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PARIS. “París / Madrid / Lisboa, de Miguel Galano” Instituto Cervantes

8 junio – 28 julio, 2017

Miguel Galano (Tapia de Casariego, Asturias, 1956) se ha ido convirtiendo en uno de los grandes de nuestra pintura. Creador profundamente enraizado en su región, Galano ha sido capaz de, a partir de ella, interrogarse sobre otras tierras. Sus viajes europeos lo han llevado a pintar calles, plazas, jardines, iglesias, cementerios, un poco por todo el continente. El Instituto Cervantes presenta la exposición "París/Madrid/Lisboa", centrada en su relación con tres de las ciudades que han retenido su atención como pintor: Madrid, donde realizó sus estudios de Bellas Artes, Lisboa que fue la primera ciudad extranjera que pisó, en la época en que por razones de trabajo residía en Extremadura, y la propia capital francesa.

Según Juan Manuel Bonet “es la de Galano una pintura septentrional, en grises y blancos, que habla del mundo en torno y que profundiza en su esencia; una pintura intemporal, contemplativa, emocionante y verdadera como pocas". 
El 8 de junio tendrá lugar la inauguración de la exposición con la participación del artista, Miguel Galano y Juan Manuel Bonet, director del Instituto Cervantes, en presencia de Vicente Domínguez, vice-consejero de cultura y educación del Principado de Asturias. (I. Cervantes press-release)

Instituto Cervantes 7, Rue Quentin Bauchart. 75008 París(FRANCIA)

http://paris.cervantes.es

Imagen: Miguel Galano

MIAMI. “Pluralidad de voces” Premios Revelación de PhotoEspaña. Centro Cultural de España

8 junio – 28 julio, 2017

CCEMiami te invita en colaboración con Spain & Arts Culture a la inauguración de la exposición “Pluralidad de voces” Premios Revelación de PhotoEspaña.

El Premio Revelación, concedido cada año por PHotoEspaña, Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales, dirigido al reconocimiento del trabajo de un fotógrafo español menor de 35 años y cuya obra ha destacado el año anterior.

Esta exposición presenta una pequeña muestra de imágenes de un grupo de fotógrafos que han obtenido este premio, desde el nacimiento de PHotoEspaña en 1998 hasta la última edición celebrada el año pasado 2016: David Jiménez, Isabel Flores, Paco Gómez, Lucía Arjona,  el colectivo NOPHOTO, Germán Gómez, Carlos Sanva, Carlos Irijalba y Aleix Plademunt.

Todos los artistas nos hacen reflexionar sobre las problemáticas del mundo en que vivimos: la manipulación del paisaje y la degradación del entorno urbano, la representación del territorio, los problemas de género, la memoria y la identidad; entre otros.

Encontramos en algunos de estos autores una tendencia a la interdisciplinaridad, explorando diversas técnicas y medios, como lo hacen Isabel Flores y Germán Gómez o utilizando la imagen en movimiento, las acciones y performances, como en el caso de Carlos Irijalba.

El conjunto de los trabajos presentados en esta exposición son un reflejo de la riqueza, pluralidad y diversidad de la fotografía actual. (CCE Miami press-release)

CCE Miami1490 Biscayne Blvd, Miami, Florida 33132

http://www.ccemiami.org

Imagen: Aleix Plademunt

PARIS. Pilar Albarracín “Anatomía flamenca” Galería Vallois

09 junio -  22 julio, 2017

"Pilar Albarracín es una artista significativa de la escena española contemporánea que nació en Sevilla en 1968.

Con un sentido cáustico del humor, Pilar disfruta desviando clichés de la cultura pop de una manera tan trágica y cómica que no podemos dejar de preguntarnos sobre el papel que desempeñan las mujeres en las esferas personal, social y política.

