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NUEVA YORK. Dionisio González “Paisaje dialéctico / Pensando Central Park “ Galerie Richard

5 julio  – 27 agosto, 2017

La quinta exposición individual de Dionisio González en la Galería Richard New York trata sobre la ciudad de Nueva York a través de dos series de obras: Paisaje dialéctico y Pensando  Central Park .

Los rascacielos y el Central Park coexisten dialécticamente. "Central Park es esencialmente un vacío, con 13.123 x 2.625 pies de ancho, concebido sobre la base de una idea de espacialidad donde se desarrollaría la densidad, pero es la densidad de los edificios de Manhattan, en su expansión hiper-crecimiento , la que ha trazado ese rectángulo recreativo, el parque es un vacío porque funciona como un patio dentro de la urbe ". En Pensando Central Park el artista llena el espacio de construcciones consideradas refugios. Por el  contrario en Paisaje dialéctico añade algunos espacios vacíos para fines recreativos o de movilidad.

Citando el artículo de Walter Benjamin, Adorno, Horkheimer y Robert Smithson "Frederick Law Olmsted y el Paisaje Dialéctico", el artista considera el paisaje de Central Park y Nueva York como un lugar indiferente a cualquier ideal formal, un lugar de multiplicidad, oportunismo y creatividad inesperada. El paisaje dialéctico es una serie de seis pequeños paisajes en blanco y negro extraordinarios de New York City. Cada obra contempla un enfoque específico: La extensión del centro de Central Park en la parte superior de los edificios, otro Central Park en la parte superior de los edificios dirigidos West-East Manhattan, líneas peatonales elevadas, etc. Es una ciudad con diferentes alturas de marcos y actividades, una ciudad tridimensionalmente conectada.

Nos gustaría ver mucho más al abrir y estimular el campo mental de la imaginación y las posibilidades para los espectadores. El paisaje dialéctico es obviamente su obra fotográfica más digital. La cantidad de transformación de varias imágenes para crear estas obras de arte implica un gran trabajo, dedicación y perseverancia.

Si Dionisio González crea nuevos espacios vacíos en el ya denso paisaje urbano En "Paisaje dialéctico", en "Pensando en Central Park" llena el espacio vacío de Central Park con cuatro refugios: "Basado en cuatro visiones de Central Park: Walter Benjamin , Robert Smithson, JD Salinger y Lady Gaga, la idea del refugio se propone como monumento y extensión aérea del parque por el camino de un recurso dialéctico ". El término refugio  es perfecto pues no tienen un uso específico obvio, se colocan con un tamaño moderado comparativamente al paisaje de Central Park. A pesar de que podrían parecer naves espaciales, la gente en el parque, obviamente, se sienten acostumbrada a ellos como parte de las maravillas de Central Park. La inclusión de estos refugios es perfecta teniendo en cuenta tanto el paisaje como el lugar de las personas involucradas en él. "Lady Gaga's Belvedere" en el lago Central Park es digno de ver.

Dionisio González (Gijón 1965) vive y trabaja en Sevilla. Su obra ha sido expuesta en numerosas instituciones y museos de prestigio como el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, el Museo de Fotografía Contemporánea de Chicago, el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo de Toronto, Toronto. Museo de Arte de Sao Paulo (MASP), Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) o  Museo de Arte Contemporáneo de Burdeos. (Galerie Richard press-release)

 Galerie Richard. 121 Orchard Street, New York NY10002

 http://www.galerierichard.com    http://www.dionisiogonzalez.es

Imagen: “Dialectical landscape” Dionisio González

ARLES. Marie Bovo “СтанСы/ STANCES” Église des Trinitaires

3 julio - 27 agosto, 2017

En la serie fotográfica Cтансы (Stances), iniciada en 2016, he trabajado en diferentes trenes que viajan largas distancias a través de Europa del Este y Rusia, viajes que duran varios días. En cada parada, antes de ver el paisaje, la arquitectura o la luz que abrirán las puertas, instalo la cámara en la entrada del vagón. Antes de que las puertas puedan cerrar de nuevo como un obturador de cámara, la película de plata ha hecho una huella del lugar. La imagen es el cruce entre el tren y lo que está más allá de sus puertas en un corte estacionario de varios segundos que dibuja otra Europa. Es una Europa marcada por la era comunista y poscomunista, sin tomar parte en la misma historia ni en la misma realidad que el resto del mundo occidental. Marie Bovo.

