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Foto: B. Mora

BURDEOS. “Equipo Crónica: crónicas sobre papel” Instituto Cervantes

 9 enero – 19 febrero 2018

Los artistas Rafael Solbes, Juan Toledo y Manolo Valdés crean en Valencia en 1965 el grupo Equipo Crónica y firman un manifiesto en el que se definen como un grupo de trabajo, con métodos colectivos y fines supraindividuales.  Critican las imágenes de la cultura y de la sociedad contemporánea con el dibujo y la ilustración. Solbes y Valdés -Toledo se retira pronto- trabajan siempre en equipo, desarrollando series. Deformando la imagen inicial de las grandes obras de la pintura española (Velásquez, Goya, Picasso) cuestionan las relaciones entre los artistas, el poder y los espectadores.  Las obras de Equipo Crónica han sido compradas para colecciones privadas y públicas: Moderna Museet, IVAM, MNAM Paris… (I.Cervantes press-release)

Instituto Cervantes 57 Cours de l'Intendance, 33000 Burdeos

http://burdeos.cervantes.es

Imagen: Equipo Crónica. DR

BERLIN. Rubén Grilo “Draped” Future Gallery

16 diciembre 2017 – 17 febrero 2018

Future Gallery se complace en presentar 'Draped', una exposición colectiva que presenta nuevas obras de Rubén Grilo, Spiros Hadjidjanos, Femke Herregraven y Nicolas Pelzer. “Draped”se refiere a la tela utilizada con fines decorativos. La tela en general se considera como hilos entrelazados en un todo utilizado a menudo para la ropa o para envolver algo. Los ejemplos en la exposición ofrecen diferentes líneas de lógica contraintuitivas con respecto a la utilidad a la tela. A través de los procesos digitales estos trabajos textiles se manifiestan como: hojas de denim con grabado láser que demuestra la inversión del desgaste provocado por el trabajo, un paño impreso en 3D con una fotografía, el geomapeo financiero infrarrojo satelital de un paisaje rico en recursos en el este de África, y una impresión acrílica generalmente utilizada como un anuncio publicitario, pero utilizada para demostrar cómo se vería una herramienta arcaica renderizada en 3D.
'Pattern Free: Ripped from Zara' es una serie continua de trabajos que Rubén Grilo que inició en 2013. Grilo presenta obras de esta serie, donde reproduce el "look usado" de los jeans Zara. Al examinar la relación entre el cuerpo y el trabajo del artesano, diseña objetos industriales destinados al consumo y observa el campo de la producción artística desde la perspectiva industrial y viceversa. Revela los rastros de uso de jeans que pueden atribuirse al desgaste causado por el movimiento y la fricción, pero aquí están grabados con láser. Crea imágenes corporales grotescas como enormes huellas de manos. La observación de Grilo de un detalle de la prenda conduce a la historia del material que es al mismo tiempo una historia de relaciones corporales-laborales alteradas. Las marcas del trabajo físico se vuelven casi obsoletas en la era digital, signos artificiales de que el trabajo duro se vuelve cada vez más exótico. El uso que hace Grilo de la estandarización, la escala y la abstracción trata la historia de la industrialización y la producción moderna con una visión del cambio de paradigma digital cultural e Internet.

Rubén Grilo (Lugo 1981), vive y trabaja en Berlín. Las exposiciones individuales seleccionadas son "Solo", Nogueras Blanchard, Madrid (2017); «Prueba de concepto», Union Pacific, Londres (2016); 'Rubén Grilo', Fundació Joan Miró - Espai13, Barcelona (2015); 'Mit eigener Hand', Kunstverein Hildesheim (2014); 'Dibujos de Alien Control', V4ULT, Berlín (2013); 'La necesidad de la velocidad', CIRCA Proyectos, Newcastle upon Tyne (2013); 'Bioscope' Wilfried Lentz, Rotterdam (2012); 'No son todos graciosos, pero están en fila' 1646 (La Haya) o 'PowerPoint Karaoke', MARCO, Vigo (2011). Ha participado también en exposiciones colectivas en la Casa Encendida, Madrid (2017), el Künstlerhaus Halle für Künst & Medien, Graz (2015); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2013); Tatjana Pieters, Gante (2012); CSS Bard, Nueva York (2011); CGAC, Santiago de Compostela (2009), entre otros.
Grilo ha sido artista residente en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam (2011-2013) y Gasworks, Londres (2015) y ha recibido la beca Fundación Botín, Santander (2013), el premio ARCO de la Comunidad de Madrid (2016) , Y Premio Generación 2017. (Future gallery press-release)

