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PARIS. Esther Ferrer, Daniela Ortiz & Xose Quiroga "Tous, des sangs-melés". MACVAL, Vitry-sur-Seine

21 abril – 03 septiembre, 2017

La exposición colectiva "Tous, des sang-mêlés" gira en torno a la cuestión universal y candente de la identidad cultural. Esta propuesta original se hace eco de los proyectos curatoriales anteriores llevados a cabo por el MAC VAL durante los últimos años.

En sintonía con la actualidad global, esta exposición explora la noción de identidad cultural a través de diversas visiones y experiencias artísticas: ¿cuál es nuestro denominador común? ¿Cómo construimos una cultura compartida a pesar de nuestros orígenes cada vez más diversos? Esos son algunos de los problemas globales actuales. Bajo el co-patrocinio del historiador francés Lucien Febvre y su libro We are all mixed-bloods: un manual sobre la historia de la civilización francesa (1950) y el de Stuart Hall, padre fundador de los Cultural Studies, esta exposición realza el concepto de identidad cultural.

A través de la voz de unos sesenta artistas internacionales y alrededor de cien obras de arte, la exposición investiga temas de identidad cultural, nacional y sexual. Todas ellas giran alrededor de la noción de ser, y sin embargo, algunas son obvias, otras plantean, a menudo, debates apasionados, siempre políticos , y otras, recuerdos del pasado, la sensibilidad, las experiencias y la existencia misma, desde el instinto de supervivencia hasta la noción de estar viviendo juntos.

Nacida en 1937 en San Sebastián, Esther Ferrerha vivido y trabajado en París desde 1970. En 1999, representó a Francia en la Bienal de Venecia.
En 1967, Ferrer se unió a ZAJ, un grupo fundado en 1964 por Raymond Barce, Walter Marchetti y Juan Hidalgo. Ferrer siguió siendo un miembro fiel hasta la disolución del grupo en 1997. ZAJ se fundó durante la dictadura franquista y estaba influenciado por la obra de John Cage, Marcel Duchamp, y el movimiento Fluxus. Sus miembros eran partidarios de actuaciones radicales y experimentales en los que la música jugaba un papel importante. Ya sea en colaboración con ZAJ o en sus actividades más personales, Esther Ferrer figura emblemática de la performance, el medio sobre el cual la mayor parte de su trabajo se basa, pero también crea fotografías reelaboradas, vídeos, instalaciones, modelos y objetos. Estas obras están siempre marcadas con un espíritu minimalista y un rigor extremo. estherferrer.fr  

Daniela Ortiz  investiga cómo la raza, la clase, la nacionalidad, el género y la etnicidad se relacionan con las historias coloniales y la migración contemporánea, particularmente considerando la conexión entre las estructuras de poder, la identidad, las narrativas eurocéntricas y la subalternidad. Sus proyectos abordan la articulación de leyes hegemónicas, éticas, ideologías y moralidades con la subjetividad personal y la conciencia colectiva, y toman la forma de conferencias, fotografías e instalaciones. Colabora generalmente con las personas que participan en sus obras, empleando tácticas asociadas con el activismo. Su práctica busca provocar la transformación, centrándose en el valor de uso del arte. daniela-ortiz.com

Xose Quiroga(Ourense, 1979) es licenciado en Derecho y técnico superior en fotografía. Su trabajo pretende generar espacios de tensión donde se exploran los conceptos de raza, clase social, nacionalidad y género para mostrar el comportamiento social como una estructura basada en la inclusión y la exclusión. xosequiroga.com(MA VAL press-release)

MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. Place de la Libération
CS10022 . 94407 Vitry-sur-Seine. Paris.  http://www.macval.fr  

Imagen: Esther Ferrer

PARIS. “José Suárez: unos ojos vivos que piensan” Instituto Cervantes

11 abril – 26 mayo 2017

José Suárez: unos ojos vivos que piensan presenta un centenar de fotografías del artista, junto a una interesantes selección de documentos personales, reseñas periodísticas y catálogos de esta destacada figura de la fotografía española.

La personalidad del gallego José Suárez (Allariz, 1902-A Guarda, 1974) es singular dentro de la historia de la fotografía española. Poseedor de una nueva mirada en una época marcada por la visión costumbrista y de una sólida formación intelectual, la figura de José Suárez es tan novedosa como desconocida para el gran público. La Fundación Cidade da Cultura de Galicia pretende a través de esta muestra recuperar una figura clave de la fotografía del siglo XX, autor de series fotográficas marcadas por el humanismo y la revolución formal y reivindicar la cultura gallega más allá de España.
En un momento en el que imperaba una visión costumbrista de la sociedad gallega tan propia de los años 30, el fotógrafo gallego José Suárez realiza una serie de reportajes que se apartan completamente de esa concepción y que muestran un conocimiento de los movimientos artísticos innovadores del momento, con una nueva visión y una nueva objetividad. Sus investigaciones formales van acompañadas de una gran preocupación humanista, que él mismo hace explícita: “Me interesa el objeto como huella del hombre…”. La excepcionalidad de su obra en este período rebasa el marco gallego, ocupando un lugar relevante en el contexto español de los años 30.
La sólida formación intelectual de José Suárez le diferencia de la mayoría de los fotógrafos históricos españoles, vinculado siempre a círculos culturalmente muy ricos. En Salamanca se rodeó de figuras como Miguel de Unamuno, Benjamín Jardés, José Bergamín o el entorno de la Revista de Occidente. Ya en el exilio mantuvo contacto con el entorno intelectual y artístico de la emigración gallega y española; desde Alejandro Casona a Ramón Pérez de Ayala, Rafael Alberti, Manuel Colmeiro, Rafael Dieste, Luis Seoane, Núñez Búa, Luis Tobio… de los que dejó amplio registro fotográfico. Durante su exilio en América Latina realizó diferentes reportajes sobre; La Pampa, Tierra de Fuego o La Patagonia que fueron publicados en varias revistas. Al mismo tiempo realiza el trabajo en el Portillo en Chile, que dará lugar al libro Nieve en la cordillera (1942). El interés por la cultura japonesa lo llevaría a viajar a Japón en un primer momento durante tres años (1953/56), viaje que le va a dar ocasión de realizar otra de las series emblemáticas que le permitirá acercarse y conocer a fondo la cultura nipona. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes, 7 rue de Quentin Bauchart. 75008 Paris

