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DIÁLOGOS SIN PALABRAS. 03 Beatriz Moreno / Marta Soul

El nuevo espacio de proyectos on-line “Diálogos Sin Palabras”  tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Diálogo sin Palabras 03. Beatriz Moreno / Marta Soul

Diálogo sin Palabras 03. Beatriz Moreno

Diálogo sin Palabras 02. Marta Soul

Beatriz Moreno.1971, Toledo (España). Interesada en artes visuales desde muy temprana edad. Estudió Diseño Gráfico e Ilustración en la Escuela de Arte de Toledo. Su trayectoria artística en la fotografía se remonta a 1990, realizando un cuerpo de obra que ha sido expuesto a nivel nacional e internacional en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas destacar: 70 ans de l’UMAM (Union Méditerranéenne pour l'Art Moderne, France); 30 Festival Photo de Mouans-Sartoux (France); Instituto Cervantes de: Chicago (EE.UU), Albuquerque (Nuevo Méjico), Roma (Italia), Naples (Italia), Palermo (Italia), Tetuan (Marruecos), Rabat (Marruecos), Fez (Marruecos), Casablanca (Marruecos), Tanger (Marruecos); Embajada de España en Washington DC (EE.UU); Salon de la Photo Paris 2013 (France), Festival Voies Off 2010 (Arles, France), Descubrimientos PhotoEspaña 2009 (Madrid), Blanca Berlin Galería (Madrid), Feria de Arte Contemporáneo Estampa (Madrid). http://beatriz-moreno.format.com

Marta Soul, (Madrid, 1973). Fotógrafa residente en España. Sus proyectos artísticos reflexionan sobre la interacción entre imágenes y realidad, así como la influencia mutua que tienen entre sí ambas ideas. Está interesada en explorar los roles de identidad, sexualidad, cultura y apariencia, y en el modo en que se determinan por la sociedad.

Sus imágenes suelen incluir personajes retratados en contextos con un discurso social determinado. Experimenta con las apariencias de estos personajes (por ejemplo, la estética del éxito) para reflexionar sobre temas como la consecución de los deseos o la expresión de las aspiraciones insatisfechas.
Ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia).         

http://martasoul.com

“Diálogos Sin Palabras” tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Imagen: "Diálogos sin Palabras: 02.Marta Soul / 03. Beatriz Moreno

quepintamosenelmundo.com

 

BARCELONA. Santi Moix “The Brooklyn Navy Yard” Galeria Carles Taché

2 marzo – 17 junio, 2017

La Galeria Carles Taché tiene el placer de presentar la exposición The Brooklyn Navy Yard del artista Santi Moix. La muestra reúne las últimas obras realizadas por Moix en su estudio, situado en el lugar homónimo al título de la exposición.
Son pinturas de gran formato, todas ellas consagradas a la representación floral, un tema que a lo largo de la historia del arte ha causado gran fascinación a muchos artistas y ha demostrado su capacidad de aglutinar a los espectadores más dispares. En un ensayo reciente sobre el artista, el crítico de arte y comisario Luca Beatrice citó lo que viene a ser este proceso como "generoso, ecléctico, sin tapujos, energía pura", y es que estos materiales de estudio ahora sirven como base para sus nuevas composiciones. Moix vuelve a los temas centrales de su obra, que evocan la vida vegetal y animal tamizadas a través de la amplitud de los estudios y ensayos  sobre papel y luego collage en grandes formatos en lienzo. El resultado es un mundo complejo, etéreo como el mismo Moix

Santi Moix nació en Barcelona en 1960. Las exposiciones individuales más recientes incluyen "Brooklyn de estudio," M77 Gallery, Milon, Italia; "Santi Moix en Huckleberry Finn: Acuarelas y Wall Dryawings," Paul Kasmin Gallery, Nueva York; y "Las Aventuras de Huckleberry Finn", Centro Cultural Fundación Círculo de Lectores, Barcelona, ​​España. En 2013 recibió el encargo de un mural de 200 pies en el SoHo Epicentro Prada. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas como el Museo de Brooklyn, Nueva York y el Museo de Arte Moderna de São Paulo, Brasil. Moix vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. (Carles Taché press-release)