Marie Bovo, Alicante 1967, ha expuesto ampliamente en Francia e internacionalmente. Su trabajo ha sido presentado en importantes instituciones y eventos, como la Bienal de Venecia, la Maison Européenne de la Photographie en París, el Centre de Création Contemporaine de Tours, los Proyectos Luis Serpa en Lisboa, las Colecciones de Saint-Cyprien, la Maison De la Photographie en Toulon, la Ciudad de Marsella Ateliers, el Museo de Arte Contemporáneo de Marsella, la Pantalla Caszuidas de Amsterdam, la Plaza de la Federación en Melbourne y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago. FRAC de Marsella está presentando actualmente una amplia exposición de su trabajo. Bovo está representada en colecciones públicas y privadas, incluyendo las de; Fnac; Maison Européenne de la photo, Le Grand Hornu en Bélgica, Les Collections de Saint-Cyprien y FRAC de Marsella.

Église des Trinitaires, 40 rue de la République. 13280 Arles - France

https://www.rencontres-arles.com

Imagen: Marie Bovo. СтанСы/ STANCES

SAINT PAUL DE VENCE. Eduardo Arroyo “En el Respeto a las Tradiciones” Fondation Maeght

1 julio  - 19 noviembre, 2017

Eduardo Arroyo, hoy día considerado uno de los grandes pintores españoles de su generación. Nacido en 1937 en Madrid y vinculado al movimiento de la figuración narrativa que se desarrolló en Europa a principios de los años sesenta, ha pintado a la humanidad a través de un juego de imágenes que provienen tanto de la sociedad como de la historia, de la historia del arte y de la literatura. Eduardo Arroyo es también escritor y utiliza la narración fragmentada con humor y el gusto por la paradoja. El resultado es una obra pictórica muy construida que demuestra una libertad constante.

La exposición de la Fundación Maeght ilustra esta idea entre lo absurdo y la ironía en su título: En el Respeto a las Tradiciones. Del 1 de julio al 19 de noviembre de 2017, en el 80 aniversario del artista, presentando una exposición temática de obras realizadas desde 1964 compuestas por pinturas tan conocidas como nunca antes vistas, incluyendo una serie de pinturas creadas especialmente para esta exposición . Se mostrará una serie de dibujos y una colección de esculturas, incluyendo piedras y ensamblajes conformados, entre ficción y realidad, como la serie de cabezas híbridas incluyendo Dante-Cyrano de Bergerac y Tolstoy-Bécassine. Espectacular por su diversidad de materiales, por su riqueza de personajes y su gama de colores, el arreglo de obras contará con pequeños teatros que se refieren a pinturas como Agneau Mystique de Hubert y Jan van Eyck o la que reúne las "vanitas" Y vuela en el Patio Miró.

Como artista comprometido, Eduardo Arroyo rechaza cualquier estetización complaciente del arte y defiende el carácter ejemplar de la obra, el poder de la imagen. Quiere que su pintura sea accesible a la mayor audiencia posible. Sus pinturas están pintadas en colores planos, pero frecuentemente utiliza el collage. También hace esculturas usando arcilla, hierro, piedra, yeso y  bronce. El uso de lo absurdo lo convierte en un heredero directo de Lewis Carroll y Francis Picabia.

Fondation Maeght. 623, chemin des Gardettes- 06570 Saint-Paul-de-Vence, France

http://www.fondation-maeght.com

Imagen: Eduardo Arroyo, La mujer del minero Pérez Martinez llamada Tina es rapada por la policia, 1970.© Adagp Paris 2017. Photo DR.

SAN PERTSBURGO. FD. “Memoria, Mente, Materia: La Escultura de Eduardo Chillida.”The Dalí Museum

hasta el 24 septiembre 2017

La primera exposición en el Museo Dalí dedicada a la escultura desde la inauguración de su nuevo edificio en 2011, presenta más de 60 obras de Chillida incluyendo 16 esculturas, un mural de gran formato, numerosos dibujos y "gravitaciones", el enfoque único del artista para el collage de papel.

