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MADRID. Manuel Antonio Domínguez“LA RELACIÓN ESTABLE” Museo ABC

20 junio – 24 septiembre, 2017

El trabajo del artista Manuel Antonio Domínguez (Villablanca, Huelva, 1976) se inscribe en la línea denominada «discurso de género», interesada en analizar las cuestiones que afectan a la comprensión, construcción y valoración colectiva de los roles del hombre. La relación estable a la que alude el título de la muestra es la que afecta a la idea preconcebida que tenemos de las cosas y que aquí se tambalea. ¿Los hombres son lo que aparentan?, ¿actúan como tales? Las imágenes estereotipadas de la masculinidad y de la feminidad en manos de nuestro artista revelan facetas inesperadas.

Para su proyecto, el artista ha elegido de la Fundación Banco Santander, en un irónico acto de restitución de sus características figuras guillotinadas (el artista firmaba hasta hace poco con el seudónimo «El Hombre Sin Cabeza»), una deliciosa pareja de bustos de la Manufactura de Alcora (fechada en torno a 1750) de aire rococó. Del Museo ABC ha optado por dos portadas de la revista Blanco y Negro, firmadas por Hipólito Hidalgo de Caviedes y Abelardo Parrilla Candela en los años treinta, en una el hombre y en otra la mujer como protagonistas absolutos. (Museo ABC press-release)

MUSEO ABC. Amaniel 29-31. 28015 Madrid

http://museo.abc.es  http://manuelantoniodominguez.com

Imagen: La Relación Estable. Manuel Antonio Domínguez

NUEVA YORK. Dionisio González “Paisaje dialéctico / Pensando Central Park “ Galerie Richard

5 julio  – 27 agosto, 2017

La quinta exposición individual de Dionisio González en la Galería Richard New York trata sobre la ciudad de Nueva York a través de dos series de obras: Paisaje dialéctico y Pensando  Central Park .

Los rascacielos y el Central Park coexisten dialécticamente. "Central Park es esencialmente un vacío, con 13.123 x 2.625 pies de ancho, concebido sobre la base de una idea de espacialidad donde se desarrollaría la densidad, pero es la densidad de los edificios de Manhattan, en su expansión hiper-crecimiento , la que ha trazado ese rectángulo recreativo, el parque es un vacío porque funciona como un patio dentro de la urbe ". En Pensando Central Park el artista llena el espacio de construcciones consideradas refugios. Por el  contrario en Paisaje dialéctico añade algunos espacios vacíos para fines recreativos o de movilidad.

Citando el artículo de Walter Benjamin, Adorno, Horkheimer y Robert Smithson "Frederick Law Olmsted y el Paisaje Dialéctico", el artista considera el paisaje de Central Park y Nueva York como un lugar indiferente a cualquier ideal formal, un lugar de multiplicidad, oportunismo y creatividad inesperada. El paisaje dialéctico es una serie de seis pequeños paisajes en blanco y negro extraordinarios de New York City. Cada obra contempla un enfoque específico: La extensión del centro de Central Park en la parte superior de los edificios, otro Central Park en la parte superior de los edificios dirigidos West-East Manhattan, líneas peatonales elevadas, etc. Es una ciudad con diferentes alturas de marcos y actividades, una ciudad tridimensionalmente conectada.

Nos gustaría ver mucho más al abrir y estimular el campo mental de la imaginación y las posibilidades para los espectadores. El paisaje dialéctico es obviamente su obra fotográfica más digital. La cantidad de transformación de varias imágenes para crear estas obras de arte implica un gran trabajo, dedicación y perseverancia.

