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Foto: B. Mora

LIMA. Esteban Villalta Marzi “C(h)aracter pop” Centro Cultural de España

27 octubre 2017 – 14 enero 2018

La obra del artista Esteban Villalta Marzi se clasifica por épocas y sobre todo por temáticas, la mayor parte de ellas nunca abandonadas y reanudadas intermitentemente. 
La exposición C(h)aracter Pop es un recorrido que tiene como hilo conductor personajes que Esteban Villalta Marzi - EVM - ha pintado a lo largo de su trayectoria, personajes que definen no  sólo su ciclo, sino  también un  contexto histórico como es el caso de los primeros  grafitis o La Movida  Madrileña.
El título de esta exposición es una clara llamada a la  fusión entre  la cultura Norte Americana, lugar de nacimiento del Pop Art (Charactere en anglosajón significa personaje), y al denominado carácter latino de nuestro artista, porque todos estos personajes, tienen una fuerza y una personalidad propia: un carácter. 
El artista no tiene reparos en mostrar un Batman Zapateando y con castañuelas o al  Increíble Hulk al lado de una minúscula bailarina de flamenco.
Estos personajes acompañan y definen una trayectoria artística que, aún en su evolución natural y cíclica, ha sido siempre coherente manteniendo un sello que pertenece solo a él y su territorio, un territorio con carácter, el territorio de EVM.
En esta exposición se podrán ver sus famosos Blood Runners, Ices Guys y algunos de sus Super Héroes entre otras obras. ¡Bienvenidos al mundo EVM!

Centro Cultural de España en Lima . Jr. Natalio Sánchez 181 Santa Beatriz. Cercado de Lima 

http://ccelima.org    http://www.estebanvillaltamarzi.com

Imagen: Gestualidad PoP. Esteban Villalta Marzi

AMBERES. “José Cobo” Galerie SOLO

5 octubre – 17 noviembre, 2017

Las obras de José Cobo son instalaciones que solo cobran sentido por el contraste entre sus elementos, por el diálogo abierto en un espacio compartido. Tan importantes son las esculturas, impactantes, como las relaciones que establecen con su entorno, que abren un abanico de interpretaciones con las que no le queda más remedio que lidiar al receptor

El trabajo de Cobo deriva de una fascinación por la condición humana. Sus esculturas se refieren a la inocencia y la maravilla infinita del nacimiento, la adolescencia, la vida, el amor, los años en declive y la muerte.

José Cobo (Santander 1958) Estudió en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando en Madrid y también en el Instituto de Arte de Chicago.

Crea sus figuras de bronce a vidrio fundido y en los últimos años trabaja con resina epoxi. Las obras de José Cobo han estado representadas en varias ferias de arte de Europa (Arco Madrid, Arte Colonia, Arte Bruselas, Arte Fiera Bologna, Kunst 12 Zürich) y en los Estados Unidos (Pulse Art Fair NY y Art Chicago), también han sido expuestas en el Museo Thyssen Bornemisza y en el Instituto Kalamazoo de Arte en Michigan.

Galerie SOLO. Museumstraat 29 Antwerp, Antwerpen, Bélgica 

 http://www.josecobo.comhttp://www.galeriesolo.be

Imagen: Niño 1. José Cobo

MONTE-CARLO. “Discover the Dream World of Beatriz Moreno” Meta Gallery

12 octubre – 12 noviembre, 2017

Meta Gallery se complace en presentar “Discover the Dream World of Beatriz Moreno” una exposición individual de Beatriz Moreno, una ventana abierta a  un universo inusual.

Beatriz Moreno 1971, Toledo (España).es una original narradora que ‘moldea’ las imágenes con inusual intensidad dramática. Su obra es una poética íntima no exenta de tenso lirismo donde la luz emerge a borbotones para conformar un universo de plenitud plástica en cada imagen. Insinúa el nihilismo y la destrucción pero apunta hacia la redención a través de una impresionante conjunción de luces y sombras.

