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Foto: B. Mora

MADRID. Cristina Lucas “Manchas en el silencio” Sala Alcalá 31

15 septiembre - 5 noviembre, 2017

La exposición presenta diversos proyectos de unas de las artistas actuales españolas con mayor proyección internacional: Cristina Lucas. Los ejes generales de la muestra son la historia, el tiempo y la violencia, materializados a través de instalaciones y vídeo-proyecciones que ahondan en conceptos como el uso del arte como medio de investigación histórica, la poesía conceptual o la fascinación borgiana por el tiempo.
La exposición, configurada con obras de gran formato, se articula en torno a la vídeo-investigación-instalación “El rayo que no cesa”, una obra en proceso de creación de la que solo se han presentado versiones iniciales que construye un relato histórico de algunos ataques aéreos que han provocado víctimas civiles desde 1912 hasta la actualidad.

“El rayo que no cesa” se entrelaza con una serie de piezas con historia, tiempo y violencia como ejes generales: “Piper Prometeo”, un vídeo representativo de la poesía conceptual; “Tufting”, una serie de lienzos bordados que representan mapas con manchas negras que reproducen la intensidad de la violencia contra objetivos civiles, y por último, “Clockwise”, una gran instalación de 360 relojes que revela la fascinación de la artista por el tiempo. El tiempo global puede ser así visto al unísono, en una experiencia artística de la teoría de la relatividad.

La exposición se suma a la conmemoración del octogésimo aniversario del bombardeo de Guernica pero la historia se hace siempre desde el presente. Como señala el comisario, Guernica sigue, el conteo de los bombardeos a ciudades continúa, sin fin. Comisario: Gerardo Mosquera. Organiza: Oficina de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid.

Sala Alcalá 31. C/ Alcalá, 31. 28014 Madrid

http://www.madrid.org

Imagen. “Clockwise” Cristina Lucas

BRUSELAS. Miquel Navarro, Juan Garaizabal, Francisco Caparrós “NATURE as ARCHITECTURE” Galería Roberto Polo

12 septiembre -11 noviembre, 2017

El planteamiento de esta exposición deriva de reflexiones estéticas tradicionales alrededor de la naturaleza y de las artes, en particular la arquitectura. Cuando el ser humano comenzó a producir arte, lo hizo con la idea de que sus obras se integraran en la Gran Creación. Desde la perspectiva de evolucionar desde el creador de arte al creador, el hombre se dispuso a conocer las leyes de la naturaleza, lo que le llevaba a entrar en juego con el trabajo divino, convirtiendo así al artista en un igual de su Creador. La naturaleza ha sido siempre considerada como un modelo, como una gran arquitectura dispuesta al trabajo para establecer analogías como lazos de unión cósmica entre las fábricas del arte y el mundo creado.

Los comisarios de esta exposición defienden la validez de las reflexiones tradicionales y ofrecen la expresión, a través del arte contemporáneo, de voces actualizadas sobre este discurso canónico. Con este objetivo presentan una exposición colectiva que acoge a los artistas Miquel Navarro, Juan Garaizábal y Francisco Caparrós, con la apuesta de defender la importancia del arte español y de posicionarlo fuertemente en el corazón de Europa.

Las arquitecturas del hombre, alternativas a un universo ya creado, abren la exposición con piezas extraordinarias de Miquel Navarro. El artista hizo su primera ciudad en 1973. Se trataba de volúmenes de tierra cocida interconectados a los cuales incorporaba materiales como el aluminio, el zinc y el bronce en un ejercicio continuado sobre la escultura y la reflexión sobre el espacio volumétrico que constituyeron desde entonces hasta hoy, uno de sus signos de identidad. En las ciudades de Navarro, la alusión a Res Aedificatoria de Leon Battista Alberti y sus relaciones ciudad-casa-organismo es inevitable, puesto que como dijo el mismo Navarro, « en la conciencia y la configuración de mi deseo, el tema de la ciudad en tanto que cuerpo humano con la suma de todas sus partes, con su lógica vertical y totémica, y su sentido horizontal en el discurso de la penetración, es evidente». El trabajo de Navarro está representado en numerosas colecciones institucionales importantes, entre ellas: el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Centro nacional de arte y de cultura Georges-Pompidou (París), el Lehmbruck Museum (Duisbourg), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid), el Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona) y el Solomon R. Guggenheim Museum (New York).

