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MADRID. Lisette Pons “Culturas que desaparecen. Fotografía y Evolución como memoria de tiempo” Museo Nacional de Ciencias Naturales

hasta el 3 de septiembre de 2017

..."Quise quedarme a vivir en aquellas tierras donde en la inmensidad de su grandeza, conocí el sonido de la Paz.Regresé y regresé de nuevo"...Lisette Pons

La fotógrafa Lisette Pons (Barcelona 1955) presenta en el MNCN una obra en la que analiza la problemática de continuidad del Gran Elefante Africano y de la Cultura Masái. Tras un profundo trabajo de silencio y reflexión, cuestiona la "Evolución".

El elefante, "un ejemplo de perseverancia incansable y voluntad eterna". La tribu Masái, "valores ancestrales que nos igualan a todos".

Con su obra y revelando en el laboratorio, viaja en el espacio y en el tiempo, y constantemente presencia "la fragilidad de la memoria". Sin renunciar a las ventajas de la tecnología digital, nos muestra su largo camino con la fotografía.

Esta exposición nos invita a disfrutar del resultado de la propia evolución personal y profesional de Lisette Pons quien, en su búsqueda incansable, lleva su fotografía un paso más allá, innovando con procedimientos y materiales.

 Una exposición donde la ciencia y el arte, de la mano, muestran un recorrido estético al servicio del conocimiento. (MNCN press-release)

Museo Nacional de Ciencias Naturales. José Gutiérrez Abascal, 2. 28006, Madrid (España)

http://www.mncn.csic.es  http://www.lisettepons.com

Imagen: Lisette Pons. 

MADRID. Susy Gómez “El baile de la vida” Estudios.Tabacalera

14 julio – 3 septiembre 2017

El baile de la vida es una exposición que se concibe como un diálogo entre el espacio y las preocupaciones sustanciales de la artista Susy Gómez, sobre todo las planteadas por su búsqueda de la estructura vital de la persona frente a las circunstancias y frente a la realidad proyectiva.

Susy Gómez nació en Pollença en 1964. Estudió Bellas Artes en Barcelona. Su exposición en la Fundació Miró de Barcelona en 1993, supuso el inicio de una trayectoria ascendente y muy destacada dentro del escenario generacional al que pertenecía. En 1995 se integró en el Salón de los 16 y su obra pudo verse en la Whitechapel de Londres, a lo que siguieron numerosas exposiciones dentro y fuera de España. En 1999-2000 realiza la primera exposición en el IVAM de Valencia, comisariada por Enrique Juncosa. La exposición se titulaba “Algunas cosas que llamaba mías” y en ella se percibía su clara adscripción a los lenguajes internacionales, postminimalistas y postconceptuales, exploradores y analíticos del proceso creador y su plasticidad a través de la relación entre obra y espacio.

Desde sus comienzos, la obra de Susy Gómez ha sido muy distinta en términos de forma y de materiales utilizados, incluyendo esculturas, pinturas, dibujos, instalaciones, fotografías, vídeos y performance, además de lo que podemos llamar varias formas híbridas de su invención. Actualmente Susy Gómez se ha centrado en algo que podemos describir como escultura –un tipo de escultura de nuevo anti-formalista, y realizada a partir de materiales encontrados, a veces de muy gran tamaño, manipulados de distintas formas – además de, y este es un aspecto del todo nuevo en su trabajo, en actividades participativas de cariz terapéutico. Sus nuevas esculturas son algo así como escenarios teatrales, instalaciones de varios elementos que precisan la complicidad de espectador. Se propone una nueva forma de ver y mirar sus obras mediante acciones concretas a propuesta de la artista. Y se comprueba así su interés reciente por psicoterapias alternativas, en especial por las llamadas Constelaciones familiares.

El baile de la vida, sin ser una exposición site-specific, reafirma la voluntad de Susy Gómez por trabajar en el espacio real y se adscribe a los movimientos que revolucionaron los lenguajes plásticos de la escultura occidental en los 60 -70 del siglo pasado. La vinculación de las obras de Susy Gómez con los espacios expositivos, producen una interrelación que añade significados a las posibles interpretaciones. Quiero decir que las coordenadas del entorno inmediato se suman y buscan una complicidad semántica que renueva y reinventa sus propias obras.

Dicho en sus propias palabras: “La exposición propone con cada obra, un ejercicio vivencial y de recorrido hacia esta idea de ecología emocional. Y en este recorrido hay unas posibles propuestas de movimiento interno”.

La exposición, organizada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, pudo verse en las salas del Museu d'Art Contemporani d'Eivissa hasta el pasado 20 de junio. El proyecto ha sido revisado y adaptado para su exposición en el espacio Estudios de Tabacalera, donde permanecerá abierta al público del 14 de julio al 3 de septiembre de 2017

Estudios. Tabacalera. Embajadores 51. Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera

Imagen: Susy Gómez. El baile de la vida 2017

MADRID. Manuel Antonio Domínguez“LA RELACIÓN ESTABLE” Museo ABC

20 junio – 24 septiembre, 2017

El trabajo del artista Manuel Antonio Domínguez (Villablanca, Huelva, 1976) se inscribe en la línea denominada «discurso de género», interesada en analizar las cuestiones que afectan a la comprensión, construcción y valoración colectiva de los roles del hombre. La relación estable a la que alude el título de la muestra es la que afecta a la idea preconcebida que tenemos de las cosas y que aquí se tambalea. ¿Los hombres son lo que aparentan?, ¿actúan como tales? Las imágenes estereotipadas de la masculinidad y de la feminidad en manos de nuestro artista revelan facetas inesperadas.

