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Foto: B. Mora

NUEVA YORK. Cristina Iglesias “Entwined” Marian Goodman Gallery

9 enero – 10 febrero 2018

A lo largo de su carrera, Cristina Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura y las influencias culturales específicas del sitio. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en diversos materiales que van desde paneles enrejados, pasadizos, laberintos, hasta paredes llenas de textos y formas estructurales y vegetativas, la artista poéticamente redefine el espacio al confundir interior y exterior, lo orgánico y lo artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.

Para esta exposición, Iglesias ha creado varias piezas murales que parecen crecer desde el suelo a lo largo de las paredes. Recordando que la vida yace debajo de todo lo que soportamos, las piezas invaden las paredes y construyen diversas formas. Mirando más de cerca, descubrimos detalles que recuerdan a una especie de naturaleza cristalizada.

Hay una transición a lo largo del espacio hacia las 'Zonas freáticas' en la Galería Sur, que presenta trabajos escultóricos con agua de aluminio fundido en un piso de galerías con terrazas, en el que el agua fluye sobre formas orgánicas de relieve. Trayendo la plaza de la ciudad a la galería, Iglesias una vez más nos da un lugar público para la contemplación y la comunión, al tiempo que insinúa el cuerpo palpitante del agua apenas contenida debajo. Así como sus obras  Deep Fountain y Tres Aguas llevaron una piscina de agua y un río a las ciudades respectivas de Amberes y Toledo, Zonas freáticas recuerda los ríos siempre presentes en la historia y la vida de las ciudades.

Todos los espacios se unen para convertirse en lugares imaginarios que representan plazas urbanas y espacios sensoriales ficticios y topográficos. En este mundo alternativo, las restricciones de la arquitectura se disuelven en el paisaje a medida que el agua y las raíces del yeso fluyen en una coreografía de movimiento y el sonido cuidadosamente sincopado, a medida que ocurre el llenado y el vaciado de un recipiente.

Cristina Iglesias ha participado en numerosas exposiciones internacionales. Representó a España en las Bienales de Venecia de 1986 y 1993 y ha participado en otras como la Bienal de Sydney en 1990 y 2012, y en el Sitio Santa Fe en 2008.

Entre sus próximos proyectos se incluyen una exposición individual en octubre de 2018 en la Fundación Botín, Santander, España, precedida por el Taller de Artes Visuales Villa Iris en septiembre, una iniciativa de la Fundación Botín.

Iglesias ha celebrado recientes exposiciones individuales en el Musée de Grenoble, Francia (2016), On Reality, con Thomas Struth, Ivorypress Space, Madid, España y Cristina Iglesias, BOZAR, Centro de Bellas Artes, Bruselas, Bélgica ( ambos 2014), una gran retrospectiva, Metonimia, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2013), Un lugar de reflexión, Casa Franças, Río de Janeiro (2013), así como exposiciones individuales anteriores en la Fondazione Arnaldo Pomodoro, Milán (2009), Museo Ludwig, Colonia (2006), Museo Irlandés de Arte Moderno, Dublín y Whitechapel Gallery, Londres (ambos 2003), Museu Serralves, Fundaçao Serralves, Oporto (2002), Guggenheim New York (1997) y Guggenheim Bilbao ( 1999), entre otros.

Marian Goodman Gallery. 24 West 57th Street. New York

http://www.mariangoodman.com

http://cristinaiglesias.com

Imagen: Cristina Iglesias “Entwined” Marian Goodman Gallery

NUEVA YORK. Isidro Blasco y Cristina del Campo “Beyond the Brush” Black & White Gallery / Project Space

5 enero – 18 febrero, 2018

  

Black & White Gallery / Project Space presenta Beyond the Brush, una exposición colectiva que reúne a siete artistas que utilizan medios divergentes para reflexionar sobre el mundo en el que viven.
"El mundo está lleno de objetos, más o menos interesantes, no deseo agregar nada más. Prefiero, simplemente, declarar la existencia de las cosas en términos de tiempo y / o lugar". Douglas Huebler, mezclados y superpuestos en esta realidad ficticia".

"Mi obra actual generalmente se centra en la representación de diversos elementos banales relacionados con la vida cotidiana como tema.
Los objetos y las estructuras que selecciono son fragmentos de nuestro entorno que a menudo pasan desapercibidos. Me interesan por varias razones visuales y conceptuales. Los veo como personajes aislados, 
fuera de contexto” Cristina del Campo

"Conecto mi experiencia como un extraño que camina por las calles e interactúa con la ciudad con mis sentimientos más íntimos sobre espacios cerrados y privados" Isidro Blasco

Blasco combina arquitectura, fotografía e instalación para explorar terrenos físicos y psicológicos. Él usa imágenes digitales y materiales de construcción para crear entornos arquitectónicos de gran y pequeña escala y reconstrucciones tridimensionales de vecindarios, produciendo instantáneas de paisajes urbanos que juegan con la percepción. .  (Black&White press-release)

