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MIAMI

7 septiembre – 30 octubre 2017

Goaltending propone comprender la producción del arte contemporáneo, definida por elementos mediadores que interfieren en la percepción de las obras, proponiendo una lectura del arte actual más allá a las intenciones iniciales de los artistas y hasta cierto punto de sus relaciones procesuales.

El proyecto se debate entre dos aristas conceptuales divergentes, por un lado destacar cómo la práctica curatorial, entendida como gesto mediador dentro de los procesos estéticos, hace converger heterogeneidad y similitudes implícitas en los discursos y prácticas del arte actual, y por otro señalar las obras en su particularidad, definidas por los propósitos de sus relaciones contextuales.

En este sentido resulta interesante subrayar la coexistencia de artistas que pertenecen no solo a latitudes físicamente distantes, como pueden ser España, Cuba y Estados Unidos, sino también a una distancia generacional, temática y genérica; y cómo a través de disímiles tramas la selección de obras contrasta diversos matices dentro de la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación y el video-art, trazando un punto de vista marcado por la fragmentación y la pluralidad de tendencias que constituyen la idea del arte actual.

Desde la acción curatorial se plantea una relectura de las obras más allá de las intenciones de los artistas, señalando significados diferentes, marcados por una diversidad de puntos de vista, generados en los espacios de circulación social de las obras.

Por otra parte la muestra resalta sus propias contradicciones al cuestionar el discurso curatorial en favor de las obras, es decir aproximándonos a un cumulo de narrativas diferentes donde los más importante podrían ser las obras en sí, fracturando las jerarquías entre el propósito del artistas y la mirada del espectador.

La exposición trata de resaltar dos terrenos diferentes desde donde entender la práctica del arte contemporáneo: Uno el proceso estético como un sistema de relaciones estructurales en el que confluyen lecturas diferentes, donde las obras y sus conceptos son consecuencia de entramados y negociaciones diversas. Y por otra parte, una aproximación estética que resalta el valor específico de las obras a través de vínculos subjetivos, que fracturan la correspondencia entre las intenciones de los artistas, las obras y la manera en que estas pueden ser percibidas por los públicos.

Artistas participantes: Paula Rubio Infante,  Waldo Díaz Balart , Eugénio Ampudia,
Eugénio Merino,
 Ruben Martín de Lucas, Juan Francísco Casas, Yunior Mariño , Marina Vargas,  Manuel Franquello, Grupo DEMOCRACIA , Ángela Valella, Juan Pablo Ballester, Lisbet Fernández, Marcos Valella, Ernesto Capdevila, José Bedia, Yeny Casanueva, Alejandro González (Procesual press-release)

Centro Cultural Español. 1490 Biscayne Boulevard Miami, FL

http://www.ccemiami.org   http://procesual.com

Imagen: “Noli me tangere” Marina Vargas

8 junio – 28 julio, 2017

CCEMiami te invita en colaboración con Spain & Arts Culture a la inauguración de la exposición “Pluralidad de voces” Premios Revelación de PhotoEspaña.

El Premio Revelación, concedido cada año por PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, dirigido al reconocimiento del trabajo de un fotógrafo español menor de 35 años y cuya obra ha destacado el año anterior.

Esta exposición presenta una pequeña muestra de imágenes de un grupo de fotógrafos que han obtenido este premio, desde el nacimiento de PHotoEspaña en 1998 hasta la última edición celebrada el año pasado 2016: David Jiménez, Isabel Flores, Paco Gómez, Lucía Arjona,  el colectivo NOPHOTO, Germán Gómez, Carlos Sanva, Carlos Irijalba y Aleix Plademunt.

Todos los artistas nos hacen reflexionar sobre las problemáticas del mundo en que vivimos: la manipulación del paisaje y la degradación del entorno urbano, la representación del territorio, los problemas de género, la memoria y la identidad; entre otros.

Encontramos en algunos de estos autores una tendencia a la interdisciplinaridad, explorando diversas técnicas y medios, como lo hacen Isabel Flores y Germán Gómez o utilizando la imagen en movimiento, las acciones y performances, como en el caso de Carlos Irijalba.