Interesada en artes visuales desde muy temprana edad. Estudió Diseño Gráfico e Ilustración en la Escuela de Arte de Toledo. Su trayectoria artística en la fotografía se remonta a 1990, realizando un cuerpo de obra que ha sido expuesto a nivel nacional e internacional en numerosas exposiciones individuales y colectivas, entre ellas destacar: 70 ans de l’UMAM (Union Méditerranéenne pour l'Art Moderne, France); 30 Festival Photo de Mouans-Sartoux (France); Instituto Cervantes de: Chicago (EE.UU), Albuquerque (Nuevo Méjico), Roma (Italia), Naples (Italia), Palermo (Italia), Tetuan (Marruecos), Rabat (Marruecos), Fez (Marruecos), Casablanca (Marruecos), Tanger (Marruecos); Embajada de España en Washington DC (EE.UU); Salon de la Photo Paris 2013 (France), Festival Voies Off 2010 (Arles, France), Descubrimientos PhotoEspaña 2009 (Madrid), Blanca Berlín Galería (Madrid), Feria de Arte Contemporáneo Estampa (Madrid). En la actualidad Beatriz Moreno vive y trabaja en Niza

Meta Gallery. 39 Avenue Princesse Grace, 98000 Monte-Carlo, Mónaco

https://go.meta.mc   http://beatriz-moreno.format.com

Imagen: “les sentinelles de tellus” 2016. Beatriz Moreno

MEXICO. “UPFRONT. Fotoreporteros. Una Generación Mundial” Centro Cultural de España

17 octubre 2017 – 18 febrero 2018

Setenta y cuatro imágenes, tres vídeos, una banda sonora, un libro y un poema forman la exposición “Upfront”, una muestra sobre el trabajo de los fotorreporteros de guerra hispanos más destacados, testigos de los conflictos abiertos en el mundo. Organizada por la Cooperación Española, a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), la muestra reúne el trabajo de veintitrés prestigiosos fotógrafos que han llevado sus imágenes a las portadas de la prensa de todo el mundo. Estos profesionales comparten una mirada y un idioma cubriendo la actualidad, desde Afganistán a Haití, pasando por Siria, Congo, Libia o Centroamérica, donde algunos han vivido el secuestro, el aislamiento, el hambre y también el reconocimiento en forma de premios como los Pulitzer o los World Press Photo.

Ramiro Villapadierna que cubrió como reportero las revoluciones y conflictos en Europa Central y los Balcanes y hoy dirige el centro del Instituto Cervantes en Praga, es el comisario de una exposición con la que ha querido mostrar al público uno de los oficios más arriesgados. “Las imágenes no buscan acongojar, ni incitar el voyeurismo, ni siquiera promover la gran fotografía como vía del arte moderno; tampoco aún proponer iconos. Sugieren un experimento que conecta en línea los muchos frentes del mundo con el sofá casero, desde el que contemplamos distraída e indiscriminadamente, todo el ruido y la furia visual que nos ensordece a diario”, según el comisario. Además, “Upfront” es una reivindicación de estos profesionales que salen a trabajar solos con su cámara, sin saber cómo y cuándo regresarán, y un homenaje al desaparecido Miguel Gil, uno de los reporteros españoles más internacionales, fallecido mientras ejercía su trabajo. Villapadierna ha concebido la exposición no como una muestra meramente visual sino que la plantea “de una manera experiencial, con la intención de reproducir sensaciones o situaciones que los reporteros viven habitualmente”.

Una fría y oscura sala recibe al visitante, que durante unos minutos queda desorientado y rodeado por grandes imágenes que cuelgan del techo. Las fotografías, sin marco, parecen abalanzarse sobre el espectador. La oscuridad solo queda interrumpida por esporádicos disparos de flashes que sobre una banda sonora especial emulan fogonazos letales. El pavimento bajo los pies recrea la inseguridad a cada paso en que se mueve el propio fotógrafos en un inhóspito territorio de conflicto. De fondo, una banda sonora constante acompaña la visita; se trata de una composición musical de Mariano Lozano creada específicamente para la muestra. Las fotografías se han dispuesto creando diálogos ficticios entre ellas. Así, mientras vemos la imagen de una mujer que llora con un niño, junto a ella, se puede contemplar otra de un francotirador disparando. Pero más allá de la trampa propuesta, un vínculo común enlaza todos los trabajos, el dolor, que para la veterana fotógrafa Sandra Balsells, “es lo único que no ha cambiado a través de la historia” y la geografía. Los argentinos Rodrigo Abad y Natacha Pisarenko, la colombiana Ariana Cubillos, el peruano Esteban Félix, y los españoles Pep Bonet, Manu Brabo, Olmo Calvo, Sergio Caro, José Colón, Luis de Vega, Raúl Gallego Abellán, Ricardo García Vilanova, Diego Ibarra Sánchez, JM López, Andoni Lubaki, Catalina Martín-Chico, Andrés Martínez Casares, Maysun, Alfonso Moral, Rafael S. Fabrés, Miguel Ángel Sánchez, Guillem Valle y Álvaro Ybarra Zavala, son protagonistas de esta historia. (CCEMX press-release)

