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BARCELONA. Dani García Sarabia “Más allá del Bosque” Fifty Dots Gallery

4 mayo - 1 junio, 2017
¿Qué esconden los bosques? ¿Qué ocultan bajo sus frondosas ramas y sus gruesos troncos? Cuando divisas un bosque desde su linde es imposible hacerte una idea de su magnitud, solo ves lo que sus primeros árboles, sus guardianes, te quieren mostrar y eso tan solo son unos escasos metros. No es hasta que te adentras en él, que no descubres el universo en el que te estás sumergiendo. La atmósfera cambia, los sonidos quedan amortiguados, el cielo es cubierto por el ramaje y la luz filtrada por las hojas adquiere una tonalidad única.

El bosque es muy caprichoso y jamás te dejará descubrir más allá de unos pasos a tu alrededor. Como si en una burbuja te encontraras, te irá mostrando y ocultando sus secretos a medida que vas penetrando en él, haciéndote perder la noción del espacio y tiempo transcurridos.

Los árboles se entremezclan para cubrir el campo de visión y troncos caídos nos barran el paso, aunque salvar estos obstáculos tiene su recompensa. Si paramos atención, cada rincón nos muestra un nuevo misterio que capta nuestra atención. Pequeñas puertas que nos trasladan a un mundo atemporal y primitivo, con una esencia mágica que casi puede palparse.

Dani García Sarabia (1978 Vive y trabaja en Barcelona). Hablar de Dani García Sarabia es mostrar a un fotógrafo que busca en el paisaje más puro la esencia más primitiva que nos ofrece el hábitat natural. Las imágenes que capta con su mirada de artista aparecen llenas de contradicciones. Por un lado semejan cuadros dulcemente extraídos de la naturaleza y, por otro, están dotadas de un inmenso dramatismo que es capaz de transportarnos hasta espacios interiores casi ignotos. Bajo sus hábiles dedos la cámara juega de una manera extraordinaria para mostrar diferentes facetas de un mismo paraje a través del juego de la luz y de los matices o, incluso, de la ausencia del color. Y todo ello gracias a los altos contrastes que ofrecen los climas extremos. Es por ello que podemos decir, sin temor a equivocarnos, que las escenas retratadas bajo su particular y especial perspectiva a menudo encierran una sutil ironía o doble sentido que inspiran distintas reflexiones e interpretaciones. (Fifty Dots press-release)

Fifty Dots Gallery. Milà i Fontanals, 59. 08012 Barcelona

www.sarabiaphoto.com  http://www.fiftydots.com

Imagen: Más allá del bosque I. Dani G. Sarabia

DIÁLOGOS SIN PALABRAS 13. Diálogos sin Palabras 13. Ouka Leele / Soledad Córdoba

Inspirándose tanto en un surrealista Cadáver Exquisito como en las técnicas de apropiación de imágenes, “Diálogos Sin Palabras” adopta la forma de una conversación para producir una nueva secuencia de significados e interpretaciones posibles a partir de imágenes de fotógrafas españolas contemporáneas. La suma acumulada de estas imágenes en la secuencia se podrá convertir en un encuentro seguramente impredecible……

Diálogos sin Palabras 13. Ouka Leele / Soledad Córdoba

Diálogo 13, Ouka Leele

Diálogo 13. Soledad Córdoba

Ouka Leele. Nacida en Madrid en 1957, Ouka Leele es una figura clave en la escena artística de los años 80 asociada a la ‘movida madrileña’. Su técnica se caracteriza por pintar sobre fotografías en blanco y negro con acuarelas intensas y, a menudo, penetrantes. Su trabajo marcó una época y sigue siendo relevante, como pone de manifiesto su inclusión en las colecciones e instituciones como entre otras el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Instituto Cervantes de Lisboa o la Fondation Cartier en París. Ouka Leele recibió en 2005 el premio nacional de fotografía.  www.oukaleele.com

Soledad Córdoba (Avilés, 1977) es una artista que utiliza la fotografía como medio para representar nuevas realidades y como herramienta para arrojar interrogantes sobre la existencia del ser humano. Su obra se centra en la idea de transcender la realidad a través de la poética de la imagen con fotografías despojadas de su particularidad, lugares, escenarios y personajes (autorretratos) sustraídos de toda definición objetiva pero sí convertidos en signos, nodos y enlaces por un universo que se desprende de la realidad y que se fusiona con lo imaginario, lo poético y lo evocador.

