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Foto: B. Mora

AMSTERDAM. “Dalí:Genius” Moco Museum

hasta el 31 de octubre 2017

Poco antes del nacimiento de Salvador Dalí, el 11 de mayo de 1904, su hermano, también llamado Salvador, murió. Dalí creció en el pequeño pueblo de Figueres en la región española de Cataluña. Venía de una buena familia; sus padres animaron sus ambiciones artísticas y estudió en la Academia de Arte de Madrid. Sus estudios vieron el comienzo de su excéntrico estilo de vida.
En la década de 1920, fue a París y se puso en contacto con artistas como Picasso, Magritte y Miró. Esto llevó a su primera fase en el surrealismo. La obra de Dalí comenzó a explorar tres temas: El universo y la sensación humana, el simbolismo sexual y la pictografía.
Incluso antes de este período, Dalí era un entusiasta lector y fanático de las teorías del neurólogo Sigmund Freud. Las criaturas y espacios psíquicos, surrealistas y alucinatorios que se originaron desde el interior estaban en marcado contraste con su técnica de pintura clásica influenciada por los artistas del Renacimiento.
Después de conocer al amor de su vida, su musa Gala en 1929, lograron el estatus de estrella como pareja que hoy conocemos.
Su ambición desenfrenada y su decisión de convertirse en un genio le llevó a una altura sin precedentes. Como él mismo dijo: "Cuando tenía seis años, quería ser cocinero. Cuando tenía siete años, quería ser Napoleón. Desde entonces, mi ambición ha seguido creciendo al mismo ritmo".
Después de la Segunda Guerra Mundial, se trasladó con su esposa a los Estados Unidos donde comenzó su período clásico de obras de arte. Dalí se fascinó por la religión y los descubrimientos científicos de su tiempo. Además, Dalí aprendió a trabajar comercialmente: en 1969, diseñó el logo de la reconocida marca de caramelos Chupa-Chups.
En 1988, Dalí fue trasladado al hospital de Figueres con un corazón decaído. Murió en 1989 y fue enterrado bajo el Teatro-Museo.
En Moco, creemos que el arte está ahí para cambiar el mundo.
Nuestro mundo interior y las posibilidades humanas se incrementan a través de la imaginación de los artistas. La apertura de la mente y la capacidad mental de la humanidad pueden ser llevadas a alturas cada vez mayores y, en este sentido, Salvador Dalí fue un modelo a seguir. Como él mismo dijo una vez: "Yo no hago drogas, soy droga".(Moco press-release)

Moco Museum Museumplein Amsterdam Honthorststraat 20 1071 DE Amsterdam

https://www.mocomuseum.com

Imagen: Claude Lina

 

DUSSELDORF. “Manolo Valdés” Beck & Eggeling International

8 septiembre – 4 noviembre, 2017

El criterio de trabajo de la galería y la amistad que nos une a Manolo Valdés se remontan a un largo tiempo. En el curso de su carrera que abarca más de cincuenta años, sus obras han sido celebradas con numerosas exposiciones en renombradas instituciones internacionales. La exposición reúne pinturas recientes, esculturas y obras sobre papel que exploran el lenguaje visual único y diferente del artista. Valdés comenzó su formación como pintor a la edad de 15 en Valencia. Durante la década de 1960, Valdés formó el Equipo Crónica, un equipo artístico que utilizaba el arte pop para cuestionar la dictadura española de Franco y la historia del arte en sí. Después de que el grupo se disolviera en 1981, Valdés reinventó su trabajo creando un estilo figurativo, expresivo centrado en motivos históricos del arte por los que sigue siendo conocido hoy día. (Beck & Eggeling press-release)

Beck & Eggeling International. Bilker Straße 5 und Bilker Straße 4–6. 40213 Düsseldorf. Germany

http://www.beck-eggeling.de  

Imagen: Manolo Valdés. Beck & Eggeling International 

MADRID. Pierre Gonnord “Orígenes” Galería Juana Aizpuru

12 septiembre – 8 noviembre, 2017

Desde el año 2009 Pierre Gonnord ha incorporado el paisaje a su obra como territorio susceptible de acoger, formar y condicionar a los grupos humanos e individuos que lo habitan.

Los incendios de la serie Terre de personne acompañaban a los granjeros más aislados de la Península Ibérica. Las ciénagas del sur de los Estados Unidos eran el escenario de lo que queda del universo de William Faulkner en las plantaciones abandonadas donde viven personajes de la Bible belt y de la batalla por los Civil Rights.

