Get Adobe Flash player

Estadisticas

Visitas del artículo
3763862

Publicidad

FacebookLinkedInRSS Feed

 

Foto: B. Mora

MADRID. Esther Ferrer “Todas las variaciones son válidas, incluida esta” Palacio de Velázquez

26 octubre 2017 – 25 febrero 2018

Esther Ferrer (San Sebastián, 1937), pionera y una de las principales representantes del arte de performance en España, empezó a participar en las actividades del grupo ZAJ (con Walter Marchetti, Ramon Barce y Juan Hidalgo) en 1967 y, desde entonces, hizo del arte de acción su principal medio, si bien a partir de 1970 volvió a realizar obras plásticas a través de fotografías intervenidas, instalaciones, cuadros basados en la serie de números primos o Pi, objetos, etcétera. Entre estos trabajos destacan las series de Autorretratos (en proceso desde 1981), Números primos (desarrollada a través de diversos formatos espacio-temporales), o la de Juguetes educativos (década de 1980). Su obra se inscribe en la corriente de arte minimalista y conceptual, iniciada en la década de los sesenta del siglo XX, que tiene a Stéphane Mallarmé, Georges Perec, John Cage o Fluxus como referentes, así como en los feminismos de aquel momento.

Ferrer otorga a la repetición y al azar la capacidad de potenciar la obra, generando múltiples variaciones que dan paso a la alteridad y lo imprevisible. La muestra que presenta el Museo Reina Sofía, Todas las variaciones son válidas, incluida esta, recoge estas cuestiones y reflexiona sobre otros aspectos clave de su práctica, como la visibilización del proceso creativo en el tiempo/espacio, y la movilización y transformación del cuerpo. Buscando reforzar y experimentar con las ideas de continuidad y la dimensión performativa del trabajo de Ferrer, la exposición incorpora la activación de ciertas piezas así como un discurso no cronológico que permite conexiones inesperadas y acercamientos cambiantes a su trayectoria. La selección de obras incluye performances e instalaciones, así como una serie de proyectos plásticos, tanto trabajos preparatorios como series acabadas, y documentación de las principales acciones (fotografías y vídeos). 



En paralelo a su práctica artística, cabe destacar su importante labor teórica, desarrollada tanto en sus colaboraciones periodísticas para diversas publicaciones como en cursos y conferencias ofrecidas en universidades europeas y americanas. El catálogo que acompaña la muestra presenta una selección de estos textos.



A lo largo de su extensa carrera, Esther Ferrer ha participado en numerosos festivales de arte de acción y ha expuesto su obra en distintos museos. Asimismo, ha sido objeto de diversos reconocimientos: en 1999 fue una de las representantes de España en la Bienal de Venecia; en 2008 fue galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas; en 2012 con el Premio Gure Artea del Gobierno Vasco, y en 2014 con el Premio MAV (Mujeres en las Artes Visuales), el Premio Marie Claire de l’Art Contemporain y el Premio Velázquez de Artes Plásticas. Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Comisariado: Mar Villaespesa y Laurence Rassel. (MNCARS press-release)

Palacio de Velázquez. Parque del Retiro, Paseo Venezuela, 2, 28001 Madrid

http://www.museoreinasofia.es

http://estherferrer.fr/en

Imagen: Esther Ferrer, Biografía para una exposición, 1982. Collage. Fotografía y tinta sobre papel. 32,5 x 24 cm. Cortesía de la artista

LONDRES. “César Dezfuli gana el premio The Taylor Wessing Photographic Portrait 2017” National Portrait Gallery

 6 noviembre 2017 - 8 febrero 2018

La imagen ganadora del Taylor Wessing Photographic Portrait Prize es un retrato sorprendente de Amadou Sumaila, de 16 años, del fotógrafo español César Dezfuli, Amadou acaba de ser rescatado del mar frente a la costa libia por un barco europeo, aparentemente cumpliendo su sueño de comenzar una nueva vida. Se enfrenta a la cámara con una mirada inquebrantable que no puede ocultar su trauma y su conflictiva mezcla de emociones. Los jueces elogiaron el retrato por la inquietante franqueza de la mirada de Sumaila y por la forma en que "transmite con fuerza su pérdida, soledad y determinación".

