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Foto: B. Mora

MERIGNAC. Andrea Santolaya “Waniku: Donde el agua retumba” Mérignac Photografic Festival. Vieille Eglise de St. Vincent

5 octubre – 17 diciembre, 2017

En Venezuela, los Warao comparten un conjunto de mitos y creencias que son específicos de la tribu. Para estos nativos establecidos alrededor del Delta del Orinoco, todo se centra en el río y la vida acuática. Andrea Santolaya nos ofrece una interpretación personal de esta mitología tribal que combina tradiciones ancestrales y la herencia de los misioneros españoles. En estas imágenes, la figura femenina omnipresente atestigua el papel esencial de las mujeres dentro de la tribu.

Andrea Santolaya(Madrid, 1982) obtuvo su MFA de la School of Visual Arts en Nueva York, donde también trabajó fotografiando las esculturas monumentales en Nueva York de Manolo Valdés. Anteriormente, fotografió la realización de la película "El honor del mal" del artista Carlos García-Alix.
Ha publicado el Making of "Looking for Felipe Sandoval", Ediciones T., "Manolo Valdés". Dieciséis esculturas en Nueva York "con TF Editions," Around "con La Oficina Editions y" Manolo Valdés ". Jardín Botánico de Nueva York con La Fabrica Editions. Este libro obtuvo el 1er Premio a la mejor publicación de arte 2014 por el Ministerio de Cultura y Deportes en España.
Andrea Santolaya ha expuesto en España, Italia, Estados Unidos y Venezuela. Su primera exposición individual en Women Boxers "Around" tuvo lugar en la Galería Marlborough de Madrid como parte del Festival Photoespaña 2011. En 2012 abrió su exposición  individual "Y cuando abrí los ojos. Ya estaban allí "en la Galería Freites en Caracas, Venezuela. En 2014  "Cartes de visites" en el Palau de la Música de Valencia y "Waniku. Donde el agua retumba" en la galería Mondo. 

Vieille Eglise de St. Vincent. Rue de la Vieille Eglise. 33705 Mérignac. (Mérignac Fest. Press-release)

https://merignac-photo.com   http://www.andreasantolaya.com

Imagen: Andrea Santolaya “Waniku”

MERIGNAC. Anna Malagrida “Cristal House” Mérignac Photografic Festival. Vieille Eglise de St. Vincent

5 octubre – 17 diciembre, 2017

Cristal house -que significa la casa de cristal- es el nombre de un caballo de carreras. En su nuevo proyecto, Anna Malagrida recurre a la fotografía, al texto y al vídeo para llevar a cabo una tentativa de agotamiento de un lugar: una casa de apuestas de carreras de caballos situada en el centro de París. Desde la calle, a través de los grandes ventanales, fotografía los movimientos repetitivos y la espera de los jugadores. Situada en el interior de la sala, va al encuentro de éstos y los escucha. Atraídos por las grandes megalópolis, la gran mayoría de los que apuestan son migrantes que llegan de todo el mundo soñando con una vida mejor. La noción de sueño y de esperanza intrínseca a todo jugador, se desdobla en este trabajo en la imagen del que emigra.

Un extraño juego de reflejos sitúa al espectador frente a las esperanzas de los desventurados. Sus palabras, reproducidas en los fragmentos de los textos, dibujan las vidas y los sueños que convergen en este lugar de encuentro y de juego. Desde el interior de esta casa de cristal la cámara filma un fragmento de la vida de la calle a través de los ventanales y muestra el movimiento de la ciudad revelando así su multiculturalismo y su ritmo intenso. Se trata de una tentativa de descripción de todas las cosas y eventos cotidianos que alcanza a registrar la cámara a través de los puntos de vista que ofrecen las ventanas, convirtiendo a su vez la casa de apuestas en el teatro de la esperanza y la ciudad en su decorado. Atractiva, promesa de una vida mejor, la metrópolis que reúne a individuos venidos del mundo entero es un espacio de tránsito, de cruces aleatorios y multiplicador de soledades.