Realizando mil mujeres por su cuenta, desde una flamenca hasta una ama de casa, la artista ofrece a los espectadores una alegre catarsis a través de sus escenarios y actuaciones, negándoles la tentación de deslizarse en clichés ingenuos propios de políticas conservadoras, populistas y fascistas, Nuestra imaginación colectiva.

En la sala de proyectos de la galería Georges-Philippe & Nathalie Vallois, presenta cuatro nuevas fotos de la serie Anatomía flamenca inspiradas en su proyecto de performance Le Duende Volé realizado en 2012 en el Festival Mont-de-Marsan.

Del latín "dominus", que se traduce como "dueño" en español, el concepto de duende existe en la cultura popular española a través del cante flamenco y lascorrida de toros. En una metáfora poética, el duende vive en el interior y conecta carne y deseo. En el flamenco cobra vida a través del habla y los gestos, pero se extiende a todos los campos artísticos cuando se trata de hacer la diferencia entre la verdadera inspiración y el engaño. El poeta Federico García Lorca dedica series de conferencias a esta noción, considerando que el duende surge de la lucha entre el cuerpo y otro que vive en el interior. Atreverse a exponer la genuina relación del arte con el duende para despertar y entablar una lucha con él. La lógica y el sentido común se desintegran dando lugar al erotismo que posee la frescura de las cosas recién creadas" Valentine Meyer

Como muchas de las obras de Albarracín, la serie de fotos titulada Anatomía flamenca está formada por parodias catárticas y tragicomedias. Cada uno de ellos (Seguiriya para un esqueleto, Vísceras por tanguillos, Fandangos por venas y arterias, Soleá por músculos) presenta a la artista realizando algunos movimientos de baile burlesco donde el erotismo se encuentra con la muerte, o donde los malos comportamientos que llevan a la libertad son llevados a extremos. Junto con el icónico video, Lunares (2004). (Vallois gallery press-release)

Vallois  gallery. 36, rue de Seine. 75006 Paris — FR

http://www.galerie-vallois.com  http://www.pilaralbarracin.com

Imagen: “Vísceras por tanguillos” Pilar Albarracin

DIÁLOGOS SIN PALABRAS 17. Nagore Legarreta / Isabel Muñoz

Con Diálogo sin Palabras 17 . Nagore Legarreta / Isabel Muñoz cerramos este primer coloquio entre imágenes producido por quepintamosenelmundo.com que inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes,ha adoptado la forma de una conversación produciendo una nueva secuencia de significados e interpretaciones a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se está convirtiendo en un coloquio de “imágenes con alma”

¡ Atentos! en breve publicaremos al completo la secuencia final con los 17 diálogos producidos.

Diálogos sin Palabras 17. Nagore Legarreta / Isabel Muñoz

Diálogo 17. Nagore Legarreta

Diálogo 17. Isabel Muñoz

Nagore Legarreta (Hernani, 1981).

Licenciada en Comunicación Audiovisual vive y trabaja en San Sebastian. Su trabajo se articula en una línea de exploración de las relaciones interpersonales y los conflictos de género y sociales. Iniciada en la fotografía a través del fotoperiodismo, desarrolla principalmente técnicas relacionadas con la fotografía estenopéica y analógica tanto en su estudio como en la India, donde viaja con frecuencia. En paralelo, realiza trabajos de edición como Edipotoa, un fotolibro que recoge sus primeras estenopeicas. Sus obras han sido expuestas en diferentes exposiciones colectivas como Artea Oinez 2014, institucionales a través de Donostia Kultura y en festivales como GETXOPHOTO 2015. PhotoGune Lab

“Había oído hablar sobre la cámara estenopéica, pero después de ver los trabajos de Alberto Gago y Illan Wolf pensé que dicha técnica me venía como anillo al dedo. ¿Que es una cámara estenopéica? Se puede construir con cualquier caja, sencillamente hay que tapar bien la caja para que no entré luz por ningún lado, y después, se le hace un pequeño agujero para que la luz entré dentro y se proyecté en unas de las paredes de la caja. En esa pared hay que poner material fotosensible. Hasta ahora he utilizado papel fotográfico, pero estoy experimentado con negativo de 35 mm en una cámara que construí con una caja de cerillas” Nagore Legarreta , http://www.nagorelegarreta.com