El prestigioso premio Taylor Wessing Photographic Portrait es el principal concurso internacional de retratos fotográficos, que celebra y promociona lo mejor de la fotografía del retrato contemporáneo.
Las imágenes seleccionadas, muchas de las cuales se exhibirán por primera vez, exploran los enfoques tradicionales y contemporáneos del retrato fotográfico y capturan una variedad de personajes, estados de ánimo y ubicaciones. La exposición de cincuenta y nueve obras presenta a todos los prestigiosos ganadores, incluido el ganador del primer premio de £ 15,000, César Dezfuli
César Dezfuli(Madrid1991), nací en un contexto de mezcla cultural de mis orígenes hispano-persas, pronto despertó mi interés por conocer las diferentes realidades sociales y culturales. Esto supuso que durante mi formación en la Universidad Rey Juan Carlos, donde estudié un Doble Grado en Periodismo y Estudios de Medios, decidí especializarme en el ámbito internacional, con dos intercambios de estudios en Polonia y Argentina.
Después de pasar por las salas de redacción del diario 20 minutos y El Periódico de Catalunya, mi trabajo como periodista se ha centrado en informes documentales e investigativos, principalmente sobre cuestiones humanitarias, pero también sobre política internacional e investigación antropológica. Combino el trabajo como periodista escrito con informes fotográficos. Me especialicé en la práctica del fotoperiodismo, en la Universitat Autònoma de Barcelona. Mi trabajo ha sido publicado en medios como Al Jazeera, The Guardian, The Atlantic, De Groene Amsterdammer, El Mundo, El País, Eldiario.es, El Periódico, 20 Minutos, BBC, Deutsche Welle TV, The World PIR, Antena 3, TVE, La Sexta o Cadena SER.

National Portrait Gallery. St Martin’s Place. London. WC2

https://www.npg.org.ukhttp://www.cesardezfuli.com

Imagen: The Taylor Wessing Photographic Portrait Prize 2017 imagen ganadora. César Dezfuli

BARCELONA. “MATERIA PRIMA” Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany

8 noviembre 2017 – 1 abril 2018

MATERIA PRIMA es una propuesta expositiva que parte de una voluntad de prospección general del actual ecosistema local de artistas visuales a fin de determinar un mapa posible de algunos de los proyectos y obras más significativos producidos en nuestro entorno en los últimos años. En este sentido, la exposición, como fruto de una labor de prospección, apunta a una suerte de ejercicio de minería de la MATERIA PRIMA con la cual operan principalmente las estructuras, públicas y privadas, de investigación, producción, exhibición y mediación de arte contemporáneo local en nuestro país.

Al igual que otro tipo de minería, la de datos, MATERIA PRIMA aspira a activar, desde la gestión de la información derivada de esta prospección y de sus resultados, un proceso de generación de patrones de aproximación y de lectura del valor simbólico y de las circunstancias materiales presentes en nuestro ecosistema artístico.

En el marco de las premisas de esta prospección, en MATERIA PRIMA el corte de observación del ecosistema local de artes visuales se ha centrado en aquellos y aquellas artistas que, habiendo dejado ya –a menudo muy atrás– una primera fase emergente de su trayectoria, se encuentran hoy en curso de consolidación de sus carreras artísticas–un curso permanentemente inestable y temporalmente indefinido en la mayor parte de los casos–. Artistas y trayectorias que algunas voces, rehuyendo toda adscripción generacional, definen como de tramo medio, a medio camino entre la emergencia local y la consagración internacional.