Nacido en San Sebastián, en el País Vasco, Eduardo Chillida es conocido por sus obras monumentales en espacios públicos como De Musica, Dallas XV en el Centro Sinfónico Morton H. Meyerson de IM Pei, así como en prestigiosos museos de Europa y Estados Unidos, donde hizo su debut con exposiciones en el Guggenheim y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Durante su vida, Chillida recibió premios importantes; Entre ellos el Premio Graham de Estudios Avanzados en Bellas Artes, el Gran Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, ambos en 1958; El Premio Kandinsky en 1960; Y el Premio Carnegie en 1964 y nuevamente en 1979, compartido con el pintor Willem de Kooning.

La exposición en el Museo Dalí es una exploración del interés de Chillida por la relación de la humanidad con el espacio y las formas orgánicas. Sus materiales son sustanciales y naturales; Su acabado equilibra ligereza y masa. "Estamos presentando una variedad de obras de este maestro escultor y artesano experto", dijo el comisario del Museo Dalí de exposiciones especiales, el Dr. William Jeffett. "Esta es una rara oportunidad para ver las obras de un artista conocido por grandes monumentos escultóricos que a menudo tienen que viajar por el mundo para ver. Aquí, los visitantes tendrán acceso a una serie de esculturas de Chillida junto con dibujos, collages y libros de artista. "

La exposición de Chillida continúa la tradición del Museo de presentar arte y artistas cuya relación con Salvador Dalí y el Surrealismo puede no ser ampliamente conocida. "Cuando André Breton utilizó la palabra inventada Surrealismo de Guillaume Apollinaire para describir un movimiento en el arte, artistas como Joan Miro y Alberto Giacometti ya estaban trabajando. Su arte atrajo la abstracción y el cuerpo humano, y encontró un profundo parentesco con poetas con intereses similares. Es esta tradición, y particularmente estos artistas, lo que impulsó a Chillida desde sus primeras obras ", Dr. Hank Hine, director ejecutivo de The Dali Museum.

The Dalí Museum. One Dali Blvd. St. Petersburg, Florida 33701

http://thedali.org

Imagen: Eduardo Chillida working on an alabaster sculpture, 1975.Photo: Archivo Eduardo Chillida

MELBOURNE. “mmmm….” RMIT Gallery

21 julio - 09 septiembre, 2017

Madrid mmmm ...,es un colectivo formado por cuatro artistas españoles: Alberto Alarcón, Emilio Alarcón, Ciro Márquez y Eva Salmerón que ha estado produciendo arte en el espacio público en todo el mundo desde 1998.

Interactuar, comunicar e interferir, con estas intenciones han estado a la vanguardia española de proyectos performativos desde que estallaron en la escena del arte público europeo hace 18 años.

Los proyectos incluyeron una intrigante acción de arte público en 2013, en la que 50 personas con grandes cabezas de cartón de toro caminaron rectas y orgullosas por las calles del centro de Madrid. Con la figura del toro representando la resistencia, el coraje y el carácter del pueblo español, el evento tenía como objetivo llevar el optimismo a una ciudad fuertemente afectada por la crisis financiera mundial.

Una instalación de arte urbano de mobiliario urbano llamada Meeting Bowls en Times Square, Nueva York, dio al público otra visión de lo que en la calle más concurrida de la ciudad de Nueva York podría verse con un simple diseño.

La escultura de arte público autobús en 2014 se presentó en el barrio de Highlandtown de Baltimore con 14 pies de altura, 7 pies de ancho las tres letras de la parada de autobús que la tipografía expresó la palabra BUS.

En 2002, el colectivo de artistas españoles fabricó un momento con Kiss Invasion, donde 100 parejas alrededor del centro de la ciudad se besaron simultáneamente.

Estos son sólo algunos ejemplos de los más de 50 proyectos creativos en espacios públicos que los artistas Alberto Alarcón, Emilio Alarcón, Ciro Márquez y Eva Salmerón han producido desde que mmmm ... fue fundada.

Esta exposición retrospectiva presenta los proyectos lúdicos del colectivo madrileño entre 2000 a 2016, explorando el terreno común entre sus empresas aparentemente dispares.
RMTI Gallery. 344 Swanston Street, Melbourne, Victoria, 3000

https://www.rmit.edu.auhttp://www.mmmm.tv

Image: MMMM…. Human Rabbit Action – taking street action to Melbourne.