Future Gallery, Schöneberger Ufer  5910785 Berlin. Germany

http://futuregallery.org   http://www.rubengrilo.net

Imagen: Rubén Grilo (detalle) Future gallery

NUEVA YORK. Juan Miguel Palacios “Imbalance” Booth Gallery

20 enero – 27 febrero 2018

En su primera exposición individual con la galería Booth de Nueva York, Juan Miguel Palacios busca representar el estado de las cosas del mundo moderno, lo que él llama una "sociedad fea", un término que toma prestado del documental de Noam Chomsky Requiem for a American Dream. . Los miembros privilegiados de la sociedad hacen que los demás se teman y se odien entre sí mientras cosechan tantos beneficios como sea posible, y por lo tanto abrazan el avance del yo a costa de los demás.

Palacios presenta un comentario visual sobre el cisma aparentemente existente entre empatía y apatía que el mundo está experimentando.
Si bien su obra tiene un lenguaje figurativo claro, las pinturas de gran formato de Palacios contienen una fuerte carga conceptual, donde su obra desarrollada en serie, tiene un vagabundeo constante de la identidad del individuo y su relación con el entorno. Conceptos como duelo, duelo, lujo, inquietud y desigualdad son constantes vitales en su trabajo. Palacios explora continuamente la compleja gama de emociones humanas. Le impulsa la búsqueda de nuevas formas de expresión y fusiona temas sociopolíticos con experiencias personales y antecedentes históricos del arte, creando un ambiente moderno sobre los temas más destacados y controvertidos de la sociedad contemporánea.
Nacido en Madrid en 1973, Juan Miguel Palacios comenzó a pintar a la temprana edad de 6. Después de un largo viaje con muchos Profesores de Arte y Escuelas de Bellas Artes, a los 12 años se unió al estudio del reconocido pintor español Amadeo Roca Gisbert (un discípulo de Joaquín Sorolla) durante seis años. Durante estos años, fue educado y formado en estricta formación académica hasta que ingresó en la Facultad de Bellas Artes de Madrid en 1991.
Cuando completó su título universitario en 1997, fundó la Escuela de Arte Laocoonte de Madrid, donde combinó la enseñanza con el desarrollo de su carrera como artista y realizó diversas exposiciones en ciudades de España y Europa. También trabajó como muralista, taquígrafo de teatro y pintor de carteles de cine durante esos años. Palacios en la actualidad vive en Nueva York. (Booth Gallery press-release)

Booth Gallery. 325 West 38th St.. Store #1. New York, NY, 10018

http://www.paulboothgallery.com

http://www.juanmiguelpalacios.com

Imagen: Juan Miguel Palacios

MONZA.Bernardi Roig “Blow Up” Invernadero de la Villa Reale

21 diciembre 2017 – 23 marzo 2018

Para poder desarrollarse en el parque de Villa Reale en Monza, el proyecto Blow-Up de Bernardi Roig ha requerido  la instalación de cinco estatuas de aluminio blanco de tamaño natural que se enfrentan y dialogan constantemente con el espacio natural del paisaje. Las esculturas, escondidas entre la vegetación y los arbustos del parque, obligan a los espectadores a buscar la revelación de la imagen oculta. Es una muestra de esculturas que, aunque son pesadas y voluminosas, parecen no estar presentes.  Bernardi Roig intenta empujar a los espectadores más allá de su propia vista. Todo su trabajo siempre se ha basado en la estrecha relación y tensión con el recuerdo de las imágenes, siempre utilizando la luz como metáfora de la memoria misma. Esta es la trama de la historia que nos permite una vez más tratar con nuestra herencia visual y ponernos en primera línea de nuestras emociones.

A través de su obra escultórica, principalmente sus esculturas blancas creadas a partir de moldes de personas vivas, que son una reflexión post-mitológica sobre el significado de la figura humana como una presencia final y solitaria, Bernardi Roig propone un itinerario basado en ideas fuertes sobre lo heroico del acto de mirar. Al usar la luz, no para iluminar, sino todo lo contrario, para cegarnos, nos obliga a explorar una imagen encarcelada en nuestra memoria.