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Su trayectoria artística está avalada por diversos premios de Fotografía y Artes Plásticas cabe resaltar entre otros, el primer premio de Fotografía El Cultural del diario El Mundo, el primer premio de Artes Plásticas de la Fundación Universidad Complutense y el del Certamen Jóvenes Creadores del Ayuntamiento de Madrid. Su trabajo está presente en numerosas exposiciones individuales y colectivas de ámbito nacional e internacional. http://www.soledadcordoba.com

“Diálogos Sin Palabras” está protagonizado por el punto de vista y enfoque femenino. Todas las autoras invitadas a participar están en estos momentos contribuyendo a promocionar y hacer perceptible internacionalmente la fotografía española actual realizada por mujeres.

Participantes: Alejandra Carles-Tolrá.- Marta Soul.- Beatriz Moreno.- Bego Antón.- Berta Jayo.- Diana Coca.- Eva Diez.- Gisela Rafols.- Irene Cruz.-.-Alejandra López Zaballa.- Montserrat de Pablo.- Soledad Córdoba.- Ouka Leele.- Patricia Esteve.- Lidia Benavides.- Isabel Muñoz.- Marta Corada

Moderadora “Diálogos sin palabras”: Blanca Mora Sánchez

quepintamosenelmundo.com

VENECIA. Antoni Abad “La Venezia che non si vede” Catalonia en la 57ª Bienal de Venecia. Cantieri Navali de Castello

13 mayo -  26 noviembre, 2017

“La Venezia che non si vede” es un proyecto de Antoni Abad, comisariado por Mery Cuesta y Roc Parés. El proyecto se basa en un mapeado sonoro de la ciudad de Venecia a través de tablas sonoras que se registran en la app Blindwiki. Esta interpretación sensorial de la ciudad de los canales se hace colaborando con personas ciegas o con baja visión, que utilizan los sentidos de una manera diferente. Mediante el intercambio de experiencias y dificultades que tienen estas personas en su vida cotidiana, se desvelan formas urbanas menos evidentes y se traza un nuevo mapa del territorio público útil para todos. La presentación ha corrido a cargo del artista y los dos comisarios junto con el director del IRL, Manuel Forcano, y el consejero de Cultura, Santi Vila. 

Antoni Abad trabaja con comunidades digitales en que los teléfonos móviles tienen un papel importante como medio de comunicación social y elabora una cartografía sonora y geolocalizada de Venecia a través de la app BlindWiki creada para las personas ciegas, pero accesible para todo el público desde un teléfono móvil. La aplicación permite registrar y publicar impresiones sobre cualquier lugar de la ciudad y escucharlas en cualquier momento: una red ciudadana que mejora los servicios a la comunidad y al mismo tiempo se convierte en una red internacional para compartir experiencias, historias y pensamientos sobre todo lo que no se ve.

De forma paralela, para acercar al público a la BlindWiki, Abad ha dirigido un documental que ha realizado Daniele Zoico -con subtítulos en italiano, inglés y audiodescripción en italiano e inglés - que se proyectará en el espacio expositivo.

El proyecto también incluye la publicación de un cómic táctil, con diseños en relieve de Max (Francesc Capdevila, Premio Nacional de Cómic de España, 2007) y con un guión creado con la colaboración de participantes ciegos, bajo la dirección de la co-comisaria Mery Cuesta. Producción: Institut Ramón Llull. (I.Ramón Llull press-release)

Evento Collaterale della 57. Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia. Cantieri Navali de Castello 

http://blind.wiki  

http://www.llull.cat http://www.labiennale.org

Imagen: Ovvero *Venecia, Italia 2017-05-05 15:36:06 #cultura.  BlindWiki.

 

PARIS. Esther Ferrer, Daniela Ortiz & Xose Quiroga "Tous, des sangs-melés". MACVAL, Vitry-sur-Seine

21 abril – 03 septiembre, 2017

La exposición colectiva "Tous, des sang-mêlés" gira en torno a la cuestión universal y candente de la identidad cultural. Esta propuesta original se hace eco de los proyectos curatoriales anteriores llevados a cabo por el MAC VAL durante los últimos años.