BLACK & WHITE GALLERY / PROJECT SPACE. 56 Bogart Street. Brooklyn New York 11206

http://www.blackandwhiteartgallery.com

http://cristinadelcampo.com  http://isidroblasco.com

Imagen: Cristina del Campo: “Drapings” oil & graphite on canvas. Isidro Blasco: “Subway”(L Train /Morgan Av) c-print. Archival museum board, wood

NUEVA YORK. Juan Miguel Palacios “Imbalance” Booth Gallery

20 enero – 27 febrero 2018

En su primera exposición individual con la galería Booth de Nueva York, Juan Miguel Palacios busca representar el estado de las cosas del mundo moderno, lo que él llama una "sociedad fea", un término que toma prestado del documental de Noam Chomsky Requiem for a American Dream. . Los miembros privilegiados de la sociedad hacen que los demás se teman y se odien entre sí mientras cosechan tantos beneficios como sea posible, y por lo tanto abrazan el avance del yo a costa de los demás.

Palacios presenta un comentario visual sobre el cisma aparentemente existente entre empatía y apatía que el mundo está experimentando.
Si bien su obra tiene un lenguaje figurativo claro, las pinturas de gran formato de Palacios contienen una fuerte carga conceptual, donde su obra desarrollada en serie, tiene un vagabundeo constante de la identidad del individuo y su relación con el entorno. Conceptos como duelo, duelo, lujo, inquietud y desigualdad son constantes vitales en su trabajo. Palacios explora continuamente la compleja gama de emociones humanas. Le impulsa la búsqueda de nuevas formas de expresión y fusiona temas sociopolíticos con experiencias personales y antecedentes históricos del arte, creando un ambiente moderno sobre los temas más destacados y controvertidos de la sociedad contemporánea.
Nacido en Madrid en 1973, Juan Miguel Palacios comenzó a pintar a la temprana edad de 6. Después de un largo viaje con muchos Profesores de Arte y Escuelas de Bellas Artes, a los 12 años se unió al estudio del reconocido pintor español Amadeo Roca Gisbert (un discípulo de Joaquín Sorolla) durante seis años. Durante estos años, fue educado y formado en estricta formación académica hasta que ingresó en la Facultad de Bellas Artes de Madrid en 1991.
Cuando completó su título universitario en 1997, fundó la Escuela de Arte Laocoonte de Madrid, donde combinó la enseñanza con el desarrollo de su carrera como artista y realizó diversas exposiciones en ciudades de España y Europa. También trabajó como muralista, taquígrafo de teatro y pintor de carteles de cine durante esos años. Palacios en la actualidad vive en Nueva York. (Booth Gallery press-release)

Booth Gallery. 325 West 38th St.. Store #1. New York, NY, 10018

http://www.paulboothgallery.com

http://www.juanmiguelpalacios.com

Imagen: Juan Miguel Palacios

NUEVA YORK. Santiago Ramón y Cajal “The Beautiful Brain” Gray Art Gallery

9 enero – 31 marzo 2018

Santiago Ramón y Cajal, considerado el padre de la neurociencia moderna, también fue un artista excepcional. Dibujó el cerebro de una manera que proporcionó una claridad superior a la alcanzada por las fotografías. Combinando las habilidades científicas y artísticas para producir dibujos con extraordinarias cualidades científicas y estéticas, su teoría de que el cerebro está compuesto de células individuales en lugar de una sola red es la base de la neurociencia actual. Esta exposición itinerante de los dibujos originales de Cajal está organizada por el Weisman Art Museum en colaboración con los Doctores: Eric Newman, Alfonso Araque y Janet Dubinsky, neurocientíficos de la Universidad de Minnesota y líderes en el campo de la neurociencia. El Dr. Araque estuvo anteriormente en el Instituto Cajal de Madrid, donde trabajó Cajal y donde se guardan sus dibujos.
La exposición está organizada en colaboración con Ricardo Martínez Murillo, neurocientífico y comisario del legado Cajal en el Instituto Cajal (CSIC) en España. Ochenta de los dibujos de Cajal, muchos de los cuales se muestran por primera vez en Estados Unidos, van acompañados de una selección de visualizaciones contemporáneas del cerebro, fotografías, libros históricos y herramientas científicas. Después de su presentación en el Weisman Art Museum, la exposición está itinerando por diversas galerías universitarias y museos de los Estados Unidos y Canadá. (WAM press-release)

Grey Art Gallery. 100 Washington Square E, New York, NY 10003

https://greyartgallery.nyu.edu

Imagen: Santiago Ramón y Cajal “The Beautiful Brain”

NUEVA YORK. “Esteban Vicente“ Ameringer McEnery Yohe Gallery

14 diciembre 2017 - 27 enero 2018

Esteban Vicente nació en Turégano, España en 1903. Su padre sirvió en la Guardia Civil y fue un pintor aficionado que llevó al joven Vicente con él en sus visitas al Museo del Prado. En 1918, Vicente ingresó en la escuela militar, pero se fue después de tres meses. A los quince años, Vicente comenzó en la Escuela de Bellas Artes de la Real Academia de San Fernando en Madrid. Como un hombre joven que vive en Madrid, Barcelona y París, desarrolló amistades con artistas y escritores. En 1928, tuvo su primera exposición con Juan Bonafé en el Ateneo de Madrid.