LONDRES. “Santiago Sierra: Estructura Impenetrable” Lisson Gallery

14 julio  - 26 agosto, 2017

Durante las dos últimas décadas, Santiago Sierra ha llevado a cabo acciones provocativas en todo el mundo. Conocido por su trabajo cargado política y socialmente, Sierra regresa a la Lisson Gallery de Londres  para presentar una instalación de gran formato, específica para el sitio, que continúa el interés del artista por las fronteras y el desplazamiento. Tíitulada Estructura Impenetrable, la instalación en forma de rejilla está construida con alambre militar, similar a lo que se utiliza para crear perímetros de seguridad entre países y en zonas de guerra. El trabajo llena el espacio entero de la galería de 27 Bell Street,  los visitantes acceden de uno en uno, creando un ambiente en el cual el acceso es restringido o totalmente negado.

Después de estudiar Bellas Artes en Madrid, Santiago Sierra se trasladó a Hamburgo como invitado de la Hochschule für bildende Künste (HFBK). Fue allí donde se entusiasmó con los trabajos serializados de contenedores industriales mientras se preguntaba por la zona portuaria de la ciudad y donde también se encontró por primera vez con una gran comunidad de inmigrantes y el desplazamiento masivo de extranjeros. Influenciado por el lenguaje formal de los movimientos de arte minimalistas y conceptuales de los años sesenta y setenta, Sierra comenzó a construir estructuras geométricas con materiales industriales para comentar cuestiones planteadas por las fronteras de los estados-nación, asentamientos temporales y bases militares.

Transporta  estos conceptos a un contexto de exposición, ya sea para el espacio cerrado por metal , Lisson Gallery, Londres, septiembre de 2002 (2002), donde Sierra cerró la recién inaugurada galería de Bell Street durante tres semanas, o en la Bienal de Venecia en 2003 , Donde construyó una muralla de cemento a través del Pabellón de España para bloquear a todos los visitantes, excepto a los españoles, proporciona una estrategia eficaz para resaltar los temas de separación, polarización y temor presentes en la sociedad contemporánea. Su obra más reciente, mostrada por primera vez como parte de esta exposición, continúa esta temática y una vez más incorpora los materiales industriales encontrados en la tecnología de defensa para crear una estructura verdaderamente impenetrable.

El trabajo de Sierra muestra cómo, a pesar de las seguridades de las autoridades y los gobiernos, las fronteras nacionales e internacionales no están siendo suprimidas, sino que se están reforzando. El enfoque de las obras no es sólo sobre los materiales utilizados o lo que la naturaleza de la situación puede inspirar sino también sobre la creación de un espacio vacío e inhóspito. A diferencia de una obra de arte minimalista, esta instalación no nace de un cierto arreglo formal capaz de producir satisfacción estética, sino de la frustración que siente el espectador cuando se le somete a tal negación física; El tipo de frustración cada vez más visible en nuestra vida cotidiana, caracterizado por un mundo globalizado que cada vez más y contra intuitivamente necesita protegerse y dividirse para proteger su estabilidad.(Lisson Gallery press-release)

Lisson Gallery. 27 Bell Street. London. UK

http://www.lissongallery.com   http://www.santiago-sierra.com

Imagen: Santiago Sierra. Installation view Lisson Gallery London

BARCELONA. Martin Llavaneras “Fruit Belt” Espai 13. Fundació Joan Miró

13 Julio - 11 Septiembre, 2017

“Fruit Belt” propone una aproximación a la noción de superdomesticación de la naturaleza a partir del proceso natural de respiración de las manzanas y de una serie de técnicas “poscosecha” desarrolladas para retrasar el tiempo de oxidación de las frutas. Por medio de una serie de parámetros de control biológico y de diversos procesos metabólicos relacionados con la producción de fructosa, la exposición se despliega a modo de ensayo conceptual y escultórico en torno a los ciclos vitales de las materias primas y a su flujo permanente.

En “Fruit Belt”, Martin Llavaneras construye un receptáculo que modifica la atmósfera del espacio expositivo e instala un conjunto de depósitos contenedores de líquidos. Estos recipientes están conectados entre sí mediante un circuito de mangueras y bombas circuladoras, que distribuyen a través del Espai 13 una serie de aditivos sintéticos empleados en el proceso de optimización industrial de la fruta.

