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Foto: B. Mora

MONTEVIDEO. Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo” BIENALSUR. Centro Cultural de España

23 agosto - 13 noviembre, 2017

La artista visual y productora cultural española Regina de Miguel, presenta “Una historia nunca contada desde abajo”. A partir de la historia de esta Máquina de la Libertad, que proponía “entregar las herramientas de la ciencia al pueblo”, y otros escenarios paradigmáticos ligados a la noción de desaparición y conocimiento soterrado, se plantea una narrativa fílmica, dividida en actos, entre el documental histórico, la ciencia / política ficción y el retrato psicológico.

“Una historia nunca contada desde abajo”, toma como punto de partida uno de los casos más insólitos y radicales en la historia de las tecnologías de la comunicación recientes: el proyecto Cybersyn o Synco. Este proyecto, dirigido por el visionario cibernético Stafford Beer, tuvo lugar en Chile entre 1971 y 1973 durante el gobierno del presidente Salvador Allende, quedando frustrado debido al golpe de estado liderado por Augusto Pinochet.

Las utopías, aun las más revolucionarias, siempre evidencian los fallos sistemáticos del momento en el que fueron formuladas; este ensayo audiovisual se sitúa en este cruce tratando de pensar qué hay detrás de los usos positivistas y generalizados de las tecnologías, mostrando las condiciones que en este caso las propiciaron y más tarde anularon. Como una máquina narrativa atemporal nos sitúa en la disolución de la distancia entre humanidad y tecnología adentrándose en las fisuras que esto produce.

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur busca impactar fuertemente en la escena artística y cultural regional y global. Esta Bienal está pensada, en su primera edición, con las capitales sudamericanas como epicentro. Además, trabaja en colaboración con las ciudades de Tucumán, Córdoba, San Juan, Montevideo, Asunción, Bogotá, Lima, San Pablo, Santiago de Chile, Valparaíso, Río de Janeiro, Quito, Cali, Caracas. BIENALSUR es un evento de carácter bianual, que se desarrolla a lo largo de 2016 y 2017, organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina) que se desarrollará en diversas ciudades. (Bienalsur press-release)

Centro Cultural España. Rincón 629, Montevideo, Uruguay

http://bienalsur.org/es  http://www.reginademiguel.net

http://www.cce.org.uy

Imagen: Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo”

BUENOS AIRES. Alberto García Alix “De donde no se vuelve” FoLA. Fototeca Latinoamericana

23 agosto – 12 noviembre, 2017

En De donde no se vuelve, una propuesta recientemente creada, García Álix realiza un viaje entre el presente y el pasado de su obra y por tanto de su propia biografía. Un viaje al recuerdo, un “monologo infinito” mediante el cual nos muestra su lado más íntimo y poético. La esencia del proyecto se fundamenta en la obra audiovisual del mismo nombre. El fotógrafo reflexiona a través de su propia voz, desde un presente subjetivo acerca de su pasado y su fotografía.

PHotoEspaña celebra su 20º aniversario y a la edición en España se suma una especial en Argentina en la que habrá exposiciones, visionado de portfolios, charlas y talleres.
El Festival forma parte de un mundo cambiante: en estos 20 años la fotografía ha tenido un enorme desarrollo. Además, el mundo digital ha dado una nueva dimensión tanto al arte como a la forma de comunicarlo y de presentarse en la sociedad.
PHotoEspaña mira al pasado, al presente y a lo que se perfila como el futuro. Lo nacional en continua convivencia con lo internacional. Nombres totalmente consagrados junto con otros hasta ahora desconocidos. Una suma de puntos de vista que, desde cada uno de ellos en particular, aporta una visión, una versión del Festival única, diferente y nueva. 

