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NUEVA YORK. Lluis Lleó “El nido de morpho” Cadmium House, Park Avenue

1 mayo – 31 julio, 2017

Las esculturas, cinco bloques de piedra arenisca procedentes de la provincia de Girona tallados y pintados, que Lluis Lleó nos propone en la mítica Park Avenue son, por un lado, el refugio y el resguardo de lo frágil, delicado y fugaz y, por otro, simbolizan el lugar donde pueden anidar los sueños que todos tenemos. Para Lleó este no es otro que el de que no muera la pintura, que salga del estudio, que se empape de lluvia y se seque con el sol, le acaricie la brisa primaveral y se haga vida.

La instalación ‘Morpho’s Nest in The Cadmium House’ podrá verse en Park Avenue, a la altura de las calles 52 y 56, en Nueva York, del 1 de mayo al 31 de julio de 2017. De forma paralela, una exposición en el Instituto Cervantes de Nueva York (211 E 49th St) reunirá, del 5 al 9 de mayo, los dibujos y piezas preparatorias del proyecto, así como algunas telas.

Lluis Lleó (Barcelona 1961) artista autodidacta creció aprendiendo las antiguas técnicas de la pintura clásica de su familia. Desde temprana edad se familiariza con la pintura al fresco en el taller de su padre y con él descubre los frescos medievales en museos y capillas rurales de toda España influyendo profundamente en su obra. Lluis Lleó utiliza la tradicional tinta y la pintura china con colores fuertes demostrando su capacidad para llevar las técnicas antiguas a un contexto contemporáneo.
Lluis Lleó vive en Nueva York desde 1989, la obra de Lleó se incluye en muchas colecciones privadas importantes, así como de museos como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Fundación la Caixa, en España, el Banco Mundial, en Washington DC y el Museo de Nagoya Arte de Japón, entre otros. (I. Cervantes press-release)

Cadmium House, Park Avenue. Avda. Park Avenue. 10017 Nueva York

http://lluislleo.com    http://nyork.cervantes.es

Imagen: Lluis Lleó

DIÁLOGOS SIN PALABRAS 11. Montserrat de Pablo / Alejandra López Zaballa

Diálogos sin Palabras 11. Montserrat de Pablo / Alejandra López Zaballa

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogo sin Palabras 11. Montserrat de Pablo

Diálogo sin Palabras 11. Alejandra López Zaballa

Montserrat de Pablo (Madrid 1967). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense y doctora en Bellas Artes por la Universidad de Castilla-La Mancha. Realizó la tesis doctoral en 2014 "La cámara oscura como prehistoria de la fotografía" bajo la dirección de Horacio Fernández.

Es profesora de fotografía en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca desde 1998. Su trabajo ha sido expuesto en exposiciones individuales y colectivas nacionales e internacionales, compaginado la actividad artística con la profesional. Ha realizado estancias de investigación como profesora visitante y artista en residencia en el Instituto Max Planck de Historia de la Ciencia en Berlín durante los años 2013- 2017, en Al-Farabi Kazakh National University. Almaty, Kazajstán en 2015, National University of Mongolia. Ulan-Bator, Mongolia en 2015, en el Instituto de Letras e Artes, Universidade Federal do Rio Grande, Rio Grande du Sul, Brasil en 2015 y en Western Washington University, Seattle, Washington, EEUU, 2016. http://www.montserratdepablo.com/

Alejandra López Zaballa (Madrid 1974) es fotógrafa profesional, especializada en fotografía documentalista, de viaje, retrato y narrativa. Siempre comienza sus proyectos con un concepto, una estrategia, que le lleva a viajar allá donde pueda profundizar en los temas que desea comunicar. Estudió fotografía en la London School of Photography y el International Center of Photography de Nueva York. Posteriormente realizó talleres y proyectos con importantes y reconocidos fotógrafos como Mary Ellen Mark, Peter Turnley y Karl Grobl. en lugares como NYC, Oaxaca, Filipinas, Camboya, Lisboa, La Habana, entre otros.