La quinta exposición individual de Pierre Gonnord en la galería Juana de Aizpuru está compuesta esencialmente de paisajes. Nos lleva a recorrer territorios vírgenes donde la naturaleza expresa su raíz más primitiva en los orígenes de la tierra: rocas, litorales, ríos y bosques petrificados que han dado lugar a las primeras contemplaciones por parte del género humano y que son, a menudo, retiro de ermitaños.

Los retratos conversan en silencio con esos espacios. Las miradas de hombres dedicados a la meditación dialogan con territorios vírgenes. Personas, una vez más, perteneciente a comunidades alejadas del ruido urbano (Juana de Aizpuru press-release)

Galería Juana de Aizpuru. C/Barquillo 44-1º. 28004 Madrid

http://juanadeaizpuru.es

Imagen: Orígenes. Pierre Gonnord

MIAMI. “Goaltending” Centro Cultural Español

7 septiembre – 30 octubre 2017

Goaltending propone comprender la producción del arte contemporáneo, definida por elementos mediadores que interfieren en la percepción de las obras, proponiendo una lectura del arte actual más allá a las intenciones iniciales de los artistas y hasta cierto punto de sus relaciones procesuales.

El proyecto se debate entre dos aristas conceptuales divergentes, por un lado destacar cómo la práctica curatorial, entendida como gesto mediador dentro de los procesos estéticos, hace converger heterogeneidad y similitudes implícitas en los discursos y prácticas del arte actual, y por otro señalar las obras en su particularidad, definidas por los propósitos de sus relaciones contextuales.

En este sentido resulta interesante subrayar la coexistencia de artistas que pertenecen no solo a latitudes físicamente distantes, como pueden ser España, Cuba y Estados Unidos, sino también a una distancia generacional, temática y genérica; y cómo a través de disímiles tramas la selección de obras contrasta diversos matices dentro de la pintura, la fotografía, la escultura, la instalación y el video-art, trazando un punto de vista marcado por la fragmentación y la pluralidad de tendencias que constituyen la idea del arte actual.

Desde la acción curatorial se plantea una relectura de las obras más allá de las intenciones de los artistas, señalando significados diferentes, marcados por una diversidad de puntos de vista, generados en los espacios de circulación social de las obras.

Por otra parte la muestra resalta sus propias contradicciones al cuestionar el discurso curatorial en favor de las obras, es decir aproximándonos a un cumulo de narrativas diferentes donde los más importante podrían ser las obras en sí, fracturando las jerarquías entre el propósito del artistas y la mirada del espectador.

La exposición trata de resaltar dos terrenos diferentes desde donde entender la práctica del arte contemporáneo: Uno el proceso estético como un sistema de relaciones estructurales en el que confluyen lecturas diferentes, donde las obras y sus conceptos son consecuencia de entramados y negociaciones diversas. Y por otra parte, una aproximación estética que resalta el valor específico de las obras a través de vínculos subjetivos, que fracturan la correspondencia entre las intenciones de los artistas, las obras y la manera en que estas pueden ser percibidas por los públicos.

Artistas participantes: Paula Rubio Infante,  Waldo Díaz Balart , Eugénio Ampudia,
Eugénio Merino,
 Ruben Martín de Lucas, Juan Francísco Casas, Yunior Mariño , Marina Vargas,  Manuel Franquello, Grupo DEMOCRACIA , Ángela Valella, Juan Pablo Ballester, Lisbet Fernández, Marcos Valella, Ernesto Capdevila, José Bedia, Yeny Casanueva, Alejandro González (Procesual press-release)

Centro Cultural Español. 1490 Biscayne Boulevard Miami, FL

http://www.ccemiami.org   http://procesual.com

Imagen: “Noli me tangere” Marina Vargas

CHICAGO. Jaume Plensa "Un pensamiento llena la inmensidad / Jardín Secreto" Richard Gray Gallery y Gray Warehouse

14 septiembre - 11 de noviembre de 2017

Richard Gray Gallery se complace en anunciar dos exposiciones de obras del artista español Jaume Plensa. En Gray Warehouse, el jardín secreto presenta esculturas recientes en madera, acero inoxidable, y bronce conjuntamente con una nueva selección de dibujos. La exposición continúa en el espacio de Hancock de la Galería Richard Gray con una serie de retratos tallados en alabastro, así como una segunda exposición de obras históricas tituladas One Thought Fills Immensity (Un pensamiento llena la inmensidad). Con obras de 1989 a 2002, One Thought Fills Immensity ofrece una visión más profunda de la prolífica carrera del artista. Las dos exposiciones se inauguran con una recepción pública para el artista en Gray Warehouse el jueves, 14 de septiembre de 6 a 8 pm. Secret Garden será la segunda exposición que tendrá lugar en el espacio recién inaugurado de la galería.