Bernardí Roig (Palma de Mallorca, 1965) es uno de los artistas españoles más destacados de la actualidad y lleva a cabo un trabajo multidisciplinar, que abarca diferentes áreas como la escultura, el vídeo, el dibujo y la pintura y la creación de textos. La itinerancia de su muestra ‘The Light-Exercises Series’ le llevó en 2006 y 2007 a prestigiosas instituciones europeas como Da2 de Salamanca, Kunstmuseum de Bonn, Kampa Museum de Praga, PMMK (Musee d’art Moderne de Oostende) y Museo Carlo Bilotti de Villa Borghese en Roma. Después de la exposición ‘Shadows Must Dance’, en 2009, presentada en el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y en el museo Ca’Pesaro Galleria Internazionale d’Arte Moderna de Venecia, coincidiendo con la 53ª Bienal, vuelve con las exposiciones ‘Glasstress’ en el Palazzo Franchetti y ‘TRA’ en el Palazzo Fortuny, ambas incluidas en el programa de la 54ª Bienal de Venecia.

Blow Up, exposición organizada por M-AR.CO Monza Arte Contemporanea

Villa Reali, Viale Brianza 1, Monza (MB) Italia

http://www.monzaartecontemporanea.com

Imagen: Bernardi Roig

LONDRES. Olga Diego “TRANSCRIPTION” SCAN Project Room

16 enero – 3 febrero 2018

El próximo 16 enero, y coincidiendo con el primer aniversario de la apertura del SCAN Project Room,  la artista Olga Diego realizará  la acción TRANSCRIPTION en nuestro espacio de Londres, un nuevo y extremo experimento  en preparación durante los últimos 2 anos y que durará varios días. La artista ocupará el espacio de la galería para dibujar durante día y noche sin descanso alguno. Podría ser el sueño de todo artista o una completa locura.
La acción será retransmitida en streaming las 24h. El final de la acción estará dictada por la propia resistencia física y mental de la artista. Esta acción tiene conexiones con un trabajo anterior de la artista, cuando consiguió elevarse en vuelo en una de sus construcciones. En esta ocasión el vuelo es metafórico, creado por el desvelo y reflejada en la transcripción del dibujo.

El resultado: una transcripción de los diferentes estado de la mente en forma de creación gráfica. Estos quedarán expuestos en la sala SCAN hasta el 3 de febrero.

La acción podrá ser seguida en directo a través del enlace a la web del proyecto con video en streaming: https://transcriptionscan.blogspot.com.es