En sintonía con la actualidad global, esta exposición explora la noción de identidad cultural a través de diversas visiones y experiencias artísticas: ¿cuál es nuestro denominador común? ¿Cómo construimos una cultura compartida a pesar de nuestros orígenes cada vez más diversos? Esos son algunos de los problemas globales actuales. Bajo el co-patrocinio del historiador francés Lucien Febvre y su libro We are all mixed-bloods: un manual sobre la historia de la civilización francesa (1950) y el de Stuart Hall, padre fundador de los Cultural Studies, esta exposición realza el concepto de identidad cultural.

A través de la voz de unos sesenta artistas internacionales y alrededor de cien obras de arte, la exposición investiga temas de identidad cultural, nacional y sexual. Todas ellas giran alrededor de la noción de ser, y sin embargo, algunas son obvias, otras plantean, a menudo, debates apasionados, siempre políticos , y otras, recuerdos del pasado, la sensibilidad, las experiencias y la existencia misma, desde el instinto de supervivencia hasta la noción de estar viviendo juntos.

Nacida en 1937 en San Sebastián, Esther Ferrerha vivido y trabajado en París desde 1970. En 1999, representó a Francia en la Bienal de Venecia.
En 1967, Ferrer se unió a ZAJ, un grupo fundado en 1964 por Raymond Barce, Walter Marchetti y Juan Hidalgo. Ferrer siguió siendo un miembro fiel hasta la disolución del grupo en 1997. ZAJ se fundó durante la dictadura franquista y estaba influenciado por la obra de John Cage, Marcel Duchamp, y el movimiento Fluxus. Sus miembros eran partidarios de actuaciones radicales y experimentales en los que la música jugaba un papel importante. Ya sea en colaboración con ZAJ o en sus actividades más personales, Esther Ferrer figura emblemática de la performance, el medio sobre el cual la mayor parte de su trabajo se basa, pero también crea fotografías reelaboradas, vídeos, instalaciones, modelos y objetos. Estas obras están siempre marcadas con un espíritu minimalista y un rigor extremo. estherferrer.fr  

Daniela Ortiz  investiga cómo la raza, la clase, la nacionalidad, el género y la etnicidad se relacionan con las historias coloniales y la migración contemporánea, particularmente considerando la conexión entre las estructuras de poder, la identidad, las narrativas eurocéntricas y la subalternidad. Sus proyectos abordan la articulación de leyes hegemónicas, éticas, ideologías y moralidades con la subjetividad personal y la conciencia colectiva, y toman la forma de conferencias, fotografías e instalaciones. Colabora generalmente con las personas que participan en sus obras, empleando tácticas asociadas con el activismo. Su práctica busca provocar la transformación, centrándose en el valor de uso del arte. daniela-ortiz.com

Xose Quiroga(Ourense, 1979) es licenciado en Derecho y técnico superior en fotografía. Su trabajo pretende generar espacios de tensión donde se exploran los conceptos de raza, clase social, nacionalidad y género para mostrar el comportamiento social como una estructura basada en la inclusión y la exclusión. xosequiroga.com(MA VAL press-release)

MAC VAL - Musée d’art contemporain du Val-de-Marne. Place de la Libération
CS10022 . 94407 Vitry-sur-Seine. Paris.  http://www.macval.fr  

Imagen: Esther Ferrer

AMÁN. “Antonio Altarriba y el cómic” Galería F.A.D.A. 317

11 mayo -  11 junio, 2017

por el Instituto Cervantes y la Embajada de España en Jordania, Antonio Altarriba, inaugurará una exposición que recoge 40 obras originales de sus últimos tres libros de comic. También realizará unos talleres con dibujantes jordanos en colaboración con la Galería F.A.D.A. 317 y una mesa redonda con artistas jordanos sobre el significado del cómic en la cultura ‎europea como manifestación cultural.

Antonio Altarriba es un ensayista, novelista, crítico y guionista de historietas y televisión español. Ejerce, además, como catedrático de Literatura francesa en la Universidad del País Vasco. Es autor de numerosas historietas, novelas y ensayos. Obtuvo el Premio Euskadi de Literatura en 2002 con su novela La memoria de la nieve, y multitud de premios, incluyendo el Nacional del Cómic por el libro El arte de volar.