Galeria Carles Taché. Carrer de Mèxic, 19 (pasaje interior). 08004 Barcelona

http://www.carlestache.com  

Imagen: Santi Moix

PARIS. “Picasso Primitivo” Musée du Quai Branly

28 marzo - 23 julio, 2017

¿Cuál fue el vínculo de Picasso con el arte no occidental? Abordado en varias ocasiones, el tema fue, sin embargo, eludido durante mucho tiempo por el artista. Análisis de una relación construida sobre la admiración, el respeto y el temor

«¿El arte negro? Nunca oí hablar de él. » Con esta y otras provocativas respuestas, el pintor, escultor y dibujante andaluz de esforzó por negar su relación con el arte extraeuropeo. Sin embargo, como lo demuestra su colección personal, el arte de África, de Oceanía, de América y de Asia siempre lo acompañó en sus muchos talleres. Lo demuestran los documentos, cartas, objetos y fotografías reunidas en la primera parte de la exposición, trazando en un recorrido cronológico, los intereses y curiosidades del artista frente a la creación no occidental.

En una segunda parte más conceptual, Picasso Primitivo propone una comparación entre las obras del Andaluz y las de artistas no occidentales, apoyándose más en una antropología del arte que en la constatación de relaciones estéticas. La comparación resultante revela los cuestionamientos similares a los cuales debieron responder los artistas (las problemáticas de la desnudez, de la sexualidad, de las pulsiones o de la pérdida) mediante soluciones plásticas paralelas (la deformación o la desestructuración de los cuerpos, por ejemplo). En este sentido, lo primitivo no se percibe como un estado de no-desarrollo, sino como un acceso a las capas más profundas, íntimas y fundadoras de lo humano. Exposición organizada por el musée du quai Branly - Jacques Chirac, en colaboración con el Musée national Picasso-Paris.(Musée du Quai Branly press-release)

Musée du Quai Branly - Jacques Chirac. 37 Quai Branly. 75007 Paris

http://www.quaibranly.fr

Imagen: affiche exposition “Picasso Primitif” Musée du Quai Branly

"DIÁLOGOS SIN PALABRAS" Diálogo 02. Marta Soul / Alejandra Carles-Toldrá

El nuevo espacio de proyectos on-line “Diálogos Sin Palabras”  tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Diálogo 02. Marta Soul / Alejandra Carles-Toldrá

Diálogos sin Palagras 02. Marta Soul

Diálogos sin Palabras 01. Alejandra Carles - Toldrá 

Marta Soul, (Madrid, 1973). Es fotógrafa residente en España. Sus proyectos artísticos reflexionan sobre la interacción entre imágenes y realidad, así como la influencia mutua que tienen entre sí ambas ideas. Está interesada en explorar los roles de identidad, sexualidad, cultura y apariencia, y en el modo en que se determinan por la sociedad.
Sus imágenes suelen incluir personajes retratados en contextos con un discurso social determinado. Experimenta con las apariencias de estos personajes (por ejemplo, la estética del éxito) para reflexionar sobre temas como la consecución de los deseos o la expresión de las aspiraciones insatisfechas.
Ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia).         

http://martasoul.com

Alejandra Carles-Tolrá es una fotógrafa y profesora de fotografia de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido. 

 Diálogos Sin Palabras” tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Imagen: "Diálogos sin Palabras: 01. Alejandra Carles Toldrá. 02. Marta Soul

quepintamosenelmundo.com

"DIÁLOGOS SIN PALABRAS" Diálogo 01: Alejandra Carles -Tolrá

 

Diálogo 01: Alejandra Carles-Toldrá

 
                                                      
 Imagen 01: Alejandra Carles-Tolrá
Imagen 00: QPM. Blanca Mora.

Alejandra Carles-Tolrá es una fotógrafa y profesora de fotografia de Barcelona que actualmente reside en Londres. Su trabajo examina la relación entre la identidad individual y la identidad de grupo, y en como la segunda transforma la primera, a la vez que la individual moldea la grupal. 