El conjunto de los trabajos presentados en esta exposición son un reflejo de la riqueza, pluralidad y diversidad de la fotografía actual. (CCE Miami press-release)

CCE Miami1490 Biscayne Blvd, Miami, Florida 33132

http://www.ccemiami.org

Imagen: Aleix Plademunt

12 enero – 1 marzo, 2017

Anatomy of a myth (Anatomía de un mito), reúne una veintena de piezas, algunas de ellas antiguas realizadas en México hace años, como sus corsés y camisones de espinas, en la Bienal del Diseño de La Habana, y obras muy recientes , la última, Bata de cola.
«Ahora estoy trabajando mucho con cables que le sobran o que ya no le sirven a mis amigos, me interesa que sea material que venga de algún lado con historia, que venga cargado, la genealogía de los materiales, y todo tiene que ver con mis temas de siempre: la hembra alimentadora, la madre, la tierra, la lucha», explica la artista.
Susana Guerrero (Elche 1972) siempre ha estado interesada en la reformulación de las mitologías antiguas, ya sean griegas, mexicanas o valencianas, como La mare dels peixos, las tradiciones populares, las leyendas o los rituales iniciáticos, «para mí es muy importante la mitología, partir de una historia; utilizo todo lo que encuentro y lo reconstruyo. Es la reconstrucción de la mujer», añade sobre Anatomía de un mito.
Cables, estructuras metálicas y hasta uñas suyas y de su hijo Ulises, de siete años, «que he ido guardando desde hace tiempo y las he bordado con hilo rojo en la obra Madre y tiempo, para simbolizar el paso del tiempo» es lo que utiliza Guerrero en esa autopsia femenina, o de su propio parto, simbolizado a través de un corsé metálico con los órganos, corazones y pulmones, fuera del sitio y unidos por filtros de sangre «que tiene mucho que ver con la salida de Ulises y la reconstrucción de mi propio cuerpo». (CCEMiami press-release)

Centro Cultural Español de Cooperación Iberoamericana. 1490 Biscayne Blvd, Miami, FL 33132

http://www.susanaguerrero.comhttp://www.ccemiami.org/es

Imagen: Susana Guerrero

15 octubre – 6 noviembre, 2016

Word Portraits es un meticuloso estudio de las vidas de personas anónimas. Mediante un método basado en sesiones de escucha, Baeza trabaja con la biografía de cada persona hasta resumirse en una única frase que la represente: una idea intransferible que sea el centro de su mundo.

Enrique Baeza (Barcelona, ​​1972) experimenta con los límites de la comunicación personal y de masas. En un contexto donde el lenguaje se ha convertido en un instrumento poco útil, el artista utiliza recursos propios de la propaganda, la poesía, el street art y la televisión para ofrecer mensajes que, tanto en el espacio público como en el privado, esgrimen un significado desafiante.

Formado en Filología hispánica, Publicidad y Arte dramático, Baeza está interesado en reivindicar un nuevo tipo de lenguaje que sirva de alternativa a unos códigos de comunicación que cree pobres, mutilados, dirigidos ideológicamente y obsoletos. Por este motivo, elabora eslóganes que juegan desde un sentido paradójico para desplegar su propio significado, mensajes que hacen gala de su propia condición de objetos inacabados induciendo el receptor tantear múltiples interpretaciones. (Fu Art press-release)

FU art Gallery. 8373 NE 2nd Ave / Little Haiti Miami, FL 33138

http://enriquebaeza.comhttp://www.fuart.miami

Imagen: Enrique Baeza

19  - 28 octubre 2016

Rufina Santana, artista Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Reside y lleva a cabo su labor como artista desde las Islas Canarias (España) hacia el territorio internacional, hecho que influye notablemente en el desarrollo de su obra. A lo largo de su fructífera carrera ha participado de numerosos cursos y experiencias de tipo artístico y literario, así como de los talleres de pintores de la talla de Lucio Muñoz y Rafael Canogar. En 1990 realiza una interesante intervención titulada “Alfabeto para una Isla”, que constituye el arranque de su reflexión sobre la naturaleza del jardín primitivo.