La trayectoria de Alberto García Álix (León, 1956) ha sido reconocida con diversos galardones, como el Premio Nacional de Fotografía (1999). Estuvo muy ligado a la “movida madrileña”; de la que dejó imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural. Su especialidad son los retratos en blanco y negro. García Álix comenzó la carrera de Imagen en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, pero la abandona al considerarla excesivamente teórica. Ha sido un autodidacta y trabajó en el mundo del cine antes de hacerlo como fotógrafo y de colaborar con diferentes medios, como el diario “El País”. Su primera exposición individual la realizó en Madrid, en la galería Moriarty, con lo que consiguió participar en numerosas muestras. Su especialidad son los retratos y es considerado un fotógrafo duro, obsesionado en perseguir la realidad. Busca la sencillez a través de un plano frontal muy directo, no le gusta la sofisticación ni el trucaje y le obsesiona la pureza en el revelado en blanco y negro. A lo largo de su carrera ha recibido multitud de premios, entre ellos: Premio Nacional de Fotografía (1999). Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria en fotografía (2003), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2004), Premio PHotoEspaña (2012), Caballero de las Artes y las Letras de Francia.  (AECID press-release)

 FoLA. Fototeca Latinoamericana, Godoy Cruz 2626 2626 – Distrito Arcos (Palermo) Buenos Aires

Imagen: Alberto García Alix

http://www.albertogarciaalix.com  http://fola.com.ar  

DALLAS. “Picasso / Rivera: Naturaleza Muerta y Forma Precedente " Meadows Museum

6 agosto – 5 noviembre, 2017


Un grupo de cuatro pinturas y una grabado explora la historia de la rivalidad enérgica y del diálogo visual que entre estos artistas en 1915.
Picasso / Rivera: naturaleza muerta y la precedencia de la forma, explora la historia de la rivalidad enérgica entre Picasso y Rivera a través de la lente de las obras seleccionadas, notablemente la naturaleza muerta de Picasso en un paisaje (1915) de la colección del museo Meadows, La vida inmóvil de Rivera con el tazón de fuente gris (biblioteca presidencial de Lyndon Baines Johnson, Austin), pintada en el mismo año. Junto con una obra clave de cada artista generosamente prestadas por el Museo de Arte de Colón, este grupo de pinturas esboza el diálogo visual que tuvo lugar en 1915 entre estos dos gigantes del arte moderno.
Más allá de las ricas anécdotas sobre la relación de los dos artistas, este conjunto de pinturas ofrece la oportunidad de encontrar paralelos y desviaciones entre estos lienzos. A pesar de los recursos limitados de la guerra, 1914-15 demostró ser una era fecunda de la creatividad para Picasso y Rivera (Meadows Museum Press-release)

Meadows Museum, 5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205

https://meadowsmuseumdallas.org

Imagen: Pablo Picasso (1881-1973), Naturaleza muerta en un paisaje, 1915. 

VENECIA. Fernando Zóbel “Contrapuntos” Fondaco Marcello

hasta el 26 noviembre 2017

Fernando Zóbel. Contrapuntos, una exposición organizada y presentada por el Museo Ayala de Filipinas, y comisariada por Ditas R. Samson y Guillermo Paneque, ofrece una introducción y una mirada a la obra del pintor hispano-filipino Fernando Zóbel (1924-1984). Centrada en el periodo que transcurre entre los años 1957 y 1962, la época en la que desarrolló su lenguaje visual, la muestra reúne por primera vez algunas obras que se consideran los logros más importantes de su carrera, pertenecientes a la serie Saetas y a la Serie Negra. Las pinturas expuestas expresan la capacidad de síntesis y la armonía de las técnicas pictóricas asiáticas y occidentales, y muestran la progresión formal del artista hasta lograr el dominio de los materiales, las técnicas y los conceptos. Las Saetas señalan el comienzo del viaje hacia la abstracción del artista. Las largas y finas líneas caligráficas de las pinturas de la serie Saetas (1957-1959) se ejecutaron y se controlaron con jeringuillas quirúrgicas. “Saeta”, una palabra que significa flecha o aguja, también hace referencia a una de las variedades tradicionales del cante flamenco. Zóbel recordaba que esta serie era el resultado de sus encuentros y experiencias con la luminosidad de Mark Rothko, con la técnica del goteo de Jackson Pollock, y con la caligrafía china y la elegancia de los jardines de Ryōan-ji, en Kioto. Los calados de las composiciones de la serie Saetas evolucionaron hasta convertirse en los gestos pictoricistas y vigorosos de las pinturas de la Serie Negra (1959-1962).