Isabel Muñoz, nacida en Barcelona en 1951 y afincada en Madrid desde 1970, es una fotógrafa que ha sabido destacar dentro de la diversidad de propuestas que caracterizan el panorama fotográfico español contemporáneo, apostando por la técnica de la platinotipia y por el gran formato con el objetivo de reforzar su discurso: su pasión por el cuerpo como forma de aproximación al estudio del ser humano.

Una pasión que ya desde sus primeras series,Tango y Flamenco (1989), marca el inicio de un recorrido por numerosas culturas en las que busca capturar con su cámara la belleza del cuerpo humano, abarcando desde sus bailes y luchas tradicionales hasta ciertas realidades y problemáticas en las que Muñoz decide centrar la mirada estableciendo un compromiso social.

Su primera exposición, Toques, realizada en octubre de 1986 en el Instituto Francés de Madrid, y su participación en el Mes de la Fotografía de París en noviembre de 1990, marcan profundamente un antes y un después en su trayectoria profesional al suponer su lanzamiento nacional e internacional. Estas exposiciones estarán sucedidas por otras muchas, tanto individuales como colectivas, a lo largo de las cuales Muñoz se irá consagrando como una gran fotógrafa de resonancia internacional.

Esta fuerte presencia que Isabel Muñoz ha adquirido dentro de la realidad artística contemporánea queda reflejada en el reconocimiento a su trabajo a través de distintos premios y menciones entre los que destaca premio de fotografía de la Comunidad de Madrid en 2006, el Premio Bartolomé Ros a toda su carrera en PHotoEspaña2009, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2009 y la obtención en dos ocasiones del World Press Photo, así como también el Premio Nacional UNICEF España 2010 a la Sensibilización y Movilización Social, Fundación DEARTE 2012 y Premio Nacional de Fotografía 2016. Un reconocimiento profesional igualmente materializado por la presencia de su obra en distintas colecciones tanto nacionales como internacionales, entre las cuales cabría señalar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Foto Colectania de Barcelona, Fundación Canal de Madrid, MaisonEuropéenne de la Photographie de París y New Museum of Contemporary Art de Nueva York. Raquel Temiño. http://www.isabelmunoz.es

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Nagore Legarreta

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

LONDRES. Marco Godoy "Tenemos el peso, Tenemos las medidas" Copperfield Gallery

1 junio - 29 julio, 2017


La galería Copperfield, Londres tiene el placer de presentar Tenemos el peso, tenemos las medidas, en relación sobre las actividades aparentemente amables de la cultura y la enseñanza y las afirmaciones de la geografía.
Esta muestra colectiva presenta una nueva instalación del artista madrileño Marco Godoy(1986), centrada en la calidad ornamental de cercas y dispositivos concebidos para dividir tierras y territorios. La exposición también incluye obras de Oscar Santillán (Ecuador, 1980), Daniel de Paula (USA / Brasil, 1987), Ewa Axelrad (Polonia, 1984) y Ella Littwitz (Israel, 1984).
Desde los albores de la civilización, los seres humanos han intentado delinear y reclamar el territorio, pero en la historia más reciente estas afirmaciones se han extendido más allá de la tierra y el agua hasta el espacio aéreo, el espacio galáctico y hasta las lunas y los planetas.
Hay una cierta agresión implícita en el acto de reclamar cualquier cosa y, sin embargo, la historia contiene algunos ejemplos sorprendentes de la forma en que este proceso está enmascarado. Un ejemplo temprano fue la reivindicación de lo que ahora es Brasil por parte de los portugueses: no con la amenaza de la fuerza militar sino basándose en podrían mapear y navegar la tierra y las aguas circundantes. Saber dónde estás en términos inmediatos no es suficiente, la gobernabilidad requiere una mayor supervisión cuantificable respaldada por el aprendizaje. Algunos de los casos más conocidos de desplazamiento de las culturas indígenas en Australia, América, Nueva Zelanda y África hacen eco del mismo principio, del mismo intento de justificación que necesitaban "cultivar".