Centro Cultural de España en México Pasaje cultural Guatemala 18- Donceles 97 Colonia Centro Delegación Cuauhtémoc, 06010 México, D.F

http://www.upfront.es  http://ccemx.org

Imagen: Andrés Martinez Casares

MALAGA. “LEIRO” CAC. Centro de Arte Contemporáneo

6 octubre 2017 – 7 enero 2018

Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta “Leiro”, título de la muestra comisariada por Fernando Francés. Entre esculturas y dibujos, la exposición reúne más de cuarenta obras del artista gallego más internacional. Francisco Leiro realiza esculturas como una alegoría de la vulnerabilidad y la fragilidad humana. La realidad pasa a ser una ficción más: una construcción de las personas, donde Leiro ejecuta un juego de ambivalencia entre el lenguaje literal y el figurativo. El CAC Málaga muestra sus obras escultóricas realizadas en madera, entre las que podrán verse, alegorías a El Quijote, la estatua de un dios de más de tres metros, figuras antropomorfas o escenas relacionadas con la masacre de Alepo, Siria.

“Un tronco de árbol es el fuste del árbol. Es la columna. La columna es un árbol y la columna es un hombre y el hombre es el árbol. La madera es un ser vivo y la hay de colores como los hombres [...] y la hay blanda o dura, como los hombres [...]”, declaraba Leiro sobre el binomio entre madera-escultura y su relación con el hombre. “Mis esculturas giran en torno al cuerpo humano y generalmente son narrativas. En algunos casos se acercan a las fábulas y narraciones populares. También hago interpretaciones desacralizadas de temas mitológicos o religiosos”.

Para Fernando Francés, Francisco Leiro “es claramente uno de los firmes ejemplos de cuando el arte es compromiso con la vivencia y el pensamiento autobiográfico. Leiro se compromete, se empapa de la realidad, de las masacres, de las injusticias, de los asesinatos, de la desmesurada violencia que existe para trasladarlo a sus esculturas, donde nos encontramos, queriéndolo o no, con la cruda realidad, personas muertas apiladas, inocentes que reciben palizas, trabajadores que recogen restos humanos del suelo, o limpian un desastre causado por los propios hombres”.

Francisco Leiro(Cambados, Pontevedra, 1957) formó parte en la década de los setenta del grupo surrealista Foga, acentuándose en estos momentos en su escultura la mezcla de elementos surrealistas y de una figuración más lánguida que mostraba la parte más sarcástica de la condición humana. En estos años, celebrará su primera exposición individual en la Sociedad Cultural de Cambados en 1975, con tan solo dieciocho años. A comienzos de los 80 participó en la última exposición colectiva de Atlántica. Surgió no como un movimiento, sino como un grupo de personas que pretendían “discutir el país”, y que protagonizaron un cambio de dirección en el arte español.

A finales de los 80 se traslada a Nueva York y su trabajo se dinamiza hacia un cada vez mayor interés en la abstracción de la figura y el cuerpo. En los noventa se producirá una progresiva desaceleración de elementos oníricos, la imaginación se pone al servicio de resultados más formales que efectistas o narrativos y va abriendo el camino hacia los cambios producidos en el 2.000, donde se impone un ritmo más atento a la realidad. (CAC press-release)

CAC. Centro de Arte Contemporáneo. C/ Alemania, s/n 29001 Málaga España

http://cacmalaga.eu

Imagen: Expo. LEIRO. CAC

BERLIN. “Arquitecturas Pintadas” Meinblau Projecktraum

20 octubre - 12 noviembre, 2017

El Meinblau Projecktraum de Berlín acoge una exposición colectiva de 17 artistas contemporáneos españoles pertenecientes o afines a la figuración post-conceptual española, que llevará por título ‘Arquitecturas pintadas está comisariada por Juan Cuéllar y Roberto Mollá. Arquitecturas en la pintura española del siglo XXI’. Una muestra única patrocinada por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte que mostrará el significativo papel que la imagen arquitectónica y geométrica juega en la obra de los pintores que han renovado el concepto de figuración desde los años 80 hasta la actualidad.

Ya sea como fondo o como figura, como contexto o como elemento simbólico, la arquitectura y la geometría vertebran el espacio pictórico de las obras seleccionadas para la propuesta. Un espacio que no es realista ni abstracto, sino más bien un espacio alternativo en el que armar imágenes mentales, un escenario en el que experimentar lo que Franz Roh llamaba «la sutil y, sin embargo, incesante sumisión al mundo presente y la clara voluntad constructiva frente a él».