Si Dionisio González crea nuevos espacios vacíos en el ya denso paisaje urbano En "Paisaje dialéctico", en "Pensando en Central Park" llena el espacio vacío de Central Park con cuatro refugios: "Basado en cuatro visiones de Central Park: Walter Benjamin , Robert Smithson, JD Salinger y Lady Gaga, la idea del refugio se propone como monumento y extensión aérea del parque por el camino de un recurso dialéctico ". El término refugio  es perfecto pues no tienen un uso específico obvio, se colocan con un tamaño moderado comparativamente al paisaje de Central Park. A pesar de que podrían parecer naves espaciales, la gente en el parque, obviamente, se sienten acostumbrada a ellos como parte de las maravillas de Central Park. La inclusión de estos refugios es perfecta teniendo en cuenta tanto el paisaje como el lugar de las personas involucradas en él. "Lady Gaga's Belvedere" en el lago Central Park es digno de ver.

Dionisio González (Gijón 1965) vive y trabaja en Sevilla. Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones y museos de prestigio como el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto, Toronto. Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) o  Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos. (Galerie Richard press-release)

 Galerie Richard. 121 Orchard Street, New York NY10002

 http://www.galerierichard.com    http://www.dionisiogonzalez.es

Imagen: “Dialectical landscape” Dionisio González

NUREMBERG. Óscar Fernández Orengo “Cineastas Contados” Cultural Center at AEG, Nuremberg

12 – 30 julio, 2017

La exposición muestra la obra del fotógrafo Óscar Fernández Orengo, mediante los retratos de 50 cineastas españoles configurando un recorrido visual a través de la historia del cine en español. 

Orengo no se toma mucho tiempo para realizar las fotografías, casi, dice, son instantáneas cazadas al vuelo, aunque parezcan estudiadas y compuestas. Como le precisa el joven Trueba, están "hechas de forma rápida, azarosa, urgente", en no más de tres disparos, y con película en blanco y negro. Tienen, en cualquier caso, la perspicacia y la sensibilidad de captar el enigma que esconde cada rostro. No parecen locos sino seres con mundos propios, algunos con aire de esperanza, otros de naufragio, de éxito pasado, actual o por venir... gentes del cine, en fin, unos esperando el aplauso, otros sonriéndose ante el absurdo que nos rodea. Las fotos de Fernández Orengo son como una película en la que los directores, también algún actor, son los protagonistas. Mirándolas con calma, se entiende por qué el trabajo de uno interesa más que el de otro; se percibe cómo su mirada, su actitud, su desvalimiento o su fortaleza, tienen mucho que ver con su obra. Cada rostro es un universo.

Cultural Center at AEG, Nuremberg. Foyer de Kulturwerkstatt Auf AEG, Fürtherstr. 244d, 90429 Nürnberg

https://www.facebook.com/oscar.fernandezorengo

https://kuf-kultur.nuernberg.de

Imagen: "Iciar Bollaín" Óscar Fernández Orengo

BERLIN. “Cristina Iglesias” Konrad Fischer Galerie

24 junio – 05 agosto, 2017

“Diría que trabajo con ficciones. Ninguno de los motivos que utilizo realmente existe de esa manera en la naturaleza. Los construyo mezclando elementos que existen en la naturaleza pero en una composición imposible. O mezclándolos con elementos e impresiones ajenas a la naturaleza.”(Cristina Iglesias)

Las esculturas e instalaciones de Iglesias se refieren a elementos de la naturaleza, pero también a las influencias ornamentales, en particular las árabes sobre la cultura española. La delineación del espacio y la exploración de las situaciones espaciales es igualmente significativa en su trabajo.

La instalación central de la exposición "Zona frágil I" desdibuja las fronteras entre el espacio exterior y el espacio interior, con la pavimentación desde el exterior de la calle y continuando hacia la galería. El suelo se abre para revelar una "zona freática", una estructura natural oscura debajo de la superficie, donde fluye el agua y un paisaje emerge de formas retorcidas de raíz. El motivo de la zona freática continúa en otras dos obras mostradas en el primer piso de la galería de la serie 'Pozo' (Pozo). Las obras fotográficas de Iglesias se mueven entre la escultura y la pintura. Construye modelos arquitectónicos como estudios y los fotografía.

