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PARIS. “Picasso Primitivo” Musée du Quai Branly

28 marzo - 23 julio, 2017

¿Cuál fue el vínculo de Picasso con el arte no occidental? Abordado en varias ocasiones, el tema fue, sin embargo, eludido durante mucho tiempo por el artista. Análisis de una relación construida sobre la admiración, el respeto y el temor

«¿El arte negro? Nunca oí hablar de él. » Con esta y otras provocativas respuestas, el pintor, escultor y dibujante andaluz de esforzó por negar su relación con el arte extraeuropeo. Sin embargo, como lo demuestra su colección personal, el arte de África, de Oceanía, de América y de Asia siempre lo acompañó en sus muchos talleres. Lo demuestran los documentos, cartas, objetos y fotografías reunidas en la primera parte de la exposición, trazando en un recorrido cronológico, los intereses y curiosidades del artista frente a la creación no occidental.

En una segunda parte más conceptual, Picasso Primitivo propone una comparación entre las obras del Andaluz y las de artistas no occidentales, apoyándose más en una antropología del arte que en la constatación de relaciones estéticas. La comparación resultante revela los cuestionamientos similares a los cuales debieron responder los artistas (las problemáticas de la desnudez, de la sexualidad, de las pulsiones o de la pérdida) mediante soluciones plásticas paralelas (la deformación o la desestructuración de los cuerpos, por ejemplo). En este sentido, lo primitivo no se percibe como un estado de no-desarrollo, sino como un acceso a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano. Exposición organizada por el musée du quai Branly - Jacques Chirac, en colaboración con el Musée national Picasso-Paris.(Musée du Quai Branly press-release)

Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. 37 Quai Branly. 75007 Paris

http://www.quaibranly.fr

Imagen: affiche exposition “Picasso Primitif” Musée du Quai Branly

"DIÁLOGOS SIN PALABRAS" Diálogo 02. Marta Soul / Alejandra Carles-Toldrá

El nuevo espacio de proyectos on-line “Diálogos Sin Palabras”  tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Diálogo 02. Marta Soul / Alejandra Carles-Toldrá

Diálogos sin Palagras 02. Marta Soul

Diálogos sin Palabras 01. Alejandra Carles - Toldrá 

Marta Soul, (Madrid, 1973). Es fotógrafa residente en España. Sus proyectos artísticos reflexionan sobre la interacción entre imágenes y realidad, así como la influencia mutua que tienen entre sí ambas ideas. Está interesada en explorar los roles de identidad, sexualidad, cultura y apariencia, y en el modo en que se determinan por la sociedad.
Sus imágenes suelen incluir personajes retratados en contextos con un discurso social determinado. Experimenta con las apariencias de estos personajes (por ejemplo, la estética del éxito) para reflexionar sobre temas como la consecución de los deseos o la expresión de las aspiraciones insatisfechas.
Ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia).         

http://martasoul.com

Alejandra Carles-Tolrá es una fotógrafa y profesora de fotografia de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido. 

 Diálogos Sin Palabras” tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Imagen: "Diálogos sin Palabras: 01. Alejandra Carles Toldrá. 02. Marta Soul

quepintamosenelmundo.com

"DIÁLOGOS SIN PALABRAS" Diálogo 01: Alejandra Carles -Tolrá

 

Diálogo 01: Alejandra Carles-Toldrá

 
                                                      
 Imagen 01: Alejandra Carles-Tolrá
Imagen 00: QPM. Blanca Mora.

Alejandra Carles-Tolrá es una fotógrafa y profesora de fotografia de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido.  .http://www.alejandractr.com

“Diálogos Sin Palabras” tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Imagen: "Diálogos sin Palabras 00: Blanca Mora Sánchez. 01 Alejandra Carles Toldrá

quepintamosenelmundo.com

 

 

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

LISBOA. Jordi Colomer “Utopia/Dystopia: X-Ville” MAAT Museo de Arte, Arquitectura y Tecnologia

22 marzo –21 agosto, 2017

El artista español Jordi Colomer (representante oficial de España en la Bienal de Venecia de este año) participa en la exposición Utopia/Distopia Parte II con su obra X-Ville.
Basada en la obra del arquitecto y filósofo Yona Friedman, Utopies Réalisables (1974), la obra busca reafirmar la posible implementación de una utopía documentando la realización de un taller por el artista y varios estudiantes.