Artistas y trayectorias de tramo medio que constituyen la MATERIA PRIMA de nuestro ecosistema local de artes visuales, razón por la cual un equipamiento expositivo como el de Fabra i Coats en Sant Andreu –llamado a erigirse en el centro de arte contemporáneo al que aspira esta ciudad–debe realizar una prospección sistemática para sacarlos a la luz y visibilizarlos. Comité curatorial: David Armengol, David G. Torres i Martí Peran

Artistas participantes:Antoni Hervàs, Antonio Ortega, Avelino Sala, Dani Montlleó, Daniela Ortiz, David Bestué, Domènec, Enric Farrés Duran, Erick Beltrán, Ester Partegàs, Jaume Pitarch, Javier Peñafiel, Joan Morey, Joana Cera, Jordi Mitjà, Lúa Coderch, Luis Guerra, Luís Bisbe, Luz Broto, Martí Anson, Mireia Sallarès, Núria Güell, Oriol Vilanova, Patricia Dauder, Pere Llobera, Rafel G. Bianchi, Regina Giménez, Tere Recarens, Xavier Arenós y Yamandú Canosa. (Fabra i Coats press-release)

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany. c/ Sant Adrià, 20. 08030 Barcelona

Fabra i Coats. Centre d´art Contemporany.

http://ajuntament.barcelona.cat/centredart/es/

Imagen: MATERIA PRIMA. Pere Llobera

FLORENCIA. Daniel Canogar “Tensioni Strutturali #3” Eduardo Secci Gallery

25 noviembre 2017 – 11 febrero 2018

La trilogía Tensioni Strutturali se ha articulado y concebido como un proyecto orgánico, dividido en tres exposiciones independientes, que, sin embargo, están interconectadas entre sí y se han presentado gradualmente en los espacios de exposición de la galería. La entropía generalmente se designa como una orientación que es intrínseca a un sistema y que irreversiblemente pierde parte de su orden o de sus cualidades, mientras que, en la teoría de la información, se asocia a lo que impide la claridad y la singularidad de un mensaje específico.  Una tendencia a la irregularidad, a un aparente trastorno, en el que, probablemente, hay un equilibrio oculto, incluso si es complejo y difícil de entender, que puede proporcionar algunas indicaciones sobre las realidades cotidianas. En este proceso caótico, el individuo a menudo se pierde e intenta resistirse a todo lo que está más allá de su control, creando etiquetas, clasificaciones y categorizaciones para intentar contrastarlo, así como adoptar un sistema de control estricto que, para algunos puede garantizar la serenidad y una estabilidad física y psicológica.
Con esto en mente, los cuatro artistas que han sido invitados a participar en esta última parte de la trilogía, han desarrollado su trabajo como un análisis tanto de los procesos entrópicos que se ciernen sobre nuestra vida cotidiana como de los posibles intentos de inculcar una orden, elaborando una taxonomía de los componentes de la realidad para sugerir una estructura estable potencial o, en última instancia, para ignorar conscientemente esta intención. Desde fenómenos naturales y atmosféricos hasta estados emocionales y psicológicos, desde procesos históricos relacionados con el simbolismo de formas específicas hasta estudios sobre ritmos mecánicos y funcionales, la exposición se revela como un momento para evaluar y medir el grado de caos presente. Las posibilidades de encontrar un equilibrio y la aceptación, a través de la observación empírica, del hecho de que las configuraciones "caóticas" son las más probables. Y, finalmente, una serie de trabajos que se interrogan, de manera contrastada, sobre las posibilidades de construir una narración estable y sólida, pero que, al mismo tiempo, nos preguntan hasta qué punto debemos dedicarnos a esa investigación. Comisariada por Angel Moya Garcia. Artistas: Daniel Canogar - Baptiste Debombourg- Levi Van Veluw – Zimoun. (Secci gallery press-release)

Eduardo Secci Gallery. Piazza Carlo Goldoni, Florence. Italy

http://www.eduardosecci.com   http://www.danielcanogar.com

Imagen Daniel Canogar “echo” 2016

 

BARCELONA. Max de Esteban “Twenty Red Lights” La Virreina Centre de la Imatge

10 noviembre 2017 – 4 febrero 2018

Twenty Red Lights es un proyecto que toma como título una frase de Far Away Eyes, la canción de The Rolling Stones, y en el que Max de Esteban cuestiona algunos de los fundamentos del capitalismo financiero contemporáneo.