Estas imágenes se trabajan en múltiples capas y etapas, utilizando diversas técnicas como el dibujo, el collage y la pintura. Las imágenes son entonces serigrafiadas sobre metal o seda, ya veces alteradas de nuevo por la pintura en la serigrafía. Estas obras muestran estudios sobre esculturas públicas de gran formato como la del Souk de Beirut, la 'Tres Aguas' de Toledo, la intervención escultórica en el jardín del Centro Botín de Santander o la gran escultura al aire libre de la nueva sede de Bloomberg en Londres.

Cristina Iglesias, nacida en 1956 en San Sebastián, ha mostrado exposiciones individuales a nivel internacional, entre ellas en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1998), Whitechapel Art Gallery en Londres (2003), Museum Ludwig en Köln (2006), Museo Reina Sofía en Madrid (2013) y el Museo de Grenoble (2016). Representó a España en las Bienales de Venecia de 1986 y 1993. Entre las obras arquitectónicas de mayor tamaño se encuentran "Fuente Profunda", frente al Museo para el Schöne Kunsten en Antwerpen (2006), las puertas de bronce del nuevo ala del Museo del Prado en Madrid ), Y la escultura submarina 'Estancias Sumergidas' en el Golfo de California (2009) con motivo de la apertura de la reserva natural Espiritu Santo. Para la Fundación Norman Foster en Madrid Iglesias desarrolló "Un Lugar de Tormentas Silenciosas (Arthur C. Clarke)" (2017). En 1999 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Visuales de España y en 2012 con el Berliner Kunstpreis. Cristina Iglesias vive y trabaja en Torredolones cerca de Madrid. (Konrad Fischer press-release)

KONRAD FISCHER GALERIE. 10969 BERLIN. Lindenstrasse 35

https://www.konradfischergalerie.de   http://cristinaiglesias.com

Imagen. Study II. Bronze. 2016. Cristina Iglesias

 

ARLES. Marie Bovo “СтанСы/ STANCES” Église des Trinitaires

3 julio - 27 agosto, 2017

En la serie fotográfica Cтансы (Stances), iniciada en 2016, he trabajado en diferentes trenes que viajan largas distancias a través de Europa del Este y Rusia, viajes que duran varios días. En cada parada, antes de ver el paisaje, la arquitectura o la luz que abrirán las puertas, instalo la cámara en la entrada del vagón. Antes de que las puertas puedan cerrar de nuevo como un obturador de cámara, la película de plata ha hecho una huella del lugar. La imagen es el cruce entre el tren y lo que está más allá de sus puertas en un corte estacionario de varios segundos que dibuja otra Europa. Es una Europa marcada por la era comunista y poscomunista, sin tomar parte en la misma historia ni en la misma realidad que el resto del mundo occidental. Marie Bovo.

Marie Bovo, Alicante 1967, ha expuesto ampliamente en Francia e internacionalmente. Su trabajo ha sido presentado en importantes instituciones y eventos, como la Bienal de Venecia, la Maison Européenne de la Photographie en París, el Centre de Création Contemporaine de Tours, los Proyectos Luis Serpa en Lisboa, las Colecciones de Saint-Cyprien, la Maison De la Photographie en Toulon, la Ciudad de Marsella Ateliers, el Museo de Arte Contemporáneo de Marsella, la Pantalla Caszuidas de Amsterdam, la Plaza de la Federación en Melbourne y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. FRAC de Marsella está presentando actualmente una amplia exposición de su trabajo. Bovo está representada en colecciones públicas y privadas, incluyendo las de; Fnac; Maison Européenne de la photo, Le Grand Hornu en Bélgica, Les Collections de Saint-Cyprien y FRAC de Marsella.