https://olgadiego.blogspot.com.es

http://www.scan-arte.com/scan-project-room

Scan-Project Room. 13-19 Herald street, London, E2 6JT

Imagen: Olga Diego. ART IN FLIGHT / Jellyfish Tank  / UCMerced / California 2017

MARSELLA.Borondo “Materia Negra” Galerie Saint Laurent

hasta el 31 enero 2018

Dos años después de su exposición "Animal" en Londres, Borondo presenta Materia Negra en el corazón del famoso Marché aux Puces en Marsella, esta será la mayor exposición, hasta la fecha, del artista español.
Materia Negra es una reflexión sobre las diferentes realidades humanas a nivel cultural, social y generacional y sobre los medios para asimilarlas, desde las primeras formas de representación hasta las plataformas digitales contemporáneas.
La muestra, de libre acceso,  tiene una superficie de 4000 metros cuadrados donde Borondo presentará por primera vez su mundo a través de más de 30 obras de animación, hologramas, instalaciones, pinturas y videos. Con la participación de 8 artistas multidisciplinares internacionales que pertenecen a la última generación que creció antes del boom digital: Películas Brbr, Carmen principales, Diego López Bueno, Edoardo Tresoldi Isaac Cordal, Robberto Atzori, sbagliato Momo y Crego y G, que también aportan contenido visual dinámicoala exposición, como gifs y videos.
Desarrollada en 3 actos, proyección, percepción y creación, la exposición desafía la univocidad de la realidad y sus representaciones, mientras penetra y cuestiona los extremos de la percepción humana.
Del mito de la cueva de Platón a la realidad 2.0 donde el mundo se descubre a través de una pantalla por la contribución creativa de cada artista.
Desconocida, imperceptible, invisible y, sin embargo, tan presente, la materia oscura es la expresión de la poesía inherente al universo y a cada individuo. La materia oscura es la pista multi-sensorial a través de la cual se produce el mundo oscuro: lo racional entra en contacto con el infinito, el consciente con el subconsciente, en un estrecho diálogo entre el viejo equipamiento y las nuevas tecnologías, lo analógico y lo digital, lo clásico y lo contemporáneo.
Manteniendo intacta la naturaleza del arte público, Materia Negra es una nueva etapa en la investigación artística de Borondo, que le permite explorar el potencial del arte de instalación en interiores, dirigiéndose a un público más amplio. .
Durante los tres meses de residencia artística en el Marché aux Puces, los artistas colaboraron y vivieron juntos, organizando la exposición en cada detalle y compartiendo espacios con los comerciantes de un barrio en peligro: la materia oscura de Marsella.
El resultado es un organismo vivo colectivo en simbiosis con el lugar y su historia, una de las últimas reservas de memoria colectiva expresada a través de los objetos presentes. Estos últimos constituyen el material utilizado principalmente para la realización de las obras, un hilo conductor que atraviesa la exposición, en contraste con los archivos digitales de nuestro tiempo.
Borondo, usando símbolos y mitos colectivos, mientras pasa a través de arquetipos y subconscientes latentes, nos lleva a un caleidoscopio infinito de universos para ser captados y explorados. Surtidor de un pasado invisible, sin el cual nuestra existencia sería imposible, Materia Ode nuestro presente. Comisariado: Carmen Main

Borondo (Valladolid, España, 1989) es uno de los más prometedores artistas del panorama actual de arte urbano. Comenzó su trabajo artístico en Madrid con murales urbanos, hasta conseguir su madurez de estilo por medio de la experimentación con nuevas técnicas y lenguajes.

Galerie Saint Laurent. Hall des Antiquaires, 130 Chemin de la Madrague-Ville, 13015 Marseille

http://www.galeriesaintlaurent.com

https://gonzaloborondo.com

Imagen: Borondo. Materia Negra. Marché aux Puces. Marsella

 

GUANGZHOU.Carlos Irijalba / Jon Cazenave “Simultaneous Eidos” Guangzhou Image Triennial 2017

15 diciembre  2017- 8 marzo 2018

Con anterioridad a Simultaneous Eidos - Guangzhou Image Triennial  la exposición internacional de la Bienal de Fotografía de Guangzhou, organizada por el Museo de Arte de Guangdong, fue una de las principales bienales de fotografía internacional en China. Su objetivo básico es mantener el punto de vista humanista con el horizonte internacional y la sociología de las imágenes y participar y promover el desarrollo de la fotografía y la cultura contemporánea en China. Al revisar las últimas tres bienales de fotografía (en 2005, 2007 y 2009), cada exposición ha establecido un tema y una orientación académica centrada en la historia de la fotografía para mostrar las prácticas fotográficas contemporáneas. Al mismo tiempo que promueve la pasión de los museos de arte nacionales para la investigación y colección de fotografías.

Director Museo de Arte de Guangdong: Wang Shaoqiang.  Comisarios: Alejandro Castellote, Bao Dong, Zeng Han

La exposición presenta la obra de 16 artistas visuales internacionales cuyos trabajos establecen diferentes diálogos entre ellos: Daisuke Yokota, Kensuke Koike y Go Itami (Japan); Carlos Irijalba y Jon Cazenave (Spain); Caio Reisewitz y Gisella Motta&Leandro Lima (Brazil); Marcela Magno (Argentina); Giancarlo Shibayama, Felipe Esparza y Pepe Atocha (Peru); Thomas Sauvin, Noémie Goudal y Antoine D’Agata (France), y Penelope Umbrico (USA).

Carlos Irijalba nació en Pamplona, ​​España en 1979 y se graduó en 2002 en la Universidad de Bellas Artes de Euskadi y estudió en la UDK de Berlín. Actualmente vive y trabaja entre Ámsterdam, Holanda y Nueva York, EE. UU.