En 2011 funda “Bangkok Soul, Photography Journeys”, empresa de tours fotográficos que ofrece experiencias visuales y culturales a fotógrafos profesionales y viajeros en Tailandia. Ha vivido en 9 países y visitado más de 70. Actualmente trabaja en la Ciudad de México, en donde expone, imparte cursos de fotografía y colabora en diversos proyectos visuales. Sus trabajos expuestos en México, NYC, Londres, Bangkok y Madrid han tenido reconocimientos internacionales, como el 3er premio Imagen Unica 2015 Exposure Awards de LensCulture, premio 2016 Art Takes Manhattan, premio 2015 Call for Chelsea NYC, selección Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y el 3er premio del Goethe Institut Thailand. Su talento y habilidad para buscar historias y narrarlas, desde una perspectiva inusual e íntima, son algunas de las cualidades principales que hacen que su fotografía sea otra manera de viajar a través de lugares, personas y miradas. http://www.alejandra-photography.com

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Marta Corada

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

BOLONIA. “MIRÓ! Sogno y colore” Palazzo Albergati

11 abril - 17 septiembre, 2017.
Dos palacios italianos, concretamente el Palazzo Albergati de Bologna y el Palazzo Chiablese de Turín, acogerán a partir del 11 de abril y hasta enero de 2018 la exposición MIRÓ! SOGNO E COLORE. La Fundación Pilar y Joan Miró en colaboración con Arthemisia Museum Srl. han organizado esta nueva exposición en tierras italianas.

Un total de 131 obras, entre pintura, escultura, obra gráfica, dibujos y libros ilustrados, así como una selección de los objetos y materiales que formaban parte de sus espacios de creación: Taller Sert y Son Boter, la muestra parte en su totalidad del fondo de la Fundación Pilar y Joan Miró en Mallorca. Esta nueva exposición individual de Joan Miró en Bologna y Turín ofrece un conjunto de claves para aproximarnos al espíritu y al pensamiento del artista. Es imposible acercarse a su figura sin hablar de la gran afición que siente por sus raíces y su identidad, aspectos que influyen de manera muy directa en su obra.

Partiendo de estos conceptos y, considerando asimismo la idea de que Joan Miró concibe su obra como un monólogo interior a la vez que un diálogo abierto con el público, es como surge la exposición "Miró! Sogno y colore ". La muestra presenta un argumento expositivo dividido en cinco grandes ámbitos diferenciados y a la vez complementarios, y reúne obras realizadas íntegramente en Mallorca en su etapa de madurez más vital y artística, la menos conocida y la más innovadora de su trayectoria. Los cinco grandes ámbitos temáticos son: raíces, principales influencias plásticas, Mallorca espacios creativos, la metamorfosis creativa y vocabulario de la forma. Miró se siente muy vinculado y arraigado en dos lugares, Montroig y Mallorca, que le permiten vivir y trabajar en la intimidad y estar inmerso en una naturaleza primigenia. A través de la exposición exploraremos las raíces de la obra mironiana: las culturas primitivas y el arte popular, los frescos románicos, la arquitectura de Antoni Gaudí, la poesía, y la aproximación posterior al Expresionismo Abstracto americano y el arte oriental. Podremos explorar sus espacios de creación en Mallorca, un enclave de gran importancia para el artista, y el contexto de creación del Taller Sert y Son Boter. Para terminar, conoceremos la fecundidad creadora del artista a través de sus recursos plásticos, la variedad de técnicas y materiales y su particular iconografía, que testimonian el afán insaciable de renovación y ruptura que caracteriza su última etapa creativa en Mallorca (1956-1981).