Fundació Joan Miró Parc de Montjuïc. 08038 Barcelona

http://www.martinllavaneras.com   https://www.fmirobcn.org

Imagen: Curves Converge, Rumen Collects, 2016. Martín Llavaneras

 

 

GRABOVO. Carlos Aires “23 Bienal del Humor y la Sátira en el Arte” Museum House of Humour and Satire

hasta el 30 septiembre, 2017

En un momento en que las noticias suenan a broma, el humor podría ser la mejor respuesta a la realidad. La 23ª edición de la Bienal, organizada por el Museo Casa del Humor y la Sátira, Municipio de Gabrovo y el Ministerio de Cultura de Bulgaria, reúne diversas posiciones artísticas presentadas en el marco de la exposición como "Riendo a la cara de ..." que conforma animaciones y arte contemporáneo.

Riéndose en la cara de alguien, a diferencia de reírse detrás de su espalda, es un acto atrevido. Requiere dignidad, tanto en nombre del que se ríe como del que se ríe. Es imposible reírse ante un oponente sin rostro. No por casualidad "perder la cara" es un idioma para perder la dignidad, que en algunas culturas equivale a la muerte social. Reírse en la cara de alguien o algo junto con exponer y criticar significa pagar la consideración y sostenerse como significativo.

¿Cuáles son las ganancias de la risa? La risa no resuelve los problemas, sino que nos hace más grandes que ellos. Proporciona mayor perspectiva. Reír en la cara de alguien o algo es una cuestión de actitud y una manera de seguir adelante a pesar de la adversidad. Es una estrategia de supervivencia. El mundo dura porque se ríe, dice el lema de la Casa de Humor y Sátira del Museo, acuñado en los primeros días de la institución por el satirista búlgaro Radoy Ralin y publicado por primera vez hace 44 años en la primera Bienal de Gabrovo.

La vigésima tercera Bienal de Gabrovo presenta tres exposiciones: una exposición comisariada de dibujos animados, una exposición de arte contemporáneo y una exposición desarrollada por Marko Stamenkovic bajo el título 'To Die Out Laughing'. Las exposiciones comisariadas son el resultado del verdadero compromiso, la curiosidad intelectual y el juicio profesional de los miembros del jurado. Jean-Marie Bertin (Francia), Daryl Cagle (EE.UU.), Christo Komarnitski (Bulgaria), Andrei Popov (Rusia) y Yordanka Shiyakova (Bulgaria) juraron las caricaturas. Joerg Bader (Suiza), Margarita Dorovska (Bulgaria), Francis McKee (Irlanda / Escocia), Anton Staykov (Bulgaria) y Marko Stamenkovic (Serbia) comisarios de las obras en la sección de arte contemporáneo.

Carlos Aires (Ronda, Málaga 1974) vive en la actualidad en Madrid, desarrollando con su trabajo su estética de la ambigüedad y la actitud analítica hacia nuestra forma de percibir la realidad que nos rodea. Desde el collage pasando por la fotografía, video y performance, Aires muestra un arte provocativo, lleno de inquietud y escepticismo. Nos sumerge en una realidad molesta y discutible, donde los mitos regulares pierden su sentido, la historia toma nueva naturaleza y la verdad da espacio a las mentiras a medias. A Carlos Aires le gusta proponer juegos al público, para descubrir cuántas y cuáles podrían ser las diferentes maneras de leer una imagen, un vídeo, una actuación, para interpretar una situación.

Museum House of Humour and Satire. 68 Bryanska St, Gabrovo 5300, Bulgaria

http://biennial.humorhouse.bg http://www.carlosaires.com

Imagen: Carlos Aires. DISASTER CXXXVIII, 2016, digital print on Hahnemühle Fine Art paper, banknote, hand-dyed wooden frame, 25 × 33 × 3,5 cm

PARIS. OKUDA San Miguel “El Sueño de Mona Lisa” Adda & Taxie Gallery

17 junio – 29 agosto, 2017

La obra de OKUDA ​​refleja un mundo surrealista de color geométrico. Explorando las contradicciones existencialistas, el sentido de la vida y las falsas libertades del capitalismo, su obra ha sido clasificada como una especie de surrealismo pop.