Zóbel, un artista transnacional, nació en Manila y estudió en la Universidad de Harvard, en Boston. Fue una figura clave del movimiento del arte moderno filipino en la década de 1950. Adquirió numerosas obras de jóvenes artistas filipinos y donó su colección al Ateneo de la Universidad de Manila. Esta colección formaría el núcleo de la Galería de Arte del Ateneo, que se considera el primer museo de arte filipino moderno. A partir del año 1960, fijó su residencia en España y forjó una estrecha relación con los artistas españoles, en un momento en que la pintura abstracta española empezaba a ganar predominancia. En 1966, fundó el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, dirigido desde 1981 por la Fundación Juan March, a quien Fernando Zóbel donó toda su colección de pintura, escultura, dibujo y obra gráfica, su biblioteca personal, sus diarios y un conjunto con más de ciento treinta cuadernos de apuntes. Un año después de la fundación del Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca, en 1967, se inauguró en Manila (Filipinas) el Museo Ayala, que se inspiró en su labor de divulgación y valoración de las artes entre los artistas y el público filipino. (Ayala Museum press-release)

Evento Colateral. Bienal de Venecia 2017. Fondaco Marcello. San Marco 3415, Calle del Traghetto o Ca’ Garzoni, 30124 Venice,  

http://biennalezobel.ayalamuseum.org

Imagen: Fernando Zobel. ESCORIAL (1961), Jonathan and Stella Que Collection

ARLINGTON. mmm….. “Meeting Bowls 2017” 1320 N Courthouse Road

12 julio – 01 noviembre, 2017

Creados por el colectivo español mmmm..., los Meeting Bowls son bancos sociales para encontrarse y conocerse, para quedar y relacionarse, lugares para el debate, bancos que humanizan la ciudad. Son unos cuencos muy grandes donde pueden entrar y sentarse ocho personas. Unas cápsulas semiesféricas situadas en la calle para que los peatones puedan mirarse unos a otros. Este mobiliario urbano temporal y lúdico se instalará en 1320 N Courthouse Road (Arlington, Virginia) del 12 de julio al 1 de noviembre. Posteriormente, los Meeting Bowls se trasladarán a Miami del 15 de noviembre al 23 de diciembre, y se instalarán en el Miami Design District durante la prestigiosa feria internacional de arte contemporáneo Art Basel Miami, en colaboración con el Centro Cultural Español en Miami (CCEMiami).  (AC/E press-release)

1320 N Courthouse Road. Arlington, Estados Unidos

http://www.mmmm.tv

Imagen: mmm…. Meeting Bowls

BURDEOS. Lara Almarcegui, Martín Llavaneras, Erlea Maneros Zabala, Xavier Ribas, Pep Vidal “4,543 billones. La cuestión de la materia”CAPC musée d’art contemporain

29 junio 2017 – 7 enero 2018

‘4,543 billones. La cuestión de la materia’ es una exposición que aborda obras de arte, colecciones e historias culturales en relación a procesos ecológicos y la escala geológica del tiempo. La exposición presenta un continuo entre materiales y paisajes temporales a través de películas, obra gráfica, fotografía, escultura, documentos y otros objetos significativos, y surge a partir de la anterior vida del edificio del museo CAPC como almacén de productos coloniales cuyas paredes de piedra caliza antaño fueron extraídas de las profundidades de la Tierra y cuyas vigas de madera formaron parte de un bosque.
Una de las propuestas centrales de la exposición es considerar las obras de arte como parte de la historia geofísica del mismo modo que forman parte de la historia del arte. ‘4,543 billones’ intenta mantener una perspectiva micro-local así como una perspectiva planetaria, y repensar algunas de las historias del arte como fragmentos de narrativas más amplias sobre la Tierra y sobre cómo se ha representado nuestro lugar en ella. ¿Qué está en juego cuando el arte y los museos asumen una mayor conciencia temporal y material? ¿Cómo podrían ir más allá del marco espacial “piensa globalmente, actúa localmente” y profesar “piensa históricamente, actúa geológicamente”?
La exposición toma una visión del pasado que resiste una narrativa indiferenciada en la que la Modernidad en general es culpable del desorden ecológico global y en la que humanidad, en un sentido invariablemente abstracto, debe asumir su responsabilidad. En consecuencia, los artistas participantes a menudo alertan sobre el papel específico y los efectos intencionados de determinados individuos, prácticas, estados o corporaciones a través de relatos entorno a agentes minerales y procesos orgánicos, y cómo éstos se han entrelazado y apuntalado a través de la cultura. Proyectos más documentales evidencian las relaciones entre el arte moderno, el museo y la riqueza creada a través de la industria extractiva, combinando enfoques enmarcados por las ciencias de la Tierra y la historia colonial, la sociología y el reportaje político. Sin embargo, otras obras adoptan un enfoque más atmosférico, fílmico, escultórico o gráfico entorno a la extracción, la economía, la energía y el intercambio global, ya sea orbitando entorno a la luz solar, los bosques, los materiales sintéticos derivados de combustibles fósiles o los servicios y sustancias implicadas en los edificios que conservan y exhiben arte.