Los comisarios de la exposición han elegido las creaciones del artista Juan Garaizábal, nominado al Nasher Sculpture Center Prize de 2017, por capturar esta idea, que no es más que una etapa importante en el camino de regreso de la naturaleza en tanto que arquitectura. Desde hace años, Garaizábal ha desarrollado un proyecto artístico solido, titulado Urban Memories, que comenzó por la recreación del espíritu de los edificios que desaparecieron de los espacios en donde fueron en su origen construidos. Ha realizado este proyecto de instalaciones de esculturas monumentales en los espacios públicos de Berlín (2012), Bucarest (2007), Godaedo (2016), La Havana (2016), Miami (2016), Valencia (2006) y Venecia (2013). Trabaja en otros en La Havana, Londres y París. Su deseo de recordar el pasado y de establecer una relación con él, a través de la escultura, impregna lo que el propio artista ha descrito como un elemento heroico común a las personas y a los edificios.

La unión entre la naturaleza y la arquitectura se refleja en las fotografías de Francisco Caparrós. Si Marc Augé escribió que una de las necesidades más urgentes es la de volver a aprender a viajar para aprender a ver de nuevo, Caparrós pone el acento en la mirada y la luz sobre el paisaje para construir un arquitectura formidable que sorprende al espectador a través de sus series fotográficas, haciendo suya la frase de Erwin Panofsky: « el contenido de la obra de arte es lo que la obra revela, pero no muestra de manera ostentosa ». El trabajo de Caparrós está representado, entre otras, en varias colecciones permanentes de Astro Europa (Valencia), el Ayuntamiento de Riba-roja, Diputación de Valencia, la Fundación Gabarrón (Murcia) y New York, Iberia Center for Contemporary Art (Pékin), el Instituto Valenciano de Arte Moderno, el Museo de Bellas Artes San Pio (Valencia) y el Museo Mausoleo de Domingo Sánchez Blanco (Morille). Por Rafael Sierra Villaécija y J. Óscar Carrascosa Tinoco

Galería Roberto Polo. Rue Lebeau 8-12. 1000 Brussel. Belgium

http://www.robertopologallery.com

Imagen: Miquel Navarro,El cuerpo y la ciudad de refractario I, 2003

GINEBRA. Rafael Navarro “Otra Visión del Mundo” Fondation Auer pour la photographie

14 septiembre – 25 noviembre, 2017

Nacido en 1940 en la ciudad de Zaragoza, Rafael Navarro inició su larga andadura artística a principios de la década de los setenta.

Su obra es un reflejo de su mundo interior, donde mostrar lo evidente casi nunca ha sido un objetivo. E l artista, que como experimentado profesor domina los arcanos de la técnica, renuncia con frecuencia al control del movimiento, a la acutancia, o a la rigurosa exactitud mecánica que permite la fotografía, para dejar abierta la elocuencia de la forma y el imprescindible cruce de subjetividades donde verdaderamente se reúnen la obra y el lector.

Una de las constantes en su dilatada obra es la importancia que en ella ejerce su fascinación por la naturaleza; el cuerpo humano libre de los artificios del ropaje, donde un pliegue es otro modo del paisaje o cómo los ciclos y los tiempos se abren camino y dejan su rastro en una piedra o en una masa vegetal.

Su obra ha sido expuesta en galerías y museos nacionales e internacionales en más de 700 ocasiones y forma parte de relevantes fondos de instituciones de todo el mundo. Centenares de referencias bibliográficas y publicaciones documentan su obra y su singladura emocional desde 1975 hasta la actualidad.