Posteriormente, desarrolla su idea en el proyecto colectivo “Hespérides: El jardín interior (2001)” y en las exposiciones individuales “Arqueología del Jardín”, y “Cartografías del Jardín”; proyectos expuestos en Salas y Centros de Arte de Lanzarote, Fuerteventura, Gran Canaria, Tenerife, Senegal, Francia y Japón, en los que se plantea un paso más en esa meditación, creando una geografía de paraísos perdidos en la memoria a través de un grupo de pinturas y piezas escultóricas donde predomina el elemento vegetal simbólico. Siguiendo esta línea de Arte y la Naturaleza, crea “Jardín de dos orillas”, un proyecto en el que celebra la Vida y el Arte junto al Dr. Maasaki Hatsumi, artista japonés que ha recibido importantes honores como “Tesoro Viviente” al ser guardián de la Tradición de su Cultura. Establece de este modo unos vínculos que dan lugar a un diálogo y unas obras singulares de marcado carácter oriental.

 Otra idea muy arraigada en su obra es la del Mito y la tradición greco-latina, situando una vez más su discurso desde la experiencia insular, un lugar de especial relevancia en las conexiones entre Europa y el resto del mundo. La isla, ese microcosmos de paraíso ideal, es a la vez un lugar rodeado de un mar incierto, que trae consigo nuevas culturas y tradiciones que enriquecen tanto a quien en la isla aguarda como al viajero que a ella llega. En la materialización de esta idea se generan otros dos grandes proyectos como son “Oceánicos Azules” y “Cartografías del Agua”. En este caso, Santana despliega su maestría y su reflexión acerca de los mitos relacionados con el agua, con obras de gran formato dominadas por el azul como el mural “Oceánicos Azules” (2007) ubicado en el Hotel Balneario Blancafort en Barcelona o “El Viaje del Héroe” que realiza para la exposición “Cartografías del Agua” que tiene lugar en el Frost Art Museum de Miami en 2015.

De forma complementaria, Santana ha realizado a lo largo de su carrera, otras numerosas exposiciones individuales y ha participado de ferias de Arte internacionales lo que le ha llevado a trabajar en Europa (España, Alemania, Francia, Suiza, Inglaterra, Polonia, Ucrania) Estados Unidos (Nueva York) y Japón. (CCEMiami press-release)

CCEMiami 1490 Biscayne Boulevard Miami

Imagen: Rufina Santana

http://www.rufinasantana.com    http://www.ccemiami.org

1 septiembre – 16 octubre, 2016

Las obras de 28 ilustradores españoles recorrerán el mundo de la mano de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) en una exposición comisariada por Mario Suárez. Una buenísima oportunidad para ver a los mejores ilustradores en una única exposición.  El color del optimismo es una exposición organizada por AECID con el objetivo de difundir la obra de algunos de los más importantes ilustradores españoles contemporáneos.

La exposición muestra 67 obras de los artistas Ricardo Cavolo, Littleisdrawing, Aitor Saraiba, Iván Solbes, Gabriel Moreno, Javier Jubera, Conrad Roset, Paula Bonet, Eva Solano, César Fernández Arias, Paco Roca, Marta Altés, Robert Tirado, María Pascual, Sean Mackaoui, Violeta Lópiz, Óscar del Amo, Silvia Prada, Santiago Morilla, Luis Úrculo, Óscar Giménez, Noemí Villamuza, Sonia Pulido, Merino, Mikel Casal, Iban Barrenetxea, Raúl Allen, María Simavilla.

Con esta muestra se quiere dar a conocer una generación de jóvenes artistas cuyos trabajos son habituales en publicaciones nacionales e internacionales y que cuenta con el apoyo y la difusión que internet da a sus obras. (AECID press-release)

Centro Cultural Español, 1490 Biscayne Boulevard Miami,

http://www.ccemiami.org/es

Imagen. Sonia Pulido “Hop hop”

 

 

 