Esta actividad, coorganizada con EUNIC-Jordania y la Delegación de la Unión Europea en Jordania, formará parte de las actividades celebradas con motivo del Día de Europa. (I. Cervantes press-release)

F.A.D.A. 317 (Amán). Jabal Amán, Primer Círculo. 11182 Amán. (JORDANIA)

http://www.antonioaltarriba.com  http://aman.cervantes.es

Imagen: El arte de volar. Antonio Altarriba

MARACAIBO. Alicia Kopf “Ice Blink” Museo de Arte Contemporáneo de Zulia

22 abril - 2 julio, 2017

El Museo de Arte Contemporáneo del Zulia presenta con el apoyo de la Embajada de España en Venezuela el programa expositivo Correspondencias de Ultramar que se inicia con la muestra “Ice Blink” de Alicia Kopf.

En  “Ice Blink” la artista acompaña las expediciones de la llamada edad de oro de la exploración polar, las que tuvieron lugar en los albores del siglo XX, y libreta en mano, recolecta reflexiones y bocetos, como hicieran antes tantos otros artistas que acompañaron a las expediciones científicas que desde finales del siglo XVIII tuvieron lugar. Sin embargo, este ‘cuaderno de bitácora’ guarda algunas particularidades: a diferencia de lo esperado, la naturaleza de sus dibujos no es documental, ni tampoco rica en detalles. Contrariamente, se caracteriza por un voluntario esquematismo que la propia artista califica de naif. Asimilada la iconografía de las exploraciones y conquistas polares después de lecturas varias, su interés reside en depurar sus dibujos y su afán, en la elaboración de un contenido de síntesis.

Alicia Kopf (Girona 1982) Vive y trabaja en Barcelona. A partir del ejercicio del dibujo y la escritura, Alicia Kopf reflexiona en torno a temáticas aparentemente individuales que se han convertido en preocupaciones generacionales. La dimensión expresiva de su obra se vincula a su formación en Bellas Artes y en Literatura Comparada, formación que le permite acercarse a temas tan diversos como la precariedad de la vivienda o la épica de las exploraciones polares desde una posición que combina admiración y distancia irónica.

La obra de Alicia Kopf parte de una metáfora, que le permite realizar un ejercicio de análisis que conducirá finalmente a diferentes asociaciones. De esta manera, en su proyecto Articantàrtic, a partir de la apropiación y reelaboración de documentos gráficos y narrativos de exploradores de los polos, Alicia Kopf convierte un relato histórico en un relato en primera persona sobre la resistencia, la obsesión y la idea de conquista.

El ciclo Correspondencias de Ultramar incluirá cuatro exposiciones que bajo la curaduría de Patricia Hambrona pondrán en diálogo artístico y literario, a un artista español con otro artista venezolano, en la intuición de que existen intereses y maneras de hacer comunes entre ellos. A lo largo del año 2017 con la participación de artistas emergentes españoles y venezolanos, en asociación con la Sala Mendoza (Caracas) y el MACZUL – Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (Maracaibo). (MACZUL press-release)

Museo de Arte Contemporáneo del Zulia. Prolongacion Cecilio Acosta Calle 67 con Avenida Universidad, Avenida Universidad, Maracaibo 4001, Zulia.Venezuela

maczul.org.ve    www.galeriajoanprats.com/es/alicia-kopf

Imagen: Endurance, 2013. Video, 10’50’’. Alicia Kopf

 

HONG KONG. Joan Cornellá “Exposición individual sobre Hong Kong” Gallery 27

6 – 21 mayo, 2017

Gallery 27 y Factotum Productions se complacen en presentar conjuntamente esta exposición individual del artista de Barcelona Joan Cornellà. Es la segunda exposición del artista en Hong Kong desde su exitosa presentación el año pasado, y por primera vez presenta una serie de nuevas obras inspiradas en la ciudad de Hong Kong

Joan Cornellà Vázquez (1981, Barcelona) es un caricaturista e ilustrador famoso por su inquietante humor surrealista y cómics de humor negro.