El Jardín Secreto trata sobre el silencio y la introspección. En esta exposición, Jaume Plensa expande su estudio del retrato, un tema central en la práctica del artista desde su creación de la Fuente de la Corona de Chicago en 2004. La exposición presenta un nuevo cuerpo de trabajo en madera, acero inoxidable, bronce y alabastro y un Suite de trabajos sobre papel. Marca el debut internacional de una nueva serie de retratos realizados por primera vez en acero inoxidable. La superficie luminosa del material refleja la ligereza y fragilidad de las expresiones serenas de sus modelos. Buscando conectar con sus espectadores en un nivel intuitivo, el uso de Plensa de material transmite e inspira la tranquilidad pensativa. El Jardín Secreto postula la mente y el cuerpo como espacios de gran potencial. Para Plensa, el silencio es un componente esencial y vital para la contemplación y la activación de este potencial. La exposición se abre con las palabras de Julia, una escultura tallada de madera suspendida del techo. La niña presiona su dedo contra sus labios, pidiendo silencio. Con este gesto Plensa cuestiona la eficacia de la comunicación verbal y pide a sus espectadores que busquen el crecimiento y el potencial desde dentro.

La búsqueda del autoconocimiento es un concepto central en la práctica del estudio de Plensa. En su obra, crea sistemáticamente espacios físicos y psicológicos dentro del estruendo de lo cotidiano que alientan la quietud y permiten el pensamiento abstracto. Un pensamiento llena la inmensidad toma prestado su título de los proverbios del infierno de Guillermo Blake, 1790. Como un ávido lector de la literatura, Plensa encuentra inspiración en la obra de poetas como José Ángel Valente, William Blake y Elías Canetti. En Blake el artista afirma: "Un pensamiento llena la inmensidad" es un concepto maravilloso en el que nuestras ideas se expanden [y] llenan el espacio, no con objetos físicos, sino con energía". Esta búsqueda de una mayor conciencia Y la investigación se articula a través de la obra de Plensa. “Un pensamiento llena la inmensidad” ofrece importantes trabajos tempranos tales como Firenze II (1992), el primer trabajo en el cual Plensa tomó el concepto de la pregunta como punto de partida. (Richard Gray press-release)

Richar Grey Gallery . 875 NORTH MICHIGAN AVENUE. 38TH FLOOR. CHICAGO, IL 60611

GRAY WAREHOUSE. 2044 WEST CARROLL AVENUE. CHICAGO, IL 60612

http://www.richardgraygallery.com   http://jaumeplensa.com

Imagen: Isabella.2016. Jaume Plensa.

 

MÉXICO. Xabier Salaberria “Residencia y Exposición en SOMA 2017” Parallel Espacio Independiente

28 agosto - 11 noviembre, 2017

Durante su residencia en SOMA, Xabier Salaberria desarrolla un proyecto artístico en la Ciudad de México comisariado por Catalina Lozano con el apoyo de las ayudas a la Movilidad de AC/E. El resultado de este proceso se expondrá en Parallel, un espacio independiente en la Ciudad de México.
Salaberria tiene previsto explorar para este proyecto diferentes líneas de trabajo que irán formando la producción de su obra durante la residencia. Uno de los punto de partida que motivan la investigación de Salaberría es la articulación del "estilo internacional" dentro de la museografía de piezas prehispánicas. El artista, como es habitual en su trabajo, intentará subvertir las lógicas de exposición naturalizadas a través de su práctica escultórica. Además durante las cuatro semanas de trabajo local, Salaberria ofrece el 20 de septiembre una charla pública y un taller dentro del Programa Educativo de SOMA

Xabier Salaberria (Donostia-San Sebastian, 1968). Sus últimos proyectos han sido "Une machine désire de l’instruction comme un jardin désire de la discipline" (comisariada por Catalina Lozano), FRAC Lorraine, Metz (2013); "Proceso y método", Museo Guggenheim Bilbao; "Arte e investigación 2011", Montehermoso, Vitoria-Gasteiz (2012); "Scenarios about Europe-Scenario 1" (curated by Peio Aguirre), GfZK, Leipzig (2011); "A History of Irritated Material", Raven Row, London; Su obra se encuentra en los Museos y colecciones: MACBA (Barcelona), TEA (Santa Cruz de Tenerife), ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), Fundación Marcelino Botín (Santander), Museo de Bellas Artes (Bilbao) y Museo Guggenheim (Bilbao).