Para su proyecto, el artista ha elegido de la Fundación Banco Santander, en un irónico acto de restitución de sus características figuras guillotinadas (el artista firmaba hasta hace poco con el seudónimo «El Hombre Sin Cabeza»), una deliciosa pareja de bustos de la Manufactura de Alcora (fechada en torno a 1750) de aire rococó. Del Museo ABC ha optado por dos portadas de la revista Blanco y Negro, firmadas por Hipólito Hidalgo de Caviedes y Abelardo Parrilla Candela en los años treinta, en una el hombre y en otra la mujer como protagonistas absolutos. (Museo ABC press-release)

MUSEO ABC. Amaniel 29-31. 28015 Madrid

http://museo.abc.es  http://manuelantoniodominguez.com

Imagen: La Relación Estable. Manuel Antonio Domínguez

MADRID. Isabel Muñoz “El Derecho a Amar” Centro Centro

23 junio – 01 octubre, 2017

Un proyecto fotográfico ideado y desarrollado por la fotógrafa Isabel Muñoz, comisariado por Christian Caujolle, realizado con ocasión del World Pride.

El derecho a amar exhibe cerca de 90 fotografías, retratos de los protagonistas del abanico LGTBI en la España actual y de los diferentes tipos de vivencias dentro de la diversidad y orientación sexual. 

Para este trabajo Isabel Muñoz (Premio Nacional de Fotografía 2016) ha retratado con su cámara a activistas, intelectuales, gentes de a pie, creyentes y agnósticos, adolescentes, jóvenes y mayores, para escenificar su derecho a amar a quien quieran. En la muestra se exponen las imágenes  en un recorrido que aborda diferentes ámbitos  y temáticas: el acoso adolescente, relatos personales de persecución, intolerancia y de víctimas de la ley de Peligrosidad Social, la tercera edad LGTB, los espacios de socialización y la transexualidad, entre otros. (Centro Centro press-release)

CentroCentro. Plaza de Cibeles, 1. 28014 Madrid |

http://www.centrocentro.org http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz

MADRID. “Piedad y terror en Picasso. El Camino a Guernica” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 abril – 4 septiembre, 2017

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror? (Museo Reina Sofía press-release)

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia . C/ Santa Isabel, 52 . 28012. Madrid

http://www.museoreinasofia.es

Imagen: Pablo Picasso. Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

MADRID. Diana Coca “ Where is Diana? La Fragua. Tabacalera

22 junio – 03 septiembre, 2017

Un proyecto de Diana Coca, en cuya práctica e investigación artísticas se conjugan fotografía, performance y videoarte. Su temática gira en torno a la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor; un cuerpo objeto y sujeto de protocolos, convenciones, espacios sociales, políticos, culturales, religiosos... Cuerpos que muestran el malestar por la opresión de un orden social, un orden marcado por dicotomías excluyentes que hacen imposible la integración de lo múltiple, y que niegan los estados fronterizos.

Where is Diana?’ investiga la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor, un cuerpo que es objeto y sujeto de protocolos, convenciones sociales, políticas, culturales, religiosas… Me centro en la invasión del espacio público, localizaciones con fisuras y áreas que suponen un perjuicio y restricción para las libertades públicas y privadas en relación a la identidad individual, sus cuerpos y sexualidad.

Realizo performances para la cámara fotográfica y vídeo fuera del espacio de galerías, museos y distritos artísticos de Pekín y México, donde las reacciones de los transeúntes son más intensas, ya que no esperan que una acción artística suceda ahí. A través de la ironía y la descontextualización creo situaciones donde el espectador puede participar en estas experiencias en contextos de vida real, así hay un impacto mental y emocional sobre el público, envolviéndolo activamente en la propuesta. Inspirada por las Pussy Riots, a través del uso del pasamontañas represento la idea del miedo al otro, que está siendo usado globalmente como estrategia para limitar nuestras libertades. Diana Coca

Diana Coca. Palma de Mallorca, 1977. Vive y trabaja entre Madrid y Pekín. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de Fotografía por la University of Brighton (2003) y en Filosofía por la Universitat de les Illes Balears (2009). La destrucción y construcción de la realidad o el control ejercido por todos aquellos atributos que contribuyen a caracterizar el cuerpo femenino (maquillaje, zapatos de tacón...), son temas recurrentes en su obra, trabajados a partir de la simbiosis entre la performance, el vídeo y la fotografía. Mediante secuencias narrativas, encontramos su cuerpo semidesnudo y fragmentado concebido como objeto y sujeto a la vez, utilizándose a sí misma como territorio de experimentación y subversión, con la voluntad de transmitir la tensión de lo oculto y poniendo énfasis en la esclavitud del ser humano surgida a raíz de la dependencia tecnológica de la sociedad actual. 

Tabacalera Promoción del Arte. Calle de Embajadores, 51. 28012, Madrid

http://www.promociondelarte.com/tabacalera  http://www.dianacoca.com

Imagen: Diana Coca