Église des Trinitaires, 40 rue de la République. 13280 Arles - France

https://www.rencontres-arles.com

Imagen: Marie Bovo. СтанСы/ STANCES

SAINT PAUL DE VENCE. Eduardo Arroyo “En el Respeto a las Tradiciones” Fondation Maeght

1 julio  - 19 noviembre, 2017

Eduardo Arroyo, hoy día considerado uno de los grandes pintores españoles de su generación. Nacido en 1937 en Madrid y vinculado al movimiento de la figuración narrativa que se desarrolló en Europa a principios de los años sesenta, ha pintado a la humanidad a través de un juego de imágenes que provienen tanto de la sociedad como de la historia, de la historia del arte y de la literatura. Eduardo Arroyo es también escritor y utiliza la narración fragmentada con humor y el gusto por la paradoja. El resultado es una obra pictórica muy construida que demuestra una libertad constante.

La exposición de la Fundación Maeght ilustra esta idea entre lo absurdo y la ironía en su título: En el Respeto a las Tradiciones. Del 1 de julio al 19 de noviembre de 2017, en el 80 aniversario del artista, presentando una exposición temática de obras realizadas desde 1964 compuestas por pinturas tan conocidas como nunca antes vistas, incluyendo una serie de pinturas creadas especialmente para esta exposición . Se mostrará una serie de dibujos y una colección de esculturas, incluyendo piedras y ensamblajes conformados, entre ficción y realidad, como la serie de cabezas híbridas incluyendo Dante-Cyrano de Bergerac y Tolstoy-Bécassine. Espectacular por su diversidad de materiales, por su riqueza de personajes y su gama de colores, el arreglo de obras contará con pequeños teatros que se refieren a pinturas como Agneau Mystique de Hubert y Jan van Eyck o la que reúne las "vanitas" Y vuela en el Patio Miró.

Como artista comprometido, Eduardo Arroyo rechaza cualquier estetización complaciente del arte y defiende el carácter ejemplar de la obra, el poder de la imagen. Quiere que su pintura sea accesible a la mayor audiencia posible. Sus pinturas están pintadas en colores planos, pero frecuentemente utiliza el collage. También hace esculturas usando arcilla, hierro, piedra, yeso y  bronce. El uso de lo absurdo lo convierte en un heredero directo de Lewis Carroll y Francis Picabia.

Fondation Maeght. 623, chemin des Gardettes- 06570 Saint-Paul-de-Vence, France

http://www.fondation-maeght.com

Imagen: Eduardo Arroyo, La mujer del minero Pérez Martinez llamada Tina es rapada por la policia, 1970.© Adagp Paris 2017. Photo DR.

SAN PERTSBURGO. FD. “Memoria, Mente, Materia: La Escultura de Eduardo Chillida.”The Dalí Museum

hasta el 24 septiembre 2017

La primera exposición en el Museo Dalí dedicada a la escultura desde la inauguración de su nuevo edificio en 2011, presenta más de 60 obras de Chillida incluyendo 16 esculturas, un mural de gran formato, numerosos dibujos y "gravitaciones", el enfoque único del artista para el collage de papel.

Nacido en San Sebastián, en el País Vasco, Eduardo Chillida es conocido por sus obras monumentales en espacios públicos como De Musica, Dallas XV en el Centro Sinfónico Morton H. Meyerson de IM Pei, así como en prestigiosos museos de Europa y Estados Unidos, donde hizo su debut con exposiciones en el Guggenheim y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Durante su vida, Chillida recibió premios importantes; Entre ellos el Premio Graham de Estudios Avanzados en Bellas Artes, el Gran Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, ambos en 1958; El Premio Kandinsky en 1960; Y el Premio Carnegie en 1964 y nuevamente en 1979, compartido con el pintor Willem de Kooning.

