva York, se instaló de nuevo en Madrid, donde actualmente vive y trabaja.

Su trabajo ha sido expuesto en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (MNCARS), Madrid; Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC); University of Massachusetts Art Gallery y el New York Institute of Technology, así como en la Galería Soledad Lorenzo y en Ivorypress, entre otros espacios. Entre sus próximos proyectos destaca su participación en ‘The Lure of the Dark’, una exposición colectiva que tendrá lugar en el MASS MoCA.

La obra de Jerónimo Elespe se encuentra, entre otras, en las colecciones del Carnegie Museum of Art en Pittsburgh, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid y del Centro de Arte Contemporáneo de Málaga.

Galeria Maisterravalbuena. The Fall Gardener, 2015-17. Oil on aluminium panel. 40 x 25 cm

http://maisterravalbuena.com

http://jeronimoelespe.com

Imagen: The Fall Gardener, 2015-17. Oil on aluminium panel. 40 x 25 cm

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