A través de esta propuesta las esculturas e instalaciones expuestas llaman la atención sobre la trayectoria actual de este tipo de comportamiento que a menudo escondido a simple vista. (Copperfield Gallery press-release)

Copperfield Gallery. 6 Copperfield Street. London SE1

http://www.copperfieldgallery.comhttp://www.marcogodoy.com

Image: Marco Godoy, Ornaments. From the series Good fences make good neighbors, 2017. Dimensions variable

MONTREAL. Joan Fontcuberta “TRAUMA” Galería Occurrence

26 mayo – 4 julio, 2017

Cabe preguntarse qué sucede cuando una fotografía abandona su imagen, cuando entrega su alma. ¿Qué queda cuando una fotografía ya no señala una realidad hacia fuera de sí misma y sólo permanece el sustrato, el residuo, apenas unas manchas de sustancias químicas sensibles a la luz? ¿Qué pasa cuando el único referente que le queda a una fotografía es la fotografía en sí? Cuando el alma de una imagen -la información- abandona su cuerpo -el soporte- y se convierte en fantasma. Pero hay varios tipos de fantasmas y diversos tipos de imágenes-fantasmas. Habitualmente las imágenes-fantasmas habitan los bastiones de la memoria que son los archivos

En Trauma, Joan Fontcuberta propone la idea de unas imágenes enfermas: fotografías que sufren algún tipo de deterioro (patología) que perturba su función documental y las inhabilita para “vivir” en un archivo pero que las dota de una extraordinaria singularidad plástica. A partir de estas imágenes, procedentes de diferentes fototecas asturianas, Fontcuberta ha realizado un libro de artista.

En la línea de proyectos anteriores (tales como Blow Up Blow Up, 2009 y Gastrópoda, 2013), basados en la indagación semiótica de la imagen fotográfica, el nuevo trabajo de Joan Fontcuberta parte de la hipótesis de que las imágenes experimentan un metabolismo orgánico: nacen, crecen, se reproducen y mueren para reiniciar el ciclo de la vida. Por este motivo, Fontcuberta se interesa por los archivos, ya que éstos contienen imágenes enfermas, agónicas, imágenes que, como consecuencia de la biología transformadora del tiempo y de la química, padecen algún tipo de trastorno que perturba su función documental y las inhabilita para seguir “viviendo” en el archivo. Son las mismas imágenes, ya sean producidas por él mismo o hurgadas en colecciones fotográficas, las que están sometidas a un estado de trauma. Un trauma que, según Fontcuberta, “nos aboca a la elegía por lo que queda de la materialidad de la fotografía química, una oda a sus restos y excrecencias”

Occurrence, espace d’art et d’essai contemporains. De Gaspé • espace 108. Montréal, Québec

http://occurrence.ca   http://www.fontcuberta.com

Imagen: "Trauma #2897", 2016. Photographic print on Duratrans with LED lightbox.Joan Fontcuberta

BARCELONA. Frederic Amat “Zoótropo” Sala de exposiciones La Pedrera

hasta el 16 de julio 2017

Frederic Amat (Barcelona, 1952) es uno de los creadores más destacados del panorama artístico catalán contemporáneo. Su concepción abierta de la pintura le ha llevado a integrar en su trabajo múltiples lenguajes: la pintura, el dibujo, la escultura, la instalación, la performance, la ilustración de libros, el audiovisual, la escenografia teatral o las intervenciones en espacios arquitectónicos.