Un Miró más transgresor e inconformista, agresivo y salvaje, convive con otro Miró más reflexivo y poético, dando lugar a nuevos retos creativos que utilizará para huir de la banalidad y acuñar así su propio lenguaje plástico, universal y único. (Palazzo Albergati press-release)

Palazzo Albergati. Via Saragozza, 28 Bolonia. Italia

http://www.palazzoalbergati.com/miro-sogno-e-colore/

Imagen: Fundació Pilar y Joan Miró

 

DIALOGOS SIN PALABRAS 10. Alejandra López Zaballa / Irene Cruz

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogos sin Palabras 10. Alejandra López Zaballa / Irene Cruz

 

Dialogos sin palabras 10. Alejandra López Zaballa

Diálogos sin palabras 10. Irene Cruz

Alejandra López Zaballa (Madrid 1974) es fotógrafa profesional, especializada en fotografía documentalista, de viaje, retrato y narrativa. Siempre comienza sus proyectos con un concepto, una estrategia, que le lleva a viajar allá donde pueda profundizar en los temas que desea comunicar. Estudió fotografía en la London School of Photography y el International Center of Photography de Nueva York. Posteriormente realizó talleres y proyectos con importantes y reconocidos fotógrafos como Mary Ellen Mark, Peter Turnley y Karl Grobl. en lugares como NYC, Oaxaca, Filipinas, Camboya, Lisboa, La Habana, entre otros.

En 2011 funda “Bangkok Soul, Photography Journeys”, empresa de tours fotográficos que ofrece experiencias visuales y culturales a fotógrafos profesionales y viajeros en Tailandia. Ha vivido en 9 países y visitado más de 70. Actualmente trabaja en la Ciudad de México, en donde expone, imparte cursos de fotografía y colabora en diversos proyectos visuales. Sus trabajos expuestos en México, NYC, Londres, Bangkok y Madrid han tenido reconocimientos internacionales, como el 3er premio Imagen Unica 2015 Exposure Awards de LensCulture, premio 2016 Art Takes Manhattan, premio 2015 Call for Chelsea NYC, selección Descubrimientos PhotoEspaña 2015 y el 3er premio del Goethe Institut Thailand. Su talento y habilidad para buscar historias y narrarlas, desde una perspectiva inusual e íntima, son algunas de las cualidades principales que hacen que su fotografía sea otra manera de viajar a través de lugares, personas y miradas. http://www.alejandra-photography.com

Irene Cruz (Madrid 1987). Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas y Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, realizó un master en la escuela de fotografía EFTI especializándose en Fotografía Conceptual y Creación Artística. El trabajo de Irene está altamente influenciado por el curso especializado en Iluminación Narrativa Cinematográfica. La luz es de hecho un elemento significativo del trabajo de Irene Cruz, llevándola a  explorar y experimentar con ella en países del norte de Europa. Esta joven artista está creando un punto de inflexión en el mundo de la fotografía. Su trabajo está ganando una personalidad remarcable, con un estilo que se ha convertido ya en inconfundible para todos hoy en día. Irene Cruz ha participado en más de 200 exposiciones, ferias de arte y festivales alrededor del mundo, y ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que  destacan el Primer Premio en el Concurso de Fotografía de Iberdrola, y el Segundo Premio en el Concurso de Fotografía de la Fundación AENA en el 2014. http://www.irenecruz.com

“Diálogos Sin Palabras” estará protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Marta Corada

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

BRUSELAS. Pep Agut, Elena Bajo, Oriol Vilanova “Modus Operandi” Société d´électricité

15 abril – 15 julio, 2017

La exposición Modus Operandi activa una estrategia bien conocida del arte conceptual utilizando instrucciones y explorando el arte por delegación. La obra de arte imaginada por el artista se presenta en forma de declaración escrita o verbal para ser ejecutada por otros.

Modus Operandi  explora la desmaterialización del arte y su activación en torno a obras históricas y actuales y pone de manifiesto un tipo de arte conceptual en relación con el arte algorítmico, un paralelo que tuvo ya lugar en 1970 durante la exposición 'Software', y como Sol LeWitt explica en Paragraphs on Conceptual Art (1967) Una forma conceptual de arte, significa que toda la planificación y las decisiones se toman de antemano y la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte ... el artista selecciona la forma básica y las reglas que gobernan la solución del problema ".