Jordi Colomer nació en Barcelona en 1962. Actualmente reside y trabaja entre Barcelona y París. Dotada de un marcado sentido escultórico, su obra abarca múltiples medios poniendo un énfasis especial en la fotografía, el vídeo y en la puesta en escena de ambos dentro del espacio expositivo. A menudo, la creación de situaciones, propias de una suerte de “teatro expandido”, permite al espectador evaluar su relación con las representaciones y con su propio papel dentro de y frente a ellas. 

Algunos de los trabajos más recientes investigan las múltiples facetas de la utopia o de la distopía y sus relaciones con la ficción y la Historia; en L'avenir (2010), seguimos a  un grupo singular de pioneros en el marco de una interpretación libre del proyecto del Falansterio de Charles Fourier. Prohibido Cantar / No Singing (2012) superpone ciudades imaginarias y proyectos no realizados. El gesto fundador de una ciudad, evoca al mismo tiempo los mega-proyectos fallidos de ciudades-casino en la España de la crisis económica, (como Gran Escala o Eurovegas) y la ciudad de Mahagonny descrita por Bertoltd Brecht en el momento mismo en que Las Vegas empezaba a tomar forma en pleno desierto. La Soupe Americaine / The American Soup, sobre los habitats provisionales de la posguerra (Normandía, 2013) o The Svartlamon Parade (Trondheim, Noruega, 2014) incorporan imágenes de archivo, que sobreviven en un pliegue del imaginario próximo, para reactualizarlas y situar al presente en una posición crítica. (MAAT press-release)

MAAT Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Av. Brasília, Central Tejo, 1300-598 Lisboa

http://www.jordicolomer.com   https://www.maat.pt

Imagen: “X-Ville”. Jordi Colomer

LONDRES. Pablo Genovés “Tides” Catedral de San Pablo

01 marzo - 30 agosto, 2017

Pablo Genovés (Madrid, 1959) se convertirá en el primer artista español que expondrá en la catedral de San Pablo en Londres. Las obras mostradas, creadas específicamente para la ocasión y que se podrán contemplar a partir del 1 de marzo, se agrupan bajo el título “Tides”.

La serie está inspirada en las consecuencias del cambio climático. Genovés pone en contraste el caos desatado por la Naturaleza frente a la armonía que inspira la catedral neoclásica diseñada por Christopher Wren. Agua y niebla son las dos fuerzas ingobernables que irrumpen en el impresionante edificio londinense y que lo llevan a su destrucción.

«El agua significa vida y muerte, renacimiento y cosecha, inundaciones y sequías, mientras va fluyendo con sus mareas a través de nuestro planeta», ha afirmado el artista respecto a esta obra. El agua, un elemento fundamental en los rituales de todas las religiones, «es un tema más que apropiado para la catedral de San Pablo».

«Altar», «Cúpula» y «Nave» son las tres composiciones que forman «Tides». Pablo Genovés se formó principalmente en Londres y en Nueva York. Reside entre Berlín y Madrid y su obra se ha expuesto en casi toda España y también (individual o colectivamente) en Francia, Alemania, Reino Unido, Bélgica, Argentina, Brasil y EE.UU.

La nefasta influencia del ser humano sobre el clima y el medio ambiente ha sido retratada en diferentes ocasiones por el fotógrafo madrileño. Lo que él llama «era Antropogénica» aparece en sus collages fotográficos, a menudo hechos con imágenes históricas que él llama «imágenes rescatadas». Se trata de obras dotadas de gran dramatismo pero, a la vez, belleza.

Sus fotografías forman parte de colecciones nacionales e internacionales tan relevantes como la Fundación Coca-Cola, Circa XX, Banco Espíritu Santo, Patio Herreriano, CAC Málaga, Museo de la Solidaridad en Santiago de Chile, Colección Aena, Colección del CGAC, Colección Comunidad Autónoma de Murcia, Colección Aperture Foundation de Nueva York.