La exposición reunirá obras de Ángel Mateo Charris, Marcelo Fuentes, Dis Berlin, Damián Flores, Carlos García Alix, Paco de la Torre, Teresa Tomás, Joël Mestre, Roberto Mollá, Jorge Tarazona, Fernando Martín Godoy, Elena Goñi, Juan Cuéllar, Guillermo Peñalver Fernández, Nelo Vinuesa, Gonzalo Elvira y Chema Peralta. Precisamente, fue uno de ellos, Paco de la Torre, quien acuñó el término figuración post-conceptual española para definir el movimiento pictórico en el que se engloba la obra de estos 17 artistas.

Muchos de ellos ya han participado en exposiciones colectivas centradas en la arquitectura, como ‘Juego de arquitecturas’, en la madrileña Galería Guillermo de Osma (2008), y ‘De arquitectura. Las casas de la vida (Parafraseando a Mario Praz)’, en la Galería Siboney, en Santander (2010). Sin embargo, es en sus muestras individuales donde se encuentra un mayor número de trabajos relacionados con este temática. ‘Arquitecturas pintadas’ pretende ser un espacio en el los pintores construyan poéticamente, una piazza metafísica en la que reunirse y una habitación roja lynchiana. Una dimensión en la que «no existe el problema del tiempo. Y todo puede pasar. Es una zona libre, completamente imprevisible y, por tanto, excitante, pero también aterradora. Y es sencillamente fascinante visitar ese tipo de lugar», señala De la Torre. Como apunta en el catálogo Enrique Andrés Ruiz, jefe del Servicio de Acción Cultural del Ministerio y crítico de arte, la muestra se convertirá en «un barrio español de arquitecturas construidas sobre lienzo y papel, un barrio de pintores que decidieron seguir con la vieja y siempre nueva práctica artística de la pintura».

La muestra cuenta con la colaboración de la Embajada de España en la capital alemana y del Instituto Cervantes. (mecd press-release)

Meinblau e.V.Haus 5 Kunst- und Atelierhaus Meinblau. Christinenstraße 18-19. 10119 Berlin

http://www.meinblau.de

Imagen: “Turno de noche” Dis Berlin

MEXICO. Diana Coca, Irene Cruz “Entre Piel” Galería Oscar Román

4 octubre - 3 noviembre, 2017

Irene Cruz "Las Musas"

Diana Coca  e Irene Cruz participan en la muestra colectiva 'Entre Piel', dentro de Programa de FotoMéxico 2017 junto con los fotógrafos Paco Macías, Lourdes Almeida, Samuel Mustri, Lulú Sánchez Puig, Fernando Sama, Ricardo Aleman, Flavio Bizzarri,Tochiro Gallegos y Monik Molinet.

Irene Cruz (Madrid 1987) presenta fotografías de su serie “Las Musas”: ¿Quiénes son aquellas musas que me llevan al vacío? De repente vuelven solas tras el tiempo de morir desde el tedio de mí misma. El lugar en donde habito soy yo misma. Soy un bosque a verdiazules saboreando la neblina. Un latido. Por vosotras baile y notas, que traducen la caricia del hambre de incendios y fugaces cicatrices, en las flores que hoy nos visten. Hábitat es donde inspiran, el reflejo de mi sangre. Soy vosotras: la mirada conocida. Desde adentro me proyecto, y me invento un parapeto tan eterno que me obliga a desprenderme del miedo con la luz de cada día. Christian Chávez Plasencia

Diana Coca "Where is Diana"

Diana Coca (Palma de Mallorca 1977) participa en la muestra  con varias fotografías de la serie ‘Where is Diana? un proyecto, en cuya práctica e investigación artísticas se conjugan fotografía, performance y videoarte. Su temática gira en torno a la relación entre el cuerpo y las herramientas de control construidas a su alrededor; un cuerpo objeto y sujeto de protocolos, convenciones, espacios sociales, políticos, culturales, religiosos... Cuerpos que muestran el malestar por la opresión de un orden social, un orden marcado por dicotomías excluyentes que hacen imposible la integración de lo múltiple, y que niegan los estados fronterizos.

FotoMéxico en esta edición 2017 se centra en mostrar fotografía de distintas Latitudes del mundo en México. Incluye en su programa exposiciones de fotógrafos de diversos continentes y países que buscan explorar la pluralidad geográfica, antropológica y disciplinaria de la actual producción fotográfica alrededor del mundo y por supuesto la local.