 Sin embargo, el arte por instrucción se acerca al principio de una partitura musical que necesita cada vez una nueva interpretación. Aquí la obra sólo existe a través de su transmisión, su ejecución y la documentación de su reactivación. Pero las instrucciones de los artistas conceptuales dejan deliberadamente espacio para la subjetividad de la persona que realiza la obra final. En consecuencia el proceso contiene varias etapas, incluyendo un diálogo necesario para la interpretación, que tiende a una experiencia cercana al formato del taller y la actuación para quienes lo activan y le dan cuerpo. Este aspecto "performativo" genera una variación de las ejecuciones según cada contexto, ya que el trabajo se repite según sus limitaciones, las referencias reales y las elecciones de quienes las siguen. Incluso si literalmente siguen las instrucciones y están en diálogo con el artista, si el principio es fijo, el trabajo varía ligeramente y gana importancia en cada iteración. Comisario: Gregory Lang.

Entre los artistas participantes se encuentran los españoles: Pep Agut, Elena Bajo y Oriol Vilanova. .( Société d´électricité press-release)

Société d´électricité. 106 Rue Vanderstichelen, 1080 Brussels

https://www.societe-d-electricite.com

Imagen: Modus Operandi. Société d´électricité

DIÁLOGOS SIN PALABRAS. 09. Irene Cruz / Gisela Ráfols

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogos sin Palabras 09. Irene Cruz / Gisela Ráfols

Diálogo sin Palabras 09 Irene Cruz

Diálogos sin palabras 08 Gisela Ráfols

Irene Cruz (Madrid 1987) Graduada en Publicidad y Relaciones Públicas y Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, realizó un master en la escuela de fotografía EFTI especializándose en Fotografía Conceptual y Creación Artística. El trabajo de Irene está altamente influenciado por el curso especializado en Iluminación Narrativa Cinematográfica. La luz es de hecho un elemento significativo del trabajo de Irene Cruz, llevándola a  explorar y experimentar con ella en países del norte de Europa. Esta joven artista está creando un punto de inflexión en el mundo de la fotografía. Su trabajo está ganando una personalidad remarcable, con un estilo que se ha convertido ya en inconfundible para todos hoy en día. Irene Cruz ha participado en más de 200 exposiciones, ferias de arte y festivales alrededor del mundo, y ha sido galardonada con numerosos premios, entre los que  destacan el Primer Premio en el Concurso de Fotografía de Iberdrola, y el Segundo Premio en el Concurso de Fotografía de la Fundación AENA en el 2014. http://www.irenecruz.com

Gisela Ràfols  (Vilafranca del Penedès, 1984) realiza un trabajo sincero donde se reflexiona sobre el conflicto con uno mismo, la lucha eterna sin fin que cada uno puede sentir con su propio ser, como la lucha que el artista tiene con su obra, un amor-odio que tantas veces se convierte en el que da vida y sentido al ser de su trabajo. Gisela Ràfols vive y trabaja en Beijing. Es licenciada en Fotografía y Creación Digital por la Universitat Politècnica de Catalunya en el Centro de la Imagen y Tecnología Multimedia, así como también ha impartido parte de sus estudios en el Art College University of Falmouth, Inglaterra. En su trayectoria artística cabe destacar su actividad tanto a nivel nacional como internacional, exponiendo en Galerías y Ferias de arte en ciudades como Barcelona, Madrid, Lisboa, Berlín, Buenos Aires, New York o Beijing  http://giselarafols.com/

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.- Marta Corada.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

Diálogos sin Palabras 09. Irene Cruz / Gisela Ráfols

quepintamosenelmundo.com

NEUENKIRCHEN. Lara Almarcegui “SAND” Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF

2 abril – 20 agosto, 2017

Para su instalación "Sand" en la sala del Springhornhof Lara Almarcegui ha volcado 120 metros cúbicos de arena en la planta baja de la Kunstverein. Casi de suelo a techo establece un juego de relaciones entre la arquitectura del edificio y su realidad material, así como entre el edificio y su contexto urbano. Al mismo tiempo que llama la atención sobre la arena como uno de los materiales de construcción más importantes del mundo y la disponibilidad de este recurso.