Anna Malagrida (Barcelona, 1970). Vive y trabaja entre París y Barcelona. Utiliza fundamentalmente la fotografía y el vídeo para explorar y recrear, a través de una observación atenta, nuestra experiencia cotidiana. La artista abandona la representación de la realidad y apela en cambio a nuestra fantasía: nos invita a proyectarnos sobre la superficie de sus imágenes y a generar nuestros propios contenidos visuales dentro y fuera de las mismas. Como por su propia gravedad, en el trabajo de Malagrida la ciudad queda transformada en teatro, escenario idóneo para narrar la frágil relación del ser humano con su entorno. La artista primero examina y después nos insta a mirar sin ser vistos. Desde una propuesta lúcida y sin pretensiones, la obra de Anna Malagrida seduce, reconcilia y nos sitúa entre lo visible y lo invisible. Vieille Eglise de St. Vincent. Rue de la Vieille Eglise. 33705 Mérignac. (Mérignac Fest. Press-release)

https://merignac-photo.com  http://www.annamalagrida.com

Imagen: Anna Malagrida. Cristal-House

MERIGNAC. Isabel Muñoz “Album de Familia” Mérignac Photografic Festival. Vieille Eglise de St. Vincent

5 octubre – 17 diciembre, 2017

La primera vez que Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) entró en una reserva de bonobos con su cámara, uno de los simios acababa de morir y el resto de la manada estaba, literalmente, de luto. «No hemos podido llevarnos el cadáver», le explicó uno de los responsables del santuario a la fotógrafa, «porque están en duelo y necesitan despedirse de su hermano muerto. A veces, el fallecimiento de un ser querido les duele tanto que mueren de pena».

El respeto por los muertos que muestran estos primates, así como la ternura entre madres y crías, los abrazos, las caricias y los besos entre parejas de amantes, e incluso sus sofisticados juegos eróticos, son algunos de los comportamientos que más han impactado a Muñoz a lo largo de los tres años que ha dedicado a su último proyecto: una exploración fotográfica de los parientes más cercanos al ser humano en el reino animal, que le ha llevado a recorrer las principales reservas de grandes simios en África y Asia.

El objetivo de esta extraordinaria aventura ha sido retratar a los primates no como en los típicos reportajes de naturaleza a todo color, al estilo de National Geographic, sino en blanco y negro, con una estética que recuerda a los daguerrotipos de los antiguos fotógrafos ambulantes del siglo XIX. «Por eso este trabajo lo he titulado Álbum de familia», explica Muñoz «Les he querido retratar como en las clásicas fotografías de nuestros antepasados, porque de hecho su manera de mirar, sus gestos y sus posturas me recuerdan mucho a cómo posaban las personas en aquellas imágenes antiguas. Al fin y al cabo de ahí venimos, somos todos de la misma familia».

Isabel Muñoz, ganadora de dos premios World Press Photo, ha alcanzado su fama mundial como retratista del cuerpo humano, reflejando la belleza escultural de bailarinas, toreros, artistas de circo y luchadores de artes marciales. Todas sus imágenes se revelan mediante un minucioso y artesanal proceso de revelado sobre papel con una capa de platino, que les proporciona una insólita textura inalcanzable con la tecnología digital. Hasta ahora, sin embargo, jamás se había atrevido a fotografiar animales. Pero para ella, el desafío de retratar a los grandes simios ha sido la evolución lógica de su interés por el ser humano. Pablo Jáuregui.

Vieille Eglise de St. Vincent. Rue de la Vieille Eglise. 33705 Mérignac

https://merignac-photo.com  http://www.isabelmunoz.es

Imagen: Isabel Muñoz. Album de familia

HOUSTON. Sergio Prego “Rose-colored Drift/To the Students” Blaffer Art Museum

28 octubre 2017- 27 enero 2018

El artista residente en Nueva York Sergio Prego crea situaciones espaciales y perceptivas desconocidas para examinar los ámbitos contemporáneos de la experimentación, inspirándose en las performances de la década de 1960.