14 abril – 29 julio, 2016

Grafía Callada es un libro que no se puede leer en la forma convencional: solamente es posible una interpretación gráfica. Esta forma deliberada de separación de contenido ha transformado la estructura gráfica del libro en su narrativa.
El libro está realizado por completo con materiales que se encuentran en la playa. Pepe Gimeno ha creado aproximaciones evocadoras de diferentes formas de escritura, jeroglíficos antiguos, alfabetos binarios y una serie de motivos con los que logra convertir fragmentos de piedra, palos, tapas de botellas de plástico, trozos de juguetes, conchas, colillas de cigarrillos y vidrios rotos en mensajes repletos de expresividad y enorme fuerza poética.
La exposición del libro se puede abordar de dos maneras diferentes: en primer lugar, con una lectura secuencial y ordenada de la colección de imágenes del libro, y en segundo lugar, con una observación directa y detallada de los objetos que componen estas sorprendentes y originales obras.
Pepe Gimeno (Valencia 1951) es un diseñador gráfico español y tipógrafo con una extensa carrera profesional. Desde su estudio en Valencia ha desarrollado un gran número de proyectos en toda la gama del diseño gráfico. Ha ganado numerosos premios internacionales, entre ellos el Certificado de Excelencia en Diseño Tipo del TDC en 2001 por su fuente FFPepe. Ha trabajado para la Oficina del Presidente del Gobierno de España, Las Cortes Valencianas (la Generalitat Valenciana), la Compañía Roca y la Organización para la Agricultura y la Alimentación de las Naciones Unidas (FAO).
Además de sus actividades profesionales, desde el año 2002 ha sido ha desarrollado su expresión creativa con nuevos proyectos basados ​​en materiales de desecho; una fascinante aventura personal que, en términos de concepto y forma, se coloca entre los gráficos experimentales y las obras de arte.
La exposición “Escribiendo sin palabras” se ha mostrado previamente en el Type Directors Club (TDC) de Nueva York, el foro que reúne el mejor diseño tipográfico del mundo. (TDC press-release)

CCE MIAMI.1490 Biscayne Boulevard Miami,

http://www.pepegimeno.com   http://www.ccemiami.org

Imagen: Pepe Gimeno. The Type Directors Club

14 marzo – 3 mayo, 2016

Una antología de piezas históricas olvidadas y trabajos recientes en el centenario del nacimiento del cine animado en España.
La selección de obras que lo componen ha estado a cargo de la comisaria Carolina López. Incluye  películas de autores como Segundo de Chomón, Josep Escobar, Francisco Macián, José Luis Moro, Jordi Amorós, Tomàs Bases, Raúl García, Juan Pablo Etcheverry, Isabel Herguera,  Javier Mariscal, Anna Solanas, Marc Riba, Alberto Vázquez, Pedro Rivero, Izibene Oñederra, Nicolai Troshinsky y Rocío Álvarez entre muchos otros.
 Del Trazo al Píxel ha supuesto un trabajo de dos años de investigación y recuperación de materiales algunos de los cuales estaban fuera de circulación debido a su estado de conservación. El proyecto ha contado con la colaboración de la Filmoteca de Catalunya, la Filmoteca Española y Movierecord, entre otras empresas y entidades.
Algunas de las piezas menos conocidas y sorprendentes de este ciclo son: Garbancito de la Mancha (Arturo Moreno, 1945), primer largometraje de dibujos animados en color de Europa; anuncios en blanco y negro de los años 30 de dibujantes catalanes como Serra i Massana y Ferran; La Edad de Piedra (Gabriel Blanco, 1965), con dibujos de Chumy Chúmez; los spots de los Estudios Moro y Estela, un breve film de Frederic Amat creado para la ocasión. (AC/E press-release)

Centro Cultural Español. 1490 Biscayne Boulevard Miami

http://www.ccemiami.org

Imagen: Minotauromaquia: Pablo en el Laberinto. Juan Pablo Etcheverry, 2004

4 – 27 febrero, 2016

Fernando Cuétara, Madrid 1969. Artista Autodidacta, al que la inspiración le nace de trabajar con materiales sobre los que establece una reflexión estética entendida en sentido hegeliano: belleza de la forma; regularidad, simetría y armonía.

Creador vocacional que, a lo largo de los años, ha sabido poner en marcha su propio y personal lenguaje pictórico, basado en el trabajo, el estudio, la pasión por el arte y –quizás lo que es más definitivo- el inagotable motor de la curiosidad por mirar, sentir y transmitir.

A diferencia de los autores fuente de inspiración del siglo XX, Cuetara se acerca e incluye la tecnología en su obra. Funde la sensualidad de las telas manipuladas dotándolas de luz y estableciendo puentes históricos entre la gestualidad póvera y la estética minimalista.