Como reconocimiento a su aportación al arte contemporáneo, la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis le ha distinguido con su incorporación como académico de número. Ángel Mª Fuentes de Cía. Rafael Navarro es autor de los libros: Dípticos (1986), Le forme del corpo (1997), Catálogo razonado 1975-1998 (2000), Don't disturb (2001), Photobolsillo 44 (2002), En el taller de Miró (2006), Cuerpos Iluminados (2006), A destiempo (2011), Elipsis (2015) y Polifonías (2016). (auer press-release)

Fondation Auer pour la photographie. 10, rue du Couchant. CH-1248 Hermance-Ginebra.

http://auer01.auerphoto.com/fr   http://rafaelnavarro.es

Imagen: Involución #1. Rafael Navarro 1976

BARCELONA. “Poesía Brossa” MACBA, Museo de Arte Contemporáneo

21 septiembre  2017 – 25 febrero 2018

El MACBA presenta Poesía Brossa, una revisión del trabajo de este artista a través de los libros, las investigaciones plásticas, atravesando el teatro, el cine, la música, las artes de acción, los gestos de los que fue pionero.
Podría parecer una obviedad reconocer en Joan Brossa (Barcelona, 1919/98), sobre todo, a un poeta, pero creemos que es necesario enfatizarlo en relación con su manera de hacer, su poiesis. La exposición quiere poner en diálogo y confrontar su obra con los artistas Marcel Mariën, Nicanor Parra y Ian Hamilton-Finlay. Brossa es poeta, pero sus trabajos siempre se encuentran en el cruce de lenguajes. Colaborador frecuente de otros artistas, así como de músicos, cineastas, bailarines, humoristas e incluso magos, su obra juega constantemente a romper las convenciones y los límites entre disciplinas.
Joan Brossa desarrolla su práctica artística desde los años cuarenta, en un contexto sociopolítico marcado por la dictadura franquista y en una situación cultural caracterizada por la ausencia de propuestas vanguardistas e innovadoras. Desde sus inicios, Brossa lleva a cabo un trabajo de renovación estética fundamentado en la investigación literaria y artística. Hasta el momento de su muerte, su extensísima producción no deja de buscar nuevas formas de expresión y de experimentar con los diferentes medios.
En 2011 el Museu d’Art Contemporani de Barcelona recibió el depósito del Fondo de la Fundació Joan Brossa, que reúne el legado de este artista. El Fondo consiste en obras manuscritas, documentos, correspondencia y su biblioteca personal, entre otros materiales, y constituye una herramienta inigualable para abordar el interesantísimo trabajo de este artista.
La exposición que el MACBA prepara quiere aproximarse a la obra de Brossa haciendo hincapié en la reconsideración de su influencia e interrelación con la práctica de otros artistas. El proyecto pretende revisar las constelaciones de artistas en torno a Brossa, las interrelaciones con trabajos que quizás desconociera, pero que permiten establecer numerosos paralelismos, buscar diálogos y tensiones, y enfatizar los aspectos performativos de su práctica poética, su poiesis. La exposición se acompañará de una publicación que abordará estos aspectos. En el proyecto contamos con la colaboración de Roger Bernat, Isabel de Naverán y Maria Salgado.
Secularizar a este gran poeta no es tarea fácil, y este es el reto del proyecto, entre Marx y Mallarmé: devolverle la voz sencilla, popular, tal como habla la gente con sombrero o sin él; como hablan una bombilla, un billete de tren, la carta de una baraja, unas esposas, o el confeti. La gente habla Brossa. Comisarios: Teresa Grandas y Pedro G. Romero.  (MACBA press-release)

Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Plaça dels Àngels, 1, 08001 Barcelona, España

http://macba.es   http://www.fundaciojoanbrossa.cat

Imagen: Poema objeto. Joan Brossa. Macba

MADRID. Juan Asensio “Obra reciente” Galería Elvira González

14 septiembre – 28 octubre, 2017

Juan Asensio nace en Cuenca en 1959. Sus primeras obras son pequeñas esculturas en madera y barro. Expone en varias exposiciones colectivas. Descubre la obra de Oteiza y Chillida en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca en 1987. En este mismo año se traslada a Madrid donde comienza a realizar sus primeras obras en el taller de piedra y mármol de Pedro Panadero. En 1990 empieza a implicarse en el mundo artístico de Madrid, conociendo a galeristas y críticos de arte. Mientras produce su propia obra, colabora esporádicamente en la ejecución de esculturas en piedra de otros artistas, como Martín Chirino, Jorge Oteiza o Manolo Valdés. Juan Asensio ha ganado varios premios incluyendo el primer premio en el XX Certamen de Artes Plásticas de Caja Madrid en 1996, año en que tiene su primera exposición en la Galería Elvira González. 
Su obra está incluida en distintas colecciones particulares de Estados Unidos, México y Europa, además de las colecciones de diversos bancos y Cajas Españolas. Juan Asensio ha realizado esculturas públicas en los siguientes lugares: Leganés, Madrid en 1999 y 2003; Torrelavega, Santander en 2001; el Nuevo Edificio de Juzgados de Salamanca en 2004; Ciudad Banco Santander, Boadilla del Monte, Madrid en 2005; Plaza de Vizcaya en Bilbao, 2008 y el Palacio de Justicia de Burgos en 2011. (Elvira González press-release)

Galería Elvira González. Hermanos Álvarez Quintero 1. 28004 Madrid

https://www.elviragonzalez.es  

Imagen: Galería Elvira González

CHIANG MAI. Alicia Framis “Blind Date House" Land Foundation

17 septiembre – 31 diciembre, 2017

"Blind Date House" es un work in progress realizado por Alicia Framis para The Land Foundation junto al artista tailandés y fundador de la Fundación, Rirkrit Tiravanija. "Blind Date House" está en desarrollo en el sitio rural de la fundación fuera de Chiang Mai, Tailandia y una vez terminado será utilizado como sede para los artistas en residencia.
"Blind Date House" es una construcción conjunta de dos casas que ofrecen un espacio separado pero solapado para dos residentes. Cada residente tiene su propia casa, y una habitación que comparten. El objetivo de The Land Foundation es fomentar la exploración y las colaboraciones experimentales. La forma de la casa se centra en el intercambio y tiene diversos grados de apertura. Si los residentes quieren aumentar sus espacios de vida y trabajo, pueden acceder al espacio compartido e incluso abrir partes de su hogar al área compartida.
Este espacio entre el trabajo, el hogar y la vida personal proporciona un lugar de descubrimiento. El espacio vacío es desconocido y se extiende a los mundos de la intimidad y la privacidad de cada ocupante. Este vacío está lleno de promesa y potencial: un lugar que se enfrenta con su propia concepción de la individualidad, y su voluntad o necesidad de compartir con los demás. Esta casa permitirá a sus cohabitantes explorar sus actitudes hacia el valor, la toma de riesgos y la autoconciencia.
Para esta residencia Framis tendrá que construir el interior de la casa, terminarla y hacerla habitable. También trabajará en el exterior y pintará las paredes en dos colores distintivos (amarillo y lila) para enfatizar el hecho de que son dos casas unidas entre sí y para mostrar cómo se conectan. Este mural será una colaboración entre Framis y Rikrit Tiravanija titulado "Estamos soñando bajo el mismo cielo". Framis preparará la casa de manera escenográfica y filmará allí una película. La película servirá como material visual para promover su residencia. Además Framis participará en un taller sobre The Land Foundation en el Centro de Arte Contemporáneo Kitakyushu. 
Alicia Framis ha estado investigando el tema de la interacción humana durante 25 años y muchas veces se ha centrado en la importancia de vivir juntos y en la multitud de cosas que podemos aprender sobre el espacio compartido. Blind Date House nos confronta con la opción de compartir o estar solo. ¿Cuánta intimidad se permite cuando la otra persona está en la misma habitación? ¿Con qué frecuencia y por cuánto tiempo querrá tocar? ¿Y qué quieres revelar acerca de ti mismo a alguien que apenas conoces? Estos enfrentamientos también tienen un componente culturalmente específico. Los dos residentes provienen de contextos culturales completamente diferentes en los que conceptos como la privacidad (si existe) y el espacio público tienen significados diferentes. Framis cree firmemente que el arte debe ser una experiencia y que ella necesita estar presente cuando las actividades están teniendo lugar con el fin de hacer su obra de arte. El proyecto es un trabajo importante en la investigación de Framis porque se trata temas de multicultudalidad, convivencia, etc. . (AC/E press release)