Sergio Prego “Rose-colored Drift / To the Students” amplía la reciente investigación del artista sobre estructuras neumáticas, un tipo de construcción de membrana que se estabiliza por la presión del aire comprimido, que hace referencia a los proyectos inflables utópicos y nómadas de finales de los años sesenta. Junto a las estructuras neumáticas específicas para el Museo, la exposición presenta esculturas, obras en papel y videos.

Sergio Prego, nació en 1969 en San Sebastián, España, vive y trabaja en Brooklyn, NY. Posee un BFA de la Universidad del País Vasco y asistió a Arteleku, centro de arte experimental en San Sebastián. De 1996 a 2002, Prego trabajó con Vito Acconci en Acconci Studio, un equipo de arquitectura y diseño paisajístico interdisciplinario.

Ha expuesto extensamente en Estados Unidos y en el extranjero, incluyendo la Bienal de Singapur 2008, la Bienal de Moscú 2009, la Bienal del Río Dojima 2009 en Osaka, CA2M, el Museo Guggenheim Bilbao, el MUSAC en León, la Galería Soledad Lorenzo en Madrid, la Galería Alfonso Artiaco en Nápoles, Lehmann Maupin Gallery, Lombard Freid Gallery, TBA21 en Viena, Palazzo Delle Papesse en Siena, The Museum of Contemporary Art en Denver y MoMA PS1 en Nueva York. (Blaffer Art Museum press-release)

Blaffer Art Museum, 4173 Elgin St, Houston, TX 77004

http://blafferartmuseum.org

Imagen: Sergio Prego

BARCELONA. Lita Cabellut “Retrospective” Espai Volart 2, Fundació Vila Casas

5 octubre 2017 – 27 mayo 2018

Después de la exposición “Trilogía de la duda” celebrada en el año 2013 en el Espai Volart 2, la Fundació Vila Casas inaugura nuevo espacio expositivo con esta muestra que traspasa los límites convencionales de la pintura para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y del retrato psicológico con un clasicismo latente, heredero de Goya, Velázquez o Rembrandt.

Ideada y dirigida por Antoni Vila Casas y Lita Cabellut, “Retrospective” reúne obras de los últimos años organizadas en algunas series comprendidas entre los años 2008 y 2017 como “Flower installations” (2016-17), “Disturbance” (2015), “Blind mirror” (2015), “Tempus & divine” (2015), “Black tulip” (2014), “White silenci” (2014), “Dried tear” (2013), “After the show” (2012), “Camaron” (2011), “Memories wrapped in gold paper” (2012), “Coco” (2011), “Frida” (2011), “Madness and reason” (2010), “Installation” (2010), “State or grace” (2010), “Country life” (2009), “Ethics” (2017) y “Dillusion” (2008).

La belleza es el origen de todo lo que conmueve, lo más puro y profundo; también lo más duro porque duele, del mismo modo que duele criar. Es amor. Como un beso crudo. Y la inteligencia son sus ojos.

Lita Cabellut (Sariñena, 1961) es una artista cuya obra va más allá de los límites de la pintura convencional. Determinada, libre, de carácter fuerte y apasionada, Cabellut defiende una pintura desvinculada de las directrices que marcan el mercado artístico. Para ella el arte debe estar por encima de todo esto y el artista ha de ser totalmente libre porque solo de esta forma se puede conseguir el arte por el arte.

Trabaja con lienzos de grandes dimensiones y con una paleta totalmente estudiada y personal, y es que sus colores, como su obra, son intensos y temperamentales, así como el tratamiento de la factura, matérica y voluptuosa. Cabe destacar que, a pesar de que también usa el óleo, muchas de sus pinturas están realizadas con la técnica de la pintura al fresco.