Con la participación de: A.J. Aalders, Lara Almarcegui, Maria Thereza Alves, Félix Arnaudin, Amy Balkin, Alessandro Balteo-Yazbeck en colaboración con Media Farzin, Bernd Becher y Hilla Becher, Étienne Denisse, Hubert Duprat, Giulio Ferrario, Ângela Ferreira, Anne Garde, Ambroise-Louis Garneray, Terence Gower, Rodney Graham, Ilana Halperin (también en el departamento de zoología de la Université de Bordeaux), Marianne Heier, Christina Hemauer y Roman Keller, Lucas Ihlein y Louise Kate Anderson, Jannis Kounellis, Martín Llavaneras, Erlea Maneros Zabala, Nicholas Mangan, Fiona Marron, Alexandra Navratil, Xavier Ribas, Alfred Roll, Amie Siegel, Lucy Skaer, Alfred Smith, Rayyane Tabet, Pierre Théron, Pep Vidal, Alexander Whalley Light, Stuart Whipps (también en el Musée des Beaux-Arts) así como documentos y objetos procedentes del fondo documental del CAPC, los Archives Bordeaux Métropole, los Archives départementales de la Gironde, y la colección geológica de la UFR Sciences de la Terre et de la Mer, Université de Bordeaux. (CAPC press-release)

CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux- 7, rue Ferrère. 33000 Bordeaux

www.capc-bordeaux.fr   http://www.lttds.org

Imagen: Xavier Ribas “Chilean Nitrate publicity postcard, c. 1920” from A History of Detonations, 2013. Cortesía del artista y ProjecteSD, Barcelona

HAMBURGO. Ignacio Uriarte “El Arte y el Alfabeto” Hamburger Kunsthalle

21 julio - 29 octubre, 2017

La interrelación compleja de la escritura y la imagen en el arte contemporáneo es el objetivo de la exposición “El Arte y el Alfabeto”, que tiene lugar en las dos plantas de la galería de arte contemporáneo del Hamburger Kunsthalle. Las obras en una variedad de medios, realizadas por 22 artistas internacionales procedentes de 15 países diferentes que tienen que ver con elementos de una amplia gama de idiomas y sistemas de escritura, exploran su impacto como señales visuales al transformándolas artísticamente.

Ya sea en pintura, dibujo, escultura, cine, video, fotografía, instalaciones, obras o performances: observamos aquí cómo los artistas manipulan diversos alfabetos (armenios, árabes, latinos, etc.) y desafían su potencia por prestar una identidad cultural. El texto se superpone hasta el punto de ser ilegible, o se atomiza en sus elementos constitutivos; Los pasajes manuscritos toman una vida propia como vibrantes y poderosas líneas de energía; Y las letras son entonadas y por lo tanto traducidas en unidades de sonido o promulgadas en lenguaje corporal. Esto crea una oscilación de tensión-carga hacia adelante y hacia atrás entre la decodificación y la lectura del texto frente a la percepción y contemplación de la imagen.

Se presentan obras de arte de los últimos diez años, con algunos grupos de obras creadas específicamente para la exposición. Un puente hacia el pasado está creado por unas pocas obras de los años 60 y 70 intercaladas a lo largo de la exposición.

