Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
2788059

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

MADRID. Isabel Muñoz “El Derecho a Amar” Centro Centro

23 junio – 01 octubre, 2017

Un proyecto fotográfico ideado y desarrollado por la fotógrafa Isabel Muñoz, comisariado por Christian Caujolle, realizado con ocasión del World Pride.

El derecho a amar exhibe cerca de 90 fotografías, retratos de los protagonistas del abanico LGTBI en la España actual y de los diferentes tipos de vivencias dentro de la diversidad y orientación sexual. 

Para este trabajo Isabel Muñoz (Premio Nacional de Fotografía 2016) ha retratado con su cámara a activistas, intelectuales, gentes de a pie, creyentes y agnósticos, adolescentes, jóvenes y mayores, para escenificar su derecho a amar a quien quieran. En la muestra se exponen las imágenes  en un recorrido que aborda diferentes ámbitos  y temáticas: el acoso adolescente, relatos personales de persecución, intolerancia y de víctimas de la ley de Peligrosidad Social, la tercera edad LGTB, los espacios de socialización y la transexualidad, entre otros. (Centro Centro press-release)

CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid |

http://www.centrocentro.org http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz

MADRID. Diana Coca “ Where is Diana? La Fragua. Tabacalera

22 junio – 03 septiembre, 2017

Un proyecto de Diana Coca, en cuya práctica e investigación artísticas se conjugan fotografía, performance y videoarte. Su temática gira en torno a la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor; un cuerpo objeto y sujeto de protocolos, convenciones, espacios sociales, políticos, culturales, religiosos... Cuerpos que muestran el malestar por la opresión de un orden social, un orden marcado por dicotomías excluyentes que hacen imposible la integración de lo múltiple, y que niegan los estados fronterizos.

Where is Diana?’ investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… Me centro en la invasión del espacio público, localizaciones con fisuras y áreas que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad.

Realizo performances para la cámara fotográfica y vídeo fuera del espacio de galerías, museos y distritos artísticos de Pekín y México, donde las reacciones de los transeúntes son más intensas, ya que no esperan que una acción artística suceda ahí. A través de la ironía y la descontextualización creo situaciones donde el espectador puede participar en estas experiencias en contextos de vida real, así hay un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. Inspirada por las Pussy Riots, a través del uso del pasamontañas represento la idea del miedo al otro, que está siendo usado globalmente como estrategia para limitar nuestras libertades. Diana Coca

Diana Coca. Palma de Mallorca, 1977. Vive y trabaja entre Madrid y Pekín. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía por la University of Brighton (2003) y en Filosofía por la Universitat de les Illes Balears (2009). La destrucción y construcción de la realidad o el control ejercido por todos aquellos atributos que contribuyen a caracterizar el cuerpo femenino (maquillaje, zapatos de tacón...), son temas recurrentes en su obra, trabajados a partir de la simbiosis entre la performance, el vídeo y la fotografía. Mediante secuencias narrativas, encontramos su cuerpo semidesnudo y fragmentado concebido como objeto y sujeto a la vez, utilizándose a sí misma como territorio de experimentación y subversión, con la voluntad de transmitir la tensión de lo oculto y poniendo énfasis en la esclavitud del ser humano surgida a raíz de la dependencia tecnológica de la sociedad actual. 

Tabacalera Promoción del Arte. Calle de Embajadores, 51. 28012, Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera  http://www.dianacoca.com

Imagen: Diana Coca

 

MADRID. Alberto García Alix “La Razón de Ser” Galería Juana de Aizpuru

31 mayo – 25 julio, 2017

Exposición dentro de la Sección Off de PhotoEspaña 2017, festival internacional de fotografía y artes visuales. En esta ocasión va a presentar fotografías de distintas series realizadas entre los años 2010 y 2017. La obra de Alberto García-Alix recorre diversos países y es admirada en publicaciones como Vogue, British Journal of Photography o Vanity Fair. Amante de las motocicletas y de los retratos, sus cámaras Leica y Hasselblad han inmortalizado a importantes artistas nacionales e internacionales. Las motos, los tatuajes, la música y la noche han sido algunas de sus musas de inspiración.

Alberto García Alix nació en León, en 1956. Comenzó la carrera de Imagen en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, pero la abandona al considerarla excesivamente teórica. Ha sido un autodidacta y trabajó en el mundo del cine antes de hacerlo como fotógrafo y de colaborar con diferentes medios, como el diario “El País”. Su primera exposición individual la realizó en Madrid, en la galería Moriarty, con lo que consiguió participar en numerosas muestras. Su especialidad son los retratos y es considerado un fotógrafo duro, obsesionado en perseguir la realidad. Busca la sencillez a través de un plano frontal muy directo, no le gusta la sofisticación ni el trucaje y le obsesiona la pureza en el revelado en blanco y negro. La trayectoria de García Alix ha sido reconocida con diversos galardones como el premio Nacional de Fotografía (1999), premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria en fotografía (2003), premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2004) , Premio PHotoEspaña (2012), Caballero de las Artes y las Letras de Francia

Galería Juana de Aizpuru. C/Barquillo 44-1º. 28004 Madrid

http://www.albertogarciaalix.com   http://juanadeaizpuru.es

Imagen: Alberto García Alix. "El Gordo y Kitty",  1991

MADRID. Cristina García Rodero “Lalibela, cerca del cielo” Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa

01 junio – 30 julio, 2017

Entre 2000 y 2009, Cristina García Rodero hizo varios viajes a Etiopía que dieron forma aún proyecto que aún sigue en curso y será motivo de otros viajes, de otras imágenes. Dentro de ese país, la fotógrafa quedó especialmente fascinada con la ciudad de Lalibela, situada en el corazón de las montañas de Etiopía, a 2.600 metros de altitud. 