El trabajo de Cornellà se ha descrito a menudo como ofensivo perturbador o plano. A través de un lenguaje visual simplista, puede usar la sátira para comentar sobre el lado siniestro y a menudo triste de la naturaleza humana a través de una mirada a escenarios poco convencionales. Todo, desde nuestra conexión antinatural a los medios de comunicación social y la cultura selfie a temas políticos como el aborto, la adicción y las cuestiones de género ningún tema está fuera de sus límites.

A primera vista, el trabajo de Cornellà parece alegre y juguetón, sus figuras comparten una sonrisa genérica en blanco y una brillante paleta de colores alegres (similar a la publicidad de los años 50 o folletos de seguridad de aerolíneas) Sin embargo, tras una inspección más profunda, la abrumadora morbosidad y la naturaleza desconcertante brillan con fuerza incomparable. El humor negro, en su esencia, trata de satirizar temas que tradicionalmente están prohibidos, cosas que se consideran demasiado sagradas o fuera de los límites. Cornellà se burla de esos temas que ilustran escenas de canibalismo, infanticidio, asesinato, suicidio o amputación. Mientras algunos se sienten ofendidos por sus obras, muchos conectan con él, riéndose y sintiéndose mal por reírse todos al mismo tiempo.

Conmovedora, honesta e increíblemente entretenida, la obra de Cornellà es verdaderamente sincera y tiene una potencia real en su mensaje, incluso cuando está disfrazada por un humor descarado. En las propias palabras del artista: "Creo que todos nos reímos de la miseria. Debemos partir de la idea de que cuando nos reímos, nos reímos de alguien o algo. Con empatía o no, siempre hay cierto grado de crueldad. A pesar de eso, soy consciente de que si uno de mis dibujos animados sucediera en la vida real no me reiría en absoluto". (Factorum press-release)

Space 27.Tung Chong Factory Building. 653-659 King’s Road, Quarry Bay
Hong Kong

http://factotum-productions.com  http://www.joancornella.net

Imagen: Joan Cornellá

 

SAO PAULO. Sara Ramo “Para Marcela y Otras” Capela do Morumbi

8 abril – 8 septiembre, 2017

Sara Ramo, tres veces nominada para el Premio PIPA, dice que fue una cuestión específicamente brasileña lo que la incitó a producir "Para Marcela y Otras": la violencia contra travestis y transexuales. "Brasil es el país del mundo con más violencia contra ellos. Me sentí desafiada a presentar una protesta" y añade la artista que la instalación que se abre en la Capilla de Morumbi, es, sin embargo, al mismo tiempo, un homenaje."Es un trabajo muy sutil y poético, que requiere la atención y la reflexión del espectador". "Las personas se relacionan estrechamente con las paredes y la arquitectura de la capilla"

Sara Ramo Madrid, 1975.Vive y trabaja en Belo Horizonte, Brasil. Las obras de Sara Ramo encierran mucha fuerza poética en modestos marcos. Los temas que ocupan a esta artista parecen, al principio, relativamente sencillos: el espacio y lo que pueda (o no) contener, así como la preocupación por la dualidad del orden y el desorden. Y como Sara Ramo señala, "la imagen está destinada a ser algo más que mi propia vida personal: se trata de la vida que todo el mundo lleva". De acuerdo con Sara Ramo el espacio, y el orden, tanto interior como exterior, son precariamente equilibrados para todos nosotros. Comisariado: Douglas Freitas (Pipa press-release)

Capela do Morumbi. Avenida Morumbi, 5387 – Morumbi. Sao Paulo

http://www.pipaprize.com

Imagen: Sara Ramo

 

VENECIA. Jordi Colomer “Únete! Join us!” Pabellón de España. 57ª Bienal de Venecia

13 mayo – 26  noviembre, 2017

“Viva, arte, viva” es el título elegido por Chrisine Macel, comisaria para esta edición de la Bienal con el objetivo de dotar a los artistas de un papel protagonista en la invención de universos propios y la inyección de vitalidad en el mundo en que vivimos. El eje central de la Bienal es responsabilidad de los artistas en un mundo en convulsión como el actual desde una perspectiva positiva e innovadora. La innovación está representada no sólo por una selección de artistas jóvenes, sino también en un interés por redescubrir a aquellos que son desconocidos para el gran público por distintas razones, porque su tiempo no era el adecuado para valorarlos, porque fallecieron demasiado pronto para desarrollar una carrera reconocida o porque sus trabajos están dentro de áreas geográficas menos representadas internacionalmente como América Latina, Asia, Oriente Medio, Europa del Este o Rusia. Cada semana, durante los seis meses de la exposición, los artistas y el público participan en una mesa abierta (Tavola aperta) donde pueden comer juntos y dialogar sobre la práctica del artista.