La exposición cuenta con obras de Mounira Al Solh, Richard Artschwager, John Baldessari, Michael Bauch, Marcel Broodthaers, Natalie Czech, Ayşe Erkmen, Friederike Feldmann, Mekhitar Garabedian, Petrit Halilaj, Camille Henrot, Katie Holten, Bethan Huws, Janice Kerbel, Karl Larsson , Rivane Neuenschwander, Paulina Olowska, Martha Rosler, Michael Sailstorfer, Harald Stoffers, Ignacio Uriarte, Philippe Vandenberg

La explicación de Uriarte de su trabajo al principio un poco irritante es inteligente, hilarante y un poco sentimental al mismo tiempo. Estando, como él dice "traumatizado" por su trabajo de oficina durante nueve años, su arte gira en torno a los temas derivados del trabajo y las actividades en las oficinas.

Aquí Ignacio Uriarte se ocupa del orden de las letras en un teclado que inicialmente se pusieron en ese orden para evitar que los tipos se enredaran al escribir. Por lo tanto, hoy día que todos estamos tecleando en ordenadores o teléfonos inteligentes, este orden ha perdido su significado y necesidad, sin embargo nunca se ha cambiado.

El orden en su obra es la fila media de un teclado (agregando el Ö en el teclado alemán). La persona que lee estas diez letras más de treinta minutos es la artista underground alemána, Blixa Bargeld, cantante de la banda de los 80 "Einstürzende Neubauten", una banda que utiliza maquinaria pesada como martillos perforadores y martillos neumáticos, de ahí la connotación con el ambiente de trabajo. (Hamburger Kunsthalle press-release)

Hamburger Kunsthalle. Glockengießerwall 5- 20095 Hamburg

http://www.hamburger-kunsthalle.de  http://ignaciouriarte.com

Imagen: Igancio Uriarte: ASDFGHJKLÖ

 

SAINT PAUL DE VENCE. Eduardo Arroyo “En el Respeto a las Tradiciones” Fondation Maeght

1 julio  - 19 noviembre, 2017

Eduardo Arroyo, hoy día considerado uno de los grandes pintores españoles de su generación. Nacido en 1937 en Madrid y vinculado al movimiento de la figuración narrativa que se desarrolló en Europa a principios de los años sesenta, ha pintado a la humanidad a través de un juego de imágenes que provienen tanto de la sociedad como de la historia, de la historia del arte y de la literatura. Eduardo Arroyo es también escritor y utiliza la narración fragmentada con humor y el gusto por la paradoja. El resultado es una obra pictórica muy construida que demuestra una libertad constante.

La exposición de la Fundación Maeght ilustra esta idea entre lo absurdo y la ironía en su título: En el Respeto a las Tradiciones. Del 1 de julio al 19 de noviembre de 2017, en el 80 aniversario del artista, presentando una exposición temática de obras realizadas desde 1964 compuestas por pinturas tan conocidas como nunca antes vistas, incluyendo una serie de pinturas creadas especialmente para esta exposición . Se mostrará una serie de dibujos y una colección de esculturas, incluyendo piedras y ensamblajes conformados, entre ficción y realidad, como la serie de cabezas híbridas incluyendo Dante-Cyrano de Bergerac y Tolstoy-Bécassine. Espectacular por su diversidad de materiales, por su riqueza de personajes y su gama de colores, el arreglo de obras contará con pequeños teatros que se refieren a pinturas como Agneau Mystique de Hubert y Jan van Eyck o la que reúne las "vanitas" Y vuela en el Patio Miró.

Como artista comprometido, Eduardo Arroyo rechaza cualquier estetización complaciente del arte y defiende el carácter ejemplar de la obra, el poder de la imagen. Quiere que su pintura sea accesible a la mayor audiencia posible. Sus pinturas están pintadas en colores planos, pero frecuentemente utiliza el collage. También hace esculturas usando arcilla, hierro, piedra, yeso y  bronce. El uso de lo absurdo lo convierte en un heredero directo de Lewis Carroll y Francis Picabia.

Fondation Maeght. 623, chemin des Gardettes- 06570 Saint-Paul-de-Vence, France

http://www.fondation-maeght.com

Imagen: Eduardo Arroyo, La mujer del minero Pérez Martinez llamada Tina es rapada por la policia, 1970.© Adagp Paris 2017. Photo DR.