Su propuesta no hace juicios de valor sobre su entorno, no pretende alterarlo ni reproducirlo, se limita a la objetualidad, a la búsqueda de la expresividad de la materia en sí, al concepto entrópico de orden, en pensamiento de Arnheim, frente al desorden y el barullo.

Como artesano decimonónico, Cuetara utiliza el lienzo desnudo, a través de su manipulación y la observación de sus cualidades específicas, no para cubrirlo de pigmentos o de imágenes, sino para que se exprese en sí mismo. La tela y el pliegue y la luz  es su lenguaje.

Para Cuétara el pliegue, supone asimismo un elemento clave en la construcción y composición de sus cuadros. Es algo más –mucho más- que un simple recurso formal , representa sobre todo un espacio de posibilidades: las de alojar a la vez la materia y el alma, y por encima de todo la plasmación, a través de los pliegues y arrugas de la tela, de la permanencia del artista en su propia obra. El intersticio, la cavidad –que es también relieve…- se convierte en el lugar donde se cumplimenta el deseo de perdurar en la memoria del tiempo y de los hombres. El eterno afán del creador. Francisco Carpio Olmos. (CCCEMiami press-release)

CCEMiami. 1490 Biscayne Boulevard Miami,

http://www.ccemiami.org   http://www.fernandocuetara.com

Imagen: Fernando Cuétara

12 septiembre – 13 diciembre, 2015

Cartografías del Agua narra, el recorrido vital del ser humano.
De la mano de los azules, y describiendo un mapa pintado, Rufina Santana (Las Palmas 1960) nos invita a realizar un viaje, a recorrer la senda del héroe. Dicho viaje comienza atravesando las columnas de Hércules y sigue hacia un mar incierto, ese mar que a todos nos une, y que en el caso de las cartografías, es un mar de tradición mediterránea que une las Islas Canarias, el Jardín de las Hespérides, con el nuevo mundo.

En colaboración con Steven J. Green School of International and Public Affairs FIU, el Programa Español de Estudios del Mediterráneo y la Delegación del Gobierno de las Islas Canarias en Miam y TotalBank. (Frost Art Museum press-release)

The Patricia & Phillip Frost Art Museum. Florida International University, odesto Maidique Campus. 10975 SW 17th Street. Miami, FL 33199

Imagen: Rufina Santana

http://thefrost.fiu.edu         http://www.rufinasantana.com

6 -  27 febrero, 2015
Emili Armengol es un polifacético artista formado en la fundición de hierro. Armengol tiene una sólida trayectoria de más de 40 años trabajando con hierro, acero, bronce y madera. El contraste entre el espacio vacío y la masa, caracteriza su obra; el concepto de movimiento y el equilibrio lo hace único. Su estilo es de gran fuerza y es el resultado de su sentido del espacio y su relación entre el formato y la escala humana.
Armengol utiliza el espacio que la piedra y el bronce generan en su entorno, creando un discurso personal entre el espacio y la amplitud de la forma que reside en cada escultura ya sea en pequeña formato o monumental. .(Nina Torres press-release)

Nina Torres Fine Art. 1800 N Bayshore Drive, Suite CP1. Miami, FL

Nina Torres Fine Art  http://www.emiliarmengol.com

Imagen: Emili Armengol

6 febrero-3 mayo 2015

Tàpies: From Within es un importante exposición retrospectiva que cuenta con una selección de más de 50 pinturas y esculturas de gran formato, representando diversos momentos a lo largo de la carrera  de Antoni Tàpies; (1923- 2012 Barcelona)

La selección de obras incluye ejemplos tempranos desde 1945 y obras recientes creadas en 2011, el año anterior a su muerte. La exposición explora la utilización del artista español de materiales y formas inusuales así como el desarrollo de su lenguaje visual único, que le valió una reputación internacional como uno de los pintores abstractos con más éxito de su generación.
Comisariada por el ex director de la Tate gallery, Vicente Todolí, esta retrospectiva ofrece una vista única de la obra revolucionaria de Tàpies, que fusiona materiales empobrecidos con símbolos de la cultura oriental y occidental para crear obras densas cubiertas con gestos similares al graffiti. Su obra alquímica mezcla cuestiones espirituales y existenciales con las investigación de materiales únicos y objetos encontrados. La exposición presenta una visión íntima y poco común de su obra, a través de una selección de obras procedentes exclusivamente de su propia colección privada y la de la Fundació Antoni Tàpies. (Perez Art Museum press-release)