La exposición en el Museo Dalí es una exploración del interés de Chillida por la relación de la humanidad con el espacio y las formas orgánicas. Sus materiales son sustanciales y naturales; Su acabado equilibra ligereza y masa. "Estamos presentando una variedad de obras de este maestro escultor y artesano experto", dijo el comisario del Museo Dalí de exposiciones especiales, el Dr. William Jeffett. "Esta es una rara oportunidad para ver las obras de un artista conocido por grandes monumentos escultóricos que a menudo tienen que viajar por el mundo para ver. Aquí, los visitantes tendrán acceso a una serie de esculturas de Chillida junto con dibujos, collages y libros de artista. "

La exposición de Chillida continúa la tradición del Museo de presentar arte y artistas cuya relación con Salvador Dalí y el Surrealismo puede no ser ampliamente conocida. "Cuando André Breton utilizó la palabra inventada Surrealismo de Guillaume Apollinaire para describir un movimiento en el arte, artistas como Joan Miro y Alberto Giacometti ya estaban trabajando. Su arte atrajo la abstracción y el cuerpo humano, y encontró un profundo parentesco con poetas con intereses similares. Es esta tradición, y particularmente estos artistas, lo que impulsó a Chillida desde sus primeras obras ", Dr. Hank Hine, director ejecutivo de The Dali Museum.

The Dalí Museum. One Dali Blvd. St. Petersburg, Florida 33701

http://thedali.org

Imagen: Eduardo Chillida working on an alabaster sculpture, 1975.Photo: Archivo Eduardo Chillida

MELBOURNE. “mmmm….” RMIT Gallery

21 julio - 09 septiembre, 2017

Madrid mmmm ...,es un colectivo formado por cuatro artistas españoles: Alberto Alarcón, Emilio Alarcón, Ciro Márquez y Eva Salmerón que ha estado produciendo arte en el espacio público en todo el mundo desde 1998.

Interactuar, comunicar e interferir, con estas intenciones han estado a la vanguardia española de proyectos performativos desde que estallaron en la escena del arte público europeo hace 18 años.

Los proyectos incluyeron una intrigante acción de arte público en 2013, en la que 50 personas con grandes cabezas de cartón de toro caminaron rectas y orgullosas por las calles del centro de Madrid. Con la figura del toro representando la resistencia, el coraje y el carácter del pueblo español, el evento tenía como objetivo llevar el optimismo a una ciudad fuertemente afectada por la crisis financiera mundial.

Una instalación de arte urbano de mobiliario urbano llamada Meeting Bowls en Times Square, Nueva York, dio al público otra visión de lo que en la calle más concurrida de la ciudad de Nueva York podría verse con un simple diseño.

La escultura de arte público autobús en 2014 se presentó en el barrio de Highlandtown de Baltimore con 14 pies de altura, 7 pies de ancho las tres letras de la parada de autobús que la tipografía expresó la palabra BUS.

En 2002, el colectivo de artistas españoles fabricó un momento con Kiss Invasion, donde 100 parejas alrededor del centro de la ciudad se besaron simultáneamente.

Estos son sólo algunos ejemplos de los más de 50 proyectos creativos en espacios públicos que los artistas Alberto Alarcón, Emilio Alarcón, Ciro Márquez y Eva Salmerón han producido desde que mmmm ... fue fundada.

Esta exposición retrospectiva presenta los proyectos lúdicos del colectivo madrileño entre 2000 a 2016, explorando el terreno común entre sus empresas aparentemente dispares.
RMTI Gallery. 344 Swanston Street, Melbourne, Victoria, 3000

https://www.rmit.edu.auhttp://www.mmmm.tv

Image: MMMM…. Human Rabbit Action – taking street action to Melbourne.

LONDRES. “Santiago Sierra: Estructura Impenetrable” Lisson Gallery

14 julio  - 26 agosto, 2017

Durante las dos últimas décadas, Santiago Sierra ha llevado a cabo acciones provocativas en todo el mundo. Conocido por su trabajo cargado política y socialmente, Sierra regresa a la Lisson Gallery de Londres  para presentar una instalación de gran formato, específica para el sitio, que continúa el interés del artista por las fronteras y el desplazamiento. Tíitulada Estructura Impenetrable, la instalación en forma de rejilla está construida con alambre militar, similar a lo que se utiliza para crear perímetros de seguridad entre países y en zonas de guerra. El trabajo llena el espacio entero de la galería de 27 Bell Street,  los visitantes acceden de uno en uno, creando un ambiente en el cual el acceso es restringido o totalmente negado.