Galería Oscar Román. Julio Verne 14 Col. Polanco México, D.F.

http://www.galeriaoscarroman.mx   http://www.dianacoca.com

http://www.irenecruz.com

Imagen: The Muses. Irene Cruz

 

 

LONDRES. “Dali / Duchamp” Royal Academy of Arts

7 octubre 2017 - 3 enero 2018

Esta exposición única examina la relación entre Salvador Dalí y el padre del arte conceptual, Marcel Duchamp. Es la primera exposición dedicada a su amistad y a la influencia mutua en su trabajo, la exposición explora el terreno común, tanto personal como estético.

Dalí y Duchamp mantuvieron una amistad y una admiración mutua a lo largo de sus carreras, alimentados por sus intereses artísticos compartidos, entre ellos el erotismo, el lenguaje, la óptica y los juegos, y su humor y escepticismo, lo que llevó a ambos, de diferentes maneras, a desafiar las opiniones convencionales del arte y la vida.

Esta exposición reúne alrededor de 60 obras, entre ellas algunas de las pinturas y esculturas más inspiradas realizadas de Dalí, y las instalaciones y los ready-mades de Duchamp. También muestra fotografías de Dalí, pinturas de Duchamp, correspondencia y colaboraciones entre los dos artistas.

La exposición ha sido organizada por la Real Academia de las Artes de Londres y el Museo Dalí de San Petersburgo, Florida, en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí y la Asociación Marcel Duchamp. (RAA press-release)

Royal Academy of Arts. Burlington House, Piccadilly,. London, W1

https://www.royalacademy.org.uk/

Imagen: Salvador Dalí, Les premiers jours du printemps (The First Days of Spring), 1929. © Collection of the Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida / © Salvador Dali, Fundació Gala-Salvador Dalí, DACS 2016.

 

SHANGHAI. “Muntadas Video Works” OCAT Museum

8 octubre – 3 diciembre, 2017

OCAT Shanghai se enorgullece de presentar “Muntadas Video Works”, un estudio de las obras de Antoni Muntadas en vídeo que pretende mostrar en China la contribución de este artista multidisciplinar, considerado a nivel internacional como una de las figuras más relevantes del arte conceptual y la investigación prácticas artísticas.

Antoni Muntadas. Barcelona, 1942. Vive y trabaja en Nueva York. La obra de Antoni Muntadas ha desarrollado desde sus inicios –a principios de los años setenta– una crítica constante hacia los lenguajes y mensajes de los medios de comunicación como claros instrumentos de poder.

 Ya desde un primer momento utilizó el video como una útil herramienta con la que diseccionar y hacer visibles los mecanismos de comunicación de lo que él, refiriéndose a la televisión, denominó `media landscape´. Este genuino estudio y tratamiento le convirtieron en uno de los pioneros en el campo artístico audiovisual.

 Asimismo, Muntadas ha analizado y cuestionado las relaciones que se establecen entre lo público y lo privado a través de sus piezas en video, fotografía e instalaciones multimedia; es a partir de los años noventa cuando también incorpora internet a esta lista.

También desde la década de los noventa, inicia un nuevo tipo de proyectos de larga duración. En cada uno de estos proyectos se desarrolla un concepto principal que se irá extendiendo a lo largo de diferentes etapas y contextos. (J.Prats press-release)

OCAT. Shanghai, Zhabei, Wen'an Rd, 30. China

 http://www.ocat.org.cn

Imagen: 'Dérive Veneziane, Antoni Muntadas

LONDRES. Daniel Silvo, Javier Artero y Sophie Mackfall “MOLDING TIME” The Scan Prject Room

6 – 28 octubre. 2017

La exposición reúne obra de tres artistas que exploran la relación de la imagen con el tiempo. Integrando ideas sobre la regeneración y la transformación en el arte, 'Moldeando Tiempo' invita a reflexionar sobre la apreciación estética de la naturaleza, así como cuestiones sobre la perdida, el desvanecimiento, la contemplación, y los procesos migratorios en el arte. Reúne una selección de piezas que varían del video a la pintura, de la escultura al performance, las cuales narran historias personales sobre procesos de desplazamiento y asentamiento. La exposición aborda temas sobre lo transitorio y lo discontinuo, así como los mensajes que persisten y perecen en la naturaleza y el arte. Comisariado: Paula Lambrano.. Molding Time es un Satelite Project de Isabel Hurley Gallery . (Scan Arte press-release)

The Scan Prject Room. 13-19 Herald Street, London E2 6JT

http://www.scan-arte.com

Imagen: Parking Stars. Daniel Silvo

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