Las obras que Lara Almarcegui (Zaragoza 1972 residente en Rotterdam) que ha venido desarrollando a lo largo de casi veinte años cuestionan la frontera entre la decadencia urbana y la renovación urbana, y trata de hacer visible lo que tiende a pasar desapercibido. Aunque se centra en los espacios y estructuras abandonadas que se someten a un proceso de transformación, Almarcegui también investiga las diferentes conexiones que se pueden establecer entre la arquitectura y el urbanismo. Explora el estado actual de las zonas periféricas, su desarrollo, uso y decadencia y logra establecer un discurso sobre los diferentes elementos que constituyen la realidad física de un paisaje urbano en constante evolución

La exposición es un preludio del programa aniversario de Springhornhof por la celebración este año del quincuagésimo aniversario de sus proyectos de arte relacionados con el paisaje. (Springhornhof press-release)

Kunstverein & Stiftung SPRINGHORNHOF. Tiefe Straße 4. D-29643 Neuenkirchen (bei Soltau) Alemania

http://springhornhof.de/

Imagen: Lara Almarcegui 

MADRID. “Piedad y terror en Picasso. El Camino a Guernica” Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

5 abril – 4 septiembre, 2017

Cuando a principios de 1937 Pablo Picasso (Málaga, España, 1881 – Mougins, Francia, 1973) recibió el encargo de pintar un cuadro para el Pabellón Español, contestó a los delegados de la República que no estaba seguro de poder ofrecerles lo que querían. Hasta entonces, el mundo de su arte había sido fundamentalmente íntimo y personal, estaba limitado por las paredes y las ventanas de un cuarto; casi nunca se había referido a la esfera pública y mucho menos a acontecimientos políticos; desde 1925, su producción se había acercado con frecuencia, claustrofóbicamente, a la pesadilla o la monstruosidad. Sin embargo, el cuadro que acabó creando para la República hablaba con elocuencia de las nuevas realidades bélicas. Y la escena de sufrimiento y desorientación que nos mostró ha perdurado, como emblema de la condición moderna, a lo largo de ocho décadas. Guernica se ha convertido en la escena trágica de nuestra cultura.

¿Existe una continuidad entre Guernica y la visión de la humanidad, extraña y con frecuencia angustiada, que Picasso había desplegado a lo largo de la década anterior? ¿Cómo afectó el característico conjunto de preocupaciones del artista, cuya oscuridad por momentos parece llegar a la desesperación, al cuadro definitivo de mujeres y animales en pleno sufrimiento?

Un escritor dijo en referencia a Guernica que, en él, el mundo moderno se había “transformado en un cuarto amueblado en el que todos, gesticulando, aguardamos la muerte”. Desde 1937, la imagen de terror del cuadro ha resultado indispensable, puede que incluso catártica, para varias generaciones de todo el mundo. Esta exposición se plantea por qué. Está claro que el tratamiento épico y compasivo de la violencia que vemos en Guernica va más allá de la peligrosa fascinación por ese tema que había caracterizado gran parte de la obra picassiana de finales de los años veinte y principios de los treinta, pero ¿habría sido posible el mural sin esa fijación anterior? ¿No es la violencia, muy a menudo, “fascinante” además de repulsiva? ¿Cómo la representa un artista sin dejarse conquistar? ¿Qué implica (psicológica, estéticamente) dar forma pública al terror? (Museo Reina Sofía press-release)

 Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia . C/ Santa Isabel, 52 . 28012. Madrid

http://www.museoreinasofia.es

Imagen: Pablo Picasso. Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

ATENAS. Daniel García Andujar, Mattín Artiach, Roger Bernat y el colectivo El Niño de Elche “Documenta 14: Aprender de Atenas”