Su trabajo ha sido expuesto y reconocido a nivel internacional, recientemente en The Huffington Post, Vice, Getty Images Gallery London, CNN, Festival Circulations Paris y el Wuhan Art Museum en China. En el 2016 fue finalista del premio Outwin Boochever Portrait del Smithsonian's National Portrait Gallery en Washington y ganadora del premio 2017 Jerwood Visual Arts/ Photoworks. 

En los últimos años Carles-Tolrá ha trabajado como profesora de fotografía en varias instituciones, incluyendo la University of New Hampshire, MassArt y actualmente trabaja como fotógrafa freelance y colabora como profesora con varias ONGs en el Reino Unido.  .http://www.alejandractr.com

“Diálogos Sin Palabras” tiene como objetivo elevar imágenes a un lenguaje mediático totalmente independiente que se adapte mejor a la comunicación de hoy en día, un diálogo basado en imágenes.

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

“Diálogos Sin Palabras”estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Laura F. Gibellini.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Imagen: "Diálogos sin Palabras 00: Blanca Mora Sánchez. 01 Alejandra Carles Toldrá

quepintamosenelmundo.com

 

 

LONDRES. Carlota Juncosa “MAMPORROS Y MAZMORRAS” The Roommates London

5 marzo - 4 junio, 2017
Conocía a Carlota Juncosa años antes de que me la presentaran. Yo vivía en una montaña, en Vallvidrera, y para llegar a casa cada día tenía que coger el funicular, una especie de "ascensor grande" que va por vías, y en el que acabas quedándote con las caras de todos los otros pasajeros habituales. Uno de esos pasajeros era, obviamente, Carlota. Pero no era una habitual, la vi como mucho 3 veces o 4. Aunque ya me quedé con su cara. Cuando años más tarde me la presentaron oficialmente la sensación mutua era de conocernos de un sueño o algo parecido. Tardamos un rato en llegar al punto "funicular de Vallvidrera", cuando lo entendimos todo.
Con todo este rollo quiero decir que (a parte que de adolescente me gustó Carlota) ella siempre ha tenido un aura especial, muy misteriosa. Carlota es difícil de catalogar. Andrógina. Elegante y ordinaria a la vez. Parece de fuera y de aquí. Parece la niña que tiene que hacer de niño en una obra de teatro. Y creo que todo eso se ve reflejado en sus dibujos. Personajes en apariencia agresivos, llenos de odio, podridos por dentro... pero buena gente en realidad, con los chismes y preocupaciones de cualquier persona normal. Gente de estanco. 
Personajes que parecen haber sido dibujados por una niña que todavía no sabe si está contenta o enfadada con el mundo que le rodea.Todo eso transmite el arte de Carlota, y también que físicamente es alargada como un churro.Texto de: Xavi Daura, cofundador de Venga Monjas junto a Esteban Navarro, es escritor, actor y soñador, conocido por Museo Coconut (2010), Don Pepe Popi (2012) y V/H/S Viral (2014).
The Roommates es un proyecto expositivo que se desarrolla en una habitación de un piso compartido ubicado en el barrio de Hackney (Londres).
Los artistas son invitados a intervenir en la habitación teniendo en cuenta que allí vive una persona. .(artistsarewellcome press-release)

Para visitar Roommates London escribe a: Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo.

http://www.artistsarewelcome.com   http://www.carlotajuncosa.com.es

Imagen: Violencia de genero #8M. Carlota Juncosa

MÉXICO. Elena Lavellés “Transaction Boundaries” Centro Cultural de España

17 marzo -  28 mayo, 2017

Transaction Boundaries es una exposición de Elena Lavellés (Es) con la colaboración de Artur  Silva (Br) y Elizabeth Webb compuesta por instalación, escultura y vídeos, esta muestra explora viejas y nuevas estrategias de resistencia que han marcado las relaciones entre Cuba, España y Estados Unidos.

El trabajo se centra en un momento histórico reciente, la apertura de relaciones diplomáticas de Estados Unidos con Cuba el pasado agosto del 2015 y el retorno de la retórica nacionalista a la política estadounidense y sus principales medios de comunicación.