The Land Foundation. 48 Moo 1, T.Banmae. A.Sanpathong, Chiang Mai 50120. Thailand.

http://www.thelandfoundation.org http://www.aliciaframis.com

Imagen. The Land Foundation

GOTEMBURGO. “Francesc Ruiz, Pedro G. Romero “ CIBCA. Bienal Internacional de Arte Contemporáneo”

9 septiembre – 19 noviembre, 2017

GIBCA es una bienal de arte contemporáneo nacional e internacional que consta de varias exposiciones importantes que tienen lugar tanto en instituciones artísticas establecidas como en el espacio público
Esta edición trata el tema de secularidad a partir de la pregunta "¿Qué papel debe tener la laicidad en la sociedad de hoy?". GIBCA 2017 está comisariada por Nav Haq, curador principal de MuHKA Amberes, y presenta las obras de aprox. 30 artistas en escenarios de exposiciones y en el espacio público y semipúblico de Gotemburgo. La bienal incluye un amplio programa de seminarios, proyecciones de películas, formatos de mediación.
Francesc Ruiz presenta "La calle". Para este, para este proyecto Francesc Ruiz ha emprendido una extensa investigación sobre la historia de los cómics, particularmente en relación con temas de subcultura, clase social y sexualidad en diferentes contextos culturales. "La calle" construye narrativas utilizando una calle comercial como cómic no lineal en la que cada escaparate funciona como un panel de una tira cómica. La instalación toma la forma de una calle de tamaño real, hecha a través de un gran dibujo de Ruiz. El artista diseña y construye para este proyecto una estructura real de fachada callejera basada en sus dibujos, similares a los utilizados en los conjuntos de películas y series de televisión. Esta calle tiene una longitud aproximada de 20 metros y se presenta al aire libre en el espacio público de la bienal.
Pedro G. Romero presenta el proyecto "El Archivo F.X"., que Pedro G. Romero viene desarrollando desde 1999 y que está constituido por una vasta colección de imágenes y artefactos documentando la iconoclasia en España entre 1845 y 1945. Para este proyecto Pedro G. Romero utiliza material de su archivo para crear vínculos filosóficos con los movimientos de la vanguardia artística. En este archivo, se juntan y archivan documentos individuales de iconoclasia -incluidas estatuas decapitadas, cuadros manchados, edificios demolidos, espacio sagrado expropiado, reutilización de edificios religiosos, derretimiento de objetos de culto para la industria civil- con nombres de estilos, artistas , movimientos, títulos de revistas, artistas y obras de la vanguardia moderna. (AC/E press-release)

GIBCA. Röda Sten Konsthall. Röda sten 1. 414 51 Göteborg

http://www.gibca.sehttps://www.facebook.com/francesc.ruiz.3

Imagen. Francesc Ruiz.