Parallel Oaxaca. Calle del Árticulo 123. Colonia Juarez. Mexico

SOMA. Calle 13 #25, Col. San Pedro de los Pinos, 03800 Ciudad de México

http://somamexico.org http://www.paralleloaxaca.com

Imagen: Xabier Salaberria

BURDEOS. José Manuel Navia “Miguel de Cervantes o el deseo de vivir” Instituto Cervantes

6 septiembre – 26 octubre, 2017

Miguel de Cervantes, el personaje real, ha quedado con frecuencia ocultado por la proyección de la figura quijotesca protagonista de su gran creación literaria. Tuvo sin embargo una extraordinaria trayectoria vital que Acción Cultural Española (AC/E) y el Instituto Cervantes, con ocasión del cuatrocientos aniversario de su muerte, han querido revisitar y destacar de la mano y visión del fotógrafo José Manuel Navia, que en una no menos extraordinaria singladura ha ido rastreando sus huellas. Y lo ha hecho desde un punto de vista a la vez subjetivo, evocador y radicalmente contemporáneo, queriendo hacer suyo –es decir, nuestro–  ese territorio cervantino, tanto literario como real, a través de la imagen.

El resultado, un homenaje al hombre y su devenir detrás de la obra, se muestra en esta exposición, fruto de la colaboración entre AC/E y el Instituto Cervantes, y en el libro del mismo título que editan  junto a Ediciones Anómalas.           

"En este trabajo, sin duda uno de los más personales que he realizado hasta ahora, he querido enfrentarme sin reservas a la difícil y apasionante relación –para mí esencial– que se establece entre imagen y palabra, entre fotografía y literatura, siempre sobre la base de la importancia que, como fotógrafo, concedo a la idea de huella (frente a la de aura). Para indagar en todo ello, me he permitido el lujo de trabajar a partir de la vida y la obra de uno de los más grandes escritores no sólo de España sino de la literatura universal: Miguel de Cervantes. Las sorpresas e incertidumbres me han asaltado sin parar. El atrevimiento no es pequeño” José Manuel Navia. (I.Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. 57, Cours de l'Intendance. 33.000 Bordeaux

http://burdeos.cervantes.es http://jmnavia.blogspot.com.es

Imagen: Calatrava. José Manuel Navia 

COLONIA. Onay Rosquet, Dino Valls, Jorge Villalba “El arte de la Realidad” Galería 100 KUBIK

8 septiembre – 8 noviembre, 2017

En la exposición „El Arte de la Realidad“ la galería 100 kubik de Colonia muestra, con los pintores Dino Valls (*1959, Zaragoza), Jorge Villalba (*1975,  Alicante) y Onay Rosquet (*1987, La Habana), tres posiciones diferentes dentro del Hiperrealismo. Estos artistas, no solo establecen una conexión entre dicho movimiento contemporáneo y algunos grandes temas de la historia del arte, sino también los actualizan — cada uno a su propia manera: Villalba narra sobre mitos y leyendas; las naturalezas muertas de Rosquet nos recuerdan al barroquismo de Sánchez Cotán y, en el mundo secreto de los cuadros de Dino Valls, los infinitos y escondidos símbolos y referencias parecen esperar a ser descubiertos.  (100 kubik press-release)

GALERIE 100 KUBIK. Raum für spanische kunst. Mohren Str. 21. 50670 Köln

http://www.100kubik.de  https://www.dinovalls.com  

Imagen: Dino Valls

 

MONTEVIDEO. Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo” BIENALSUR. Centro Cultural de España

23 agosto - 13 noviembre, 2017

La artista visual y productora cultural española Regina de Miguel, presenta “Una historia nunca contada desde abajo”. A partir de la historia de esta Máquina de la Libertad, que proponía “entregar las herramientas de la ciencia al pueblo”, y otros escenarios paradigmáticos ligados a la noción de desaparición y conocimiento soterrado, se plantea una narrativa fílmica, dividida en actos, entre el documental histórico, la ciencia / política ficción y el retrato psicológico.