Después de estudiar Bellas Artes en Madrid, Santiago Sierra se trasladó a Hamburgo como invitado de la Hochschule für bildende Künste (HFBK). Fue allí donde se entusiasmó con los trabajos serializados de contenedores industriales mientras se preguntaba por la zona portuaria de la ciudad y donde también se encontró por primera vez con una gran comunidad de inmigrantes y el desplazamiento masivo de extranjeros. Influenciado por el lenguaje formal de los movimientos de arte minimalistas y conceptuales de los años sesenta y setenta, Sierra comenzó a construir estructuras geométricas con materiales industriales para comentar cuestiones planteadas por las fronteras de los estados-nación, asentamientos temporales y bases militares.

Transporta  estos conceptos a un contexto de exposición, ya sea para el espacio cerrado por metal , Lisson Gallery, Londres, septiembre de 2002 (2002), donde Sierra cerró la recién inaugurada galería de Bell Street durante tres semanas, o en la Bienal de Venecia en 2003 , Donde construyó una muralla de cemento a través del Pabellón de España para bloquear a todos los visitantes, excepto a los españoles, proporciona una estrategia eficaz para resaltar los temas de separación, polarización y temor presentes en la sociedad contemporánea. Su obra más reciente, mostrada por primera vez como parte de esta exposición, continúa esta temática y una vez más incorpora los materiales industriales encontrados en la tecnología de defensa para crear una estructura verdaderamente impenetrable.

El trabajo de Sierra muestra cómo, a pesar de las seguridades de las autoridades y los gobiernos, las fronteras nacionales e internacionales no están siendo suprimidas, sino que se están reforzando. El enfoque de las obras no es sólo sobre los materiales utilizados o lo que la naturaleza de la situación puede inspirar sino también sobre la creación de un espacio vacío e inhóspito. A diferencia de una obra de arte minimalista, esta instalación no nace de un cierto arreglo formal capaz de producir satisfacción estética, sino de la frustración que siente el espectador cuando se le somete a tal negación física; El tipo de frustración cada vez más visible en nuestra vida cotidiana, caracterizado por un mundo globalizado que cada vez más y contra intuitivamente necesita protegerse y dividirse para proteger su estabilidad.(Lisson Gallery press-release)

Lisson Gallery. 27 Bell Street. London. UK

http://www.lissongallery.com   http://www.santiago-sierra.com

Imagen: Santiago Sierra. Installation view Lisson Gallery London

BARCELONA. Martin Llavaneras “Fruit Belt” Espai 13. Fundació Joan Miró

13 Julio - 11 Septiembre, 2017

“Fruit Belt” propone una aproximación a la noción de superdomesticación de la naturaleza a partir del proceso natural de respiración de las manzanas y de una serie de técnicas “poscosecha” desarrolladas para retrasar el tiempo de oxidación de las frutas. Por medio de una serie de parámetros de control biológico y de diversos procesos metabólicos relacionados con la producción de fructosa, la exposición se despliega a modo de ensayo conceptual y escultórico en torno a los ciclos vitales de las materias primas y a su flujo permanente.

En “Fruit Belt”, Martin Llavaneras construye un receptáculo que modifica la atmósfera del espacio expositivo e instala un conjunto de depósitos contenedores de líquidos. Estos recipientes están conectados entre sí mediante un circuito de mangueras y bombas circuladoras, que distribuyen a través del Espai 13 una serie de aditivos sintéticos empleados en el proceso de optimización industrial de la fruta.

Fundació Joan Miró Parc de Montjuïc. 08038 Barcelona

http://www.martinllavaneras.com   https://www.fmirobcn.org

Imagen: Curves Converge, Rumen Collects, 2016. Martín Llavaneras

 

 

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