El vídeo Twenty Red Lights & The Exterminating Angel, pieza producida de forma específica para esta exposición en La Virreina Centre de la Imatge, recoge una serie de entrevistas a profesionales de las finanzas, quienes expresan sus posicionamientos frente a la incidencia de los flujos económicos en la esfera pública y social. Desde el nuevo alfabeto capitalista hasta la arquitectura del poder, desde las confesiones de aquellos que manejan los mercados globales hasta la imaginería exacerbada y trepidante del neoliberalismo mediático, Twenty Red Lights lleva a cabo una autopsia 3 sobre las abstracciones que sostienen la macroeconomía del presente. La muestra se completa con una publicación que reúne dos textos inéditos de los filósofos Franco «Bifo» Berardi y Michel Feher, además de diversos escritos del propio artista, junto al conjunto de materiales desarrollados durante el proceso de elaboración de este proyecto.

Max de Esteban (1959 Barcelona) es un Fulbright Alumni, tiene un doctorado de la Universitat Ramon Llull en Catalunya y un master de la Universidad de Stanford. Su trabajo ha sido presentado en el Deutsches Technikmuseum (Berlín), Rencontres Internationales en el Palais de Tokyo (París) y Darmstädter Tage der Fotografie, entre otros. Ganador del Premio Nacional de Fotografía Profesional en España y Premio Especial del Jurado en Fotofestiwal, Polonia. Sus obras están presentes en varias importantes colecciones, entre ellas el Museo de Bellas Artes de Houston; Museu de Arte Módena do Rio de Janeiro, en Brasil; y el Deutsches Technikmuseum. El trabajo de De Esteban se ha mostrado en numerosas exposiciones en todo el mundo. Sus monografías han sido  seleccionadas recientemente como libro de fotos del año por LensCulture. Max de Esteban vive y trabaja en Barcelona, ​​España, y está representado en los Estados Unidos por la galería Klompching.

La Virreina Centre de la Imatge Palau de la Virreina La Rambla, 99. 08002 Barcelona

http://ajuntament.barcelona.cat     http://maxdeesteban.com

Imagen: “No Covenants” Twenty Red Lights. Max de Esteban

NUEVA YORK. Ester Partegàs “Art in the Open” Museum of the City of New York

10 noviembre 2017 – 13 mayo 2018

Ester Partegàs participa en la exposición Art in the Open. Cincuenta años de arte público en la ciudad de Nueva York.

Hasta la década de 1960, la mayoría del arte público en la ciudad de Nueva York se limitaba a monumentos de guerra, murales con mentalidad cívica o relieves que incorporaban valores universales como "Fraternidad" o "Sabiduría". Pero a finales de la década de 1960 llegó una nueva era que cambió la visión en el ámbito público. En los años posteriores, cientos de obras de arte innovadoras, tanto permanentes como temporales, se han instalado en los espacios públicos de Nueva York, convirtiéndolo en el entorno más sólido y vibrante para el arte público en el mundo.
 Arte in the Open destaca obras que han transformado tanto los espacios públicos de la ciudad como las expectativas públicas del papel y el potencial del arte que existe fuera de los límites tradicionales de museos y galerías. La exposición contará con representaciones, maquetas, fotografías y videos que recogen la creación de obras de arte público de artistas como Red Grooms, Christo y Jeanne-Claude y Kara Walker.