COLONIA. Ignacio Uriarte “Forma y Color / Análisis y Síntesis” Philipp von Rosen Galerie

9 septiembre – 4 noviembre, 2017

Ignacio Uriarte (1972) nació y creció en Krefeld en Alemania. Estudió administración de empresas en Madrid y Mannheim, y trabajó para varias empresas en Alemania, España y México. Allí se graduó en artes audiovisuales del Centro de Artes Audiovisuales en Guadalajara, México. Dejó el mundo de la empresa hace diez años y se dedicó por completo al arte, llamando a su trabajo "arte de la oficina", en la actualidad vive en Berlín dese 2007. Uriarte se inspira en los pequeños momentos creativos dentro de las rutinas de oficina. El video de dos canales Blue Ribbon toma como punto de partida el más simple de todos los garabatos en la rutina de la oficina como: rellenar en papel cuadriculado, monumentalizar la función "en cascada" en Windows esparciendo hojas de papel sobre una pared, o dibujar formas con dos tonos diferentes de rotulador negro, Uriarte utiliza herramientas administrativas para restaurar la creatividad al oficinista.

Philipp von Rosen Galerie. Aachener Straße 65. 50674 Cologne, Germany

http://www.philippvonrosen.com http://www.ignaciouriarte.com

Imagen: Ignacio Uriarte 3X3 Circles. 2016

VENECIA. “Picasso. En la playa” Museo Colección Peggy Gungenheim

26 agosto 2017 – 7 enero 2018

La exposición tiene como epicentro el cuadro ‘En la Playa’ pintado por Pablo Picasso en febrero de 1937, en un momento en que estaba gestando el encargo de la República Española para la Exposición Internacional de París de ese año, que cuajó en ‘El Guernica’, Picasso busca la orilla mediterránea para expresar momentos felices que ahora se recuerdan en el Museo de la Colección Peggy Gungenheim, de Venecia, a través de tres cuadros, una escultura y diez diseños realizados en 1937.

 El óleo sobre lienzo “En la Playa”, de la Colección Peggy Guggenheim, exhibe los cuerpos desnudos de dos mujeres que juegan en la playa con un barco pequeño, y son observadas por un hombre que asoma en el agua la cabeza para verlas. Además, en esta exposición comisariada por Luca Massimo Barbero, se incluye el cuadro ‘Mujer sentada en la playa’ del Museo de Bellas Artes de Lyon, realizado en ese mes de febrero; una bañista desnuda con extremidades desproporcionadas. Sigue en el recorrido ‘Gran bañista con libro’ del Museo Picasso de París, realizado en ese tiempo, una figura estática inmersa en un ambiente de quietud; la escultura ‘Bañista’, bronce de 1931, del Museo Picasso de París, y diez diseños sobre el mismo tema. Exposición, realizada en colaboración con el Museo Picasso de París. (Peggy Gungenheim press-release)

http://www.guggenheim-venice.it

Peggy Guggenheim Collection. Palazzo Venier dei Leoni. Dorsoduro 701. I-30123 Venezia

Imagen: «En la playa» (1937), de Picasso. Colección Peggy Guggenheim, Venecia 

CHICAGO. “Jesús Chamizo. El Arquitecto de Imágenes” Instituto Cervantes

14 septiembre – 30 octubre, 2017

Jesús Chamizo es un fotógrafo español conocido especialmente por su serie de arquitectura. Construye imágenes basadas en las emociones que produce el espacio mediante líneas, ángulos, luz, perspectivas y diferentes formas. Esta exposición es una muestra de 11 fotografías de edificios del arquitecto español Antonio Palacios, creador de los edificios más emblemáticos de Madrid que transformaron la capital española en una ciudad moderna durante comienzos del siglo XX.

El estilo ecléctico del arquitecto Antonio Palacios, que combina elementos del plateresco, el secesionismo vienes y la Escuela de Chicago es lo que realmente atrae al fotógrafo español.

Chamizo realza y transforma estos elementos arquitectónicos, creando diferentes composiciones en las que los edificios se presentan en formas nada convencionales, que es precisamente lo que lo convierte en un arquitecto de imágenes. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. 31 W. Ohio. 60654 Chicago Illinois

http://chicago.cervantes.es  http://www.jesuschamizo.com

Imagen: Jesús Chamizo

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