VENECIA. Antoni Abad “La Venezia che non si vede” Catalonia en la 57ª Bienal de Venecia. Cantieri Navali de Castello

13 mayo -  26 noviembre, 2017

“La Venezia che non si vede” es un proyecto de Antoni Abad, comisariado por Mery Cuesta y Roc Parés. El proyecto se basa en un mapeado sonoro de la ciudad de Venecia a través de tablas sonoras que se registran en la app Blindwiki. Esta interpretación sensorial de la ciudad de los canales se hace colaborando con personas ciegas o con baja visión, que utilizan los sentidos de una manera diferente. Mediante el intercambio de experiencias y dificultades que tienen estas personas en su vida cotidiana, se desvelan formas urbanas menos evidentes y se traza un nuevo mapa del territorio público útil para todos. La presentación ha corrido a cargo del artista y los dos comisarios junto con el director del IRL, Manuel Forcano, y el consejero de Cultura, Santi Vila. 

Antoni Abad trabaja con comunidades digitales en que los teléfonos móviles tienen un papel importante como medio de comunicación social y elabora una cartografía sonora y geolocalizada de Venecia a través de la app BlindWiki creada para las personas ciegas, pero accesible para todo el público desde un teléfono móvil. La aplicación permite registrar y publicar impresiones sobre cualquier lugar de la ciudad y escucharlas en cualquier momento: una red ciudadana que mejora los servicios a la comunidad y al mismo tiempo se convierte en una red internacional para compartir experiencias, historias y pensamientos sobre todo lo que no se ve.

De forma paralela, para acercar al público a la BlindWiki, Abad ha dirigido un documental que ha realizado Daniele Zoico -con subtítulos en italiano, inglés y audiodescripción en italiano e inglés - que se proyectará en el espacio expositivo.

El proyecto también incluye la publicación de un cómic táctil, con diseños en relieve de Max (Francesc Capdevila, Premio Nacional de Cómic de España, 2007) y con un guión creado con la colaboración de participantes ciegos, bajo la dirección de la co-comisaria Mery Cuesta. Producción: Institut Ramón Llull. (I.Ramón Llull press-release)

Evento Collaterale della 57. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia. Cantieri Navali de Castello 

http://blind.wiki  

http://www.llull.cat http://www.labiennale.org

Imagen: Ovvero *Venecia, Italia 2017-05-05 15:36:06 #cultura.  BlindWiki.

 

LIMA. Sixe Paredes “Abstracción Numérica” Centro Cultural de España

hasta el 31 diciembre, 2017

Como parte de la exposición Antes, después, ahora, el artista Sixe Paredes vuelve a sus orígenes grafiteros para intervenir la fachada lateral y la galería exterior de nuestro CCE pintando los murales Abstracción numérica y Quipu abstracción.

En Abstracción numérica (pared lateral del CCE, Av. Arenales), Sixe utiliza los números como alegorías  simbólicas de la crisis moderna en la que el ser humano es reducido a un número estadístico por su valor de cambio. Pero el artista también se aproxima al significado y la proyección mística de los números en las culturas ancestrales y a una proyección mística.

Construyendo una amplia crítica como consecuencia de un proceso de adaptación socioeconómico, Sixe investigó sobre nuestra percepción de los números. El individuo, privado de su esencia,  deviene “número” en un estudio de mercado y, bombardeado de información, “abstrae su realidad”, se aliena.

Por otro lado, el número nace como algo fuertemente intrínseco del ser humano, en particular en referencia a su capacidad de racionalizar, a sus necesidades prácticas y, aun más, religiosas. En esta serie, Sixe no prescinde de su enlace íntimo con la tradición andina según la cual, gracias a las matemáticas, el ser humano logra un lenguaje absoluto que le permite unificarse con el cosmos.

“He hecho abstracciones de quipus con cuerdas, con nudos; pero también quise llevar el quipu a la pintura. Me gusta esa idea de transmutar elementos de culturas primigenias para darles importancia y una nueva mirada en el mundo contemporáneo”, explica Sixe Paredes sobre esta pintura mural en la que recrea el magnífico sistema de contabilidad del imperio Incaico, un sistema también de escritura que contenía la narración de múltiples historias.

Quipu abstracción replica en los intensos colores de los hilos y nudos de los quipus una policromía fosforescente que resalta sobre un fondo negro. CCE Lima press-release)

Centro Cultural de España en Lima. Jr. Natalio Sánchez 181. Santa Beatriz. Cercado de Lima 

http://ccelima.org   Sixe Paredes  

Imagen:Quipu abstracción.Sixe Paredes

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