8 abril – 16 julio, 2017

La exposición Documenta es una de las mayores muestras de arte contemporáneo del mundo que se celebra desde 1955 cada cinco años en la ciudad alemana de Kassel y dura 100 días. Por primera vez en su historia, Documenta se celebra en dos sedes, la segunda es Atenas bajo el título Documenta 14: Aprender de Atenas.
Esta decimocuarta edición comienza en abril de 2017 en Atenas y luego se inaugura el 10 de junio en Kassel. De esta manera coinciden, de manera paralela, un mes en ambas ciudades. La co-organización de la 14ª edición de Documenta entre Kassel y Atenas es una propuesta de Adam Szymczyk, director artístico de la feria, quien explicó que el propósito de dicha decisión es «reflejar la situación actual en Europa y poner de relieve las tensiones palpables entre el norte y el sur». Szymczyk considera que la elección de Grecia se desmarca de los conflictos entre el país mediterráneo y Alemania y que su punto focal es su situación geográfica y la migración. «Lo que me interesa de Atenas es que se trata de una metrópolis que se conecta con otras a través del mar. Limita con Turquía, tiene una gran afluencia de inmigrantes procedentes de Asia y África. Atenas es un portal o una frontera a la que llega mucha gente que puede tener visibilidad », dijo Szymczyk.
Con esta iniciativa Documenta abandona por un año su papel de permanente anfitriona para convertise en invitada de Atenas. La dirección artística está a cargo de la comisaria y escritora Marina Fokidis, fundadora y directora artística de Kunsthalle Athena. En esta edición el director artístico de Documenta, Adam Szymczyk ha invitado a un grupo de artistas españoles a participar con el apoyo de AC/E: Daniel García Andujar, Mattín Artiach, Roger Bernat y el colectivo "El Niño de Elche" formado por Israel Galván, Pedro José González Romero y Francisco Molina. (AC/E press-release)

http://www.documenta14.de

Imagen: Documenta 14 Atenas

DALLAS. Picasso “Sueño y Mentira de Franco: La Guerra Civil Española” Meadows Museum

2 abril – 2 julio, 2017

Sueño y mentira de Franco es un conjunto de 18 pequeñas imágenes que Pablo Picasso grabó en dos planchas de cobre, entre enero y junio de 1937. Guarda estrecha relación con el famoso cuadro Guernica y se considera la primera obra de Picasso con contenido claramente político, como denuncia contra la guerra civil española y contra Francisco Franco. Tanto el citado cuadro como los grabados fueron destinados al Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París de ese año. Los grabados se estamparon en un tiraje numerado inusualmente grande (mil ejemplares), a fin de recaudar fondos para la causa republicana.

En junio ​​de 2017 se conmemoran ochenta años de la producción del Guernica por Pablo Picasso (1881-1973), obra realizada en respuesta a los horribles acontecimientos de la Guerra Civil Española (1936-1939). En enero de 1937, Picasso comenzó a trabajar en una serie de grabados titulada El sueño y la mentira de Franco. Los grabados fueron realizados en apoyo al gobierno republicano español, atrapado en una horrible guerra civil con el partido conservador nacionalista encabezado por Francisco Franco (1892-1975). Estos grabados fueron las primeras obras expresamente políticas de la carrera de Picasso, diseñadas para satirizar a Franco y deslegitimar su causa.
Pero el bombardeo del pequeño pueblo de Guernica el 26 de abril de 1937 tendría un impacto radical en el proyecto de Picasso. Este acontecimiento interrumpió la ejecución de la segunda plancha e inmediatamente inspiró el Guernica, una de sus obras más ambiciosas y célebres; Picasso volvió a continuar su serie de grabados solamente cuando acabó “El Guernica”
La colección Meadows posee el único conjunto casi completo de pruebas de estas impresiones en los Estados Unidos. Estas pruebas, que señalan las etapas del proceso de trabajo de Picasso de principio a fin, antes y después del bombardeo de Guernica, revelan los efectos visibles de este acontecimiento en el arte de Picasso en respuesta a la Guerra Civil española. Los grabados finales se exhibirán junto a estas pruebas como medio de dramatizar el impacto del momento histórico que esta exposición conmemora en su producción y, finalmente, en su forma final.
El sueño de Picasso y la mentira de Franco se produjeron durante un período que fue testigo de una explosión de trabajo creativo en papel, en formato de carteles, dibujos animados, postales e ilustraciones satíricas. El Museo Meadows posee un conjunto de carteles de este periodo que son ejemplares del contexto temático y visual-cultural del que surgió el Sueño y la Mentira de Franco. (Meadows Museum press-release)

Meadows Museum, 5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205

https://meadowsmuseumdallas.org

Imagen: Picasso “Sueño y Mentira de Franco” Meadows 

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