La creación de la Santería como religión en Cuba responde a la opresión europea durante el periodo colonial. La presencia de ciertos símbolos conectados a ese espacio de tiempo, todavía activos en el siglo XXI, junto con el rol diplomático que el Vaticano ha asumido en las negociaciones entre Estados Unidos y Cuba, son cuestiones usadas como estrategias conceptuales en los diferentes trabajos expuestos. De forma paralela, arquitectura, urbanismo y su función en moldear ciertos conceptos sociales, así como límites físicos e ideológicos entre ambos países, articulan el significado de las obras en la presentes muestra.

Elena Lavellés (Es) vive y trabaja entre New York, Ciudad de México y Madrid. Actualmente forma parte del Whitney Museum Independent Study Program (New York, EE.UU). Sus principales medios de trabajo son instalación, video, fotografía y dibujo, siempre basados en un amplio proceso de investigación tanto teórica como de campo y enfocados al análisis de estrategias de resistencia cultural y social en diferentes contextos geográficos. Cuenta con exposiciones individuales y colectivas en las ciudades de Los Ángeles, Quito, Singapur, Buenos Aires, Nueva York, Ciudad de México, Indianápolis y Madrid. Ha recibido diferentes premios o becas tales como Beca PICE de Acción Cultural Española. (CCEMX press-release)

Centro Cultural de España en México. Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97. Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

http://elenalavelles.com   http://ccemx.org   http://artursilva.com

Imagen: Elena Nalavelles 

PARIS. Picasso “Olga Picasso” Museo Nacional Picasso

21 marzo – 3 septiembre, 2017

Olga Khokhlova hija de un coronel del ejército ruso, nació en 1891 en Nijin, una ciudad ucraniana situada dentro del Imperio ruso. En 1912, entró en el prestigioso e innovador Ballet Ruso dirigido por Serge Diaghilev. Fue en Roma, en la primavera de 1917, donde conoció a Pablo Picasso mientras realizaba, a invitación de Jean Cocteau, los decorados y vestuario del “ballet Parade”(música de Erik Satie, libreto de Jean Cocteau, coreografía de Léonide Massine). El 12 de julio de 1918, la pareja se casó en una iglesia ortodoxa en la rue Daru, con Jean Cocteau, Max Jacob y Guillaume Apollinaire como testigos.
Como modelo perfecta durante el período clásico de Picasso, Olga primero fue retratada con las líneas finas y elegantes marcadas por la influencia de Ingres. Sinónimo de cierto retorno a la figuración, Olga se representa a menudo como melancólica, sentada, leyendo o escribiendo, sin duda una alusión a la correspondencia que mantuvo con su familia que vivió en un momento trágico de la historia. De hecho, en el mismo período, en contraste con el ascenso social de la pareja y el reconocimiento artístico de las obras de Picasso, el Imperio ruso, afectado críticamente por la Primera Guerra Mundial, sufrió una enorme crisis económica y alimentaria y perdió más de dos millones de soldados en el frente de guerra. La familia de Olga también sufrió una tragedia que se reflejaba en las cartas que recibía: El status social de la familia se perdía, su padre desapareció y, finalmente, la correspondencia con su familia fue interrumpida progresivamente. Después del nacimiento de su primer hijo, Paul, el 4 de febrero de 1921, Olga se convirtió en la inspiración de numerosas escenas de maternidad, composiciones bañadas en una suavidad inocente. Las escenas familiares y los retratos de un niño muestran una felicidad serena que florece en formas intemporales. Estas formas corresponden a la nueva atención de Picasso a la antigüedad y al renacimiento descubierto en Italia, y que se fue reactivó durante la estancia de verano de la familia en Fontainebleau en 1921.
La figura de Olga se transforma, sin embargo, después del encuentro de Picasso con Marie-Thérèse Walter, una joven de diecisiete años que se convertiría en su amante. En 1929, en la pintura Le Grand nu au fauteuil rouge, Olga no es más que dolor y dolor. Su forma es flácida con expresión violenta y traduce la naturaleza de la profunda crisis de la pareja. Los cónyuges finalmente se separan para siempre en 1935, un año en que el artista deja temporalmente de pintar, pero permanecerá casado hasta la muerte de Olga en 1955.
Programado para la primavera de 2017 en el Museo Nacional Picasso de París, la exposición revisita estos años compartidos. Intenta comprender la ejecución de las grandes obras de Picasso recreando su producción artística filtrada a través de una historia social y política. A través de una rica selección de pinturas, dibujos, archivos escritos y fotográficos, la exposición se alojará en dos pisos de museo de alrededor de 760 m². Comisarios: Emilia Philippot, Joachim Pissarro, Bernard Ruiz-Picasso.(Musée Picasso-press-release)