Lita Cabellut es una artista fértil, con una abundosa obra que se ha ido nutriendo desde que tenía solo 15 años y descubrió la pintura en el Museo del Prado de la mano de su familia adoptiva. En esta exposición presentamos una muestra que resume los últimos 10 años de creación de esta artista de origen aragonés, crecida en Barcelona y establecida en La Haya. Un recorrido, pues, por algunas de las series más significativas que han acompañado las reflexiones de una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional contemporáneo. (Fundació Vila Casas press´release)

Espai Volart 2. C/ Ausiàs Marc, 22. 08010 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.comhttp://www.litacabellut.com

Imagen: Lita Cabellut

LIMA. Esteban Villalta Marzi “C(h)aracter pop” Centro Cultural de España

27 octubre 2017 – 14 enero 2018

La obra del artista Esteban Villalta Marzi se clasifica por épocas y sobre todo por temáticas, la mayor parte de ellas nunca abandonadas y reanudadas intermitentemente. 
La exposición C(h)aracter Pop es un recorrido que tiene como hilo conductor personajes que Esteban Villalta Marzi - EVM - ha pintado a lo largo de su trayectoria, personajes que definen no  sólo su ciclo, sino  también un  contexto histórico como es el caso de los primeros  grafitis o La Movida  Madrileña.
El título de esta exposición es una clara llamada a la  fusión entre  la cultura Norte Americana, lugar de nacimiento del Pop Art (Charactere en anglosajón significa personaje), y al denominado carácter latino de nuestro artista, porque todos estos personajes, tienen una fuerza y una personalidad propia: un carácter. 
El artista no tiene reparos en mostrar un Batman Zapateando y con castañuelas o al  Increíble Hulk al lado de una minúscula bailarina de flamenco.
Estos personajes acompañan y definen una trayectoria artística que, aún en su evolución natural y cíclica, ha sido siempre coherente manteniendo un sello que pertenece solo a él y su territorio, un territorio con carácter, el territorio de EVM.
En esta exposición se podrán ver sus famosos Blood Runners, Ices Guys y algunos de sus Super Héroes entre otras obras. ¡Bienvenidos al mundo EVM!

Centro Cultural de España en Lima . Jr. Natalio Sánchez 181 Santa Beatriz. Cercado de Lima 

http://ccelima.org    http://www.estebanvillaltamarzi.com

Imagen: Gestualidad PoP. Esteban Villalta Marzi

MEXICO. “UPFRONT. Fotoreporteros. Una Generación Mundial” Centro Cultural de España

17 octubre 2017 – 18 febrero 2018

Setenta y cuatro imágenes, tres vídeos, una banda sonora, un libro y un poema forman la exposición “Upfront”, una muestra sobre el trabajo de los fotorreporteros de guerra hispanos más destacados, testigos de los conflictos abiertos en el mundo. Organizada por la Cooperación Española, a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), la muestra reúne el trabajo de veintitrés prestigiosos fotógrafos que han llevado sus imágenes a las portadas de la prensa de todo el mundo. Estos profesionales comparten una mirada y un idioma cubriendo la actualidad, desde Afganistán a Haití, pasando por Siria, Congo, Libia o Centroamérica, donde algunos han vivido el secuestro, el aislamiento, el hambre y también el reconocimiento en forma de premios como los Pulitzer o los World Press Photo.

Ramiro Villapadierna que cubrió como reportero las revoluciones y conflictos en Europa Central y los Balcanes y hoy dirige el centro del Instituto Cervantes en Praga, es el comisario de una exposición con la que ha querido mostrar al público uno de los oficios más arriesgados. “Las imágenes no buscan acongojar, ni incitar el voyeurismo, ni siquiera promover la gran fotografía como vía del arte moderno; tampoco aún proponer iconos. Sugieren un experimento que conecta en línea los muchos frentes del mundo con el sofá casero, desde el que contemplamos distraída e indiscriminadamente, todo el ruido y la furia visual que nos ensordece a diario”, según el comisario. Además, “Upfront” es una reivindicación de estos profesionales que salen a trabajar solos con su cámara, sin saber cómo y cuándo regresarán, y un homenaje al desaparecido Miguel Gil, uno de los reporteros españoles más internacionales, fallecido mientras ejercía su trabajo. Villapadierna ha concebido la exposición no como una muestra meramente visual sino que la plantea “de una manera experiencial, con la intención de reproducir sensaciones o situaciones que los reporteros viven habitualmente”.