La exposición  «Frederic Amat, Zoótropo» presenta una selección de proyectos de intervención en espacios, tanto naturales como urbanos, a menudo vinculados a la arquitectura, con el objetivo de crear un mapa, una topografía, del trabajo del artista, buscando siempre el componente poético. El título de la exposición, «Zoótropo», se refiere a la máquina estroboscópica formada por un tambor giratorio, con unos cortes a través de los cuales el espectador puede ver una serie de dibujos que, al girar, dan la sensación de estar en movimiento. Así, como un zoótropo, pretende mostrar las diversas facetas de la obra de Amat en relación con el espacio, la arquitectura, la ciudad y el paisaje.

«Zoótropo» se divide en tres apartados cuasi independientes que tejen una única obra en tres actos que constituye una oportunidad excelente para comprender el exuberante y original imaginario vital y artístico de Frederic Amat: el primero propone recuperar la memoria del edificio de Gaudí con una intervención especialmente creada para la ocasión; el segundo reúne una selección personal del artista de obras que remiten a su universo más íntimo, y el último acoge una selección de catorce proyectos de intervención en espacios públicos y privados (algunos realizados, otros no), como un archivo de historia natural en el que conviven las referencias, los croquis del proceso creativo, los making of y algunas piezas del resultado final. (La Pedrera press-release)

Sala de exposiciones La Pedrera. Paseo de Gracia, 92. Barcelona

https://www.lapedrera.com  http://www.fredericamat.net

Imagen. Zoótropo,Frederic Amat. La Pedrera. 

BOSTON. Eva Navarro “Caminos Infinitos” Soprafina Gallery

2 junio – 1 julio, 2017

“Caminos Infinitos” es la tercera exposición de Eva Navarro en Soprafina Gallery. Sus personajes anónimos, sobre todo mujeres esta vez, deambulan por espacios llenos de color, alegres, trazando caminos infinitos.

Eva Navarro (Madrid, 1967) pertenece a la corriente principal que encuentran su expresión en la pintura figurativa, pero con un estilo muy personal. Sus obras son realistas, pero todavía no puede reconocer las figuras que pinta, han dado la espalda al espectador. Mediante el uso de colores especiales y campos vacíos alrededor de las personas presentadas, parece que se les excluye de la realidad. A menudo parece que tienen una lejana mirada a lo lejos, oteando el horizonte en el que todo parece vacío, al menos para el espectador.

“Mis cuadros reflejan mundos paralelos, a los que nos lleva la imaginación, espacios sin fronteras donde nos encerramos y nos liberamos, paisajes interiores llenos de luz y de color, que podemos ver con los ojos cerrados. 

Por estos otros mundos transitan personajes que nos cuentan sus historias, que nos recuerdan a nuestras propias historias” Eva Navarro.

Soprafina Gallery. 55 Thayer Street. Boston, Massachusetts 02118

http://evanavarro.com  http://soprafina.com

Imagen: Eva Navarro

MOSCÚ. “Antoni Gaudí. Barcelona” Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA)

24 mayo – 10 septiembre, 2017

El Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA), en colaboración con la Embajada de España y la Fundación Cultural AUREA Cultura i Art inauguraron el pasado lunes 22 de mayo, la exposición 'Antoni Gaudí. Barcelona', en la sede central del MMOMA.

La exposición reúne más de 150 piezas perteneciente a instituciones públicas y colecciones privadas, como planos, dibujos, maquetas, muebles, elementos arquitectónicos, esculturas, fotografías de época y audiovisuales, que acercan al visitante a las obras del arquitecto en la ciudad de Barcelona. La exposición se complementa con un proyecto del artista contemporáneo catalán Frederic Amat, considerado el continuador de Gaudí en las artes visuales.

Tras haber asumido el canon arquitectónico de Barcelona de su época, Gaudí emprendió su camino artístico en un momento en que el Modernismo Catalán estaba experimentando una gran agitación creativa, creando una arquitectura completamente innovadora y revolucionaria. De este modo, el proyecto estudia la trayectoria artística de Gaudí, en el 165 aniversario del nacimiento del arquitecto, y se plantea como una aproximación clara y didáctica a la persona y obra de Antoni Gaudí.