Una cierta inquietud existencial y una profunda curiosidad por la historia de las diferentes culturas que encuentra en su camino le han llevado a admirar la forma elegida en cada uno de ellos para representar sus dioses, leyendas y mitos como un repertorio de imágenes y conceptos complementarios.

Deidades creadas para apaciguar las insatisfacciones de la sociedad y las incertidumbres de nuestra existencia que se proyectan desde un universo infinito en el que la naturaleza es nuestra única certeza.

Trabajando con spray, bordados y escultura, su obra representa animales y cuerpos desmontados. Fácilmente reconocible por su uso de la forma y el color, su obra crea su propio lenguaje iconográfico.

Adda & Taxie Gallery 35 Avenue Matignon 75008 Paris 

http://www.addagallery.com  http://okudart.es

Imagen: Okuda. “The Mysterious Knight of God’s Garden”

TOKIO. José Suárez ”Unos ojos vivos que piensan” Instituto Cervantes

18 julio – 24 agosto, 2017

El Instituto Cervantes y la Fundación Cidade da Cultura de Galicia presentan la mayor exposición sobre uno de los grandes nombres de la fotografía del siglo XX, José Suárez. Comisariado por dos nombres de referencia en el estudio de la fotografía gallega, Xosé Luis Suárez Canal y Manuel Sendón, nos descubre al fotógrafo artista con una fuerte visión humanista, al innovador que decidió incorporar a la fotografía los movimientos de vanguardia europeos. Pero también al intelectual admirado por sus coetáneos, al enamorado de Japón, al hombre que cambió el éxito en el exilio por el olvido en su tierra.

José Suárez: unos ojos vivos que piensan presenta un centenar de fotografías del artista, junto a una interesantes selección de documentos personales, reseñas periodísticas y catálogos de esta destacada figura de la fotografía española.

La personalidad del gallego José Suárez (Allariz, 1902-A Guarda, 1974) es singular dentro de la historia de la fotografía española. Poseedor de una nueva mirada en una época marcada por la visión costumbrista y de una sólida formación intelectual, la figura de José Suárez es tan novedosa como desconocida para el gran público. La Fundación Cidade da Cultura de Galicia pretende a través de esta muestra recuperar una figura clave de la fotografía del siglo XX, autor de series fotográficas marcadas por el humanismo y la revolución formal y reivindicar la cultura gallega más allá de España.
En un momento en el que imperaba una visión costumbrista de la sociedad gallega tan propia de los años 30, el fotógrafo gallego José Suárez realiza una serie de reportajes que se apartan completamente de esa concepción y que muestran un conocimiento de los movimientos artísticos innovadores del momento, con una nueva visión y una nueva objetividad. Sus investigaciones formales van acompañadas de una gran preocupación humanista, que él mismo hace explícita: “Me interesa el objeto como huella del hombre…”. La excepcionalidad de su obra en este período rebasa el marco gallego, ocupando un lugar relevante en el contexto español de los años 30.
La sólida formación intelectual de José Suárez le diferencia de la mayoría de los fotógrafos históricos españoles, vinculado siempre a círculos culturalmente muy ricos. En Salamanca se rodeó de figuras como Miguel de Unamuno, Benjamín Jardés, José Bergamín o el entorno de la Revista de Occidente. Ya en el exilio mantuvo contacto con el entorno intelectual y artístico de la emigración gallega y española; desde Alejandro Casona a Ramón Pérez de Ayala, Rafael Alberti, Manuel Colmeiro, Rafael Dieste, Luis Seoane, Núñez Búa, Luis Tobio… de los que dejó amplio registro fotográfico. Durante su exilio en América Latina realizó diferentes reportajes sobre; La Pampa, Tierra de Fuego o La Patagonia que fueron publicados en varias revistas. Al mismo tiempo realiza el trabajo en el Portillo en Chile, que dará lugar al libro Nieve en la cordillera (1942). El interés por la cultura japonesa lo llevaría a viajar a Japón en un primer momento durante tres años (1953/56), viaje que le va a dar ocasión de realizar otra de las series emblemáticas que le permitirá acercarse y conocer a fondo la cultura nipona. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes. Cervantes Bldg. 2-9 Rokubancho. 102-0085 Chiyoda-ku Tokio (JAPÓN)

http://tokio.cervantes.es

Imagen: José Suarez

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