Una fría y oscura sala recibe al visitante, que durante unos minutos queda desorientado y rodeado por grandes imágenes que cuelgan del techo. Las fotografías, sin marco, parecen abalanzarse sobre el espectador. La oscuridad solo queda interrumpida por esporádicos disparos de flashes que sobre una banda sonora especial emulan fogonazos letales. El pavimento bajo los pies recrea la inseguridad a cada paso en que se mueve el propio fotógrafos en un inhóspito territorio de conflicto. De fondo, una banda sonora constante acompaña la visita; se trata de una composición musical de Mariano Lozano creada específicamente para la muestra. Las fotografías se han dispuesto creando diálogos ficticios entre ellas. Así, mientras vemos la imagen de una mujer que llora con un niño, junto a ella, se puede contemplar otra de un francotirador disparando. Pero más allá de la trampa propuesta, un vínculo común enlaza todos los trabajos, el dolor, que para la veterana fotógrafa Sandra Balsells, “es lo único que no ha cambiado a través de la historia” y la geografía. Los argentinos Rodrigo Abad y Natacha Pisarenko, la colombiana Ariana Cubillos, el peruano Esteban Félix, y los españoles Pep Bonet, Manu Brabo, Olmo Calvo, Sergio Caro, José Colón, Luis de Vega, Raúl Gallego Abellán, Ricardo García Vilanova, Diego Ibarra Sánchez, JM López, Andoni Lubaki, Catalina Martín-Chico, Andrés Martínez Casares, Maysun, Alfonso Moral, Rafael S. Fabrés, Miguel Ángel Sánchez, Guillem Valle y Álvaro Ybarra Zavala, son protagonistas de esta historia. (CCEMX press-release)

Centro Cultural de España en México Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97 Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

http://www.upfront.es  http://ccemx.org

Imagen: Andrés Martinez Casares

MALAGA. “LEIRO” CAC. Centro de Arte Contemporáneo

6 octubre 2017 – 7 enero 2018

Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta “Leiro”, título de la muestra comisariada por Fernando Francés. Entre esculturas y dibujos, la exposición reúne más de cuarenta obras del artista gallego más internacional. Francisco Leiro realiza esculturas como una alegoría de la vulnerabilidad y la fragilidad humana. La realidad pasa a ser una ficción más: una construcción de las personas, donde Leiro ejecuta un juego de ambivalencia entre el lenguaje literal y el figurativo. El CAC Málaga muestra sus obras escultóricas realizadas en madera, entre las que podrán verse, alegorías a El Quijote, la estatua de un dios de más de tres metros, figuras antropomorfas o escenas relacionadas con la masacre de Alepo, Siria.

“Un tronco de árbol es el fuste del árbol. Es la columna. La columna es un árbol y la columna es un hombre y el hombre es el árbol. La madera es un ser vivo y la hay de colores como los hombres [...] y la hay blanda o dura, como los hombres [...]”, declaraba Leiro sobre el binomio entre madera-escultura y su relación con el hombre. “Mis esculturas giran en torno al cuerpo humano y generalmente son narrativas. En algunos casos se acercan a las fábulas y narraciones populares. También hago interpretaciones desacralizadas de temas mitológicos o religiosos”.

Para Fernando Francés, Francisco Leiro “es claramente uno de los firmes ejemplos de cuando el arte es compromiso con la vivencia y el pensamiento autobiográfico. Leiro se compromete, se empapa de la realidad, de las masacres, de las injusticias, de los asesinatos, de la desmesurada violencia que existe para trasladarlo a sus esculturas, donde nos encontramos, queriéndolo o no, con la cruda realidad, personas muertas apiladas, inocentes que reciben palizas, trabajadores que recogen restos humanos del suelo, o limpian un desastre causado por los propios hombres”.