Su obra Inercia trata de la construcción de la realidad. La pieza surgió de algunas escenas, no incluidas en el video de su proyecto anterior, que se refieren al tránsito de la luz de un lugar a otro. En ambos proyectos, el dispositivo de iluminación se relaciona directamente con lo real. En Inercia, la ruta es un lugar y el vector se impone sobre el objeto. Entonces, el presente tiende a desaparecer en un movimiento continuo y lo que sucede es de hecho su falta de presencia.

 A lo largo de sus cuatro minutos de duración, Inertia responde a las convenciones del ritmo, los ejes visuales y otras normas narrativas con las reglas que utilizamos para asimilar todo el espectro audiovisual. Se produce un accidente específico entre las frágiles reglas de la narración y la sofisticación de lo que se escenifica, confrontado con las connotaciones físicas ineludibles de la gravedad, el peso o el volumen de los elementos en su servicio


Jon Cazenave nació en el País Vasco, España, en 1978 se graduó de la Universidad de Deusto en 2001. El trabajo de Cazenave ha sido exhibido en instituciones internacionales de arte como la Fundación Canal de Isabel II (España), el CCCB (España), el Museo Belvédère (Países Bajos). ), Foto Museum Antwerp (Bélgica) o CaixaForum (España). También ha participado en varios festivales internacionales de fotografía como Les Rencontres de la Photographie d'Arles (Francia), Noorderlicht (Países Bajos), Photoespaña (España) o Tokyo International. Festival de Fotografía (Japón). En 2016 fue seleccionado para participar en la 18ª edición del programa "European Eyes on Japan" como representante de la Capital Europea de la Cultura de San Sebastián 2016. . (Guangzhou Image Triennial press-release)

Imagen:”Carlos Irijalba.  Inertia 3 , photography ( C-print ), 127cm×190cm, 2012.

http://www.guangzhouimagetriennial.org/en

http://www.carlosirijalba.com

http://joncazenave.com

GUANGZHOU Image Triennial 2017 Guangdong Museum of Art , Er-sha Lsland ,Guangzhou , China. 

FRIBURGO. Pilar Millán “In good times and in bad. How to operate” Museum für Neue Kunst

hasta el 8 de abril 2018

Esta propuesta trata de sacar a la luz cinco piezas de la colección del museo de cinco artistas diferentes: Monika Baer, Katharina Grosse, Svenja Kreh, Chiharu Shiota y Georg Winter. Luego cada uno ha invitado a otros cinco artistas de todo el mundo para compartir una sala del museo y provocar así diálogo, controversia, que se muevan las ideas...

Este formato experimental permite al museo reflexionar sobre su colección y reajustar los paradigmas y las perspectivas que la acompañan. Al mismo tiempo, representa una oportunidad para un nuevo enfoque de los deberes del museo: coleccionar, conservar, investigar, exhibir y educar.

Cómo se produce el arte. Quién hace arte. Cómo perdura el arte: estos tres aspectos se examinan durante la exhibición. Este enfoque inusual desvela hechos interesantes y esclarecedores y circunstancias ocultas en las obras de arte expuestas.

 La artista española invitada, Pilar Millán, describe así su participación: "Ese concepto lo encontré en la propia propuesta curatorial: sacar de nuevo a la luz las obras de la colección o renacer de las cenizas como el ave mítico. La ceniza de las sillas quemadas por Shiota. Durante el proyecto Textum (2010-2015) grabé imágenes y voces de tejedoras de distintas culturas y lenguas: el telar como símbolo de la comunicación. Entre los materiales filmados y que se utilizan en la tejeduría, la ceniza está siempre presente para blanquear el hilo. Sacar a la luz, a-lumbrar, aclarar. Del hilo negro que envuelve las sillas quemadas al hilo blanco que filmé en una aldea del sur de Mali. Sacar y también salir a la luz. Está en la noción de Die Lichtung (el claro, el lugar despejado del bosque) como el lugar o estado de abertura donde es posible el ser dado a ver. Aunque por mis piezas seleccionadas por la comisaria es fácil comprobar que prefiero la idea zambraniana de claro como lugar de la escucha más que para la visión. O quizás: el espacio perfecto para la entrega del diálogo."