 https://josesuarezfernandez.wordpress.com   http://paris.cervantes.es

Imagen: Marineiros 1936. José Suárez 

PARIS. “Picasso Primitivo” Musée du Quai Branly

28 marzo - 23 julio, 2017

¿Cuál fue el vínculo de Picasso con el arte no occidental? Abordado en varias ocasiones, el tema fue, sin embargo, eludido durante mucho tiempo por el artista. Análisis de una relación construida sobre la admiración, el respeto y el temor

«¿El arte negro? Nunca oí hablar de él. » Con esta y otras provocativas respuestas, el pintor, escultor y dibujante andaluz de esforzó por negar su relación con el arte extraeuropeo. Sin embargo, como lo demuestra su colección personal, el arte de África, de Oceanía, de América y de Asia siempre lo acompañó en sus muchos talleres. Lo demuestran los documentos, cartas, objetos y fotografías reunidas en la primera parte de la exposición, trazando en un recorrido cronológico, los intereses y curiosidades del artista frente a la creación no occidental.

En una segunda parte más conceptual, Picasso Primitivo propone una comparación entre las obras del Andaluz y las de artistas no occidentales, apoyándose más en una antropología del arte que en la constatación de relaciones estéticas. La comparación resultante revela los cuestionamientos similares a los cuales debieron responder los artistas (las problemáticas de la desnudez, de la sexualidad, de las pulsiones o de la pérdida) mediante soluciones plásticas paralelas (la deformación o la desestructuración de los cuerpos, por ejemplo). En este sentido, lo primitivo no se percibe como un estado de no-desarrollo, sino como un acceso a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano. Exposición organizada por el musée du quai Branly - Jacques Chirac, en colaboración con el Musée national Picasso-Paris.(Musée du Quai Branly press-release)

Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. 37 Quai Branly. 75007 Paris

http://www.quaibranly.fr

Imagen: affiche exposition “Picasso Primitif” Musée du Quai Branly

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

PARIS. Cristobal Balenciaga “Balenciaga, l'oeuvre au noir” Museo Bourdelle

8 marzo – 16 julio, 2017

El Palais Galliera rinde homenaje al modisto Cristóbal Balenciaga (1865-1972) con una exposición en el Museo Bourdelle titulada: Balenciaga, l'oeuvre au noir. La exposición profundiza en los tonos negros de un alquimista de la alta costura: variaciones del negro repetidas en más de un centenar de piezas de las colecciones Galliera y los archivos de la Maison Balenciaga. Esta exposición inaugura la temporada española del Palacio Galliera, que continuará con los Trajes españoles entre sombra y luz en la Maison Victor Hugo (del 21 de junio al 24 de septiembre de 2017) y terminará con Mariano Fortuny en el Palais Galliera (4 de octubre de 2017 - 7 de enero de 2018).

En homenaje a Cristóbal Balenciaga (1895-1972), el modisto de modistos, la exposición en el Museo Bourdelle profundiza en el color negro como motivo de Balenciaga: la espina dorsal de su obra que se inspiró en el folclore y las tradiciones de su infancia española. El negro era el color preferido de un sastre excepcionalmente hábil. El negro era una influencia monástica  del maestro, de quien Dior dijo una vez: "La ropa era su religión". Balenciaga veía el negro como una materia vibrante, ya sea opaca o transparente, mate o brillante, un juego deslumbrante de luz, que se debe tanto a la calidad lujosa de los tejidos como a la aparente simplicidad del corte. Cada pieza es magnífica, la ropa de día a los vestidos de coctel y suntuosos trajes de noche forrados en tafetán de seda, bordados con franjas, decorados con cintas de satén, perlas, lentejuelas ... más de cien creaciones de alta costura en negro pertenecientes a los  tesoros de las colecciones Galliera y Maison Balenciaga.

La exposición se encuentra en el Musée Bourdelle, donde las esculturas reflejan el puro efecto escultórico de las impresionantes creaciones de Cristóbal Balenciaga. Comisaria: Véronique Belloir, (Palais Galliera press-release)

Musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle. 75015 Paris

http://www.palaisgalliera.paris.fr http://www.bourdelle.paris.fr

Imagen: Balenciaga, Black crepe dress, 1964 (back view). Collection Palais Galliera - © E. Emo et A. Llaurency / Galliera / Roger-Viollet