En 1936, Vicente salió de Europa en el inicio de la guerra civil española para llegar a la ciudad de Nueva York. Los Estados Unidos se convirtieron en el hogar permanente del artista. Sus contemporáneos y compañeros incluyeron a Willem de Kooning (sus estudios de la calle 10 estaban en un piso compartido), Elaine de Kooning, Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline, Barnett Newman y Ad Reinhardt.

Los últimos trabajos de Esteban Vicente exploran las interminables propiedades emotivas del color, la luz y su efecto sobre la naturaleza. Los lienzos presentados en esta exposición destacan el examen de Vicente de las formas naturales, que estudió en su casa en Bridgehampton, Nueva York durante los últimos años de su larga carrera. Sus pinceladas arrolladoras en matices sutiles forman configuraciones abstractas que evocan escenas imaginativas en la mente del espectador, tanto extrañas  como familiares.

La aguda atención de Vicente a todos los sentidos informa su detallado uso del color: suaves trazos de amarillo, naranja y rojo recuerdan la sensación de un cálido día de primavera en su jardín. Delicados diseños de rosa y verde suave evocan una visión de flores frescas y florecientes, capturadas en un solo momento como se ve a través de los ojos del artista. Su constante interacción entre lo abstracto y lo concreto sigue siendo un deleite intemporal para los espectadores, revelando interpretaciones alternativas con cada observación.

Vicente pasó una buena parte de su carrera en el mundo de la enseñanza, y fue uno de los profesores de Black Mountain College, Black Mountain, Carolina del Norte; la Escuela de Dibujo, Pintura y Escultura Nueva York Studio, Nueva York, NY; y la Universidad de California, Berkeley, CA, entre otras instituciones.

Al final de su vida, el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente, un museo en su honor, fue inaugurado en Segovia por el gobierno español. Vicente asistió a la inauguración del museo en 1998.

Vicente murió a la edad de 97 años en 2001 en Bridgehampton, Nueva York, diez días antes de cumplir 98 años. Tuvo una larga y próspera carrera, viviendo y trabajando con múltiples generaciones de artistas y pintando hasta los 90 en su casa en Bridgehampton. (AMY press-release)

Ameringer McEnery Yohe. 524 West 19th Street, NY, NY 10011

Imagen: Esteban Vicente. Untitled, 1991, Oil on canvas, 48 x 62 inches, 121.9 x 157.5 cm, AMY#6385

NUEVA YORK. Ester Partegàs “Art in the Open” Museum of the City of New York

10 noviembre 2017 – 13 mayo 2018

Ester Partegàs participa en la exposición Art in the Open. Cincuenta años de arte público en la ciudad de Nueva York.

Hasta la década de 1960, la mayoría del arte público en la ciudad de Nueva York se limitaba a monumentos de guerra, murales con mentalidad cívica o relieves que incorporaban valores universales como "Fraternidad" o "Sabiduría". Pero a finales de la década de 1960 llegó una nueva era que cambió la visión en el ámbito público. En los años posteriores, cientos de obras de arte innovadoras, tanto permanentes como temporales, se han instalado en los espacios públicos de Nueva York, convirtiéndolo en el entorno más sólido y vibrante para el arte público en el mundo.
 Arte in the Open destaca obras que han transformado tanto los espacios públicos de la ciudad como las expectativas públicas del papel y el potencial del arte que existe fuera de los límites tradicionales de museos y galerías. La exposición contará con representaciones, maquetas, fotografías y videos que recogen la creación de obras de arte público de artistas como Red Grooms, Christo y Jeanne-Claude y Kara Walker.

Ester Partegàs (1972 , La Garriga , Barcelona) tiene un MFA en escultura por la Universidad de Barcelona y cursó estudios de postgrado en artes multimedia en Universität der Künste , Berlín . Ha presentado exposiciones y proyectos en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield , CT ; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid ; Hallwalls , Buffalo , Nueva York,Centro de Arte Santa Mónica , Barcelona , y Galería de la Universidad de Rice, Houston, TX, entre otros lugares . Durante la última década, el trabajo de Partegàs ha sido incluido en más de 60 exposiciones colectivas a nivel internacional. Está representada por Foxy Productions, Nueva York; Christopher Grimes , Santa Mónica, y NoguerasBlanchard, Barcelona y Madrid. Es profesora adjunta en el Departamento de Escultura de VCU + Extended Media, donde comenzó a enseñar en 2011. En la actualidad es profesona en Parsons/New York (MCNY press-release)

Museum of the City of New York. 1220 Fifth Avenue @ 103rd St.. Ramp access @ 104th St.New York, NY 10029

http://www.esterpartegas.com

http://www.mcny.org

Imagen: Ester Partegàs, The Source, permanent installation at Plaza de las Americas, New York, NY. Commission of the City of New York Department of Cultural Affairs Percent for Art Program. Photo: Mark Woods