Pilar Millán es artista visual y reside en Berlín. Sus proyectos multidisciplinares se dirigen hacia las fronteras culturales, sociales o políticas, y sus consecuencias en nuestra sociedad actual. En la mayoría de sus proyectos dirige sus investigaciones a partir de mitos, como una arqueología de ideas trascendentales inherentes al ser humano y sus manifestaciones contemporáneas. Como artista europea, intenta reflejarlo sobre posiciones canonizadas occidentales desde una perspectiva transcultural. La obra de Pilar Millán se materializa en proyectos, la mayoría de ellos con base participativa. Se presentan generalmente como instalaciones que pueden combinar fotografía, vídeo, dibujo y pintura, objetos y audios. Con estas instalaciones crea espacios que profundizan con un lenguaje contemporáneo en capas de distintas narrativas.

Artistas: Monika Baer | Cynthia Cruz | Liza Dieckwisch | Frédéric Ehlers | Katharina Grosse | Svenja Kreh | Pilar Millán | Lila Rose | Chiharu Shiota | schwarabia import-export | Martina Wegener | Georg Winter | Amelie von Wulffen.

Museum für Neue Kunst. Marienstraße 10ª. 79098 Freiburg im Breisgau

http://www.freiburg.de/pb/,Len

http://www.pilarmillan.com

Imagen: Pilar Millán “Su peso en oro”, 2015, balanza para pesar hilos de 1837 de la antigua aduana barcelonesa en bronce, hilo de melhfa saharaui

 

MADRID. Paula Anta “Kanzel “ Galería Pilar Serra

16 diciembre 2017 – 26 enero 2018

Paula Anta es una artista de profunda sensibilidad que suele expresarse a través de la fotografía, fotografías de paisajes en los que interviene creando un vínculo entre lo natural y lo artificial, una alteración del paisaje muy sutil que parte de materiales naturales: piedra, arena, agua, polvo, pigmentos naturales o en algunos casos elementos como plástico, pvc, aerosoles que contrastan con el paisaje o con una naturaleza cada vez más desnaturalizada.

Anta ha ido realizando series fotográficas desde 2007: Palmehuset, Paraísos Artificiales, Rutas Negras, Edera, L´Architecture des Arbres, Hendu y ahora la Galería Pilar Serra presenta Kanzeln, una serie realizada en Alemania, dentro de un coto de caza de la localidad de Walterschen, en la región de Westerwald, una zona rural de origen volcánico en la que se encuentran zonas dedicadas a la agricultura y la ganadería, junto a frondosos bosques de robles, abetos y abedules. Kanzel  significa caseta de aguardo, en alemán, casetas construidas para la caza, comparables a una cámara oscura, una ventana desde la que observar, esperar, mirar; suelen estar situadas en función de los elementos de la naturaleza que la rodean, se tienen en cuenta el recorrido de los animales, sus escondites, sus camino, sus lugares de comida, de sueño, de descanso y también la densidad de los árboles, el fluir del viento, los ríos, los valles… La artista hizo un recorrido metódico de todas las casetas ubicadas en el paisaje, observándolas desde fuera, pasando tiempo en el interior, ante un paisaje poderoso, bello, silencioso, en una soledad que propicia el encuentro con nosotros mismos, y nos lleva a una reflexión sobre la vida y la muerte, sobre la belleza y la violencia, sobre nuestra relación con la naturaleza y con los animales, desde una posición de profundo rechazo al maltrato que supone la caza que en nada contribuye a la conservación ni a la protección del medio ambiente, ni es una forma válida de selección animal. Ojalá esas casetas no fueran ya nunca utilizadas más que para que la mirada se recrease en ese mundo exterior, en esa explosión de vida.