La exposición, dividida en cinco áreas temáticas, se centra en diferentes aspectos del catalán y de sus obras más conocidas: El Colegio de las Teresianas, la Sagrada Familia, el Palacio Güell, la Casa Calvet, la Casa Batlló y La Pedrera. A través de maquetas, planos y fotografías antiguas, esta exposición no sólo acerca al espectador a un Gaudí arquitecto, sino también al artesano que dominó con excelencia las artes aplicadas y decorativas con una muestra de sus trabajos en vidrio, hierro forjado, cerámica y madera.

La exposición está comisariada por Charo Sanjuán (Aurea Cultura y Art) y organizada por el MMOMA en colaboración con el Departamento de Cultura de Moscú y la Embajada del Reino de España en la Federación de Rusia. (MMOMA press-release)

Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA). Petrovka, 25. Moscú

http://www.mmoma.ru/en

Imagen: Palacio Güell, azotea. MMOMA

EDIMBURGO. Carme Nogueira “Hidden Edinburgh” Interview Room 11

9 – 30 junio, 2017

Interview Room 11 celebra en 2017 su 5ª edición del evento Hidden Edinburgh, en el que da una vez más visibilidad a artistas españoles en la capital de Escocia. En el proyecto, cada uno de ellos dialogan de forma personal con Edimburgo, pero no con el Edimburgo que sale en las postales, sino con el que se esconde lejos del castillo. Dutrante varios meses, cada artista explora y analiza un contexto específico de la capital escocesa para crear una exposición específica relacionada con su práctica artística. AC/E apoya la participación de la artista Carme Nogueira quién organiza su obra en torno a uno de los espacios con más actividad de Edimburgo: sus plazas. Focalizando esta práctica en el barrio de Leith, cercano a la galería, la artista gallega estudiará el entorno urbano y, conforme a su práctica artística habitual, introducirá pequeños elementos que modifiquen este entorno. Generando, así, un cambio en el comportamiento de los vecinos de estas plazas, provocando nuevas interacciones y relaciones entre los propios vecinos.

Carme Nogueira (Vigo 1970) introduce nuevos elementos en lugares públicos con la intención de provocar una reacción en el espectador. La artista estudia el pasado y el presente de las localizaciones en las que trabaja y les añade elementos que ayuden a potenciar su uso. De esta manera, se intensifican las relaciones entre los vecinos y se rehabilitan espacios en desuso. El punto de partida serán las plazas del barrio de Leith, muy cercano a la galería Interview Room 11. Este barrio, conocido por ser el escenario de la famosa película Trainspotting, fue hace años un barrio fuertemente golpeado por problemas de drogadicción y pobreza. Aunque en los últimos tiempos se ha ido regenerando, todavía quedan calles en las que se atisban estos problemas. La plaza de Kirkgate, por ejemplo, está rodeada de tiendas y es zona de paso para todos los vecinos. Aún así, es difícil ver a gente sentada en los bancos, o a niños jugando. Carme Nogueira introducirá elementos que ayuden a crear nuevas relaciones entre los usuarios de esta plaza. Además de la creación de elementos efímeros para las plazas de Edimburgo, Carme colocará fotografías en estas plazas mostrando el resultado. También se creará una guía de plazas, poniendo en valor espacios que normalmente sólo se ven como zonas de paso. El resultado de este proyecto, la documentación y los objetivos alcanzados se muestran en la galería entre el 9 y el 30 de junio de 2017 en una amplia exposición sobre el proyecto.(AC/E press-release)

Interview Room 11. Ocean Terminal Level 1. Ocean Drive. Edinburgh. EH6 6JJ

http://www.ir11.org.uk http://www.cntxt.org

Imagen: Carme Nogueira. Videocreación de Próspera

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