El artista español Jordi Colomer presenta en el pabellón su proyecto expositivo“ ¡Únete! Join us! “, comisariado por Manuel Segade. Se trata de una “instalación de instalaciones” compuesta por una serie de vídeos, esculturas y el propio espacio entendido como una arquitectura total pero provisional. La instalación se organiza a partir del espacio central con luz natural, con la presencia de maquetas, prototipos, reproducciones a escala de esos movimientos, que incorporan igualmente objetos utilizados en acciones registradas en vídeo y que ritman el conjunto del pabellón.
En su totalidad conforman una visión a escalas diversas de un fragmento de ciudad susceptible de desplazamiento y en equilibrio precario. Las maquetas estarán realizadas con módulos de hojalata pintada y se verán permanentemente agitadas por ventiladores de gran potencia, como en la vibración continua de una ciudad excitada.
En las salas perimetrales se organiza un recorrido que el espectador será libre de transitar en uno u otro sentido. Estos espacios se articulan como una progresión de secuencias a partir de dos elementos: pantallas de proyección con vídeos y un sistema de gradas para su visionado. Tanto las pantallas como las gradas se estructuran en combinaciones seriadas que configuran ambientes también cambiantes, desde el visionado casi individual a la gran sala de múltiples pantallas de tamaños diferentes y gradas a alturas modulares que permitirán ofrecer puntos de vista diversos. (AC/E press-release)

Giardini La Biennale di Venezia

http://www.labiennale.org  http://www.jordicolomer.com

Imagen: L´avenir.  Jordi Colomer

BERLIN. Rubén Grilo “I am, etc.” Future Gallery

29 abril – 17 Junio, 2017

Rubén Grilo se aproxima al campo de las ideas desde una mentalidad cercana a la creación industrial. Su proyecto muestra material artístico que no es estrictamente obra acabada, sistemas de display que pueden ser obra e imágenes de consumo seriado cargadas de errores o gestos humanos.

Rubén Grilo se acerca a la idea de lo industrial. ¿Qué pasa cuando el punto de partida es artístico? ¿Qué pasa con los objetos industriales cuando dejan de serlo? Grilo propone miradas sesgadas que contienen una posibilidad crítica. La creación de modelos tridimensionales con errores y gestos humanos de base, la definición de productos imposibles y el cuestionamiento de los objetivos conceptuales de cada elemento son algunos de los ejes que vertebran esta exposición.
Rubén Grilo (Lugo 1981), vive y trabaja en Berlín. Las exposiciones individuales seleccionadas son "Solo", Nogueras Blanchard, Madrid (2017); «Prueba de concepto», Union Pacific, Londres (2016); 'Rubén Grilo', Fundació Joan Miró - Espai13, Barcelona (2015); 'Mit eigener Hand', Kunstverein Hildesheim (2014); 'Dibujos de Alien Control', V4ULT, Berlín (2013); 'La necesidad de la velocidad', CIRCA Proyectos, Newcastle upon Tyne (2013); 'Bioscope' Wilfried Lentz, Rotterdam (2012); 'No son todos graciosos, pero están en fila' 1646 (La Haya) o 'PowerPoint Karaoke', MARCO, Vigo (2011). Ha participado también en exposiciones colectivas en la Casa Encendida, Madrid (2017), el Künstlerhaus Halle für Künst & Medien, Graz (2015); Galerie Martin van Zomeren, Amsterdam (2013); Tatjana Pieters, Gante (2012); CSS Bard, Nueva York (2011); CGAC, Santiago de Compostela (2009), entre otros.
Grilo ha sido artista residente en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam (2011-2013) y Gasworks, Londres (2015) y ha recibido la beca Fundación Botín, Santander (2013), el premio ARCO de la Comunidad de Madrid (2016) , Y Premio Generación 2017. (Future gallery press-release)

Future Gallery, Schöneberger Ufer, 5910785. Berlin. Germany

http://futuregallery.org   http://www.rubengrilo.net

Imagen: Rubén Grilo

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