 Musée National Picasso. 5 rue de Thorigny 75003 Paris

http://www.museepicassoparis.fr

Imagen: Olga Picasso. Musée Picasso Paris

MILÁN. Santiago Sierra “Mea Culpa” PAC. Padiglione D'Arte Contemporanea

29 marzo - 04 junio, 2017

PAC acoge la primera retrospectiva del artista español contemporáneo Santiago Sierra en Italia. Una exposición compuesta por instalaciónes, fotografía, video y performance .

La obra de Santiago Sierra se centra en la violencia estructural dirigida por el sistema político y económico, un tipo de violencia que hacemos todo lo posible por ignorar y que Sierra insiste en mostrarnos bajo lupa. Ferozmente ataca la injusta distribución de la riqueza y las inhumanas condiciones de trabajo en nuestra sociedad, pero sobre todo, critica la imagen positiva del trabajo que domina nuestra cultura. Comisariada por Diego Sileo y Lutz Henke.

Santiago Sierra nacido en 1966 en Madrid, es uno de los artistas más conocidos de la escena artística internacional. Ha mostrado su obra en museos e instituciones como el MoMA PS1, Nueva York; Museo de Arte de Reykjavik; ARTIUM, Vitoria-Gasteiz; Museo MADRE, Nápoles; 50 ° Bienal de Venecia y Tate Modern de Londres.

11  (PAC press-release)

PAC. Padiglione D'Arte Contemporanea. 14, via Palestro in Milan

http://www.pacmilano.it   http://santiago-sierra.com

Imagen: Santiago Sierra

LISBOA. Jordi Colomer “Utopia/Dystopia: X-Ville” MAAT Museo de Arte, Arquitectura y Tecnologia

22 marzo –21 agosto, 2017

El artista español Jordi Colomer (representante oficial de España en la Bienal de Venecia de este año) participa en la exposición Utopia/Distopia Parte II con su obra X-Ville.
Basada en la obra del arquitecto y filósofo Yona Friedman, Utopies Réalisables (1974), la obra busca reafirmar la posible implementación de una utopía documentando la realización de un taller por el artista y varios estudiantes.

Jordi Colomer nació en Barcelona en 1962. Actualmente reside y trabaja entre Barcelona y París. Dotada de un marcado sentido escultórico, su obra abarca múltiples medios poniendo un énfasis especial en la fotografía, el vídeo y en la puesta en escena de ambos dentro del espacio expositivo. A menudo, la creación de situaciones, propias de una suerte de “teatro expandido”, permite al espectador evaluar su relación con las representaciones y con su propio papel dentro de y frente a ellas. 

Algunos de los trabajos más recientes investigan las múltiples facetas de la utopia o de la distopía y sus relaciones con la ficción y la Historia; en L'avenir (2010), seguimos a  un grupo singular de pioneros en el marco de una interpretación libre del proyecto del Falansterio de Charles Fourier. Prohibido Cantar / No Singing (2012) superpone ciudades imaginarias y proyectos no realizados. El gesto fundador de una ciudad, evoca al mismo tiempo los mega-proyectos fallidos de ciudades-casino en la España de la crisis económica, (como Gran Escala o Eurovegas) y la ciudad de Mahagonny descrita por Bertoltd Brecht en el momento mismo en que Las Vegas empezaba a tomar forma en pleno desierto. La Soupe Americaine / The American Soup, sobre los habitats provisionales de la posguerra (Normandía, 2013) o The Svartlamon Parade (Trondheim, Noruega, 2014) incorporan imágenes de archivo, que sobreviven en un pliegue del imaginario próximo, para reactualizarlas y situar al presente en una posición crítica. (MAAT press-release)

MAAT Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Av. Brasília, Central Tejo, 1300-598 Lisboa

http://www.jordicolomer.com   https://www.maat.pt

Imagen: “X-Ville”. Jordi Colomer

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