“Una historia nunca contada desde abajo”, toma como punto de partida uno de los casos más insólitos y radicales en la historia de las tecnologías de la comunicación recientes: el proyecto Cybersyn o Synco. Este proyecto, dirigido por el visionario cibernético Stafford Beer, tuvo lugar en Chile entre 1971 y 1973 durante el gobierno del presidente Salvador Allende, quedando frustrado debido al golpe de estado liderado por Augusto Pinochet.

Las utopías, aun las más revolucionarias, siempre evidencian los fallos sistemáticos del momento en el que fueron formuladas; este ensayo audiovisual se sitúa en este cruce tratando de pensar qué hay detrás de los usos positivistas y generalizados de las tecnologías, mostrando las condiciones que en este caso las propiciaron y más tarde anularon. Como una máquina narrativa atemporal nos sitúa en la disolución de la distancia entre humanidad y tecnología adentrándose en las fisuras que esto produce.

La Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur busca impactar fuertemente en la escena artística y cultural regional y global. Esta Bienal está pensada, en su primera edición, con las capitales sudamericanas como epicentro. Además, trabaja en colaboración con las ciudades de Tucumán, Córdoba, San Juan, Montevideo, Asunción, Bogotá, Lima, San Pablo, Santiago de Chile, Valparaíso, Río de Janeiro, Quito, Cali, Caracas. BIENALSUR es un evento de carácter bianual, que se desarrolla a lo largo de 2016 y 2017, organizada por la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Argentina) que se desarrollará en diversas ciudades. (Bienalsur press-release)

Centro Cultural España. Rincón 629, Montevideo, Uruguay

http://bienalsur.org/es  http://www.reginademiguel.net

http://www.cce.org.uy

Imagen: Regina de Miguel “Una historia nunca contada desde abajo”

BUENOS AIRES. Alberto García Alix “De donde no se vuelve” FoLA. Fototeca Latinoamericana

23 agosto – 12 noviembre, 2017

En De donde no se vuelve, una propuesta recientemente creada, García Álix realiza un viaje entre el presente y el pasado de su obra y por tanto de su propia biografía. Un viaje al recuerdo, un “monologo infinito” mediante el cual nos muestra su lado más íntimo y poético. La esencia del proyecto se fundamenta en la obra audiovisual del mismo nombre. El fotógrafo reflexiona a través de su propia voz, desde un presente subjetivo acerca de su pasado y su fotografía.

PHotoEspaña celebra su 20º aniversario y a la edición en España se suma una especial en Argentina en la que habrá exposiciones, visionado de portfolios, charlas y talleres.
El Festival forma parte de un mundo cambiante: en estos 20 años la fotografía ha tenido un enorme desarrollo. Además, el mundo digital ha dado una nueva dimensión tanto al arte como a la forma de comunicarlo y de presentarse en la sociedad.
PHotoEspaña mira al pasado, al presente y a lo que se perfila como el futuro. Lo nacional en continua convivencia con lo internacional. Nombres totalmente consagrados junto con otros hasta ahora desconocidos. Una suma de puntos de vista que, desde cada uno de ellos en particular, aporta una visión, una versión del Festival única, diferente y nueva. 

La trayectoria de Alberto García Álix (León, 1956) ha sido reconocida con diversos galardones, como el Premio Nacional de Fotografía (1999). Estuvo muy ligado a la “movida madrileña”; de la que dejó imágenes sobre jóvenes de este movimiento cultural. Su especialidad son los retratos en blanco y negro. García Álix comenzó la carrera de Imagen en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, pero la abandona al considerarla excesivamente teórica. Ha sido un autodidacta y trabajó en el mundo del cine antes de hacerlo como fotógrafo y de colaborar con diferentes medios, como el diario “El País”. Su primera exposición individual la realizó en Madrid, en la galería Moriarty, con lo que consiguió participar en numerosas muestras. Su especialidad son los retratos y es considerado un fotógrafo duro, obsesionado en perseguir la realidad. Busca la sencillez a través de un plano frontal muy directo, no le gusta la sofisticación ni el trucaje y le obsesiona la pureza en el revelado en blanco y negro. A lo largo de su carrera ha recibido multitud de premios, entre ellos: Premio Nacional de Fotografía (1999). Premio Bartolomé Ros a la mejor trayectoria en fotografía (2003), Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2004), Premio PHotoEspaña (2012), Caballero de las Artes y las Letras de Francia.  (AECID press-release)

 FoLA. Fototeca Latinoamericana, Godoy Cruz 2626 2626 – Distrito Arcos (Palermo) Buenos Aires

Imagen: Alberto García Alix

http://www.albertogarciaalix.com  http://fola.com.ar  

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