Seleccionado para este encargo por el Comité Artístico de la catedral de San Pablo, su obra llega a un recinto en el que le han precedido creadores de relevancia internacional como Bill ViolaAntony Gormley o Yoko Ono. La serie viajará a continuación a otras catedrales del mundo. (Metalocus press-release)

The Chapter House, St Paul's Churchyard, London, . EC4M 8AD

pablogenoves.com  stpauls.co.uk

Imagen: Pablo Genovés

SAINT-ETIENNE. "Jaume Plensa" MAMC- Musée d’art moderne et contemporain

09 marzo – 17 septiembre, 2017

Desde sus principios Jaume Plensa ha desarrollado su trabajo como escultor en diversos materiales: hierro, bronce, cobre, hierro fundido, vidrio, alabastro, resina sintética, plástico, luz, hormigón, vídeo, sonido ...
Para esta exposición, el Museo presenta una colección de esculturas en hierro fundido y acero en el hall central, así como intervenciones llevadas a cabo in situ, específicamente para este proyecto. Comisariado: Lóránd Hegyi.

Jaume Plensa (Barcelona, 1955), formado en la ‘Llotja’ y en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Jorge, es uno de los escultores más internacionales del panorama español. Su obra ha sido reconocida con premios y distinciones, entre ellas la Medalla de Caballero de las Artes y las Letras de Francia en 1993; Doctor Honoris Causa por la Escuela de las Artes del Instituto de Chicago; Cruz de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña; Premio Nacional de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte; Premio Velázquez de Artes Plásticas (MAMC press-release)

MAMC- Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne. Rue Fernand Léger - 42270 Saint-Priest-en-Jarez

http://jaumeplensa.com  http://www.mam-st-etienne.fr

Imagen: Jaume Plensa. Photo : Inès Baucells. © Plensa Studio Barcelona / ADAGP, Paris 2017

PARIS. Cristobal Balenciaga “Balenciaga, l'oeuvre au noir” Museo Bourdelle

8 marzo – 16 julio, 2017

El Palais Galliera rinde homenaje al modisto Cristóbal Balenciaga (1865-1972) con una exposición en el Museo Bourdelle titulada: Balenciaga, l'oeuvre au noir. La exposición profundiza en los tonos negros de un alquimista de la alta costura: variaciones del negro repetidas en más de un centenar de piezas de las colecciones Galliera y los archivos de la Maison Balenciaga. Esta exposición inaugura la temporada española del Palacio Galliera, que continuará con los Trajes españoles entre sombra y luz en la Maison Victor Hugo (del 21 de junio al 24 de septiembre de 2017) y terminará con Mariano Fortuny en el Palais Galliera (4 de octubre de 2017 - 7 de enero de 2018).

En homenaje a Cristóbal Balenciaga (1895-1972), el modisto de modistos, la exposición en el Museo Bourdelle profundiza en el color negro como motivo de Balenciaga: la espina dorsal de su obra que se inspiró en el folclore y las tradiciones de su infancia española. El negro era el color preferido de un sastre excepcionalmente hábil. El negro era una influencia monástica  del maestro, de quien Dior dijo una vez: "La ropa era su religión". Balenciaga veía el negro como una materia vibrante, ya sea opaca o transparente, mate o brillante, un juego deslumbrante de luz, que se debe tanto a la calidad lujosa de los tejidos como a la aparente simplicidad del corte. Cada pieza es magnífica, la ropa de día a los vestidos de coctel y suntuosos trajes de noche forrados en tafetán de seda, bordados con franjas, decorados con cintas de satén, perlas, lentejuelas ... más de cien creaciones de alta costura en negro pertenecientes a los  tesoros de las colecciones Galliera y Maison Balenciaga.