Ester Partegàs (1972 , La Garriga , Barcelona) tiene un MFA en escultura por la Universidad de Barcelona y cursó estudios de postgrado en artes multimedia en Universität der Künste , Berlín . Ha presentado exposiciones y proyectos en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich , Ridgefield , CT ; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid ; Hallwalls , Buffalo , Nueva York,Centro de Arte Santa Mónica , Barcelona , y Galería de la Universidad de Rice, Houston, TX, entre otros lugares . Durante la última década, el trabajo de Partegàs ha sido incluido en más de 60 exposiciones colectivas a nivel internacional. Está representada por Foxy Productions, Nueva York; Christopher Grimes , Santa Mónica, y NoguerasBlanchard, Barcelona y Madrid. Es profesora adjunta en el Departamento de Escultura de VCU + Extended Media, donde comenzó a enseñar en 2011. En la actualidad es profesona en Parsons/New York (MCNY press-release)

Museum of the City of New York. 1220 Fifth Avenue @ 103rd St.. Ramp access @ 104th St.New York, NY 10029

http://www.esterpartegas.com

http://www.mcny.org

Imagen: Ester Partegàs, The Source, permanent installation at Plaza de las Americas, New York, NY. Commission of the City of New York Department of Cultural Affairs Percent for Art Program. Photo: Mark Woods

MANCHESTER. David Guillén “A Tale on the Mile” Instituto Cervantes

1 noviembre 2017 – 27 enero 2018

“A Tale on the Mile” (Un Cuento en la Milla), la obra del fotógrafo David Guillén, explora las personalidades y los lugares en una de las calles más históricamente vibrantes en Escocia: “La milla real”.

A través del curso de la historia humana, las sociedades han crecido siempre con los mismos principios fundamentales, sin importar el tiempo o el lugar.

La sociedad parece ser una simbiosis, un macroorganismo. Los individuos se agrupan para trabajar como grupos, que forman una mente propia y, a su vez, influyen en cada individuo. Estas pequeñas tribus que comienzan alrededor de una fogata, en la playa o en la montaña, crean ciudades. Esas ciudades se unifican para crear países. Puede parecer extraño, pero a menudo la historia y el carácter de una nación entera de su gente se puede leer en una sola de sus calles. (I. Cervantes  press-release)

Instituto Cervantes. 326-330 Deansgate, Campfield Avenue Arcade. M3 4FN Mánchester Lancashire (REINO UNIDO)

http://www.davidguillen.co.uk http://manchester.cervantes.es

Imagen David Guillén

PHILADELPHIA. “Patricia Urquiola: Entre lo artesanal y lo industrial” Philadelphia Museum of Art

19 noviembre 2017 – 4 marzo 2018

Patricia Urquiola, diseñadora reconocida internacionalmente, quizás más que cualquier otro diseñador en la actualidad, ha fusionado con éxito lo artesanal y lo industrial.
Esta exposición, explora una selección de sus diseños, así como su proceso creativo desde el concepto hasta el producto final. Descubre cómo utiliza fuentes de inspiración personal, un batidor japonés, una concha rota, la forma de anticuerpos, para infundir objetos y ambientes con alma.
La diseñadora española Patricia Urquiola se formó como arquitecta en Madrid y luego se graduó de la Universidad Politécnica de Milán, donde estudió con el influyente diseñador de iluminación Achille Castiglioni. Desde que abrió su estudio en 2001, ha colaborado con Alessi, B & B Italia, Flos, Kartell, Moroso y Haworth. En 2015 fue nombrada directora de arte de la emblemática compañía italiana Cassina.
Urquiola ha recibido numerosos elogios y premios, entre ellos la Orden de Isabel la Católica de España y la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes. Este mes de noviembre, recibirá el Premio a la excelencia en el diseño de Collab, grupo que apoya el diseño moderno y contemporáneo en el Museo. .(PMA press-release)