Francisco Leiro(Cambados, Pontevedra, 1957) formó parte en la década de los setenta del grupo surrealista Foga, acentuándose en estos momentos en su escultura la mezcla de elementos surrealistas y de una figuración más lánguida que mostraba la parte más sarcástica de la condición humana. En estos años, celebrará su primera exposición individual en la Sociedad Cultural de Cambados en 1975, con tan solo dieciocho años. A comienzos de los 80 participó en la última exposición colectiva de Atlántica. Surgió no como un movimiento, sino como un grupo de personas que pretendían “discutir el país”, y que protagonizaron un cambio de dirección en el arte español.

A finales de los 80 se traslada a Nueva York y su trabajo se dinamiza hacia un cada vez mayor interés en la abstracción de la figura y el cuerpo. En los noventa se producirá una progresiva desaceleración de elementos oníricos, la imaginación se pone al servicio de resultados más formales que efectistas o narrativos y va abriendo el camino hacia los cambios producidos en el 2.000, donde se impone un ritmo más atento a la realidad. (CAC press-release)

CAC. Centro de Arte Contemporáneo. C/ Alemania, s/n 29001 Málaga España

http://cacmalaga.eu

Imagen: Expo. LEIRO. CAC

LONDRES. “Dali / Duchamp” Royal Academy of Arts

7 octubre 2017 - 3 enero 2018

Esta exposición única examina la relación entre Salvador Dalí y el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp. Es la primera exposición dedicada a su amistad y a la influencia mutua en su trabajo, la exposición explora el terreno común, tanto personal como estético.

Dalí y Duchamp mantuvieron una amistad y una admiración mutua a lo largo de sus carreras, alimentados por sus intereses artísticos compartidos, entre ellos el erotismo, el lenguaje, la óptica y los juegos, y su humor y escepticismo, lo que llevó a ambos, de diferentes maneras, a desafiar las opiniones convencionales del arte y la vida.

Esta exposición reúne alrededor de 60 obras, entre ellas algunas de las pinturas y esculturas más inspiradas realizadas de Dalí, y las instalaciones y los ready-mades de Duchamp. También muestra fotografías de Dalí, pinturas de Duchamp, correspondencia y colaboraciones entre los dos artistas.

La exposición ha sido organizada por la Real Academia de las Artes de Londres y el Museo Dalí de San Petersburgo, Florida, en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí y la Asociación Marcel Duchamp. (RAA press-release)

Royal Academy of Arts. Burlington House, Piccadilly,. London, W1

https://www.royalacademy.org.uk/

Imagen: Salvador Dalí, Les premiers jours du printemps (The First Days of Spring), 1929. © Collection of the Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida / © Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS 2016.

 

PARIS. “Picasso 1932: Année Érotique” Musée Picasso

10 octubre 2017 – 11 febrero 2018

El 15 de junio de 1932, Pablo Picasso es noticia: Tériade publica una entrevista con el artista en el diario francés L'Intransigeant, con motivo de la inauguración de la exposición retrospectiva de su obra en la galería Georges Petit. Cuando el crítico presenta al artista diciendo «descubrirás la expresión de algunas de sus ideas que no son sólo las de un pintor, sino también las de un hombre. », Picasso replica con una de sus más famosas declaraciones: ”El arte que hacemos es una forma de mantener su periódico”
Ambas declaraciones se refieren a la dimensión humana y biográfica de la obra de Picasso que, de hecho, será cada vez más significativa ese año (1932). El artista, ahora frente a frente ante treinta años de su propia obra, integra la necesidad de documentar su trabajo día a día, fechando sus pinturas, esculturas, dibujos y grabados. Un procedimiento que le lleva a mantener un registro de lo más esencial hasta de  los rastros más modestos de su vida excepcional.
La exposición «Picasso 1932» completa así un año completo de la vida del pintor español a través de la presentación cronológica de su obra y archivos. La exposición se organiza en colaboración con Tate Modern de Londres.

La exposición presenta obras maestras esenciales en la carrera del artista como El sueño y es también un homenaje a la opulencia que el pintor rico, alabado y famoso goza, junto con la fuerza paradójica de su obra que juega con su pasado inventando nuevos y "opresivos" formularios. (Musée Picasso press-release)

Musée Picasso, rue de Thorigny 75003 Paris.

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Le Reve. Pablo Picasso 1932

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