Paula Anta (Madrid 1977) Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid tiene asimismo título profesional de piano. Ha obtenido numerosos premios y becas, como el Premio Aena de Fotografía, el Premio de la Comunidad de Madrid en la feria Estampa, Mencion especial Combat Prize Livorno ( Italia), entre otros. Las becas le han llevado a residir en Roma, París y Francfurt. De 2005 a 2015 ha impartido numerosas clases magistrales y conferencias en la Escuela Superior de Comunicación Imagen y Sonido CEV, en Hochschule für Gestaltung Offenbach (Frankfurt), Universidad Cornell de Roma, Escuela Universitaria de Arte y Espectáculos TAI de Madrid, Universidad de Murcia, Universidad Francisco de Vitoria. Reparte su tiempo entre Alemania y España. (Pilar Serra press-release)

Galería Pilar Serra. Santa Engracia, 6 – Bajo Centro. 28010 Madrid, España

http://pilarserra.com

http://www.paulaanta.com

Imagen: Paula Anta “Kanzel”

BERLIN. Alvaro Urbano “Altbau” ChertLüdde Gallery

hasta el 27 enero 2018

La instalación de Alvaro Urbano, “Altbau”, evoca y distorsiona engañosamente los espacios genéricos que finalmente escapan a la inaccesibilidad, la falta de familiaridad y el abandono. La exposición se apropia completamente de tres historias en la galería. En el nivel del sótano, colillas de cigarrillos metálicos y hojas marchitas permanecen en el piso junto a una infraestructura inventada hecha de tubos de papel y pozos de ventilación de papel. Arriba, cajas de papel y cartón-hechas de metal como las letras, están esparcidas a través de una alfombra gris, debajo del techo de papel suspendido. Un corredor guía al espectador más allá de las puertas cerradas de la oficina. Arriba, en el ático, se acumulan cartas sin dirección debajo de la ranura de correo en la puerta de entrada. En las paredes, la colección de fondos de animación de Urbano de los 80, en papel de acuarela. Se exhiben en marcos tipo diorama que se curvan hacia adentro para crear un trompe-l'œil de profundidad. Su curvatura plana y su presencia genérica de papel se asemeja a los espacios de la planta baja, también son fondos para protagonistas no identificados.

En el universo de Urbano, la materialidad camuflada adquiere una existencia ficticia y el espectador se sitúa entre la representación de un espacio y la idea evasiva que hace que algo se sienta real. La instalación invita al espectador a intervenir como un protagonista ausente de esta oficina abandonada y sus habitaciones cerradas, y simultáneamente impide cualquier interacción. La instalación excluye y frustra a nivel de materiales: si tuviera que buscar rastros o información en una de las letras selladas, sus bordes de metal resistirían brutalmente. El papel es metal y la infraestructura es papel: la materialidad de la obra de arte crea su propia temporalidad ficticia que existe aquí y en otro lugar; un lugar que no se puede imaginar: el telón de fondo de una historia pintada, una caricatura o un universo de animación que podemos ver pero nunca entrar. Altbau de Urbano promete y retiene nuestra entrada en ese espacio en papel, detrás de la pantalla, dentro del metal sellado y más allá de las puertas de papel. Esto es lo que se siente al entrar y salir de la ficción. Texto de Natalie P. Koerner

Álvaro Urbano (Madrid 1982) La conexión entre la naturaleza y la ficción es el punto de partida de la obra de Alvaro Urbano. Durante los últimos dos años, los antiguos jardines de Florencia y Roma han sido el foco de su interés, en los que se presentan restos del pasado cuya procedencia, a ojos de los visitantes, queda envuelta en misterio. El espectador se enfrenta a una extraña sensación y la realidad se confunde con la imaginación. Las obras que Álvaro Urbano presenta en la exposición muestran una serie de hojas encontradas en los Giardini dei Mostri en Roma, hojas cuyos contornos evocan asociaciones con rostros deformados por muecas; de este modo el autor representa una vez más la siniestra connotación de una naturaleza que funciona según mecanismos propios. Mecanismos que para los hombres nunca fueron del todo comprensibles. (ChertLüdde press-release)

Bundeskunsthalle, Bonn, 2015; Festival of Future Nows, Neue Nationalgalerie, Berlin, 2014.

ChertLüdde Galerie, Ritterstr. 2a, 10969 Berlin, Germany

http://chertluedde.com

http://www.alvarourbano.com

Imagen: “Alvaro Urbano, Backalley, 2017; 30 elements: two pipes, window with bars and foil, 18 leaves, 9 cigarettes; Cardboard, paper, glue, foam, plexiglas, metal, paint, artificial light; Overall variable; Pipe: 252 cm ø 11 cm; Pipe: ø 4 cm; Window with bars: 86 × 107 × 10 cm”. Photography: Trevor Lloyd; Courtesy the Artist and ChertLüdde, Berlin

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