Pérez Art Museum,  Biscayne Blvd. Miami, FL 33132

http://www.pamm.org     http://www.fundaciotapies.org

Imagen: Antoni Tàpies, Embolcall (Wrapping), 1994 

08 - 30 agosto 2014
En las primeras etapas de su carrera la obra de Antoni Amat refleja la fuerte influencia de su ciudad natal, Barcelona, ​​y el descubrimiento de los titanes españoles como Goya, Dalí y Picasso. A la edad de quince años, tuvo su primera exposición y durante toda su carrera y sobre todo en sus principios la influencia del surrealismo es fuerte. El paisaje mediterráneo, su luz, colores y texturas, aún aparecen prominentes en la obra madura de Amat, que se desvió de surrealismo en los años 80.
Los gestos fuertes y de gran aplicación de pintura y otros materiales sobre madera, lino y lienzo que desarrolló en las últimas décadas han llegado a ser conocidos como la firma del artista. Junto con su estilo personal de  pintura también ha crecido la mitología personal en la obra de Antoni Amat siendo más profundo que el paisaje, la superficie de la tierra se ha roto mostrando el interior. Magma, piedras preciosas, gases, minerales, barro, se dejan caer por la superficie a través de grietas y agujeros en su composición. Mundos densos a veces ocultos han sido revelados por el artista. En las pinturas de gran formato, así como en la escultura este estilo particular de trabajo es aplicable sólo a Antoni Amat.
Sus obras se exhiben regularmente en la Galería Maeght de Barcelona, ​ así como en otras galerías de arte de Madrid, Mallorca, EE.UU., Alemania, Italia, y en museos, fundaciones y colecciones privadas de todo el mundo. .(Nina Torres press-release)

Nina Torres Fine Art,1800 N Bayshore Dr, Miami, FL 33132, U.S

http://www.ninatorresfineart.com

Imagen: “Territorio”, Antoni Amat

8 mayo – 30 julio, 2014

Se trata de un innovador proyecto expositivo que permite a los visitantes conocer el universo creativo de Pep Carrió e Isidro Ferrer, dos diseñadores de reconocida trayectoria, y adentrarse en sus obras a través de dispositivos de realidad aumentada, animación en 2D y 3D, vídeo y otros contenidos multimedia.

“Pensar con las manos” está concebido como un proyecto experimental que pretende explorar las posibilidades que ofrecen las nuevas tecnologías aplicadas al mundo sensible e imaginativo de las obras de Isidro Ferrer y Pep Carrió. El proyecto ha sido desarrollado por Unit, Edición Experimental, un colectivo formado por investigadores de la Facultad de Bellas Artes y la Escuela Técnica Superior de Ingeniería Informática de la UPV y que cuenta con la colaboración de la empresa de comunicación gráfica La Imprenta CG.

La exposición se compone de más de un centenar de obras de Pep Carrió e Isidro Ferrer, entre dibujos, cuadernos, collages y objetos que, vistos a través de la pantalla táctil de un soporte móvil, se activan virtualmente y sus contenidos aparecen multiplicados y ramificados, a veces de forma lúdica, mediante animaciones en 3D y, otras veces, de manera documental e informativa, a través de vídeos y material sonoro. La muestra se complementa con una publicación interactiva que recopila los cuadernos de los autores como parte de su proceso de trabajo. El libro, titulado Abierto todo el día. Los cuadernos de Isidro Ferrer y Pep Carrió, pretende ser un claro ejemplo de cómo los libros impresos tradicionales pueden convivir con las nuevas tecnologías y servir de soporte para formas innovadoras de conocimiento. (CCEMiami press-release)

Exposición organizada por el Ministerio de Educación Cultura y Deporte

Centro Cultural Español de Miami 1490 Biscayne Boulevard, Miami, FL, 33122

Imagen: Pep Carrió, Isidro Ferrer.

http://www.pepcarrio.com/Pensar-con-las-manos