Considerada como sagrada por los etíopes  el rey Gebra Maskal Lalibela, que gobernó entre 1172 y 1212, quiso hacer de ella una Nueva Jerusalén, en respuesta a la conquista de Tierra Santa por los musulmanes. Para ello mandó construir once iglesias medievales, excavadas y esculpidas en la roca, que se convirtieron en centro de devoción y peregrinación. 

En las imágenes de Cristina García Rodero podemos observar tanto la belleza y peculiaridad de las iglesias medievales, el paisaje y las rocas, como la riqueza de las ceremonias y los ritos que allí se celebran. Sus fotografías nos introducen en un viaje simbólico por esa tierra santa, esa ciudad bíblica, a miles de kilómetros de Jerusalén. En sus imágenes, el tiempo parece haberse detenido para sumergirnos con sus ritos y ceremonias en un tiempo bíblico, que creíamos perdido.(Centro Cultural de la Villa press-release)

Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa, Plaza de Colón 4. 28001 Madrid

Página web    teatrofernangomez.esmadrid.com   

Imagen: Cristina Garcái Rodero

MADRID. Mateo Maté “Canon” Sala Alcalá 31

19 mayo - 23 julio, 2017

La exposición presenta el proyecto site specific de Mateo Maté (Madrid 1964), una relectura sobre la copia o reproducción del canon griego, a través de un conjunto de obras canónicas del arte clásico que han sido adaptadas por el artista a las nuevas pautas estéticas y morales de la sociedad.
El canon, palabra que procede del griego “regla”, es un concepto que se refiere a las proporciones perfectas e ideales del cuerpo humano, pero también es una norma de comportamiento moral y social. Mateo Maté, a través de este proyecto expositivo, reflexiona sobre la vigencia o no de ese canon clásico a través de su reinterpretación y actualización.

El visitante, mediante un itinerario laberíntico como metáfora visual de lo azaroso de la existencia humana, podrá descubrir un conjunto de reproducciones escultóricas recientes realizadas por Mateo Maté en el taller de vaciados de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que dialogan con una serie de reproducciones prestadas para la ocasión por el Museo Nacional de Escultura. En este laberinto, las diferentes piezas establecen conexiones nuevas, insólitas o diferentes a las que se generan cuando se exponen en un museo, reflejando así el momento sociopolítico en el que fueron creadas y contraponiéndose para evidenciar el momento actual.

Sala Alcalá 31. Calle Alcalá, 31. 28014

Imagen: Apolina, 2016, Escayola 150 x 59 x 41 cm ©Mateo Maté, VEGAP Madrid, 2017. Foto: Paco Gómez

http://www.mateomate.com   http://www.madrid.org

MADRID. “Un cierto panorama, reciente fotografía de autor en España“ Sala Canal de Isabel II

12 mayo -  23 julio, 2017

“Un cierto panorama, reciente fotografía de autor en España “, ofrece una visión panorámica de las principales líneas de trabajo que presenta la creación fotográfica actual realizada en nuestro país.

La muestra ahonda en las estrategias, estilos y lenguajes que ha adoptado esta reciente generación de fotógrafos, entre los que se encuentra la creación de colectivos de edición y promoción, el internacionalismo en la temática y el gran protagonismo del fotolibro, muy presente en la exposición a través de más de una cincuentena de ellos.

La exposición se estructura en tres apartados específicos. El primero incluye la producción de 6 autores: Bego Antón, Elisa González, Teo Barba, Jon Cazenave, Bernardita Morello y Jesús Monterde cuya obra está presente a través de proyectos integrales confrontados en cada una de las plantas de la sala. El segundo apartado presenta la obra de otros 48 artistas en formato audiovisual y la tercera sección incluye los fotolibros. Todo ello complementado con un sugerente background sonoro que unifica el espacio de la Sala Canal de Isabel II.

A través de esta amplia selección de obras se podrá ahondar en la rica pluralidad de planteamientos que ayudan a definir la actual fotografía de creación española, tanto desde el punto de vista estético como temático, recorriendo múltiples formatos, lenguajes, concepciones y recursos. Comisario: Jesús Micó. Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid

Actividades: Encuentros con especialistas, visitas guiadas, talleres y derivas fotográficas para todos los públicos.Información. Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

Sala de Exposiciones Canal de Isabel II. C/ Santa Engracia, 125. 28003 Madrid

Imagen: La pareja del año. Jesús Madriñan.

http://www.madrid.org

MADRID. “Piedad y terror en Picasso. El Camino a Guernica” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 abril – 4 septiembre, 2017

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror? (Museo Reina Sofía press-release)

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia . C/ Santa Isabel, 52 . 28012. Madrid

http://www.museoreinasofia.es

Imagen: Pablo Picasso. Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid