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Foto: B. Mora

LA HAYA. "González, Picasso y amigos" Gemeente Museum

25 noviembre 2017 - 2 abril  2018

Junto con Constantin Brancusi y Pablo Picasso, el artista español Julio González (1876 - 1942) es considerado uno de los escultores más importantes del siglo XX. Esta retrospectiva de más de 100 obras, la mayoría de las cuales se exhiben en los Países Bajos por primera vez, arroja luz sobre su desarrollo personal: desde sus días como obrero metalúrgico en el taller de su padre en Barcelona hasta su época como escultor de vanguardia. en París. También aborda la colaboración y la amistad únicas entre González y Picasso (1929 - 1932). Esta colaboración jugó un papel decisivo en el desarrollo del estilo único e innovador de González, y también dio lugar a nuevas formas de expresión en la obra de Picasso.

Trabajaron juntos en varias esculturas durante un período de cuatro años. Para ambos artistas, la colaboración proporcionó un impulso importante para un mayor desarrollo. Gracias a González, Picasso descubrió nuevos modos de expresión en la escultura y para González la colaboración fue el tramo final de su viaje hacia un estilo artístico distintivo. Esta exposición en el Gemeentemuseum de La Haya se centra principalmente en el desarrollo de González de artesano a artista de vanguardia. Con no menos de 20 obras de Picasso, también es una celebración de la amistad entre los dos hombres.

La exposición también examina las amistades altamente personales que Julio González mantuvo con otros artistas. Trabajó durante algunos años como asistente de Constantin Brancusi (1876 - 1957). Pablo Gargallo (1881 - 1934), quien se basó en la experiencia técnica de González desde 1923, reconoció su talento artístico y lo animó a dedicarse por completo a la escultura. Y fue en el taller de González que el yerno de Gargallo, Hans Hartung (1904 - 1989), creó su primera y única escultura en 1938. (Gemeentemuseum press-release)

Haags Gemeentemuseum. Stadhouderslaan 41, 2517 HV Den Haag

https://www.gemeentemuseum.nl/en

Imagen: Julio González (1876-1942), Monsieur Cactus (L’Homme Cactus I), Colección Gemeentemuseum Den Haag

 

DIÁLOGOS SIN PALABRAS. Vídeo Secuencia Final

 

diálogos SIN palabras / 18 fotografas mantienen una conversación a través de sus imágenes

 

Un placer presentar el vídeo  “diálogos SIN palabras” realizado por Nagore Legarreta

Entre los meses de marzo a mayo de este año, 18 fotógrafas españolas han estado dialogando entre ellas a través de sus imágenes, la secuencia final recoge el resultado de esta aventura que no puede ser más satisfactorio, los diálogos han sido verdaderos, cada una de las fotógrafas participantes se ha volcado en el proyecto y creo hemos conseguido una valiosa secuencia de imágenes estrechamente relacionadas entre sí que resalta la gran fuerza de la fotografía como medio de comunicación y la capacidad de interrelacionarse de 18 fotógrafas de distintas generaciones, técnicas y estilos. ¡BRAVO A TODAS!

Como fundadora y editora de la agenda de exposiciones de artistas españoles en el exterior quepintamosenelmundo.com, he seguido con entusiasmo, y día a día,  la trayectoria de la fotografía española, y en especial la fotografía realizada por mujeres. “diálogos SIN palabras”  está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino, todas las fotógrafas participantes están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible nacional e internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres. 

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Nagore Legarreta. Moderadora y comisaria: Blanca Mora Sánchez.

En quepintamosenelmundo.com se inicia una nueva etapa, a la ya consolidada agenda de exposiciones se ha sumado el nuevo espacio de proyectos on-line “diálogos SIN palabras” con el objetivo de elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “diálogos SIN palabras” ha adoptado la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se ha convertido en un encuentro de imágenes con "alma". Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

 

 

MONTEVIDEO. Alberto García Alix “Un expresionismo feroz” Galería Xippas y Centro Cultural de España

23 noviembre 2017  – 28 febrero 2018

La exposición “Un expresionismo feroz” nos adentra en el universo de García-Alix en un recorrido histórico de sus diferentes épocas donde el mundo de las motos es un gran eje narrativo,  y se extiende incluyendo una amplia variedad de trabajos recientes.

Motos y vida, motos y muerte. La moto deja de ser un objeto para convertirse en un personaje de primera fila igual de importante que los que la montan, tiene vida propia y tiene alma, el alma está presente en su sombra de contornos difusos, distorsionada por el pavimento, por las aceras, por las alcantarillas. El objeto real se transforma por medio del uso de un expresionismo feroz, en alegoría, en sentimiento, en estado de ánimo, poco importa lo definido, lo presente; las motos, lo mismo que los edificios de París o de China, las siluetas de los árboles y las rejas, expresan condiciones extremas de soledad, de desamparo, son metáforas de abandono o de fuga.

Estas fotografías de una vida en moto se van intercalando con otras que son imprescindibles en la iconografía de Alberto García Alix y en la iconografía de la fotografía española, como son los retratos y autorretratos, que él define como : “un enfrentamiento en el que suele colocarse frontamentalmente frente a su modelo cara a cara”,  y que han dejado imágenes eternas, que ya forman parte de la rica Historia de la Fotografía, representando desde dentro-nunca fue una artista periférico- la realidad, primero de la movida madrileña, movimiento que significó un cambio fundamental en la cultura de la sociedad española de la transición democrática, y que tuvo como protagonistas destacados a Pedro Almodóvar, Rossy de Palma, Emma Suárez, Alaska  y otros muchos, magistralmente retratados por el artista. Pero García Alix nunca se quedó allí, es más, ha marcado una distancia esencial, a la velocidad de la moto en una carretera sin curvas, con aquellas fotos. Su maestría continua hasta hoy con el descubrimiento de maravillosos y oscuros personajes de mirada intensa, de edificios nocturnos, de vegetaciones vivas pero muertas, pero sobre todo haciendo una increíble, sincera y brutal introspección en sí mismo y en su mundo más íntimo, esta es la verdadera esencia del trabajo actual de Garcia Alix, su más inquietante hallazgo>. Ricardo Ramón Jarne, Comisario de la exposición. Coproducida por el CCE,  Centro de Fotografía de Montevideo yGaleria Xippas.

Centro Cultural España. Rincón 629, Montevideo, Uruguay

http://www.cce.org.uy   http://www.albertogarciaalix.com

Imagen: 2013 Como si fuera una amantis. Alberto García Alix

NUEVA ORLEANS. Maider López “Under the Walls. That Unseen Also Matters” P.4. 4 ª Trienal PNO

11 noviembre 2017 – 25 febrero 2018

New Orleans, Inc. (PNO) es una trienal de arte contemporáneo que se celebra en toda la ciudad. 'Prospect.4: The Lotus at Spite of the Swamp' 'es la 4 ª edición de PNO que muestra a más de 60 artistas locales, nacionales e internacionales en más de 15 sedes de la ciudad.  P.4 está comisariada por Trevor Schoonmaker (director artístico de PNO y comisario principal del museo de Nasher en la universidad de Duke).
A/CE apoya la participación de la artista española Maider López, que presentará su trabajo en la exposición. Su obra "Under the Walls. That Unseen Also Matters" es una instalación de arte público para su inclusión en la trienal que sustituye la publicidad en las paredes de las casas que se construyen en toda la ciudad con superficies coloreadas. Como resultado, las casas ocultarán grandes áreas de color debajo de la superficie construida final. Durante la construcción de la casa, los planos cromáticos reemplazarán la capa de publicidad, que más tarde quedará oculta por las fachadas de madera.
El proyecto hace hincapié en lo que está allí - bajo la piel - incluso si no se ve. Proporciona un espacio no comercial y una experiencia estética al transeúnte, aportando conciencia al proceso de construcción, a la propia vivienda y al contexto político. Durante la P.4, cuatro casas alrededor de la ciudad estarán marcadas en el mapa, para que los visitantes puedan encontrar estas piezas de arte público. En el espacio de exposición, se mostrarán fotografías del proceso y otras de la misma casa una vez terminada.

Maider López (San Sebastián, 1975), desarrolla su trabajo interviniendo en el espacio público y la arquitectura. Sus obras requieren a menudo de la participación del espectador al que involucra haciéndole parte de un espacio sutilmente alterado.

Su obra ha sido ampliamente expuesta nacional e internacionalmente. Ha participado en las Bienales de Venecia de 2005 (The Experience of Art, 51 Biennale di Venecia), Sharjah 2009 (Provisions for the Future, Sharjah Biennial 9, United Arab Emirates) y Estambul de 2013 (Mom, am I Barbarian 13th Istanbul Biennial).
Ha realizado, además, proyectos en el espacio público y expuesto en Museos como: Zoom In, Galería Espacio Mínimo (2017); Matadero Madrid (1645 Tizas, 2016); Koldo Mitxelena de San Sebastián y MARCO de Vigo (Desplazamiento 2015 y 2016); Les Ateliers de Rennes, 4a Biennale d’Art Contemporain, Rennes, Francia (Play Time, 2014); Lower Austria Contemporany (Mountain, 2013); Skor and Witte de With, Holanda (Polder Cup, 2010); Centro Pompidou-Metz (Eclats, 2010); SCAPE Christchurch Biennial of Art in Public Space, New Zealand (2008); Chacun à Son Goût. Guggenheim Bilbao (2007); o Caixa Forum, Barcelona (Columnes, 2006), entre otros.(AC/E  press-release)

 Prospect New Orleans750 Carondelet Street . New Orleans, LA 7013

www.maiderlopez.com  https://www.prospectneworleans.org

Imagen: Cappadox 2016.  Maider López

MILAN. “Inmensa Luz” Exposición de fondos fotográficos de la colección ENAIRE. Instituto Cervantes

10 noviembre 2017 – 31 enero 2018

Proyecto de exposición Itinerante de los fondos fotográficos de la Colección ENAIRE, en colaboración con el Instituto Cervantes y el Festival Internacional PHOTOESPAÑA. INMENSA LUZ, es una exposición que muestra una selección de los fondos de la colección, que cuenta con 19 autores y 33 fotografías y que nunca ha sido expuesta fuera de las fronteras españolas. El hilo conductor es la intangible materia prima de la fotografía, esa luz que nos hace hermanos y nos adivina como hijos del mediterráneo. Cada fotógrafo ha trabajado con la luz, y ha hecho que acaricie y desvele estancias, objetos, personas, momentos. Es un homenaje a luz INMENSA LUZ, sin la cual no hay ni vida, ni fotografía. En ella se reúnen artistas de importante trayectoria internacional y premios nacionales de fotografía como José Manuel Ballester, García-Alix, Chema Madoz, Daniel Canogar, etc. Artistas de trayectoria asentada como Javier Riera, Almalé Bondía, Dionisio González, Maider López, etc. Artistas rabiosamente jóvenes que aportan una renovación importante al panorama artístico español con una prometedora proyección, como pueden ser: Victoria Diehl, Irene Cruz o Lola Guerrera, entre otros ganadores de nuestro premio de fotografía. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Via Dante, 12. 20121 Milán

http://fundacionenaire.com   http://milan.cervantes.es/

Imagen: Alberto García Alix.“Inmensa Luz” Fundación ENAIRE

COLONIA. Teresa Solar “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone”Skulpturenpark

a partir del 15 octubre 2017

El parque de esculturas se dedica bianualmente al encargo de esculturas para un parque público al lado del Rin en Colonia. La iniciativa es una de las pocas que tiene este carácter en Europa y ha contribuido hasta ahora a producir más de 177 piezas. Las obras se quedan en el parque por un periodo de dos años y durante ese tiempo se realizan programas de divulgación, visitas y conferencias.
La edición número 9 de este año celebra el 20 aniversario del parque y esta comisariada por Chus Martinez que ha decidido producir varias piezas nuevas, ocho en total, una de ellas de la artista española Teresa Solar.

Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) Vive y trabaja en Madrid, su trabajo gira en torno a prácticas heterogéneas que se materializan en obras audiovisuales y escultóricas, en las que los lenguajes de las dos disciplinas se conectan e interactúan.

 Sus proyectos, estructurados alrededor de personajes o agentes catalizadores, se caracterizan por ser de larga duración y desarrollarse en diferentes fases y manifestaciones.  Dentro de esta constelación de personajes cabe destacar el trabajo con Lawrence de Arabia y con el fotógrafo Harold Edgerton, que le permiten hablar de ejes temáticos transversales en su obra, como  la figura del pionero y  del extranjero.

 Sus trabajos escultóricos están estrechamente ligados a sus proyectos audiovisuales. Muchos de los elementos que utiliza, como decorados y atrezzo, para sus películas funcionan posteriormente como esculturas y viceversa. Teresa Solar explora la doble naturaleza de estos elementos, visitados a través de la mirada parcial de la cámara y que, posteriormente, cobran una nueva entidad en la sala.

Artistas “KölnSkulptur #9: La Fin de Babylone “: Andrea Büttner, Claudia Comte, Jan Kiefer, Eduardo Navarro, Solange Pessoa, Lin May Saeed, Teresa Solar, and Pedro Wirz

Skulpturenpark Köln. Riehler Straße (Haupteingang). 50668 Köln

http://www.skulpturenparkkoeln.de http://www.teresolar.com

Imagen: Teresa Solar. Pumping Station, 2017. Resin, Porex, bronze

OSTENDE. Carlos Aires “The Raft. Art is (not) Lonely” Mu.Zee

22 octubre 2017 – 14 abril 2018

“The Raft. Art is (not) Lonely“no es solo una exposición, sino también una conversación con Ostende, la ciudad junto al mar, con su propia historia y aroma distintivos. La base de la exposición de Mu.ZEE, que se presentará en varios lugares repartidos por la localidad costera de Bélgica, es la investigación exhaustiva realizada por "The Raft of the Medusa" (1818) de Théodore Géricault y la balsa utópica de Jan Fabre. El arte es (no) solitario (1986). Aunque hay una diferencia de tiempo inconfundible de 170 años y un origen histórico completamente diferente, ambas obras se vinculan entre sí gracias a su visualización de la expedición y el destino del artista, que es un tema que actúa como una metáfora de la condición humana.

Carlos Aires participa en la exposición colectiva "The Raft Art is (not) Lonely" en el Mu.Zee de Oostende con la pieza "Mar Negro", 2012. Instalación, madera y vídeo. Colección MACBA, Barcelona

La obra “Mar Negro” se compone de una instalación compuesta por un suelo de maderas pintadas y un vídeo. Las maderas son piezas sueltas que se instalan en una combinación aleatoria y con forma geométrica, su tamaño depende de la extensión del suelo de la sala donde se expone. El espectador puede andar por encima del suelo, ya que los componentes son maderas usadas y recicladas. A primera vista, la pieza destaca por la belleza formal, el color y la textura del entramado. Sin embargo, un segundo elemento de la instalación nos da información adicional sobre la procedencia original de este suelo: el vídeo nos muestra que el artista ha reutilizado el material proveniente de los restos de pateras y cayucos abandonados en las costas españolas. En Cádiz existe un cementerio de barcos, donde van a parar las pequeñas embarcaciones utilizadas para el transporte ilegal de inmigrantes. De repente, las cualidades formales de la pieza devienen en tragedia, la de más de 20.000 personas fallecidas o desaparecidas al cruzar un mar que la muerte ha teñido de negro.

Carlos Aires (Ronda, Málaga 1974) vive en la actualidad en Madrid, desarrollando con su trabajo su estética de la ambigüedad y la actitud analítica hacia nuestra forma de percibir la realidad que nos rodea. Desde el collage pasando por la fotografía, video y performance, Aires muestra un arte provocativo, lleno de inquietud y escepticismo. Nos sumerge en una realidad molesta y discutible, donde los mitos regulares pierden su sentido, la historia toma nueva naturaleza y la verdad da espacio a las mentiras a medias. A Carlos Aires le gusta proponer juegos al público, para descubrir cuántas y cuáles podrían ser las diferentes maneras de leer una imagen, un vídeo, una actuación, para interpretar una situación.

Mu.ZEE. Romestraat 11. B-8400 Ostend. Bélgica

http://www.muzee.be  http://carlosaires.com

Imagen: Mar Negro. Carlos Aires

 

BUENOS AIRES. “Miró: La experiencia de mirar” Museo Nacional de Bellas Artes

25 octubre 2017 - 25 febrero 2018

 

Miró: La experiencia de mirar presenta cincuenta obras, realizadas por Miró entre 1963 y 1981, pertenecientes a la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de España, con curaduría de Carmen Fernández Aparicio y Belén Galán Martín, bajo la dirección de Manuel Borja-Villel y Rosario Peiró.
La muestra se centra en la producción que realizó el artista en el último periodo de su vida, cuando se enfrentó a su obra con la voluntad de explotar todas las capacidades del lenguaje plástico que había construido en los años centrales de la vanguardia histórica de París, con un sentido de máxima libertad y dominio de los medios de expresión.
En esta época, parte de un motivo casual o fortuito, que puede ser una mancha, una gota, una huella, un objeto encontrado o un elemento natural, recreando, por medio de este impulso, un tema frecuente en su obra: la representación de la naturaleza y de la figura humana.
La exposición permite acercarse a esta renovación de su pintura, en la que el artista intensifica el trabajo directo en el lienzo, abordando los grandes formatos e incidiendo en las posibilidades del gesto y las cualidades del material. Se encamina así a una simplificación, tanto en la definición de la forma como en el uso del color, para conseguir –según lo que el propio artista declaró en 1959– que “las figuras parezcan más humanas y más vivas que si estuvieran representadas con todos los detalles”.
La exposición presenta 18 pinturas, 6 dibujos, 26 esculturas y dos proyecciones: “Miró parle” (Miró habla), de 1974, del fotógrafo y realizador francés Clovis Prévot, que incluye una profunda entrevista al artista, realizada en 1972, en Palma de Mallorca, por Pere Portabella y Carles Santos, en la que el pintor repasa toda su carrera; y el cortometraje “Miró l’altre” (Miró, otro), de 1969, dirigido por Portabella, una de las piezas más importantes de la filmografía dedicada al autor, que documenta la composición y posterior destrucción por parte del artista de un mural sobre la vidriera del Colegio Oficial de Arquitectos de Barcelona. Curadoras: Carmen Fernández Aparicio y Belén Galán. Organizan: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Museo Nacional de Bellas Artes, Asociación de Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes. Con el apoyo de la Cooperación Española (AECID press-release)

Museo Nacional de Bellas Artes, Av. del Libertador 1473. Buenos Aires

http://www.bellasartes.gob.ar

Imagen: Miró. Mujer, pájaro, estrella. Homenaje a Pablo Picasso, 1973. Óleo sobre lienzo. 245 x 170 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

HOUSTON. Sergio Prego “Rose-colored Drift/To the Students” Blaffer Art Museum

28 octubre 2017- 27 enero 2018

El artista residente en Nueva York Sergio Prego crea situaciones espaciales y perceptivas desconocidas para examinar los ámbitos contemporáneos de la experimentación, inspirándose en las performances de la década de 1960.

Sergio Prego “Rose-colored Drift / To the Students” amplía la reciente investigación del artista sobre estructuras neumáticas, un tipo de construcción de membrana que se estabiliza por la presión del aire comprimido, que hace referencia a los proyectos inflables utópicos y nómadas de finales de los años sesenta. Junto a las estructuras neumáticas específicas para el Museo, la exposición presenta esculturas, obras en papel y videos.

Sergio Prego, nació en 1969 en San Sebastián, España, vive y trabaja en Brooklyn, NY. Posee un BFA de la Universidad del País Vasco y asistió a Arteleku, centro de arte experimental en San Sebastián. De 1996 a 2002, Prego trabajó con Vito Acconci en Acconci Studio, un equipo de arquitectura y diseño paisajístico interdisciplinario.

Ha expuesto extensamente en Estados Unidos y en el extranjero, incluyendo la Bienal de Singapur 2008, la Bienal de Moscú 2009, la Bienal del Río Dojima 2009 en Osaka, CA2M, el Museo Guggenheim Bilbao, el MUSAC en León, la Galería Soledad Lorenzo en Madrid, la Galería Alfonso Artiaco en Nápoles, Lehmann Maupin Gallery, Lombard Freid Gallery, TBA21 en Viena, Palazzo Delle Papesse en Siena, The Museum of Contemporary Art en Denver y MoMA PS1 en Nueva York. (Blaffer Art Museum press-release)

Blaffer Art Museum, 4173 Elgin St, Houston, TX 77004

http://blafferartmuseum.org

Imagen: Sergio Prego

BARCELONA. Lita Cabellut “Retrospective” Espai Volart 2, Fundació Vila Casas

5 octubre 2017 – 27 mayo 2018

Después de la exposición “Trilogía de la duda” celebrada en el año 2013 en el Espai Volart 2, la Fundació Vila Casas inaugura nuevo espacio expositivo con esta muestra que traspasa los límites convencionales de la pintura para situarse en el terreno del riesgo, del gesto y del retrato psicológico con un clasicismo latente, heredero de Goya, Velázquez o Rembrandt.

Ideada y dirigida por Antoni Vila Casas y Lita Cabellut, “Retrospective” reúne obras de los últimos años organizadas en algunas series comprendidas entre los años 2008 y 2017 como “Flower installations” (2016-17), “Disturbance” (2015), “Blind mirror” (2015), “Tempus & divine” (2015), “Black tulip” (2014), “White silenci” (2014), “Dried tear” (2013), “After the show” (2012), “Camaron” (2011), “Memories wrapped in gold paper” (2012), “Coco” (2011), “Frida” (2011), “Madness and reason” (2010), “Installation” (2010), “State or grace” (2010), “Country life” (2009), “Ethics” (2017) y “Dillusion” (2008).

La belleza es el origen de todo lo que conmueve, lo más puro y profundo; también lo más duro porque duele, del mismo modo que duele criar. Es amor. Como un beso crudo. Y la inteligencia son sus ojos.

Lita Cabellut (Sariñena, 1961) es una artista cuya obra va más allá de los límites de la pintura convencional. Determinada, libre, de carácter fuerte y apasionada, Cabellut defiende una pintura desvinculada de las directrices que marcan el mercado artístico. Para ella el arte debe estar por encima de todo esto y el artista ha de ser totalmente libre porque solo de esta forma se puede conseguir el arte por el arte.

Trabaja con lienzos de grandes dimensiones y con una paleta totalmente estudiada y personal, y es que sus colores, como su obra, son intensos y temperamentales, así como el tratamiento de la factura, matérica y voluptuosa. Cabe destacar que, a pesar de que también usa el óleo, muchas de sus pinturas están realizadas con la técnica de la pintura al fresco.

Lita Cabellut es una artista fértil, con una abundosa obra que se ha ido nutriendo desde que tenía solo 15 años y descubrió la pintura en el Museo del Prado de la mano de su familia adoptiva. En esta exposición presentamos una muestra que resume los últimos 10 años de creación de esta artista de origen aragonés, crecida en Barcelona y establecida en La Haya. Un recorrido, pues, por algunas de las series más significativas que han acompañado las reflexiones de una de las artistas más significativas del panorama artístico internacional contemporáneo. (Fundació Vila Casas press´release)

Espai Volart 2. C/ Ausiàs Marc, 22. 08010 Barcelona

http://www.fundaciovilacasas.comhttp://www.litacabellut.com

Imagen: Lita Cabellut

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