Philadelphia Museum of Art.  2600 Benjamin Franklin Parkway. Philadelphia, PA 19130

http://www.philamuseum.org   http://www.patriciaurquiola.com

Imagen: Patricia Urquiola

PALERMO. Cristina García Rodero “Con la boca abierta” Instituto Cervantes

17 noviembre – 26 enero, 2017

“Con la boca abierta” es la primera retrospectiva temática de Cristina García Rodero, y abarca desde los primero trabajos fotográficos de finales de los setenta  hasta la actualidad. La exposición está compuesta por más de cincuenta imágenes de las más de treinta mil que se han revisado para esta muestra. La mayoría de las fotografías seleccionadas son inéditas, rescatadas para un proyecto que durante cuarenta años la fotógrafa guardó en un cajón para dejarnos ahora “con la boca abierta”, al igual que a los protagonistas de sus obras. La cantidad de tomas fotográficas que Rodero realiza en sus reportajes es tan extensa que tarde o temprano, en sus negativos, aparecen personajes bostezando, gritando, asombrados, riendo a carcajadas o transformados por sus muecas de dolor… y así hasta un sinfín de variantes que se nos hacen abrir la boca. Lo que se pretende con este hilo conductor es llevarnos a dar un paseo por cuarenta años de carrera, desde los rincones más cercanos a su Puertollano natal hasta los más alejados del globo, pasando por acontecimientos tan actuales como el Burning Man Festival de Nevada o las Love Parade de Alemania. Del carácter más etnográfico rural a lo más vanguardista. Todo ello sin perder un ápice de genialidad en esa manera que ella tiene de contarnos lo que sucede en el mundo, y que le ha valido ser la única fotógrafa española en la prestigiosa Agencia Magnum.

La muestra comienza con una imagen del nacimiento de un niño que, al exhalar su primera bocanada de aire, nos otorga el principio de todo; desde allí navegaremos por los más profundos sentimientos del ser humano, cazados magistralmente por la profundidad y verdad que Cristina García Rodero impronta en su trabajo, acabando el viaje fotográfico con el último suspiro de un velatorio en Georgia. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Via Argenteria Nuova, 33/35. 90133 Palermo Sicilia (ITALIA)

http://palermo.cervantes.es

https://www.facebook.com/CristinaGarciaRodero

Imagen: Con la boca abierta. Cristina García Rodero

 

RABAT. “De Goya a nuestros días. Miradas a la Colección Banco de España” Museo Mohammed VI de Arte Moderno y Contemporáneo

31 octubre 2017 – 4 febrero 2018

El Museo Mohammed VI de Arte Moderno y Contemporáneo de Rabat albergará la exposición "De Goya a nuestros días: miradas a la colección Banco de España" desde el próximo 31 de octubre hasta el 4 de febrero de 2018.  Esta constituye sin duda la muestra de arte español más completa presentada en Marruecos hasta la fecha y cuenta con piezas de Goya, Sorolla, Zuloaga, Tapies, Saura, Guerrero, Millares o Barceló, entre otros.​

La exhibición señala a Goya como el aporte fundamental para la concreción de la modernidad artística española y se construye, a continuación, con una selección de obras que pertenecen a la colección contemporánea del BdE.

Además, se complementa con un catálogo de más de 300 páginas que reúne todas las obras de la exposición, acompañadas de textos críticos, en francés, español, e inglés. La impresión del catálogo ha sido financiada por la AECID. Puede acceder a la versión digital de este catálogo a través del siguiente enlace: ​http://bit.ly/2y2jfTr

La Profesora de Historia del Arte Contemporáneo de la Universidad de Murcia Isabel Tejada y la Consejervadora Jefe de la colección del BdE, Yolanda Romero, han sido las comisarias. La contraparte marroquí es Abdelaziz El Idrissi, Director del MMVI.

Museo Mohammed VI de Arte Moderno y Contemporáneo. Avenue Moulay Hassan, Rabat 10030

http://museemohammed6.ma

Imagen : Baptiste de Ville d’Avray. Museo Mohammed VI de Arte Moderno y Contemporáneo

Subcategorías