La exposición se encuentra en el Musée Bourdelle, donde las esculturas reflejan el puro efecto escultórico de las impresionantes creaciones de Cristóbal Balenciaga. Comisaria: Véronique Belloir, (Palais Galliera press-release)

Musée Bourdelle. 18, rue Antoine Bourdelle. 75015 Paris

http://www.palaisgalliera.paris.fr http://www.bourdelle.paris.fr

Imagen: Balenciaga, Black crepe dress, 1964 (back view). Collection Palais Galliera - © E. Emo et A. Llaurency / Galliera / Roger-Viollet

AUBERVILLIERS. Paloma Polo “Clases de Lucha” Les Laboratoires d'Aubervilliers

01 enero - 30 junio 2017

Para su proyecto en Les Laboratoires d'Aubervilliers, Paloma Polo se ha comprometido a investigar la historia de las luchas políticas que conforman la periferia parisina. Aubervilliers acogió a miles de exiliados políticos españoles desde la guerra civil y durante todo el franquismo. Lejos de comprometerse en un desvío nostálgico, Polo persigue la búsqueda de narraciones personales y configuraciones sociales a la luz de la realidad actual de Aubervilliers, la ciudad de Francia que alberga el mayor porcentaje de inmigrantes.
Aubervilliers, Saint Denis y el Banlieue Rouge parisiense albergaron a miles de exiliados políticos españoles desde la guerra civil y durante todo el franquismo. Cientos de ellos vivieron una existencia fantasmal, muchos con identificaciones falsificadas y algunos completamente clandestinos, mientras luchaban en las sombras por la organización de un movimiento para llevar la democracia a España que sufría un sistema brutalmente represivo y violento. También se organizaron progresivamente los migrantes "económicos" españoles de la denominada "Petite Espagne" de Saint Denis y Aubervilliers.
Este movimiento clandestino, orquestado desde la periferia de París por el Partido Comunista español, apenas dejó huellas materiales, pero lo más importante es que es apenas rastreable en una historia nacional que ha sido escrita por medio de un borrado sistemático de las hazañas que allanaron el camino para la "apertura democrática" del período posterior a la dictadura.
La propuesta de Paloma Polo consiste en idear y poner en escena una narrativa y un guión que relacionar con el pensamiento a través de formas humanas de socialización que están al margen, con el desprecio de los recuerdos pasados, pero envuelto en el mundo actual. La etapa de investigación, que abarcará una miríada de materiales, ideas y conversaciones, constituye el núcleo y la base de sus posteriores gestos artísticos y resultados.
Junto con su socio de investigación, el historiador y teórico del arte Oscar Fernández, Polo llevará a cabo una investigación archivística, una investigación sobre colecciones y materiales personales y, lo que es más importante, una interlocución con una serie de individuos que se convertirán en el centro de este proyecto. Estas interlocuciones ocurren por medio de afinidades que forjan relaciones personales.
Esta actividad se consolidará en un "Centro de Investigación" que centralizará, compilará, ordenará, coordinará y digitalizará la escasa y dispersa información sobre el tema (archivos y archivos personales, historias y fotografías, entrevistas y conversaciones, libros, documentos de diferentes archivos y otras imágenes, películas, imágenes o proyectos que se hayan desarrollado, etc.). Polo creará una pantalla y un método particular y distinto para hacer estas narraciones inteligibles y disponibles para la consulta pública y para que adquiera una amplia visibilidad y alcance. Trabajará en colaboración con otras instituciones políticas, culturales, educativas y de investigación. Este "Centro de Investigación"tendrá progreso y continuidad a largo plazo y en última instancia será alojado y actualizado regularmente en un sitio web creado específicamente para ello. Se creará una plataforma itinerante de este "Centro de Investigación" para facilitar su presentación durante las dos exposiciones individuales que tendrán lugar en 2018 en el Centro de Arte Dos de Mayo- CA2M y en el Museo de Arte Contemporáneo - MARCO en Vigo. (AC/E press-release)

Les Laboratoires d'Aubervilliers . 41, rue Lécuyer. 93300 Aubervilliers

http://www.leslaboratoires.org/    http://palomapolo.com

Imagen “Unrest” Paloma Polo

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